好的交流是实现人际关系和工作效果的关键。写总结时要客观公正，避免个人情感和偏见的干扰。广泛了解不同领域的总结范文，可以提升我们的综合素养和文化素养。
文学鉴赏论文篇一
摘要：文学鉴赏和文学批评实践课，有着不同于其它课程的特点和难度，在分析文学鉴赏和文学批评的性质、联系及其区别的基础上，实施“复述归纳、体悟阐释、分析评判、提升创造”四步走训练模式，可达到明辨相关概念、提升鉴赏和批评能力的目的。
对于中文系的师生来说，文学鉴赏和文学批评实践课，有着不同于其它课程的特点和难度。和其它纯理论课程相比，这门课不仅对师生的知识状况有着一定的要求，而且还要求师生同时必须具备具体的操作实践能力。对于学生而言，这门课不再是单纯的纯理论式掌握，不再只停留在“形之于心”的阶段，更为关键和重要的是怎样把所学知识和阅读作品的感受、体验、思考结合起来对文学作品进行鉴赏和评价，而这无疑是综合素质和能力的体现――所学、所感、所思、所读、所写，完美地结合起来才行。对于老师而言，不仅自己要有相关的知识和能力，而且通过讲解、引导和具体操作，把相关知识传授给学生，要把相关的能力在学生身上培养起来，而这涉及的不仅仅是专业素养，而是职业素养和专业素养的结合。所以，这门课对于老师和学生而言，都有着很强的操作性和实践性，都是一个不小的挑战。解决这些问题的难度，在民族院校中尤其显得突出，笔者根据自己上课的经验和体会，意欲从教师的角度总结、探索出一条行之有效且在民族院校中易于实施且便于实践的的授课策略。
工欲善其事，必先利其器。但是，对于我们而言，不是先让学生“利其器”，而是先让学生学会“用其器”。因为，对于学生综合素质和能力之“器”的打造和磨练，不是一朝一夕之功，在民族院校中尤为如此，也不是我们在本课程之内就能解决的问题。对于本课程而言，我们必须先让学生事先明白，我们用大学专业所打造的器皿，在本课程当中怎样使用。所以课程之初，我们必须讲解文学鉴赏和文学批评的性质以及两者的联系和不同之处，这不是老生常谈，而是很多专家和学者也都分辨不清的问题。而且，这些问题在我们给学生们所布置的历次文学鉴赏和文学批评写作的作业当中都有明显的体现。笔者对我校汉语系的历届学生布置形式和要求不同的文学鉴赏及文学批评作业，发现约60％的同学不知道文学鉴赏和文学批评的联系，近乎100％的同学不清楚文学鉴赏和文学批评的不同之处。大多数同学将文学鉴赏和文学批评写成了印象式和臆测式的读后感，还有很多同学将文学批评写成了文学鉴赏。虽然，地方民族院校学生的综合素质和能力可能逊色些，这方面的问题可能更为突出一些，但是这些问题的出现绝不是个案，据笔者的阅读经验，即使杂志上已发表的文学鉴赏和文学批评作品，这样的毛病也并不鲜见，可见课程之初讲解这些问题的重要性。在此，笔者就这个问题略表拙见，以期使问题清晰化，有益于课程之教学。
关于如何给文学鉴赏下个科学定义的问题，笔者同意吴俊忠先生的定义方法，但不同意他的部分结论，所以在引文中笔者没有取其结论部分，结论部分用省略号代之，他说“文学鉴赏的科学定义，首先要分清欣赏与鉴赏的区别(客观存在着欣赏与鉴赏的概念混用或通用的现象)，……；其次，要界定文学鉴赏、文学欣赏与文学批评之间的内在联系，……”笔者认为，“欣赏”一词不是一个学术用语，而是一个生活用语。语言学常识告诉我们，生活用语具有模糊性，不具有学术和科学用语的精确性，所以“欣赏”一词是一个含混概念，是指人们不刻意地抱有某种目的、观点、眼光，对事物进行随意的审美关照，但事实上没有人在“欣赏”时不抱有某种观点眼光和标准，这种关照一般不形成正式的发言和文字。并且“欣赏”的对象，可以是自然事物也可以是艺术品。而“鉴赏”要比“欣赏”严肃、认真、理性地多，且“鉴赏”的对象一般只指艺术品中的艺术因素，一般不牵涉更多更广泛的内容。所以“鉴赏”是指人们抱着某种目的、观点、运用既定的审美标准对艺术品进行审美关照和艺术上的分析与评判。所以，文学鉴赏，一般只是对文学作品的艺术审美关照和艺术评判。而文学批评则不同，除了包含有文学鉴赏层面的内容外，还必须树立和表述更多关于作品的外层标准以及依此对作品的评判和看法，比如文学作品的终极价值、社会意义、社会影响、人文关怀等等。如果说文学鉴赏主要是从艺术标准的角度来评判文学，那么文学批评则除此之外还必须有其它的标准来评判文学，比如社会历史标准、伦理道德标准、时代科学标准等等。所以，在文学鉴赏中我们一般只采用艺术方法和理论来进行鉴赏，而文学批评则需采用诸如社会历史学批评法、伦理道德式批评法、女权主义批评法、殖民主义批评法等方法和理论，具体采用何种方法与理论还要看我们批评的目的和既有观点、标准如何。除此之外，文学鉴赏中鉴赏者一般很少有自己的创造，而在文学批评中，批评者却可以在很大程度上发挥自己的创造性。文学鉴赏必须依赖于具体的文学作品，而文学批评则不然，在某种程度上可以有其独立的地位，正如批评家陈晓明所说“文学批评应该在创作实践中占据主动地位，这并不是说批评要去领导文学创作实践，而是批评始终有自身的文化／美学目标，它和创作是一种对抗性的关系，而不是相互抚慰，共同投机的关系。创作可以有它自身的目标，创作非常个人化的特征，使得创作总是顽强地逃离批评，创作不是简单地呼应批评，或者与批评毫无关联的情况随遇而安，而是在与批评构成的呼应逃离紧张关系中，两者的内在对抗性，形成文学创作实践和批评实践的革命冲动。创作每一次的背叛，都是对批评权力实践的质疑，它促使批评不断去探索新的起点，解决新的疑难，迎接新的挑战。”所以，我们给文学批评的定义是：文学批评是指人们在多样的社会和文化背景下，采用多重艺术的和非艺术的标准对文学进行评判和要求。文学鉴赏和文学批评的内涵虽然不尽相同，但两者之问的联系却非常紧密。文学批评要以文学的艺术鉴赏为基础，并且在此基础上有所提高，而文学鉴赏也不能完全忽略非艺术的评判，两者常常处于你中有我、我中有你的交融状态。对于初涉文学鉴赏和文学评论的写作者来说，弄清两者的联系和区别，才不至于在写作实践时将两者混淆。概念阐释清楚后，学生在上文学鉴赏和文学批评实践课的时候，在方法和操作上就会很明确，不会将文学鉴赏写成没有艺术标准的.主观臆想和主观感受，也不会将文学批评写成纯艺术式的鉴赏。这样，我们的文学鉴赏和批评实践课便拉开了序幕。不过，根据笔者的上课体会，我们还需要注意一个总的原则，那就是切不可操之过急，对于民族院校的师生来说更是如此，学生素质普遍较低的情况也决定了文学鉴赏和文学批评实践能力的培养需要分阶段、分层次进行，否则学生容易忽视某些重要的环节。分阶段、分层地次进行文学鉴赏、文学批评实践教学，有这样几个优点：对于教师而言，可以使课堂清晰有序，便于教师的表述和操作，能够保证教学质量；对于学生而言，一方面，他们在接受和训练的过程中有个由浅人深、循序渐进的过程，便于学习和接受，不至于茫然不知所措，另一方面，可以强化文学鉴赏和文学评论各个必须阶段的处理和实践能力，并为以后各个阶段的综合和取舍奠定基础。为了节省课堂时间和提高课堂效率，笔者提倡将文学鉴赏和文学评论合起来进行分阶段、分层次教学。行之有效的做法是：把文学鉴赏和文学评论写作糅合起来分为四个阶段，在这四个阶段中分别训练不同的能力，但必须同时兼顾到鉴赏和评论的联系及其区别。当然，阶段和层次的划分，不同的学校、师生可以采用不同的做法，这要根据学校、师生的实际情况而定。笔者是将杨守森先生的“四种形态”和“四重境界”说作为划分课堂阶段和层次的依据。杨守森先生认为“依据内容构成，文学批评大致可分为复述归纳、体悟阐释、分析评判、提升创造四种基本形态，依次相对应的是传播文学信息、丰富作品内容、探讨创作规律、开拓思想空间四重境界。”闭同样。我们可以将文学鉴赏和文学批评实践课分为“复述归纳、体悟阐释、分析评判、提升创造”四个阶段，相对应四种境界，我们评判学生在各个阶段表现的标准也便有了，那便是学生在各个阶段是否做到了“传播文学信息、丰富作品内容、探讨创作规律、开拓思想空间”。杨先生此文虽然是专对文学批评而言，我们可以将文学鉴赏也纳入到这四个阶段之中，而且将文学鉴赏写作纳入到第三个阶段进行专业训练。下面，笔者将四个阶段的关系以及具体处理和课堂操作办法简要叙述之，以期和各位老师探讨且能得到专家指点。
“复述归纳、体悟阐释、分析评判、提升创造”四个阶段是一个整体，其中，“复述归纳和体悟阐释”是进行文学鉴赏和文学评论写作的基础，这两个阶段与后两个阶段相比较为简单，我们可以在课时设置上有所减轻，但由于它是基础性的东西，所以我们万万不可忽视。在民族院校中，此环节的课时和实践训练比重也可适量加大，以弥补师生素质的欠缺和不足，为以后的各环节打下更为牢靠的基础。分析评判阶段是四个阶段中最为关键和重要的，它涉及到学生的写作在质上是否符合鉴赏和评论的标准问题，所以我们要在课时设置上加大比重，在讲解和训练上加大课堂投入，一定要让学生了解和学会运用相关的标准。分析评判的标准不外乎艺术的标准和非艺术的标准，在两个的比例上一定要取舍得当。我们之所以将文学鉴赏纳人到第三个阶段进行专门训练的目的也在于此。文学鉴赏离不开分析和评判文学的艺术标准，我们可将学生在文学课和文学理论上学到的相关艺术标准进行综述之，使之学会在分析和评判作品时选择相关标准。同时，我们也要讲解非艺术的标准，特别要强调非艺术标准的应用和尺度问题，因为相比较艺术标准，非艺术标准更为复杂，更带有主观性，而且在人类社会和文化的发展过程中，非艺术标准是参差不齐、良莠不分、清浊相混，在量上呈排山倒海之势的，如何选择与运用是个难度系数很高的问题，这也不仅仅是文学的问题，同时还涉及到世界观、人生观、价值观等诸多问题，稍不留神便会出现失误。所以老师一定要慎重讲解，要求学生慎重对待，要培养出自己“火眼金睛”般的眼光和识别力、判断力。另外，在这个阶段我们要把前面提到的文学鉴赏和文学批评的性质、联系以及两者之间的不同之处再次强调，因为这个阶段关系到写作的性质问题，学生写作的到底是鉴赏还是批评在这里就要分岭了。侧重艺术标准的便接近文学鉴赏，侧重非艺术标准或综合标准的便接近文学批评了。在这个阶段我们还要加大学生具体的实践和写作训练，可以采用课上训练、课下作业的方式来加强。第四个阶段是文学鉴赏和文学批评写作的升华阶段，它关系到写作是否精彩的问题。笔者认为，在这个问题上我们要有所强调，但不易涉猎过深，如果讲解和训练过深，效果可能适得其反，可能会使学生在课堂上得到的清晰结论变得模糊，学到的有章可循的写作方法变得“无迹可求”。在这个阶段，我们主要是为学生将来的发展提供一个线索、一个方向，大量的内容是学生在以后的人生或职业生涯中慢慢体悟和理解的，大量的准备工作是要在其它学科和学生的广泛阅读中积累的。
当然，在具体的课堂实践中老师和学生都还会遇到各种各样具体而棘手的问题，民族院校将会出现的问题可能更多，在我们所经历的实践训练课上，就出现了诸多问题，比如，学生平时阅读量太小、阅读面狭窄、写作基本功较差、基础理论课掌握不足等等，这些都会严重制约文学鉴赏和文学批评写作实践课的开展。但是，在这些问题当中，有些在我们的课堂上可以补充、强调、采取一系列的促进和加强手段。而大部分不是我们这门课程单独可以解决的任务，需要学校甚至社会和家庭的通力支持与合作，在民族院校中这方面的努力更应该着重加大投入，以弥补课堂上无法弥补的和普通院校学生相比而存在的不足，总之，文学鉴赏和文学评论写作，是多种能力和综合素质的体现，其中承载了大量社会的、人文的、历史的等等一系列内容，再加上它很强的实践性，使得这门课程无论对于学生还是老师而言都显得既重要又艰深。这也不是笔者一篇拙文就能解决的问题，还需要我们进一步探讨问题、总结经验，以期取得更好的方法，达成某种共识。
文学鉴赏论文篇二
徐妍(中国海洋大学文学院,山东青岛266071)摘要:在文学史研究与文学批评领域,董之林提供了一种回返本原的研究与批评范式,即在文化网络中对文学史和文学现象进行历史的研究、审美的批评。为此,董之林在治史观念上,试图以双向反思的方式探勘历史相关性的“缝隙”;在叙史方式上,试图以多种方法宽而微地体悟历史细节并审美叙述;在叙史主体的建构上,试图以守护方寸、反抗虚无的自我矛盾体确立一位学者在这个混乱时代的存在方式。
关键词:历史相关性;治史观念;叙史方式;叙史主体中图分类号:i206.09文献标识码:a文章编号:1674-5310-06-0019-07随着时间的推移,当代文学的历史记忆越来越丰富、驳杂,评价尺度也不断变幻、犹疑。尽管当代文学的历史记忆在史料探勘过程中被逐渐梳理、厘清,但那些曾经“被扭结”在当代文学中的诸多历史问题不仅没有远去,反而与当代文学的现实问题缠绕在一起,更加迫切地摆放在研究者的案前。如何在学科史层面重述当代文学的历史问题?如何通过当代文学的历史研究返观当代文学的现状与发展?如何对当代文学的特质进行历史的'、审美的评价?显然都是当代文学界亟需认真面对的问题。
正是在这个意义上,考察董之林的文学史研究与批评,别有意义。进一步说,董之林固然是以“十七年”小说为主体研究对象,但她的著述所关涉的问题却不局限在“十七年”小说本身,而是充溢了对90年代以后的文学史观、文学批评的标准及自我观念的重构的思考。由此,董之林的学术著作为中国当代文学史研究与文学批评提供了一种回返本原的研究范式:在历史的相关性中探勘“缝隙”、审美叙述与批评,并探索一位学者在这个时代的存在方式。
一治史观念:以双向反思的方式探勘历史相关性的“缝隙”90年代以来的当代文学史研究与文学批评十分明确地将我们曾经信奉的逻辑的、线性的历史观、文学史观作为质疑的对象。由“五四”所开创,并在80年代得到承继的宏大叙事体系在90年代逐渐解体,而酿成新世纪以来种种新动向竞相涌现的混乱时期。90年代以来,当代文学史研究与文学批评似乎已经摆脱了以往权威文学史观念的支配,但如何建立一种新的、有效的文学史观念,尚处于茫然状态。如何在“后现代”诸种消解的潮流中重建当代文学史研究与文学批评的价值体系?如何让那些飘逝的记忆在当下语境中得到更加深透的领会?如何让历史研究成为当下文学批评的另一种参照?这些困惑既内含了当代文学史研究与文学批评的困境与生机,也生成了董之林文学史研究与文学批评的治史观念。
文学鉴赏论文篇三
摘要：随着时代的发展，生态文学批评理论逐渐走入了大众的视野，并且已经受到了更高的关注和重视。在高校展开英语文学课堂教学工作的过程中，通过对于生态文学批评理论进行应用和探究，可以更好地对学生的生态意识进行培养，让学生正确地对于文学内容的价值进行对待，培养学生良好的学习意识，端正学生的学习态度，帮助学生形成客观、辩证的思想理论体系。
关键词：生态文学；批评理论；高校英语文学课堂；教学意义。
在高校英语教学工作开展的过程中，英语语言文学专业的课堂教学工作的开展，应该更加关注对人才思维和生态意识的培养，引导学生更多地对于文学作品进深入地分析。在英语文学课堂教学上，教师要有意识地引导学生利用自己的思想对于相关内容的价值进行判断，这样可以更好地提升学生的素质成长效果。生态文学批评理论的出现，起更加关注从生态问题的角度，利用文艺理论的方式展开批评，并且通过对文学艺术本身的精神、文化、社会等各方面生态的关注，达到对生态危机进行消除的目的。对于学术界来说，生态文学批评理论近年来受到了更多的关注，其对于文学作品的生态思想进行了揭示，同时也对于作品中思想文化进行了探索，关注对作品反映出的现实的思考和探索。
一、人文素养培养需求的实现。
现阶段，我国的.大部分高校，在专业课程设置的过程中，对于人文素养缺乏足够的重视和认知，往往更加关注对学生知识、技巧以及技能的培养，而对于学生情感、个性、需求的发展缺乏足够的重视和关注。与此同时，我们也能深刻的感受到，外界社会上，大学生本身面临着很多就业、生活、工作、人际交往等多方面的压力。这种内外部环境的影响，导致了大学生自身的理想、情感、心理方面产生了更多的需求，一部分学生面临着很大的精神压力和心理问题，存在着一定的心理方面的困境。而生态文学批评理论的出现和应用，起更加关注对学生人文素养方面的培养。在英语文学课堂教学的过程中，通过生态文学批评理论的角度，对于文学作品进行分析和阅读，学生可以更加科学、客观、全面地对于作品进行解读，了解现代社会的生态危机问题。学生自身的思维方式也可以得到更好地完善和成长，学生本身可以形成更加科学、正确的意识理念，对于爱情观、消费观、就业观等多方面的观念也可以得到正确地塑造。这对于帮助学生解决心理问题，提升学生的精神状态都是非常关键和必要的，是当前高校人文素养培养需求实现的一个重要举措。例如，对一些优秀的短篇文学作品进行阅读上，学生可以更好地认识到当代社会的心灵拜物化，精神空虚，迷茫的的思想，通过对作品的分析了解这种思想的成因，从而引发学生进一步的思考，帮助学生形成具备更高高度的人文意识。
二、更好地适应了学生的全面发展。
对于英语专业的学生来说，生态文学批评理论的引入，对于学生自身的成长和发展是至关重要的。在英语文学课堂教学中，生态文学批评理论的引入，可以让学生自身英语基础能力水平得到有效地提高，并且提升学生对于西方文化的了解深度。在英语文学中，很多知识内容的学习，都需要通过一定的迁移过程，来达到知识掌握的目的和内容。而生态文学批评理论在应用上，更好地促进了这一知识迁移的过程，学生可以更好地将注意力集中在对于原著内容的赏析上。生态文学批评理论的应用，符合当前生态文明建设的重要需求。在当前社会多种文化冲击下，学生自身很容易陷入一个思想和精神方面的误区，产生一定的不良心态。生态文学批评理论可以更好地对于这些负面的情绪和精神状态进行驱逐，同时打破物欲文化的枷锁。在现代社会高速发展下，很多人都存在一定的负面心理和情绪，生态文学批评理论的出现和应用，对于打破这一问题，促进人与社会形成和谐的发展关系具有强大的推动作用。
三、对学生观念意识的引导。
生态文学批评理论本身的角度是由生态批评进行入手的，通过独特的视角对于作品内容、人物、文化进行分析，起可以让学生对于这种内容的分析融入到自己的生活，形成更加独特的意识理念，从自我的视角来进行分析，帮助学生形成正确的思想观念。在日常生活中，生态文学批评理论对于学生爱情观、消费观、就业观等多方面的观念的形成，有着积极的促进作用。学生通过对生态文学的思想对于英语文学作品进行阅读分析的过程中，批评理论可以让学生自然而然地对于实际生活进行连接。例如，对于《瓦尔登湖》阅读中，教师就可以引导学生对于自身的体验进行融入，让学生感悟大自然和生命，了解大自然和人类之间的关系，并且通过相关话题，对于一些道德、生命等深度问题进行思考。与此同时，生态文学批评理论在应用上，可以融入更多对自然和生命进行关爱的思想意识，让学生对消费这一行为产生正确的认知和判断，并结合日常生活中的实际消费行为，对于一些不良的习惯进行思考，从而达到帮助学生形成正确的价值观念的目的。生态文学批评理论的应用，本身具有较强的实践价值，可以更好地完成对学生思想的引导，让学生感受到英语文学学习的必要性，从而提升学生参与学习的积极性和阅读的热情，这对于提升学生的学习效果是非常关键的。
结语。
总而言之，在当前生态文明的理念下，英语文学课堂教学工作的开展作为英语专业教学课程的重要组成部分，我们必须要深刻地认识到对于教学工作所面临的时代发展变化需求满足的重要性。通过对生态文学批评理论进行应用，可以让学生从全新的角度对作品进阅读，让学生逐步形成良好的生态意识。通过对生态文学批评理论的不断研究和探索，我们可以更好地培养学生自身的生态意识，让学生对于英语文学课堂学习有着正确的认知，提升学习预期，保证英语文学课堂的学习效果，提升教学质量，并且保障学生参与学习的积极性和热情。
【参考文献】。
［3］雷静．英美文学教学观念应如何与时俱进［j］．语文建设，2015（36）．。
作者：余茜。
文学鉴赏论文篇四
《名作欣赏》二零零六年六月号上半月刊刊发的彭运生教授的《古诗赏鉴四题》，在阐发了自己对四首古诗（或其中名句）的独特理解的同时，也对某些文学理论和文学批评的科学性发出了质疑。读过该文，感慨良多，禁不住也要对其中涉及到的一些问题发表点个人的看法，并与彭先生商榷。
一
读过彭先生的文章，最大的感受就是对文学鉴赏的主观性特点又有了鲜明而深刻的体认。
文学作品的意义，并非单纯来自于作家的赋予，很大程度上还取决于读者的阅读和接受。“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，这一为我们所熟知的名言正道出了文学鉴赏活动的主观性特点。而这并非只是经验之谈，二十世纪西方接受美学的创立者姚斯对此有深入的研究和分析。无论是接受美学的理论，还是文学鉴赏活动的实际都表明，每个读者在文学鉴赏活动中，都是从自己的生活经历、人生体验、性情气质、审美趣味以及价值观、艺术观等方面出发去看待作品的。面对以语言符号构筑的文学形象和意境，读者会充分发挥自己的主观能动性，调动起丰富的想象、联想能力，融入深邃的情绪情感体验，借助敏锐的感悟能力和一定的理性分析能力，通过对作品符号的解码，不仅在一定程度上复现、体验、理解了作品的内容和意义，而且还渗入自己的情感、思想、性情气质和人格精神，对原有的艺术形象和意境进行开拓、补充和再创造，见人之所未见，言人之所未言，从而使作品的意义“溢出”了作者原来设定的意义框架，产生出作者所意想不到的意义来。这就是对一部文学作品，不仅不同时代的读者，甚至同一时代的读者都会有不同的理解和阐释的原因。
彭先生在文章中，分别就四首古诗（或其中名句）质疑了同时代的其他几位论者的理解和阐释。如认为郭应德、过常宝的《中国古代文学史》对韦应物的《滁州西涧》的解释是“顺着天然信仰说出来的话与科学无关”；认为张世英先生在《新哲学讲演录》中对李白的《早发白帝城》的“艺术上的考证既不必要，也不合法”；认为王一川先生在《文学理论》中讲解杜甫的《蜀相》时“所言‘诗人不禁热泪涟涟’，不仅言之无据，而且似乎意味着此诗是诗人悲伤、无望心情的产物”。与此同时，彭先生以“在我看来”为引领，分别出示了自己对这几首古诗或其中名句的理解与阐释。然而，在笔者看来，彭先生的解释亦不过是体现了文学鉴赏的主观性的一家之言而已，并未真正实现其所追求的文学批评的客观性和科学性。如其对《早发白帝城》的“妙处”的阐释，尽管颇有逻辑性和哲理性，但仍不免使人困惑：“此诗内在雄辩地暗示了象征着‘高度’的‘白帝城’的价值”，这一结论从何而来？言之所据又在哪里呢？所以，尽管彭先生从“科学”出发“断然拒绝”考证和想象、联想这类“我们面对文学作品时的本能反应”，但事实却是，拒绝了考证的彭先生，却无意识地而又不可避免地落入了想象的陷阱，其充满个人主观性的作品意义阐释，最终让我们也只能把它当成是一种想象的结果而已。
这就启示我们，要充分认识到文学鉴赏的主观性特点，认识到“不同的读者在作品中投入不同的情与理，就会产生不同的审美接受和意义阐释，但任何一种阐释都有其存在的意义和价值，都有其合理性”（胡经之、王岳川主编《文艺学美学方法论》，北京大学出版社，1994年版,年版，第347页），，谁也不能说自己对某一作品的欣赏才是最正确的体验和最完美的解释（当然彭先生也并未如此说），而且正是不同的解释使作品的意义宽泛深远起来。
二
然而，肯定文学欣赏的主观性，并不意味着否定文学批评的客观性和科学性。因为，建立在文学鉴赏活动基础上的文学批评，与文学鉴赏虽然有密切的联系，但又有着很大的不同。文学鉴赏以对作品的审美体验、审美享受为目的，富于主观性、感受性和个人倾向性；文学批评以对作品意义和价值的审美理解、审美判断为旨归，要求具有客观性、科学性和不带个人好恶的公正性。而要保证文学批评的客观性、公正性，科学的批评方法是必不可少的。在此仅对彭先生文章中所涉及到的考证法和文本分析法做些必要的探讨。
关于文学批评活动中的考证法，彭先生是持反对意见的，认为“艺术上的考证既不必要，也不合法”。在他看来，“这样的考证，实质上是想到日常人生中去寻找艺术的本质”，这说明他不认为艺术的本质与日常人生有什么联系；可紧接着他又说：“而实际上，我们更多地只能通过艺术而理解人生的实质”。我们不禁要问：既然艺术的本质与日常人生无关，那么为什么我们又“更多地只能通过艺术而理解人生的实质”呢？从这自相矛盾的话语中，可以看出彭先生在艺术本质与日常人生的`关系问题上的认识还不甚明了，而这恰恰影响了其对考证法在文学批评中的必要性与合法性的认识。
另外，彭先生在分析《滁州西涧》一诗时说：“这首诗共有四句，但后两句本身是一件完整的艺术品。”并就“小舟缘何偏‘自横’？”给出了自己的答案。我认为，从文学批评的角度来看，其在方法上犯了断章取义、肢解整体的错误。任何文学作品，不管是一首小诗还是一部长篇小说，其作为一件艺术品，都是一个由各个构成要素有机统一而成的整体，作品的意义、价值也正存在于这有机统一的整体之中，如果将这一整体割裂开来，抽取其中的某一部分，并不顾其与整体中其他构成要素的内在联系而单纯地片面地加以分析和引申，所得出的结论便不会是作为整体的原作本身应有之义，而文学批评却要求我们尽可能客观、公正、科学地分析作品本身原有的内涵，并正确地指出其艺术价值和历史的、现实的意义。因此，如果以文学鉴赏而论，彭先生采用“摘句”法对“春潮带雨晚来急，野渡无人舟自横”两句所做的“妙处在于创造出了需要救助的弱者以及诱使弱者接受救助”的解释，还是可以作为体现了彭先生个人的性情、人格、思想、情感的一家之言而被我们玩味一番的（尽管我们可能也可以不表示赞同），但是，如果上升到彭先生极力倡导的“科学”的文学批评的高度来看，这种“只见树木，不见森林”的断章取义的批评方法，就只能因其“一叶障目，不见泰山”，与作品应有之义相去甚远而引起我们的不满了。
综上所述，我认为彭先生在其文章中多少混淆了具有主观性的文学鉴赏与具有客观性、科学性的文学批评的界限。其文章名为《古诗赏鉴四题》，这意味着此文是文学鉴赏活动的成果。然而，作者在文章中又多是在批评了其他论者的解析不是“科学”的文学批评的前提下来提出自己的见解的，这就暗示了彭先生本人的解释才应是符合他所说的“科学”标准的文学批评。但事实是，我们从中并未看到多少有科学根据的分析和结论，而且有些结论，如把《蜀相》一诗的“灵魂”归结为“对于死亡的厌恶”，说“此诗的妙处（即所谓悠长余兴）在于它内在的雄辩，具体说在于它对于死亡的消极价值作出的反复的隐秘论证”，不免让人感到匪夷所思。或许笔者过于愚钝，不能明了彭先生文章中“隐秘的论证或者内在的雄辩”，甚至对彭先生之文多有误解？那就只能深表遗憾和歉意了。
文学鉴赏论文篇五
文学，是一种用口语或文字作为媒介，表达客观世界和主观认识的方式和手段。当文字不单单用来记录（史书、新闻报道、科学论文等），而被赋予其他思想和情感，并具有了艺术之美，才可称为文学艺术，属于语言艺术。以下是为大家整理的关于,欢迎大家前来参考查阅！
摘要：随着科技的发展，现代化教学设备也越来越普及，电影、电视、图片等不同艺术形式也应参与到课堂教学，通过与文学作品的互读丰富教学形式，提高教学质量。更重要的是，文学课程要与应用型专业的专业特征相互协调与配合，实现双赢。
关键词：文学鉴赏;当代文学。
文本细读要达到预期效果，也需改变教师单纯讲授的课堂教学模式。讲授法是课堂教学经常采用的方法，通过教师的讲述、讲解、讲演，能在短时间内让学生获得大量信息，在传授新知识的早期阶段必不可少，帮助学生尽快掌握基本知识。但若一直以教师讲授为主，则对培养学生的自主学习能力十分不利。戏文专业的学生比中文专业的学生文学基础弱，很容易形成学生学习能力差的误解。其实不然。以鲁迅《狂人日记》为例，学生能够自主分析出“吃”狂人的有哪些人，但对这些人物形象的解读却感觉困难。这种茫然并非是智力问题，而是因为鲁迅的作品经常被安排在课程之首，学生此时还不懂文学批评的方法导致一时无从入手。但如果将文学鉴赏的方法单列出来讲给学生，必将枯燥无味，不如将方法以问题的方式融入到教学过程中。问题教学法是将知识以问题的方式呈现给学生，让学生在解决问题的过程中掌握知识、培养能力。文学鉴赏的过程也可以视为是一个提出问题、解决问题的过程。
在学习初期，通常需要教师设计问题，由浅入深，逐步引导学生主动参与、独立思考。后期则应逐步转变到学生提问题。教师安排学生课前阅读作品，让学生课前自主探究，课中将学生分为两组，一组提问，一组回答;或者一组将学习成果以学术报告的形式展示出来，另一组则提问质询。知识的学习之外，探究型的学习能培养学生的团队合作能力，讨论则提升了口语表达能力，若再以作业形式课后形成论文，亦可锻炼戏文学生较为欠缺的论文写作能力。现当代文学课程所面临的另一难题，是大量优秀的文学作品与有限的课时之间的矛盾。由此，授课过程中教师一定要注意“范例”效用。所选的作品应可起到范例的功能，授课过程中也应注意总结、归纳文学鉴赏的规律。以《沉沦》为例，解读潘先生时很多同学还不能注意到其“先生”的身份，之后再看“他”，则能很快注意到其“留学生”的身份，并由此身份入手对人物加以分析和评判;更有部分同学将这一知识分子形象与狂人、潘先生等知识分子形象相对比，反思现代史上知识分子的道路与命运，提高了运用知识的能力和水平。与传统教学方法相比，“现代教学方法的运用，要求确立学生的主体地位，以学生为本，强调教师的教法归根到底是通过学生主体活动来获得效能，着眼于充分发挥学生的主动性、积极性”。而正所谓授人以不如授人以渔，传统教学法与现代教学法的交互运用，是学生掌握文学鉴赏基本方法的有效手段。
对戏剧影视文学专业的学生而言，与研究能力相比，他们更希望得到提升的是实践能力。这也是他们对理论类课程兴趣不高的一个原因，是现当代文学课程的掣肘，却也是创新的切入点，若能发挥文学与戏文的双重优势，则将实现双赢。讲授与表演的结合，是现当代文学作品选讲课程可选用的教学方法。表演是戏文学生的必修课，也是他们的兴趣与特长，将表演带入课堂，截取文学作品中的精彩片段让学生表演并加以陈述，能够检测他们对作品的理解程度，也能活跃气氛，调动学生积极性。以巴金的《家》为例，可表演觉民逃婚后众人的不同反映，演完后开放“观众”进行点评。在互动环节中，对觉新帮觉民说话到底有几分真心等问题经常产生分歧，“演员”表演时对人物内心的揣摩与“观众”对人物的认识在碰撞中激发思考的火花，在讨论中加深了对人物形象的理解。表演的加入弊端在于所需时间较多，即便课前准备所耗费的时间不计，一节课时间学生表演加上点评与讨论，最多只能完成一到两个片段，很难全面铺开。若要实现全部学生的参与，所需课时量占的比重势必过多。当下社会，早就已经进入了“读图时代”，“标志着图像主因型文化取代传统的语言主因型文化。”图像文化的流行对于以文字作为表达手段的文学来讲是巨大压力，而当大众习惯于通过各种影像资料侧面了解文学文本时，误解与偏见也随之而来。但与其排斥，不如将影像资料引入课堂，化危机为转机。
影像之于课堂教学的负面影响也不能不重视，其一是限制学生的想象力，其二是难以体味文字之美。对于不喜阅读文字、只通过电影或其他艺术形式了解文学作品的学生而言，作品是以一种固化了的形象出现的，这就弱化了小说为读者留下的想象空间。再者，电影与文学作品毕竟是两种不同的艺术形式，在转化过程中存在不同程度的改编，一部分图像无法或很难展示的部分必然会丢失，其他内容也会经由导演或编剧的理解产生一些“误差”，或增或减或变。文学作品与影视作品之间的差异，正是戏文专业学生发挥其专业特长的空间。教师在课堂上可引入比较的视野，在对改编的评价中提升学生的艺术审美水准。同时，老师也可指导学生讲文学作品自己改编成剧本，表演并制作成短片，既考察学生的文学鉴赏能力，也提高了学生的实践能力。这也为文学与影视教学之间搭起了合作的桥梁，不同课程之间若能相互沟通配合，让学生既不必增加学习负担又能锻炼多方面的能力，可谓一举多得。中国现当代文学课程教学内容复杂，单一的教学方法通常很难较好地完成教学任务，因此要综合运用讲授、范例、问题、探究等多种教学方法，使之相辅相成。随着科技的发展，现代化教学设备也越来越普及，电影、电视、图片等不同艺术形式也应参与到课堂教学，通过与文学作品的互读丰富教学形式，提高教学质量。更重要的是，文学课程要与应用型专业的专业特征相互协调与配合，实现双赢。
参考文献。
摘要：审美教育是语文教育的重要内容，但是中职语文教育却存在忽视语文审美教育的倾向，如何培养学生正确的审美观念、审美理解力、审美鉴赏力和审美创造力是中职语文教育值得探讨的问题。
关键词：中职语文教学审美观文学教育。
中职语文课本中大部分的篇章均文笔俱美、感情丰富，可是由于考试指挥棒的约束，我们仅以讲述分析性的命题为中心，艺术欣赏很难渗入。这种教法由于没有从形象到抽象的真切体验，学生的学习往往是被动的，除在一定程度上应付考试外，别无收获。
审美化阅读教学的鲜明特点之一就是情感性。语文是最富有生命和情感的学科，语文阅读教学应该唤起学生对文本情感的内心体验，让学生感受到文本的各种情感。审美化的语文阅读教学应该成为热烈浓郁的教学情、学习情和各种丰富细腻的情感场。在阅读教学中教师应怀着对语文教学的爱，怀着对学生的爱，用富含情感的教学方法、教学言语实现教学目标。如教学《祝福》时可这样导入：“漫天大雪，爆竹声声。在现代文学人物画廊里，艰难地走出一位衣衫褴褛、面容憔悴、神色悲哀、白发蓬松、目光呆滞的四十岁上下的女人。那又瘦又长的左手提着一个装着破碗的竹篮，干枯的右手拄着一根下端开裂的长竹竿。她，就是祥林嫂——鲁迅小说《祝福》中的主人公，一个惨遭封建宗法思想和封建礼教迫害的旧中国农村劳动妇女的典型形象。今天我们就来学习鲁迅先生的《祝福》。”通过文学独白的方式，既高度概括出小说主人翁祥林嫂的形象，又营造出一种凄美之境，激起学生的审美热情。
审美感知力的培养方式主要有听和看，旨在让学生身临其境地领悟生活中的美。首先要重视朗读。朗诵教学是培养学生初步具备审美感知力的重要途径。朗读往往能激起学生的学习兴趣，促使学生积极参与，帮助学生理解作品，提高学生的审美感知力。朗读过程是了解和欣赏的过程，教师要启发培养学生美读，品味其情调，或情绪激昂，或豪放悲壮，或凄切哀婉，或伤感低沉。朗读能让学生展开想象，涵养美感。如教学《雨霖铃》与《念奴娇·赤壁怀古》时，可采用范读法指导学生把握好作品的感情基调，整体感知词的内容与词中所蕴含的人情美与深刻哲理。《雨霖铃》的感情基调格外低沉，词的上片描写了词人与爱人在深秋的傍晚依依惜别的情景，下片描写了词人想象别后羁旅生活的情状。《念奴娇·赤壁怀古》被视为宋词豪放派的代表作，应读得铿锵有力，表现出词人对历史战争场景的感怀与对英雄任务的敬仰，词末应进行低调处理，读得洒脱一些。其次要加强利用多媒体教学，运用幻灯、投影、录像、录音带、电视媒介等把文字作品变为具体可感的审美形象，提高学生的审美感知力。
著名的教育家普列汉诺夫说：“美则凭直感的能力而被认识。”文学作品是人类的一种特殊创造，它是按照美的规律创造的。所以，它本身便具有美的特性。在学习鉴赏活动中，当学生感受到某种美的事物、美的言行、美的情操时，就会产生一种兴奋、愉悦感，进而激起学生向往和追求美好生活、培养高尚情操的理想和愿望。如教学《沁园春·长沙》时，就可借助绚丽多彩的江南秋景展开想象，并用优美的语言散文诗般地表达出来。如“万山红遍、层林尽染”，由眼前岳麓山的枫林联想到祖国无数山岳中那一重重山、一层层树，让自然之神彩笔一抹，晕染得一片嫣红，比二月笑放的春花还要艳丽，比六月飘舞的彩霞还要绚丽。“漫江碧透，百舸争流”转化为散文诗：秋水澄澈，秋江碧波，眼前的湘江，时值秋季更加清澈晶莹，如碧绿的翡翠，又如透明的水晶。江面上千帆竞发，百舸争渡。静中有动，生机勃勃。这样通过想象和再创造重新走进艺术创造的境界中，真切感受到词中所描绘的雄奇伟丽景物的壮美，有助于我们进一步体会词中蕴含的革命者心灵的崇高美。
中职语文教师要积极引导学生发挥自己的能动性，激发自己的情感，发挥自己的联想和想象。德国著名文艺理论家莱辛说过：在艺术作品中，发现是美的东西，通常不是由眼睛，而是由想象力发现的。因此，想象力是创造美的基本前提条件。如教学《再别康桥》时，当我们读到“金柳”、“青荇”、“星辉”时，可以感受到徐志摩对于康桥的恋恋不舍;《赤壁赋》中“清风徐来，水波不兴”，可以体验到苏轼面对美景时的超脱情怀。所以说语文教材是一种很好的、能够帮助学生发现美的素材，这个素材中的自然、人物、历史、风俗等都体现出对于学生的审美教育的满足，让学生从中体会到或含蓄深沉、或热烈奔放的美，继而让学生体会到什么是真、善、美。学生的想象，就是对于美的发现和再创造的过程，学生的思维拓展的过程就是审美能力提高的过程，所以教师必须对这种行为给予鼓励，让学生更积极主动地发挥其对于语文学习的积极性和主动性，同时还要结合当地实际的教育情况，充分发掘和应用当地的教育资源，选取出当地优秀的文化传统，作为额外的文化美育资源，充当语文教学的鲜活案例，让学生在教师的引导下自觉地提高自己的审美能力。
总之，我们在课堂教学中要努力创设情境启发学生的思维，让学生在感性的基础上得到理性的提炼，并不断发挥主体的能动性，尽力捕捉新鲜而独特的情思。学生正是在这样的精神活动中发挥了自己的创造性，获得了审美的愉悦。逐渐将在作品中、意象中蕴涵着的美渗透到学生的心中，净化他们的心灵，提升他们的人格。
参考文献：
[1]李小琴.浅谈语文教学中的审美教育[j].新课程(教师版)，2010(8).
[2]潘伟志.新课改下语文教师课堂审美角色漫谈[j].教学与管理，2012(18).
[3]孟昭水.浅谈中职语文课堂教学与审美教育[j].中国校外教育，2013(4).
摘要：中国是一个历史悠久、幅员辽阔的文化大国，早在几千年前文字出现不久的时期，就有了各种类型的文献记载，包括历史文献、文学作品等，这些都成为了中国现今留存下来的非物质文化遗产。中国文学作品作为中国传统与现代文化艺术的具体体现形式，是作者通过人物性格和形象的刻画、环境及背景的描述、事情的叙述等来表述作者的内心思想或社会现实的一类文化作品，同时也是作者思维和想法的具体形式的载体。然而不同的文学作品给予读者的感受又不尽相同，在我国文学作品的流变中逐渐形成“雅”、“俗”两大类别，这两类文学作品都具有其独特之处。因此，文章从我国文学作品的雅俗概念着手，从文学作品的叙事特点、文体特征以及其语言风格等方面对中国文学作品中的“阳春白雪”与“下里巴人”的特性进行了详细的阐述。
关键词：中国文学作品;雅俗欣赏;阳春白雪与下里巴人。
引言。
中国是世界上四大文明古国之一，随着时间的推移与历史的沉淀，中国的文学作品层出不穷、类型多样，有诗集、词赋、小说、戏剧等不同文体。文学作品是作者表达自身情感或反映社会现状的一种载体，根据时代的不同可划分成古典文学作品与现代文学作品两种类型，而无论是哪一类别的文学作品，其写作的手法、表达的方式都有不同程度的雅俗性。为了能够更好地理解中国文学作品中的主题思想与作者的情感，对其雅俗性进行赏析和探讨十分必要。基于上述几点考虑，文章对中国文学作品中的雅俗的定义与关系做出说明，并结合文学作品中的叙事特点、文体特征及语言风格等几大行文特点对中国文学作品中的雅俗欣赏进行了阐述，详细情况如下文介绍。
1.文学作品中的雅俗概要。
1.1雅俗的概念。
雅俗是一对反义词，在中国文学作品之中是相对立而存在的两个概念，是在人们对文学作品进行广泛的、长期的研读之后，在文学领域形成的一类与作品的赏析和评鉴相关的专业术语。“雅”，即为优雅、美好的意思，用在文学作品的赏析中通常用来指代程度很高，相当于“极致”、“典范”等释义[1]。与“雅”相对应的即为“俗”，其在文学作品的赏析中通常用来代指该作品具有大众化、通俗易懂的特质。然而随着人们对文学作品的研究程度逐渐深入，在文学领域中对这些作品的雅俗的评价也逐渐演化为更为委婉的“阳春白雪”与“下里巴人”。
1.2雅俗之间的关系。
通过上文对“雅”、“俗”二字的释义以及在文学作品赏析中所代表的含义的阐述可知，当一部文学作品被称为“雅”或“阳春白雪”时，就说明该文学作品具有庄重严肃、传统、经典规范的特质，相反地，当一部文学作品被称为“俗”或“下里巴人”时，该作品的内容的描述通常较为平庸和通俗，或者不够新颖、流落俗套。由此可见，雅是代指文学作品不受低级趣味的局限，而俗则是代指文学作品落于俗套且缺乏品味或较为普遍化、大众化。另一方面，雅俗虽在所代表的含义与立场上处于相对面，却具有辨证统一的关联，且在特定情况下，雅俗可以互为转换，甚至在同一部文学作品中可以出现雅俗共存的现象。这是由于在文学作品雅俗的流变过程中，当作者们一味地追寻高雅时就会造成许多作品风格雷同，而那些通俗易懂、趋于大众化的作品反而脱颖而出，在这一特殊条件下，雅俗便本末倒置了。
2.中国文学作品中叙事特点的雅俗赏析。
在中国的众多文学作品中，叙事是许多作者通常采用的创作手法之一，其概念是指在作品中通过对事情的进展过程采用一系列的词汇和语句来对整件事情进行表述。
从叙事特点的角度来看，一部文学作品，无论是小说也好，戏剧也罢，其能称之为“雅作”，必然是作者在叙事手法上采用了独特的方式，或是站在独特的视角对整件事情进行阐述[2]。例如，在大多数叙事的小说作品中，文中通常是以第一人称即“我”的角度来描述整个故事的起因、经过与结果，且传统的中国小说中，阐述事情的视角较为单一，通常只有一个，这就容易使读者对整个文学作品产生片面的认知。因此，灵活的站在不同的人物角度进行叙事是体现作品雅的主要方式之一，如清代曹雪芹的小说《红楼梦》，从作品开端以旁白的角度对黛玉进府的事情进行叙述后，作者接连以贾府众人、王熙凤、黛玉等众人的视觉进行描述，从而将众人的外表与性格特点刻画出来，使读者产生开门见山的感觉，同时也体现了作品的灵活多变，从而表现出其“雅”的特质。
另一方面，在叙事的作品中，叙事的时间也是体现作品雅俗的另一重要成分。在通俗、大众化的文学作品中，作者通常采用顺序的方式进行描述，即按照事情发生的一般顺序来阐述，这类作品通常被称为“俗”。然而为力求新颖，达到“雅”的等级，许多作者在文学作品的描述中采用插叙、倒叙等方式，从而读者们不仅在其作品中看到主观性，还能充分体会到客观的特性。如鲁迅的小说《狂人日记》，作者就是按照主人公零碎的浮想而行文的，使读者在研读时充分体会到时间的跳跃、停滞、交叉等感受。
3.中国文学作品中文体特征的雅俗赏析。
文学作品的文体所涵盖的内容十分广泛，可以理解为作品的形式，包括小说、诗歌、戏剧等，也可以理解为作者行文的风格，包括议论文、散文、叙事文等。文体主要是对作者的思维结构和方式以及社会的历史背景等的一种体现，是按照一定的话语组成顺序所形成的文体格式，也是作者个性及意识的体现形式。
文体是文学作品的具体体现形式，早在我国封建时期，我国文学领域的学者们就将文学体裁进行了雅俗的区分，古人认为诗词歌赋是文学作品中高雅文体的代表，相对而言，戏剧、小说等则被认为是低俗的文学，难登大雅之堂。这是由于诗歌的起源悠久，且各统治阶级大力推崇诗词，而戏剧、小说等的发源时间较晚，难免受到歧视。
另一方面，随着时代的发展和人们观念的转变，现代文学领域对于文体的定义则有别于古人，在现代文学界中通常认为阐述社会现象及处事真理等的文学作品是为“阳春白雪”，而以叙述个人情感，尤其是爱情的文体是为“下里巴人”。例如，描写共产党员在抗战时期坚强不屈好品质的军旅文体的小说作品《红岩》相比于描写都市爱情的小说作品《悲伤逆流成河》，读者普遍认为前者更为高雅，后者更为庸俗。
4.中国文学作品中语言风格的雅俗赏析。
语言风格是文学作品的艺术体现形式，若是没有语言的支持，文学作品将无法呈现。在对待语言风格的问题上，需要充分将时代的发展趋势纳入考虑范围，从而创造出有感染力的新型文学作品。
由于戏剧起源于封建时期，通常在戏剧中，人物的对白及旁白的阐述通常是用文言文进行描写的，在古人认为是低俗文体的戏剧，随着现代社会对文言文使用频率的下降，而逐渐被看做是高雅的文学作品。相反，由通俗易懂、幽默风趣的语言风格组成的文学作品则被现代文学界视为庸俗之作[3]。然而被视为高雅的戏剧却远不如被视为庸俗之作的幽默风趣的小说受读者青睐，由此可见，语言是不断发展的，作者在创作文学作品时应避免语言风格过于雅正而脱离群众。
5.结束语。
中国文学作品是经历数千年的文化沉淀、流变而沿传至今的一类非物质文化遗产，是我国的艺术瑰宝，也是可以给予读者心灵慰藉的文化载体，对于陶冶读者的情操、提高读者文学素养等方面有着重要的意义。综上所述，文章通过对中国文学作品中的雅俗概念的阐述及各种行文手段的雅俗性的分析，为我国文学作品中的雅俗欣赏提供了可靠的依据。
参考文献。
文学鉴赏论文篇六
论文摘要：一个天经地义的观点是，文学批评就是关于“文学”的批评。不过回望历史，文学批评的发展与演变却呈现出一个从寄生于文学到逐步与文学相分离的轨迹。当今的文化研究是文学批评走向独立的新阶段，它可以脱离文学对象，甚至将文学边缘化。究其原因，是消费文化之取替文学文化为文化研究之独立地位的获得提供了历史的契机。
一个天经地义的观点是，文学批评就是关于“文学”的批评。不过回望历史，文学批评的发展与演变却呈现出一个从寄生于文学到逐步与文学相分离的轨迹。
在亚里斯多德的《诗学》里，文学批评主要体现为阐释文学的类型、体裁等文学的基本范型。《诗学》开创了文学批评，也奠定了批评与文学密不可分的关系。
中世纪流行文献学批评，主要围绕文学作品及典籍进行编注。文献学作为文法学的姊妹学科，具有修辞学传统，关注字词与风格，侧重文本细节，因而文献学批评没有产生对批评立场、原则或体系的追求。由于字词成为高度关注的领域，中世纪“经院哲学家们”被后人看作是在用字词编织学问的蛛网。弗朗西斯・培根在《学术的进展》一文中写道：“因此便产生了学术的第一个弊病：只研究字词，不研究内容。虽然我所举的例子是已过去的事情，但这类弊病一直存在，并将……继续存在下去。”这类批评寄生于典籍，当然也包括文学典籍，文献学批评对文史原典具有依存关系。
17世纪的古今之争，大量争论文学应该追求什么样风格，一直被当作典范的西塞罗的《演说家》中所归纳的三种演说风格，遭到质疑。人们放弃了西塞罗散文风格的模式，提出了“中性”语言等新的风格。但这种改变，并没有在框架上突破批评视域，仍然囿于语言风格的框架内，只是以新风格取代旧风格。
而法国古典主义批评，以布瓦洛提出的史诗、悲剧、喜剧、十四行诗、讽刺诗等都必须以古希腊、罗马作品为典范，必须符合三一律等准则。可以看到，古典主义的批评法则主要针对创作，仍然以作品为目的，但同时确立了批评法则的权威。
对批评法则的松动或反叛，发生在19世纪。浪漫主义批评是对古典主义统一的批评标准的叛逆，在批评史上形成了第一次“大混乱”，出现了各种有差异的批评。
浪漫主义批评的主流是个人体验式批评，代表人物有斯塔尔夫人、赫兹列特等。斯达尔夫人被认为是第一个采用个人才情体验批评的人，这指的是批评家力图再次亲身体验作家在作品中体验过的东西，这类批评家往往自身具有极强的才情，布莱指明它是“批评天才对于他人的天才存在的一种参与，建立在本人和他所钦佩的人之间至少是潜在的一种相似性上”。体验批评所确立的仍然是批评对文学作品的寄生关系，体现为文学批评作为一种次生意识对于原生意识所经历过的感性经验把握。
这种把握又分为两种情况，一是认同性的，即批评获得与文本一致的体验：批评家的批评建立在个人体验的基础上，而个人体验又依附于对原作的同情与激赏之中，批评家的性情常常与作家的趣味与感受具有一致性。这种认同批评构成批评家与作品之间的亲密无问的关系，批评家与作者形成共谋。批评家通过阅读，放弃自我，变成“各种状态的交汇地”(杜波斯)，批评家成为作家的场所，作家的灵魂在其中向批评家敞开。而另一种是距离型的，同样以作品为批评对象，但批评家与作品之间保持距离，批评不是共谋，而是纯粹的“俯瞰的凝视”(斯塔罗宾斯基)，批评与作品对象建立的是非同情的关系。批评家意识到自己与他的批评对象是分离的，克洛岱尔将这种情况总结为“理解而不赞同”，它不同于作品的诗性思维，批评是作家自我思想的表达。然而“认同批评”与“距离批评”并不绝然分开，如塔斯罗宾斯基所说：“完整的批评也许既不是那种以整体性为目标的批评，也不是那种以内在性为目标的批评，而是一种时而需求俯瞰，时而要求内在的凝视。”
然而，“距离批评”后来获得了进一步的发展，它渐渐融人到理性批评。与浪漫主义体验式主观批评主流相对的.是理性批评，包括由历史学方法带来的“新文献学”批评，即通过作品产生的条件解释作品；也有关注批评与读者关系的批评，如莱辛的《拉奥孔或称论画与诗的界限》；当然还有后期的勒南的自然主义历史批评，丹纳的实证主义科学批评等等。
这些导向了通常所说的始于19世纪的真正现代意义上的批评，也就是“批评”意味着理性分析与批判。文学批评从关注内心的感受式把握，走向了19世纪中后期的适应批判现实主义文学的社会历史批评，并上升为文学批评的主流。文学与时代、文学与社会现实的关系成为文论的新焦点，文学批评到19世纪中后期已经从主观感受式文论的丰富性逐渐归依到社会历史批评的单一理路与范式上来，并且这一范式获得了独尊的地位。这表明批评虽然始源于文学园地，但批评却可以成为自身，这是因为文学所拥有的不仅仅是审美，它有很大的社会、历史的关联域，批评可以是外在的。
到20世纪初，批评再一次打破独尊的单一社会历史标准而形成新一轮的“大混乱”：文学批评从尊崇社会历史本体的范式中走出来，转向语言本体、形式本体，进而带来了众多风格的批评同时并存的新格局。形式主义批评、新批评、结构主义以及符号学批评等流派都有各自的宗旨，但相同的是都告别了对文学的现实、社会、自然、时代、历史、道德、经济等“外部批评”，开始探讨文学内部的语言、形式与结构等。后来的精神分析批评，现象学主题批评也随之盛行。加上上一阶段的社会历史批评在这个时期又产生了新的分支：有关注文学的社会意识形态的西方马克思主义批评；还有关注读者维度的接受美学批评，后来又有新历史主义批评，批评空前繁荣。
如果说l9世纪以前，批评指向文学或围绕文学，批评带有次生性质的话，那么，20世纪的批评，各个流派的宗旨都不约而同地转向建构自家的理论体系。批评不再像浪漫主义时期柯尔律治、赫兹列特等的批评融入文学、认同文学，甚至复制文学，或者说是对文学表达的表达。20世纪前半期的各个批评流派都具有鲜明的批评学科意识，批评表达自身，文学沦落到服务于批评、为批评表达自身所用的次席。作品阐释不是目的，建构批评体系成了批评的首要目的，文学成为了批评体系建构的原料场地。因此，20世纪前半期，批评已经开始走上了独立的道路，如果说最初它还没有完全独立于文学，与文学还具有相关性，那么这种相关性表现为文学是批评理论的言说场所或涉猎对象，尽管文学不再是目标。这种不将文学作品作为一个有机体对待，或者不以文学为目标的批评，引发了传统立场的文学研究学者的愤怒，因为在这类批评中，作品只是作为理论的单一注脚。譬如精神分析批评，不将《哈姆莱特》看作有机的作品，而是从中掠取符合精神分析学说的所谓恋母情结，以此作为对《哈姆莱特》解读的结论，这大概也算是圣伯夫的所谓不是一种同情、认同，而是觊觎他人财富，从中掠取所需的批评吧。
这些追求体系化与理论化的批评，追逐某种客观性，它的产生与文学的非主观化创作潮流具有一致性。自福楼拜开始，到新小说的“零度写作”，文学追求非主观介入的客观化叙述，也就是要实现文学创作中的主观性的零度。在这种背景下，批评的非内在化，或者说批评的外化就被推动到这样的程度，以至于反射的主体消失了，只有被反射的客体继续存在。批评变成了一面无个性的镜子，这使执著于作家创造性、激情、意念及主体风格等传统批评立场的文学研究者对当代批评产生了强烈的抵制情绪。然而，20世纪80年代后，解构主义引发的后殖民主义批评、女性主义批评、性别批评等新的“文化研究”的批评浪潮，使批评进一步脱离文学，因为有的批评纯粹谈论问题本身，以建构理论自身的体系为目的，甚至对文学的涉猎都可以不要了。文化研究关注少数族裔、女性等弱势群体，政治性批评成为了批评的主流与中心，而文学的审美批评不仅受冷落、遭排挤，甚至被取代。审美的自主性被瓦解，文学作品被这些政治性批评切割与肢解。面对愈来愈强劲的政治化的、独立化的、同时也是非审美化的批评浪潮，持审美批评立场的文学研究者非常焦虑。耶鲁学派的代表人物之一的布鲁姆，将女性主义批评、新马克思主义批评、拉康的心理分析、新历史主义批评、解构主义及符号学等统称为“憎恨学派”，因为这些批评流派重视的是社会文化问题，颠覆了以往的文学经典。当今流行的大众文化也是一支颠覆文学经典的力量。经典文学在“憎恨学派”的批评理论与“大众文化”的双面夹击之下，地位一落千丈，布鲁姆的《西方正典》以“经典悲歌”作为第一章的标题，可以看到经典的盛歌时代成为旧事。
耶鲁学派的另一代表人物米勒，在《论文学》中，对批评理论凌驾于文学的未来走势也有着伤感而清醒的认识。该书开篇的第一句话是“文学的终结近在眼前”，他提到“文学逼近死亡的一个显著的症兆，是全世界的文学院系的年轻教员都从文学研究转向理论、文化研究，后殖民研究，传媒研究，大众文化研究，妇女研究，非裔美国人研究等等，他们经常以更接近社会科学而不是过去所认为的人文科学的方式著述与教学，而他们的写作与教学常将文学边缘化或忽略文学，即使他们中很多都是在老式的文学史与文本细读中训练出来的”，“这是因为他们预感到了传统的文学研究正在被社会与大学管理宣布为过时的路途中”。米勒指出理论导致文学的衰落，他说：“文学理论的繁荣就是文学死亡的信号”，“理论注册了文学的行将就木”。
批评与文学的分化，现代批评与传统批评的分化，是有根由的。批评虽然一开始寄生于文学，但它一出现就是不同于文学的，批评与文学具有异质性。文学是感性的，形象的，可体验与参与的；而谈论文学，也就是批评，已经不是文学自身，它是概括的，逻辑的，理性分析的。用弗莱的观点表达的话，那就是文学是沉默的，而批评是说话的；文学不是学科，而批评是学科，弗莱说“文学并不是一门研究学科，而是供研究的对象”，“如果文学批评是一门科学，那么它显然是一门社会科学，如果说它只是到了我们的时代才发展起来，至少没有说错这件事的年代”。文学批评经过在文学场域的孕育，在20世纪与各门社会科学一道走上了独立。
从人文科学到社会科学，也就界分了传统文学批评与当代批评。爱德华・萨义德在比较福柯与布鲁姆时指出，前者关注的是一个“文化的世界”，而后者关注的是一个“艺术的世界”。作为艺术的世界，文学性精英主义的批评关注的是审美，布鲁姆明确提出“我认为审美只是个人的而非社会的关切”。而当今的文化研究et益取代了文学批评，在审美主义者看来，他们把审美降为了意识形态。然而，随着大学教学或文化机构的日益政治化与实用化，文化批评一定会更加关注社会文化现象，而不会停留于“审美的个人关切”。布鲁姆也认识到了“我们正在败退，并无疑地还将败退，这是令人沮丧的，因为很多优秀的学生将弃我们而去，另寻其他学科和职业，这种抛弃已随处可见”。这种没落感，是文学研究者或从传统批评走过来的学者的感伤，而站在文化研究立场的瑞安・毕肖普则描述为“到上世纪90年代中叶，文学研究已向文化研究俯首称臣”。(见本组文章的第一篇)两个阵营的人，表达的是同一个现实，然而感情色彩不同。
这种历史走向形成的主要原因在于，新兴的消费文化与机械复制时代的大众文化结束了文学文化为中心的时代，经典文学的美学给社会消费美学与日常生活美学让出了地盘，因此，批评就可以针对新的领域，可以不针对文学而进行批评。
罗兰・巴特的“文本”概念可以说是一个典型的体现，他以“文本”的概念取代“作品”，使得批评理论的批评研究对象走出了过去的文学艺术作品的范围，走出了文字作品的范围，而使身体、行为等各种对象都成为了批评与研究的对象，也可以说生活领域里的很多现象都是“文本”。这样，文学就只是“文本”中的一种文字文本，批评的领域与范围不仅扩大了，而且社会化与日常生活化了，由此产生新的批评，更接近社会科学。它的繁荣，对人文主义产生了冲击，同时导致了接近人文科学的文学以及相关的审美批评的衰落。文化研究正是对这种没有边界的新的批评的概括性表达，它是没有范围的，是无所不包的，也是没有固定对象与习用范式的，它打破了过去的文学以及文学批评的范式，与文学形成对抗，也与传统批评形成了断裂。站在传统批评立场的人，或者说拥有传统批评观念的人，都不喜欢后者不吸取批评传统，甚至抛弃从前寄生的对象而且凌驾于其上，同时又缺乏文学性，审美性，特别是缺乏对现实的超越性，将批评变成了与现实一体化的存在。因此，文化研究的铺天盖地，引发了文学批评与文化研究之间的论争，但客观地说，谁也挡不住社会的变迁，即就挡不住新的浪潮取代老传统。
如果我们回顾一下，正是作为戏剧的衍生物的电影，导致了戏剧的衰落，那么，我们今天同样能接受：曾寄生于文学的批评，一步步走向独立，到20世纪的文化研究，可以看作是独立过程的完成，它成为批评从人文科学迈向社会科学的分水岭。文化研究，不仅可以与文学说再见，甚至抛弃了审美批评传统。我相信，文学与文化研究的论争只是当下的热门话题，这个话题不属于未来。
文学鉴赏论文篇七
新课标中“指出要注重学生的全面发展，做到德智体美劳均衡”.艺术教育是其中的重要方面，音乐是一门课程，更是一门艺术。音乐有启迪智慧，促进智力发展的特殊功能。研究表明：常听音乐能提高人的想象力和创造力，发展思维。俄国的著名音乐家柴可夫斯基说过，“我们注重音乐的教育不是为了培养音乐家，而是要培养一个合格的听众”.由此可见，音乐的作用不仅仅是培养学生走上音乐这条道路，更重要的是培养学生的审美能力，和鉴赏能力。音乐赏析是音乐教育中的重要组成部分，是音乐教学中必不可少的一大支柱。
那么学生的鉴赏能力应该如何去培养呢？本人作为一名小学的音乐教师，结合平时教学的经验总结出如下几个方面，供各位同行参考，也希望各位提出意见和建议。
一、在课上多播放或演奏古典音乐。
在音乐课堂上，教师做的不仅仅是教会学生唱书本上所写的歌曲，还要让学生们多欣赏其他曲目类型，特别是一些古典的音乐。
古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。特别是一些名家的作品，如贝多芬的《英雄》（第三交响曲）、《命运交响曲》（第五交响曲）、《田园交响曲》（第六交响曲），肖邦的降e大调华丽大圆舞曲，降d大调圆舞曲“小狗圆舞曲”,升c小调圆舞曲，降a大调圆舞曲“离别圆舞曲”,巴赫的《勃兰登堡协奏曲》《马太受难曲》《b小调弥撒曲》等等。
古典音乐，已经是一个文化范畴的概念。是西方并逐步意味着全球的主流音乐的一部分。确实如此，时至今日，西方古典音乐如同摩天大厦，而它周边的是大片没有影响力的小房子。前后的差距使西方古典音乐已经可以用全球主流音乐，乃至为主流文化的代名词了。()古典两字已经不代表时间或者历史性，而是一个文化概念。由此可见古典音乐在音乐这一领域有着多么重要的地位。多听古典音乐对提高音乐鉴赏能力有着极大的促进作用。
二、把流行音乐引入课堂。
多年来，在音乐课的课堂上，教师讲的从来都是书本上的歌曲或者是其中推荐的曲目。而对于流行音乐却避而不谈，在当今的华语乐坛上的经典之作很少进入课堂之中。
流行音乐是一个时代的标志和烙印，如beyond的《海阔天空》《光辉岁月》等等，它已成为了一个象征，象征着那个时代的.流行符号，是华语乐坛经久不衰的神话。又如小虎队的《爱》《青苹果乐园》等，都是经典之作。如果在课堂上避开这些不谈是不能够培养全面的音乐鉴赏能力的，所以流行音乐引进课堂非常之必要。
三、了解相关音乐历史背景，体会音乐的内涵。
每一段音乐都有它的创作背景，都是对于当时时代的一种侧面的反应。如贝多芬等人的音乐就充满着文艺复兴时期的人文主义的色彩，beyond乐队是当时香港乐坛的象征，是90年代的流行符号。
在学生欣赏这些音乐时，听到的仅仅是旋律和歌词是远远不够的，音乐的真正含义除了词和曲，还有它所代表的时代背景。只有了解了这些藏在音乐深处的东西，才能真正读懂音乐，才能体会到音乐打动人的地方。
四、帮助学生赏析音乐。
小学生的欣赏能力有限，一些古典、高雅的音乐，他们还无法完全理解和欣赏，如莫扎特等人的作品，都有着极高的艺术成就。在学生们无法领悟的时候，教师就要帮助他们来欣赏。
比如，在音乐播放的时候告诉学生们哪部分的旋律是特别的，哪里有什么深刻的寓意，指出的部分让学生们着重的去聆听。在播放音乐结束以后，让学生们写出对这段音乐的看法和理解，字数不限，这样可使学生们更好地去思考音乐中的艺术成就和表达的情感，还有所反映的时代背景。写出自己的感想能使学生加深对所听过音乐的印象，可以防止课下的遗忘，从而达到提高鉴赏音乐能力的目的。
五、布置赏析作业。
在听完下次赏析音乐之前，教师要将同学几个人分成一个组，然后布置任务。预先告知他们下次要赏析的曲目是什么，然后几名同学作为一个团队，去了解这首曲子的作者、时代背景等信息，做到对下次赏析的曲子有一个大体的了解。这样以来在下次上课的时候就不会显得很仓促，不能很好地欣赏音乐。
教师还可以要求在下次上课的时候，某一个小组的同学给全班的同学介绍这首曲子的背景和思想感情。介绍的小组每次轮换，让大家都可以上台介绍。这样不仅可以让上台的小组准备的更加充分，也能让学生更好的了解自己所介绍的音乐，既能提高学生们对音乐的理解，又能促进团队之间的协作。对音乐鉴赏的能力有着极大的促进作用。
综上五个方面是我对于如何提高学生音乐鉴赏水平的看法，相信可以在很大程度上提高学生们的音乐鉴赏能力。在欣赏音乐的教学中，对学生的音乐欣赏进行了有意识有目的地培养和培养学生的想象力与创造能力。通过音乐欣赏丰富了学生的听觉感知，扩大了他们的音乐视野，积累音乐语汇，发展音乐思维，从而达到启迪智慧、陶冶情操、培养审美情趣的目的也大大提高他们的音乐欣赏能力。
音乐的教育不是为了培养音乐家，而是为了让学生们有一个良好的欣赏美的能力和良好的音乐素养。这样学生才可以成为有思想、懂情趣、有温度的人，这样学生才能在以后的人生道路上走得更长远、走得更稳健。
文学鉴赏论文篇八
“一个人绝不可以让自己心灵里的火熄灭掉，而是要让它始终不断的燃烧······梵高说。他是荷兰的后印象派画家，他是世界著名的画家之一，他英年早逝，37岁就结束了自己的生命，但是他对二十世纪西方的艺术世界产生了深远影响，他已成为了一个象征。《向日葵》作为他的作品之一，是何等的让人惊叹。
梵高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”梵高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的精神情感。梵高作画时，怀着极狂热的冲动，追逐着猛烈的即兴而作，这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。
当你注视这些向日葵油画时，首先注意到它们的外表，它们似乎从一个流向另一个。色彩是那样的明快，强烈地表达了向日葵旺盛的生命力。 用亮丽的黄色来表现盛开的向日葵，沉闷的褐色来呈显向日葵的萎蔫和死亡； 整个发展过程通过两个极端的对立面被表现出来。 也许这种特别的表现手法被采用在油画里；通过观查生命的各个层面， 以深刻的理解来表达所有生命是如何联系在一起的。梵高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵。花蕊画得火红火红， 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般。画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃烧的生命，画家赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。有人说这是“梵高的向日葵”，因为那是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，就如同没有曹雪芹就没有《红楼梦》一样，没有梵高就肯定没有梵高式的《向日葵》。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。梵高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样：“关于‘艺术’一词，我找不到比下述文字更好的阐释：艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。
作为一位用生命创作的画家，梵高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。天才的艺术家往往能在某个领域树立起划时代的艺术高峰，后人只能膜拜，绝不可以企及，梵高亦是如此。《向日葵》可以说是梵高的化身了。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如像向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。
《向日葵》是世界最名贵的二十幅画之一。梵高作画时，怀着极狂热的冲动，追逐着猛烈的精神保留至今。后来的法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20 世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。他对西方20 世纪的绘画艺术产生了深远而又广泛的影响。《向日葵》可以说是融入了梵高的生命。模糊的，隐约的，朦胧的，说不清道不明。梵高的生命力，也许一样充斥了这种忽隐忽现的，说不清道不明的感觉吧。强烈的思绪，也许自己都未曾发觉，并没有刻意去雕琢，而生命灿烂的气息就在不知不觉中弥漫画布，最后，会诧异自己笔下的那些舞蹈的色彩，舞蹈着的对生命渴望，舞蹈着的光芒。这其实就是《向日葵》。不管怎么说，梵高的向日葵油画已经改变了人类对生命和艺术的观念。这些油画只用了纯碎的美就深深地吸引了你的注视，并震撼了你的心灵。 你可以注意到，流畅的萎蔫的情绪及可爱的黄色的张力，在这幅向日葵画里是那么的和谐，它们并没有破坏整幅画的平衡。梵高的向日葵油画常常被复制，但从未有人达到梵高完美的境界。
凡高是一位最令人怀念和感动的画家，他的悲剧性的生涯，造就他那与众不同的传奇色彩。 1972年荷兰政府建立了凡高美术馆，更是这位一生穷困悲惨艺术家的无上荣耀，而他的画也同他多姿多彩的生涯一样，引起人们的兴趣和热爱，获得崇高的评价。他的画，的确耐人心赏，也让人感动，带给我们感受到仿如亲眼看到一个新鲜而更美丽更有意义的世界，几乎重现凡高生前所到之处及所见景物，让我们从中体味和认识这位 19世纪产生的伟大悲剧人物的艺术心灵。
《向日葵》是一幅震撼人心的油画。鉴赏梵高的《向日葵》，不仅仅要去了解梵高的一生，更要去感受向日葵的生命意义，虽然短暂，但是活得灿烂。人的一生就应该像向日葵一样灿烂的微笑。
文学鉴赏论文篇九
美术作品是凝结在画作上的画家对于生活的感悟和理解，因此在欣赏美术作品时，不仅要能够理解画家高超的画技，同时也还要能够欣赏作品的美，理解作品想要表达的内涵。这在具体美术作品中能够较容易地实现，而在抽象美术作品中，由于其抽象性等特征，欣赏者较难理解其内涵。基于此，我们试图运用社会学视角对抽象美术作品的作者生平、生活环境以及政治背景等进行分析，使欣赏者能够更加深刻地理解抽象美术作品。
欣赏者在欣赏抽象美术作品的过程中，了解创作者的生平有助于把握作品中创作者留下的各种痕迹，从而更加理性地认识作品。例如，通过对创作者专业教育经历的了解，欣赏者能够理解作者不同时期作品的特点，以及创作者成熟时期作品中所包含的其他派系的痕迹，对于欣赏和理解抽象美术作品有很大的帮助。又如，通过了解创作者的情感经历，能够使欣赏者了解创作者在创作美术作品时经历的情感，从而能够将对画作的理性理解转移到对画作所表达的情感的感受上来，使欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力得到提升。在对荷兰印象派代表人物彼埃蒙德里安的作品《灰色的树》的欣赏过程中，我们就可以采用了解作者生平的方法，这样就能够更加准确地认识和理解这幅画作，同时对这幅画作的美的印象更加深刻。彼埃蒙德里安曾在早年师从其叔叔——海牙派画家富尔兹蒙德里安，得到了写实浪漫主义的真传，这一经历对其后来的创作影响巨大。在《灰色的树》中，还能够看到写实浪漫主义的特征——将内心深处的浪漫情感通过写实主义倾泻而出。在青年时期，蒙德里安就读于国立艺术学院，受到了象征主义、印象主义和表现主义的影响，开始形成了自己的风格。在1911—1914年间，蒙德里安受到了毕加索等立体主义的影响，因而形成了立体主义的风格，在《灰色的树》中，还能够看出采用了透视和立体三维画法的痕迹。在一战期间，蒙德里安致力于用画作表现和平和发展的理念，因而开始使用中性的色彩，这也是《灰色的树》中选择灰色作为主色点的重要原因。这样，通过对蒙德里安生平进行分析，欣赏者就能够对《灰色的树》有更加准确的理解，能够看出在画作中创作者采用的方法和其创作时的情感等，更能够欣赏到作品的美以及作者人格的伟大。
对创作者的生活环境的了解，能够从源头上帮助欣赏者认识到作者对于现实事物的认识能力。这样，当作者把现实事物抽象地表现为画作时，欣赏者就能够理解作者为什么选择这种方式来表达这样的主题和这样的情感。因为作者的生活环境不仅决定了创作者的受教育程度，同时还影响着作者对于事物的认知和对于情感的体验和表现程度。只有了解到这点，才能够更好地欣赏抽象画作。在对毕加索名画《哭泣的女人》进行欣赏的过程中，就需要充分地了解毕加索的生活环境，才能够深刻理解为什么“女人”哭泣时面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以毕加索的情人多拉马尔为原型创作的。多拉马尔与毕加索维持了长达九年的情人关系，在两人关系刚开始的期间，多拉马尔与毕加索情感很好，两人出双入对。但是，两个人性格都很强硬，在很多问题上意见相左，谁也不愿意妥协，因而经常硬碰硬。在这样的相处模式之下，毕加索开始动手殴打多拉马尔，并且多次将多拉马尔打晕。多拉马尔也因此多次哭泣。毕加索不仅经常打多拉马尔，还经常出言刺激她，使她伤心落泪。在这种背景下，毕加索以多拉马尔为原型创造出《哭泣的女人》。当欣赏者了解了毕加索的创作过程之后，就能够更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲，也能够理解毕加索刻意对其的丑化，能够进一步地体会毕加索在创作时候的感情。
虽然抽象艺术不直接表达现实社会，不直接表现政治问题，但是创作者所处的政治环境对其创作主题和创作思路也会产生巨大的影响。通过对其进行研究，能够更加深刻地掌握抽象美术作品的内涵。在里希特的画作《派对》中，创作者就通过画作来对明星托里亚尼的中产阶级生活方式进行了批判。这种批判并不是来源于里希特的一时兴起，而是在里希特早年的生活方式以及当时的政治环境影响下产生的，因而有着明显的政治意味。里希特在两德分裂之后，在民主德国生活，后来冲破阻碍到了西德。在与民主德国有着完全不同政治气氛与创作氛围的西德中，里希特的思想产生了极大的震撼，并且努力适应。美国当时在德国的文化艺术政策和政治政策深刻地影响西德的艺术发展，里希特也受到了深刻的影响，进而发展了其政治波普风格，这在《派对》里得到了淋漓尽致的体现。
综上所述，运用社会学视角对抽象美术作品进行鉴赏能够使欣赏者更加准确地理解作品所表达的内容，把握作品所表达的主题，掌握作品所传递的情感，这对于欣赏者鉴赏抽象美术作品有着非常重要的作用。因此，我们在对抽象美术作品鉴赏的过程中，需要灵活运用社会学的视角，通过了解创作者的生平及其所处的生活环境、政治环境等对作品进行全面、深刻和立体的了解，不断提升对抽象美术作品欣赏能力。
文学鉴赏论文篇十
儿童是爱美的，而且对美的事物感受很早，随着年龄的增长，他们渴望艺术享受的心情日益增强，尤其是 进入小学以后，对于美的事物的追求更为强烈。作为小学美术教育，应当顺应他们爱美的要求，采取多种形式 实施美术鉴赏教学。审美教育是素质教育要达到的一个重要目标之一，它对于培养学生的爱好、鉴赏能力，陶 冶情操等方面都有极其重要的意义。
小学美术鉴赏教学是一种把造型艺术作品作为审美对象的感觉与感情为主导因素的心理活动形式，它与教 师的引导和儿童对事物的认识、理解紧密相关，我们不妨从儿童的生理心理及智力发展方向来分析掌握儿童的 鉴赏习惯和鉴赏特征。
1、强烈的色彩刺激能激起儿童的鉴赏兴趣，吸引他们的注意力。蓝蓝的天，红红的花，绿荫荫的树木，黄 澄澄的果实，鲜明艳丽的颜色常常等使他们欣慰和喜悦，乐于接受，如果我们把黑白图片和彩色图片同时放在 他们的面前，儿童将对彩色图片反映强烈一些。
2、儿童在鉴赏过程中，往往注意某个细节的观察而忽视整体或注意整体而忽视其它。例如一年级儿童在观 看绘画作品《美丽的风筝》时，他们全被风筝上色彩艳丽的花纹吸引住了，以至于忘记了手帕的存在，变成了 看花。中、高年级同样有类似的现象，四年级的学生鉴赏工艺作品的刺绣，结果他们全把刺绣作品当作绘画作 品看。
3、儿童在鉴赏过程中，通常是凭第一印象的感觉来鉴赏作品，无意识属性强，受情绪牵制的随意性大。他 们对作品的感受总是激动片刻、粗略领会便心满意足，未能仔细琢磨，对作品的感受能力难于在较长的时间内 持续增长。
4、儿童在鉴赏过程中，依据自己的生活经验、见闻认识及由画面产生的联想对作品进行评判。对那些反映 他们熟悉的生活和内心世界的儿童画或同学、朋友的优美作品，他们大都能够接受，并常常用来作自己的范本 。例如，城市的孩子从小看见的就是整洁、光亮的柏油路，五颜六色的霓虹灯，明亮的大厦高楼，他们就感受 不出绘画作品中农村低矮的房子、稀疏的篱笆、乱的石头和柴堆也是一种美丽。
5、为加深学生对作品的感受，视觉记忆常常需要伴之以听觉记忆，尤其是鉴赏古今中外名作，没有教师生 动有趣的语言帮助，儿童对艺术作品的感受也不会很深。在实际教学中，许多成功的教学课都运用了音乐伴奏 的教学手段，目的就是渲染气氛，强化记忆。
》、《绘画作品中风景的静物》等。其特点是从小学中年级开始，鉴赏一些与学生生活 接近、学生能理解和接受的中国古今优秀绘画作品和工艺美术作品。鉴赏课内容对于教学内容有“参考资料” 的作用，在鉴赏课中渗透了有关的教学内容。如第六册的鉴赏内容是工艺作品刺绣、竹编的鉴赏，第八册的教 学内容就安排了“挑花”、“竹编”手工课。鉴赏课的优秀作品档次高，起到了指导性的重要作用。3、高年级 鉴赏内容主要是让学生了解祖国历史悠久的艺术文化，增强学生的民族自豪感。具体内容有：第九册的《古代 雕塑中的人物形象》、第十册《现代雕塑中的人物形象》、第十一册《中国传统建筑艺术和现代建筑艺术》和 第十二册绘画作品雕塑、工艺美术、建筑、小学内容总览等。其特点是要求比较全面地了解我国造型艺术门类 的面貌，除了已经着手的中国画教学之外还将鉴赏的领域扩展到中国优秀古建筑、雕塑、工艺美术作品中去。
根据美术鉴赏教学的目的、任务及自身的特殊规律，我国的小学美术鉴赏教学的组织形式可以分为专题欣 赏课、随堂鉴赏课和现场课三类：
1、专题鉴赏课。专题鉴赏课是课堂教学的方式，是小学美术鉴赏教学主要形式（我们前面例举的内容都是 专题鉴赏内容），它指的是整个课时内组织学生专门对某些作品进行鉴赏的课业。我们以第十册的鉴赏内容为 例谈一谈专题鉴赏课的课堂教学模式。这一课是鉴赏中国传统建筑艺术，教材上共提供了十幅有关传统建筑艺 术的照片。教师首先要明确教学目的，即通过本课教学让学生获得哪些方面的知识？起什么作用？本课的教学 目的应让学生初步了解我国传统建筑的艺术特点，懂得建筑的三大要素，使学生受到美的熏陶，增强民族自豪 感。在教学过程中，让学生通过观察、回忆和比较，了解“传统”二字与“现代”的区别，再进一步引导学生 了解祖国悠久的建筑史及灿烂的建筑文化，了解宫殿、楼阁、亭台、寺庙、佛塔、陵墓、民居等独树一帜、风 格迥异的建筑艺术特点。
进行专题鉴赏教学，教师在教学过程中可采用谈话法、讨论法、伴音、放录音、幻灯等手段调节学生的有 意注意和无意注意，可采取分析一幅作品后及时提出问题，让学生思考。要启发儿童观察分析，鼓励他们踊跃 发言，各抒己见，积极讨论。
2、随堂鉴赏课。随堂鉴赏课是指在绘画和工艺（包括写生、创作、图案、塑造、手工制作）课业中所穿插 进行的鉴赏。这种鉴赏方法在教学过程中运用得很多，比如：我们每一课都安排了范图及资料，教师指导学生 观看讲解，指出作品美在哪里。又如：为了使低年级学生能在蜡笔的涂色中提高色彩能力，可引导学生对素描 知识的加深而出示一些合理范画，这就是随掌鉴赏的教学过程。
3、现场鉴赏。现场鉴赏是一种在课堂教学之外的美术鉴赏形式，是指在较长时间内到现场和实地察看所进 行的鉴赏教学。例如：组织儿童参观美术作品展览和博物馆中陈列的美术作品，访问画家、工艺美术家、雕塑 家并观看其技法表演等。
条件稍差的农村，有关鉴赏课的内容应结合本地具体情况作有效的灵活调整。比如我们上《古代传统建筑 》这一课时，就完全可以带学生到陶公庙去参观，让他们了解足够的知识后，民族的尊严与自豪感自然就出来 了。
文学鉴赏论文篇十一
美术鉴赏是提高学生美术水平的有效途径，在美术鉴赏的过程中如何培养学生的审美创新能力成为教育工作的重点。更多美术论文相关范文尽在top期刊论文网。
美术
《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动翔实地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国甚至世界绘画史上都是绝无仅有的。作品以长卷的形式，采用散点透视的构图方法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。此画分三个部分：
一是汴京郊野的春光，环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画拉开了序幕。
二是繁忙的汴河码头，这里是名闻遐迩的虹桥码头区，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三是热闹的市区街道，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。这里交通运载工具样样俱全，绘色绘形地展现在人们的面前。张择端在作这幅画时非常注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人如身临其境。画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等诸多方面都有非常重要的意义，它可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。具体说它的意义体现在：
人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对我们每个人来看，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔无限的领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。所以，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的璀璨，从而更增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。
所以，多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，从而唤起我们优美崇高的思想感情。在这种熏陶渐染的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受健康向上的精神品质和道德情操，进而改善人的情感状态，影响人的行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野，由此可见，美术鉴赏意义非同一般。
文学鉴赏论文篇十二
电影精彩画面重现：
十面埋伏电影讲述了唐朝官府捕快与江湖门派飞刀门之间一场惊险刺激、扑朔迷离的追捕与反追捕的故事。而最经典的莫过于竹林打斗这一场景了。“小妹”（章子怡饰）在一片竹海中遭到官府的追杀，在危机时刻，“金捕头”（金城武饰）出现了。在竹林逃命一幕中，小妹和金捕头在官府追兵的追杀下寸步难行，上有在树梢间穿梭的捕头，下有尖竹阵拦路，腹背受敌。在被锋利的竹筒架在中间后，眼前两人不能再活，必死无疑。千钧一发之际，终于！飞刀门的人出来了，居然是“阿母”（宋丹丹饰），于是两人获救。画面赏析：
2004年，在张艺谋的这部《十面埋伏》的电影中，布置了一场非常诗意唯美的竹林打斗场面，而这个打斗场面的发生地就在重庆永川茶山竹海。
http:///view/?fr=ala0_1）在《十面埋伏》的这场竹林一战中，可以说色彩非常明丽，气韵很独特，整个画面满满的全是一片翠绿，即使是画面的几个人物也是着深绿色服装，看起来给人的感觉就是很舒服很清新，独具有一种诗化的东方美，特别是通过电影手段的放大和强化，使这一场景给观众带来视觉上的美妙享受。或许观众在观看电影时，可能更多的是忽略电影的具体情节，而被唯美的画面所迷住，在看完之后，电影画面还深深地留在人的大脑中，许久以后还会历历在目，细细回味时感叹画面精致之余，更是产生了对茶山竹海的神往之情。作为一名普通的观众，对我来说，这部电影到底讲的是什么，现在我也记不清楚了，也并不重要了，但对于这个竹林打斗的场景却深深地印在我的大脑中，无论何时提到《十面埋伏》，我唯一想到的就是这个画面。同样的，对于国外西方观众来说，这部电影也同样最大程度上满足了他们对东方美景与古老文化的好奇和想象，使他们深深感受到中华文化的美。我自认为，这个电影片段充分体现了导演张艺谋的想象力、创造力和聪明才智，应该是张艺谋执导的电影中难得的精彩片段。古代著名诗人苏东坡曾说“宁可食无肉，不可居无竹”，竹子在中国文化中，素来有着极高的地位，它被赋予了刚正之节、虚心之德、柔韧之力和孝义之情等等美好的意义，似乎已经成为东方中国的代表词汇，具有一种神秘的图腾力量。而在电影《十面埋伏》对竹子的使用重点没有单单放在竹子本身的柔韧性，对竹本身的描写上面，而是在竹林间安排了几组人物错落的位置关系，并着力营造了这种微妙关系所带来的气氛和情调。也就是说，随着时间的推移，竹子已不再局限于个体的利用，它不再为打斗而打斗，而更有了在电影中的群像演出。通过精心、独到的场景设计，在这个场景中惟妙惟肖地表现出了风光旖旎的茶山竹海的神韵。
人们常说美的体现并不是单单通过几个“漂亮”、“绚丽”、“迷人”等形容词就能做到的。的确如此，真正的美不是源自外表，而更多的是要我们内心去细细品味、感受。《十面埋伏》中是这场竹林打斗画面美，然而其内在的那种神韵、气质却需要我们以细细去品味。或许我们就会被这秀美风景所深深牵引。
《十面埋伏》剧照
导演：张艺谋
主演：章子怡、刘德华、金城武
文学鉴赏论文篇十三
音乐鉴赏教学是音乐教育的重要组成部分，学生在高中阶段恢复音乐鉴赏课，对提高学生的音乐素质具有重大的现实意义和长远的影响。它为青少年智力的全面发展，心灵的净化，人格的完善，思想素质和文化素质的普遍提高，开辟出一片新的天地。那么，怎样才能上好高中音乐鉴赏课呢？我的体会如下：
一、不断提高教师的音乐素养
俗话说的好，要给学生“一杯水”，教师首先要有“流水”。作为一名音乐教师，不一定是音乐方面特殊人才，但是，必须全面掌握专业知识，有熟练的技能技巧。只有这样，才能灵活驾驭课堂，开展其它音乐课外活动。音乐教师除对本专业的歌唱、演奏、舞蹈、指挥等技能，还有作曲知识、中外音乐史及重要音乐作品、作家等方面的音乐理论必须掌握外，对文学、历史、美学、地理、哲学、教育学、心理学、社会学等诸方面的边缘学科知识也要有所了解，音乐教师只有博学多才，教学时才能运用自如，才能改变那种迂腐陈旧、形式呆滞的课堂教学模式，唤起学生对音乐学习的兴趣，启迪学生的智慧，陶冶学生的高尚情操。因此，我们只有不断地学习，努力提高自身素质，才能真正胜任高中音乐鉴赏 课教学工作。
二、巧妙运用音乐教育教学艺术
高中音乐鉴赏课内容繁多，涉及到古今中外各种各样的音乐作品，受阅历和知识的制约，学生不可能对这些内容都很感兴趣。他们往往是根据个人的兴趣、爱好，对不同的乐曲采取不同的学习态度。喜欢的就抱积极的态度去欣赏；不喜欢的，就表现出厌烦情绪，以消极的态度去应付，不认真听，不动脑想。签于这种情形，在教学中，我就先从导语入手激发学生的学习兴趣。所谓导语是教师导入新课的语言，是课堂讲课的第一个环节。俗语说：“良好的开端等于成功的一半”。比如在教民歌部分时，课前就有听到同学说民歌没意思，土里土气的，不喜欢听，没兴趣欣赏。然而我在课前做了大量的准备工作，搜集资料，设计方法。上课一开始，我就出示了两句乐谱：一句是《沂蒙山》的民歌，另一句是《十五的月亮》，先让同学们视唱，并分析、比较它们的异同点，然后说明，《十五的月亮》是以山东民歌为基础，演变加工而成的。这说明民歌是音乐创作的源泉，它在音乐创作中具有十分重要的意义。随后，教师提出要求，这节课要和大家一起来欣赏几首民歌，这样，同学们的兴趣被调动起来，课则上得很顺利。
三、精心传授音乐作品鉴赏方法
音乐鉴赏仅仅停留在兴趣阶段是远远不够的，还必须进一步深刻理解音乐作品的内涵，充分体验作品所反映的情感，才能达到鉴赏的目的。这就是鉴赏音乐的三个阶段：直觉（感官）鉴赏——感觉（情感）鉴赏——理智的鉴赏。不同体裁的音乐鉴赏的要求、方法也不同。
1、对于歌曲的鉴赏：一般可以借助歌词较直观地理解歌曲内容，达到鉴赏的目的。对一些歌词内涵较深或者寓意较朦胧的作品进行鉴赏，要求要有一定的文学及文化素养。而对于一些古代的、其他民族的、外国的艺术歌曲、歌剧、咏叹调等作品的欣赏，除了必须具有一定的音乐素质之外，还要对作品产生的时代背景、创作动机、民族习俗、作曲家的个人风格等有充分的了解，才能更好的理解作品的内容。
2、对器乐曲的鉴赏：对一些近代的、单一形象的轻音乐乐曲，可以根据标题的启示，通过自己的联想，去体会乐曲的内容和情绪。如：贺绿汀的钢琴独奏曲《牧童短笛》等。对于大型的器乐曲的理解，一般要了解作品产生的时代背景、作者情况，尤其是一些无标题音乐；对于一些大型的标题音乐作品，除了了解其时代背景之外，还可以根据乐曲的说明去理解、欣赏作品。如小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，作品是我国民间传说梁祝的爱情故事为题材，借鉴民间器乐的表现手法，并以我国人民的欣赏习惯，根据情节的发展顺序加以概括而创作成的。在鉴赏时，要求学生按照揭示的情节顺序：“草桥结拜——同窗三载——共读共玩——长亭惜别——逼婚——楼台会——抗婚——纵身投坟——化蝶”灵活去理解鉴赏乐曲内容。
四、借助多媒体音乐教学手段
在教学中，主动借助有关图片、幻灯、录像、电脑进行教学，但必须强调“以听为主，以看为辅”，以加深学生对作品内容的理解。在教学中还要注意将音乐知识讲解与乐曲欣赏相结合。没有一定的音乐知识，就不能很好地理解音乐所表现的内容，而孤立地讲授音乐知识，学生会觉得枯燥无味，不容易记。因此，在通过多媒体教学手段欣赏乐曲的同时应结合音乐知识的讲解，才能收到事半功倍的效果。
通过教师引导，学生投入，在日常学习中积累知识，利用针对式鉴赏教学的方法，让学生成为真正能听得懂音乐的人，做音乐的“主人”。搞好高中音乐欣赏教学，任重而到远。作为一名音乐教育工作者必须努力探求，在教法上不断创新，为高中音乐鉴赏教学开创新的局面。
文学鉴赏论文篇十四
摘要：
中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。自从问世，人们对清明上河图的评价和鉴赏从没有中断过，可见其艺术价值之高以及作者画技的高超。在不断的探索和评价过程中，我们对美术的鉴赏本质也有了一定的认识。
关键字：
清明上河图张择端美术鉴赏美术鉴赏的意义
引言：
《清明上河图》的鉴赏，对画家张择端的了解，进一步探索美术鉴赏对我们的意义和启发。
正文:
美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动，它是鉴赏者运用自己的感知能力，情感，审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品，两者相互作用而产生的一种心物感应，物我交融的复杂的心理过程。
下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例，先对作品进行鉴赏，然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊!
全画分为三个部分：
一、汴京郊野的春光：疏林薄雾中，掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟，阡陌纵横，田亩井然，依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
二、繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有“王家纸马店”，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美，宛如飞虹，故名虹桥。一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的;有用长竿钩住桥梁的;有用麻绳挽住船的;还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三、热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎着“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。
交通运载工具有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
张择端在作这幅画时极注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人身临其境。他并不注重虚境和实境的对比，而是细致描绘每个角色，甚至画中的树木都做细致的刻画，不同树木的质感和空间对比都表现得极为充分。人物和食物的比例合度，远近也层次分明。画家在作画时线条清晰自然，颜色深浅浓淡事宜，人物表情丰富，直达内心，景物自然和谐，与人物相应成辉，所体现的朝气和谐的繁荣景象，充分反映了张择端对客观外界和主观感受的高度尊重。
画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
下面结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等都有非常重要的意义，可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。
更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。
首先美术鉴赏可以帮助我们开阔眼界，扩大知识领域。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象的接触到许多人生与经历远远不能涉及的'广阔领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
其次，美术可以陶冶人的情操，促进精神文明建设。美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。因此，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的辉煌，从而增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
第三，美术鉴赏是提高艺术修养和审美能力的重要途径。马克思说：“艺术对象创造出动的艺术和能够欣赏艺术的大众”。这就是说，按照美的原则创造出来的作品，反过来又会对人们起审美的教育作用，从而提高人们鉴赏艺术的能力。这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。我国古代南北朝时期著名的文艺理论家刘勰说的“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理。多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。
我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，唤起我们优美崇高的思想感情。在这种潜移默化的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受了健康向上的精神品质和道德情操，从而改善人的情感状态，影响人行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野。
通过对《清明上河图》的鉴赏使我了解了中国另一方面的优秀传统文化，了解中国传统的优秀思想和人生价值观，它拓宽了我的知识面，对培养我们的认识世界的能力,审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展,都具有十分重要的意义。
参考文献：
1、百度百科《清明上河图》
2、百度美术鉴赏意
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文学鉴赏论文篇十五
指导老师：丁燕。
摘要：舒婷是二十世纪70年代末，中国诗坛的重要人物，她和同时代的顾城，北岛，梁小斌等以不同于前人的创作风格开启了中国当时诗坛的“朦胧诗”的高潮。作为朦胧诗的代表人物中唯一的女性诗人，舒婷既有与其他几人相同的创作理念，也有其自我独特的视角。《祖国啊，我亲爱的祖国》《致橡树》等作为舒婷最广为传颂的诗歌，在很大程度上是反映了舒婷的诗歌理念，且这种理念也潜移默化的影响了中国当代的部分人群。
关键词：舒婷，诗歌理念，平等自由。正文：
自“五四”以来，新诗的出现使诗歌的创作更加自由。当代的中国也涌现了大批优秀的新诗创作者，然而男性垄断中国诗歌界的局面很大程度上并未得到改观。除了零星的几个女诗人的出现，大部分的优秀诗歌都出于男性之手。直到上世界70年代末期，舒婷的出现，像一只燕子，预示着女性诗歌春天的到来。
（1）充满国家意识的诗歌理念：
舒婷作为新中国70年代末期到80年代初的诗人，虽然免于战火和革命斗争的洗礼，但却经历新中国最黑暗的时代——文化大革命。这段经历对于这一批诗人的影响是巨大的，许多诗人的生活由此被烙上深深的时代印记。其中食指的发疯，海子和顾城的离世等，对诗坛都是极大地打击。然而面对过去痛苦的经历，舒婷却选择了不同于他们的，但更加积极的生活，她的诗歌创作变的更加热情而非消极。她曾回忆说：“‘四人帮’倒台后，我们真的觉得祖国有希望了，在工厂的流水线上，我手上干着活，脑子里写着诗，弄得手上全是泡。写的是《祖国啊，我亲爱的祖国》”
“我是你河边上/破旧的老水车/数百年来/纺着疲惫的歌/我是你额上/熏黑的矿灯/照你/在历史的隧洞里/蜗行摸索/„„我是你簇新的理想/刚从神话的蛛网里/挣脱/我是你雪被下/古莲的胚芽/我是你挂着眼泪的/笑涡/我是新刷出的雪白的/起跑线/是绯红的黎明/正在喷薄/„„”
可以从这首诗歌中看出，在经历了那段黑暗时期的舒婷，在文革结束初期的创作是充满了家国的意识的，并没有选择消极的生活方式。同样文革的这段经历也逐渐促生了她后来倡导的自由的诗歌理念。
（2）倡导自由的的诗歌理念：舒婷在一次媒体采访时曾说：“文革刚刚结束，中国处于一个转型时期，文坛还存在‘假大空’的风气，诗歌还停留在歌颂式、口号式的审美水准上，有很多人写文章甚至画漫画批评、抵触朦胧诗„„”可见她对于四人帮的文化专制的是有着强烈的抵抗与不满。四人帮的专制文化制度就是只准文学有一种存在形式，致使中国的文坛诗坛一片口号式歌功颂德的氛围，完全没有个性的自由和独立的创作环境。有读者曾援引马克思的话：“你们并不要求玫瑰和紫罗兰散发同样的芳香，但为什么却要求世界上最丰富的东西，精神只能有一种存在形式。”
舒婷作为70年代末的诗人冲破了文革的束缚，把思想主题从政治领域扩散至人们每个人的内心世界，从群体走向每个人的内心。逐渐地，个体又重新被重视。个人情感可以堂而皇之地登上诗歌的殿堂，并更加突出且占据主要地位。视角的从外到内的转变，从群体到个人的转变，使得诗歌开始偏重自由独立，反对诗歌崇高化，反对诗歌中政治诉求的强加，在语言，节奏，韵律上作出了许多新的突破同时也破除了之前的骈文复苏逆反的潮流，仿佛是近代诗歌的一次“新古文运动”。“为什么丹红不能表现悲哀，黛青不能表现欢乐，为什么太阳只配朱砂，除非消灭光线吧。我决定不给丰收以金黄，不给希望以翠绿。”由此可以看出此后的诗人对诗歌的自由化，散文化追求。
在谈及现下的诗歌，说起赵丽华的“梨花体”，舒婷说她并不认为诗坛不景气，相反她认为这是一种文本的尝试。她说诗歌永远是年轻人的事业，只要有年轻人在，诗歌就永远有它的作者和读者，现在有很多年轻人的诗让她感到望尘莫及，她觉得超越才是诗歌传承的重要原因。她认为现在的中国，谁都可以说自己是中国最好的诗人，诗歌成为全民之事是一个好现象。从她对现下诗歌卓越而不拘泥的认识，也可以看出她对诗歌自由化的倡导。（3）呼吁女性意识的觉醒：
在代表作《致橡树》中，舒婷这样写：“我如果爱你/绝不像攀援的凌霄花/借你的高枝炫耀自己/我如果爱你/绝不学痴情的鸟儿/为绿荫重复单调的歌曲/也不止像泉源/常年送来清凉的慰藉/也不止像险峰/增加你的高度/衬托你的威仪/甚至日光，甚至春雨/不，这些都还不够！/我必须是你近旁的一株木棉/做为树的形象和你站在一起„„”
在漫长的封建时期，封建的纲常礼教的压迫对女性的独立人格的极大扭曲，形成了女性对男性的根深蒂固的依附心理。舒婷认识到，即便是在上世纪70年代这种观念在中国最广大的女性中仍旧不能得到废止且越来越有复苏的趋势。《致橡树》就是在这样的社会背景下创作出来的，其中深切地反映出舒婷对当代女性地位的新的认识，强烈的驳斥了过去陈旧的男女观念，所以就当时而言，舒婷的诗歌是充满了女性意识的新时代诗歌。
“《致橡树》热情而坦城地歌唱了诗人的人格理想，比肩而立，各自以独立的姿态深情相对的橡树和木棉，可以说是我国爱情诗中一组品格崭新的象征形象。”《致橡树》能够成为舒婷最广为流传的诗作，且一直传颂至今，正是因为她的诗歌所创造的木棉的形象能够深入人心。《致橡树》宣示了舒婷追求独立平等的男女爱情观念，提出了崭新的女性姿态，要求女性不应再作为男性的附属而存在，呼吁了女性意识的觉醒。现代女性追求的独立自由的个性观念也一定程度受到了这首诗歌的影响。可以说舒婷对现代女性的独立地位及平等爱情观念的影响是重要而深远的。
除了诗歌理念，舒婷诗歌中的语言也是非常值得欣赏的。舒婷认为，就像绘画是光和色彩的艺术，诗歌一定是语言的艺术。她说，她写诗，甚至有一种语言上的“洁癖”。本篇限于主题，不再叙述。
综述来讲，舒婷是中国近当代诗歌史上重要的一位女性作家。她的诗歌理念也得到广泛的传播，对当代中国起了深远的影响。
参考资料：
《一种演奏风格：舒婷自选诗集》——作家出版社。
《新的美学原则在崛起》——孙绍振《诗刊》1981年第3期。《舒婷：那个时代永远不会回来了》——《山西晚报》谢燕。《舒婷：呼唤女性诗歌的春天》——吴思敬。部分资料来源于网络。
文学鉴赏论文篇十六
这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。
艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。
（一）艺术美的形象性
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。
（三）艺术美的审美性
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。
（四）艺术美的主体性
艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。
（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。
（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。
（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。
随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。
文学鉴赏论文篇十七
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德。莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓——起重机、吐着烟的烟囱、建筑——透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。 这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而已，与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。 几年后艺术评论来了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
莫奈背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法，而更趋向于表现真实的自我感受，传达出自己对日出的鲜活印象，将常识之类搁置一边，竭力捕捉最初朦胧印象，并将其凝固在画布上。他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切，而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒，勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢？可是随着时间的推移，经过观察，人们发现，当船衬着城市的背景出现时，在特定的光线下从特定的角度看去，船似乎真的是在城里行驶，有时海天会浑然一色，我们实难分辨何为大海，何为天空。
而就我个人而言，独爱徐老的作品，徐老一生以画马闻名世人，在他个人的艺术成就中，也以画马的成就最为卓著。他一生致力于国画的改革，而体现他国画改革最高成就的就是他的国画奔马。他非常注重写生，关于马的写生画稿不下千幅，学过马的解剖。对马的骨骼、肌肉、组织了如指掌，同时，他还熟悉马的性格脾气。在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现出马的形体，又不影响墨色的韵味。徐悲鸿的马是中西融合的产物，这种融合是极为成功的。其中不得不提曾经轰动一时的《八骏图》。其中主角——八匹骏马，一个叫绝地，足不践土，脚不落地，可以腾空而飞；一个叫翻羽，可以跑得比飞鸟还快；一个叫奔菁，夜行万里；一个叫超光，可以追着太阳飞奔；一个叫逾辉，马毛的色彩灿烂无比，光芒四射；一个叫超影，一个马身十个影子；一个叫腾雾，驾着云雾而飞奔；一个叫挟翼，身上长有翅膀，像大鹏一样展翅翱翔九万里。
外国的名画家还有米开朗琪罗，达芬奇，其中达芬奇的《岩间圣母》引人入胜，它所体现出来的是作者极具表现力的写实功底，达芬奇的《蒙娜丽莎》为外方世人所称赞不已，当镜子被放置在蒙娜丽莎的右手和右肩膀一侧，就会看到“戴着头盔的耶和华”。此外，他们还在这位艺术大师的另一名作《最后的晚餐》中耶稣前方的桌子上发现一个倒置的圣杯。有报道指出，西方某艺术调查组织的这一“镜子理论”也许解释了为什么达·芬奇许多作品中的人物似乎都有所指向性或凝视着远方，就好像在寻找神圣的东西。据记载，达·芬奇经常以镜像书写（注：他喜欢从右至左写字），一方面是防止“对手”剽窃他的创意，另一方面是想隐藏他的一些科学理论。
综观中外美术芊芊作品，各具特色。相比而言，中方更重视作品的意境，而西方作品则以体现事物的多种内涵和更注重色彩的运用为特色。
文学鉴赏论文篇十八
随着人们的生活水平的提高，人们对居住的环境的要求也在不断提高，在城市的建设和发展中，景观雕塑扮演的角色越来越重要。雕塑在城市中以其鲜明的个性服务于周围的环境，其装饰性也在无声无息的补充及完善人们的生活环境。城市中的雕塑可以生动的记录一个城市的历史发展变化，也在一定程度上体现着一个城市的文化内涵和品位，也可以真实的反映出一个城市的精神气质。世界上有很多城市都有其标志性的雕塑作品，所以在进行城市景观设计中，一定不能忽视雕塑产生的作用。
成功的城市景观雕塑作品不仅能够带给人们视觉上的享受和美感，还能够向人们传达某种思想和情感，尤其是它置身于外界中，人们能将雕塑作品的每个部分都尽收眼底，并受到人文精神方面的熏陶。优秀的城市雕塑作品是真、善、美的统一体，符合人民群众的审美需求、精神需求，符合和谐社会的要求，而且随着城市文化多元化的发展趋势，雕塑作品的功能和作用也有了拓展，它的概念不再是一种单一的雕刻品，重在体现艺术熏陶、教育等方面的功能。而且，当前的城市景观中的，雕塑作品不再是为宗教和政治宣传服务，而是通过其内涵丰富、个性鲜明的样式与城市建筑和环境相结合、相统一，强调雕塑作品对人们生活环境的点缀，对人们审美能力、人文精神的影响。正式由于城市雕塑有了丰富的功能，能够记录或再现城市的发展历程，反映城市的文化面貌，所以人们对城市雕塑的美的期待和丑的批评越来越强烈。因此，可以说，一件成功的优秀的城市雕塑，就是一个城市精神的象征、文化的代表，它作为一种纪念，可以使人们加深对一些重要事件、重要历史时刻的记忆，大多数城市雕塑都受到了人们的喜爱和保护。
园林雕塑是属于园林中的艺术品，一个设计精巧、造型优美的园林雕塑犹如点缀在大地中的一颗明珠，光彩照人，对美化环境、提高人们的生活情趣起着举足轻重的作用。
雕塑在园林景观中的作用可以概括为以下几个方面。一是组景作用。在园林空间中除具有自身的使用功能外，还可以把外界的景色组织起来，使其成为一个和谐的整体，在园林空间中形成无形的纽带，引导人们由一个空间进入另一个空间，使园林从各个角度看都能构成完美的景色，让各个角度的景色都充满了诗情画意。二是观赏作用。园林雕塑小品作为艺术品，本身具有很高的观赏价值和审美价值，无论是其造型、色彩、尺度，还是与周围景观的统一结合，通过设计者合理的布局，每一部分都让人赞叹，园林中的雕塑更是一道别致的风景。所以说吗，运用雕塑的装饰性能够提高园林的观赏价值，满足人们的审美要求，给人以艺术的享受和美感，它能让平常的景色焕然一新，让人沉浸在艺术的享受中。三是渲染作用。园林景观中的雕塑作品可以起到渲染园林气氛的作用。园林中石桌石凳、草坪和花丛的标识牌、灯具等，雕塑师都把这些很寻常的东西艺术化，设计的非常新颖别致，很有情趣，这些雕塑使园林更有感染力。
雕塑与周围的环境息息相关，而且，从古至今，装饰性都是都是雕塑的功能之一，当代社会，它的这一功能有了更多的发挥，尤其在人们的居住环境中，雕塑的数量、位置、形态对整个小区的布局，以及小区环境气氛的营造有着不可替代的`作用。这是因为，与其他环境相比，人们的居住环境更强调营造一个能够便于人们交流的场所，需要一个充满活力的场所，因此，小区景观中的雕塑作品应当围绕这个主题来展开创作。
雕塑装饰和点缀着住宅小区的环境，但是它不是独立存在的装饰品，而是让人们观赏，在观赏过程中使人们的心情放松、身心愉悦，进而使雕塑作品成为人们共同的欣赏物，成为人们交流的纽带。这样，雕塑作品的另一种作用就体现了出来，即让欣赏它的人们在鉴赏过程中相互交流和沟通，了解彼此的爱好，这样，雕塑作品就不仅仅是一种“小区景观”了。
同时，正是人们的相互交流和丰富的激情感受构成了富于生机的社会生活。只要有人的存在，无论在建筑内，在居住小区，在城市中心，还是在其他娱乐场所，人及其他的活动总是吸引着另外一些人。人们被另外一些人所吸引，就会聚集在他们的周围，新的活动又会萌发。所以，人们总是愿意到有东西看，有事情发生的地方去。比如，如果有两条道路可供选择，一条荒芜凄凉，一条充满活力，那么在大多数情况下，大多数人会选择后者。也就是说，人是城市空间中最好的风景线。这对于居住区环境中的雕塑设计有着非常重要的指导意义，即在设计中考虑的着重点在于创造富有活力的“场”环境。“场”在这里不单指雕塑本身，还指由雕塑和雕塑四周所组成的空间，还指不同具体摆放点的雕塑之间形成的无形空间。
小区景观中的雕塑作品要想充分体现出增强环境活力的作用，最好的方式就是引导和鼓励居民近距离接触雕塑，不仅要观察、欣赏和触摸它，还要鼓励人们发挥想象力，创造性地利用它，并在使用过程中实现雕塑作品与居民的互动、交流。因此，创作者要根据实际情况精心选择雕塑主题，因为居住区环境中不同于其他类型的环境，强调的是营造“温馨亲切”的气氛。这显然与商业环境的热闹、办公环境的明亮、政府大楼的庄严等是不同的。所以这里雕塑所要表达的题材应以人们所熟悉的，所关心的和所喜爱的为主，让人们在这一题材上“愿意说、有话可说、甚至是不得不说”,在人们的述说中交流也就开始了。
总的来说，雕塑作为一种美术艺术形式，没有具体的、固定的评价标准，我们需要从艺术的角度，用它所处时代的文化理念来衡量，与此同时，还要考虑它们与周边的环境是否和谐、是否统一，优秀的雕塑作品应当集艺术性、社会性、生态性等于一体。为了打造更具科学、更合理、更艺术的空间环境，当代雕塑创作者和环境设计者应当共同携手，将优秀的传统文化融入到雕塑创作、景观设计中，进而打造出更具中国特色的雕塑作品，创设出更加宜人的城市景观、园林景观、小区景观等。
[1]陈天送。景观设计中雕塑艺术的心得浅析[j].经营管理者，20xx（25）。
[2]潘腾飞。浅谈景观设计中的雕塑艺术[j].鸭绿江（下半月版），20xx（02）。
[3]吕东辰。浅析城市雕塑在景观艺术中的作用[d].鲁迅美术学院，20xx.
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