古典主义绘画论文（专业18篇）

通过总结，我们可以更清晰地认识自己，找到提升的方向。写总结可以增加对所学知识的理解和掌握，帮助我们更好地应用所学。以下是一些总结写作技巧和注意事项，希望对大家有所帮助。

古典主义绘画论文篇一

绘画创作是一种表达自我的艺术形式，通过画笔和色彩将内心感受转化为可见的艺术作品。我从小就对绘画充满了热爱，并在学习和实践中收获了许多心得体会。绘画不仅仅是一种技术，更是一种情感与灵魂的交流方式。在这篇文章中，我将分享我的绘画心得体会，希望能够给大家带来一些启示和灵感。

首先，绘画是一种自我认知和审视的过程。通过绘画，我得以更清晰地认识到自己内心的感受和情绪。当我坐下来专注于画布上的画面时，我的思绪也开始变得安静而敏感。我能够感受到各种情绪的起伏，这帮助我更好地了解自己。绘画可以成为一个内心的反射镜，帮助我深入反思和理解自己的情感状态。

其次，绘画是一种表达与沟通的方式。绘画使我能够将无法用语言表达的情感通过色彩和画笔传递给他人。每一次创作都是一次与观众的交流，我希望通过我的作品引发观者的共鸣和思考。绘画是一种纯粹而直接的艺术语言，它能够以无声的方式传达出强烈的情感和深刻的意义。我发现，即使是与陌生人，也可以通过绘画建立起一种特殊的情感连接。

第三，绘画是一种探索和创造的过程。在画布上的每一笔每一划都是一次实验和冒险。我通过不断尝试和探索，发现了许多新的技巧和风格。绘画的世界是无限的，它给予了我创造的自由和想象的空间。当我在创作中遇到困难时，我会积极思考和寻找解决办法。这种探索和创造的过程不仅仅局限于绘画本身，它也激发了我在生活中不断挑战自我的勇气和创新精神。

第四，绘画是一种乐趣和放松的途径。在我绘画的过程中，我可以完全投身于创作中，忘却时间和一切烦恼。绘画让我享受到了一种与世隔绝的宁静，那是一种只有艺术才能带来的独特的平静与快乐。绘画过程中的每一笔都是一种享受，每一个完成的作品都是对自己的一次肯定。通过绘画，我学会了欣赏生活中的美好，并将这份美好转化为自己作品中的灵感和动力。

最后，绘画是一种持续学习和成长的机会。我相信绘画是一门永无止境的学问，只有不断地学习和实践，才能不断进步。每一次的失败和挫折都是一次宝贵的经验教训，我通过吸取教训不断改进自己的技巧和风格。绘画让我保持了一种持续进取和自我超越的心态，我相信只要坚持不懈，就能够做出更多更好的作品。

绘画给了我很多，包括认识自我、表达情感、探索创造、乐趣放松和不断学习成长。作为一名绘画爱好者，我将继续热爱和坚持绘画，相信它会给予我更多的启示和意义。希望通过我的绘画心得体会，能够激励更多的人去感受绘画的魅力并发掘自己内心的艺术天赋。无论是绘画初学者还是经验丰富的艺术家，我们都可以在绘画中找到那份独特的情感和美好。

古典主义绘画论文篇二

西方绘画源远流长，起源于古希腊和古罗马时期的彩陶绘画。随着历史的发展，欧洲的绘画艺术经历了文艺复兴、巴洛克、浪漫主义等多个时期的变革与发展。每个时期的绘画都有自己独特的特点和风格，反映出当时的社会文化和艺术观念。西方绘画一直受到世界范围内的高度赞誉和追捧，成为世界绘画史上的一颗明珠。

西方绘画在艺术特点和技巧上有着独特之处。首先，透视法是西方绘画中的重要技巧，通过控制线条和色彩的透视关系，使画面展现出更生动的立体感。其次，色彩运用精妙，西方绘画强调色彩的对比和光影的变化，通过色彩的运用，表现出不同的情感和氛围。此外，西方绘画还注重细节的描绘，并在人物形象、背景细节和静物构图等方面力求真实和细腻。这些艺术特点和技巧使得西方绘画成为世界绘画艺术的瑰宝。

西方绘画的艺术题材丰富多样，包括肖像画、风景画、历史画、宗教画等等。其中，肖像画以塑造人物形象为主要特点，通过画家的技巧和刻画表情、姿态等方面的突出，使人物形象栩栩如生。风景画则着重于描绘自然的壮美和人类与自然的关系，通过运用色彩和光影的变化，使画面具有强烈的观赏性和艺术性。在风格上，西方绘画包括写实主义、印象主义、表现主义等多种风格，每种风格都有其独特的艺术表现形式和艺术内涵，各有其受众和价值。

欣赏西方绘画，让我深深感受到其卓越的艺术魅力。首先，西方绘画给我展示了不同的时代和文化的艺术风貌，它们在题材和风格上的多样性令人叹为观止。其次，西方绘画通过对细节的描绘，展现出画家的造诣和独到的艺术眼光，在我欣赏中充满了对艺术创作的赞叹和敬佩。最后，欣赏西方绘画也使我感受到艺术对人情感的触动和启发，其中蕴含的思想和情感引起了我对自身内在世界的深入思考。

西方绘画给我带来了许多启示和反思。首先，艺术是跨越时空的语言，它可以不同文化和民族之间架起沟通的桥梁。其次，通过欣赏西方绘画，我深刻认识到艺术创作需要对人性和情感的敏感和理解，艺术家通过作品表达自己对世界和生活的感悟和思考。最后，欣赏西方绘画也让我发现自己对美的追求和个人审美的特点，这让我更加重视自己对艺术的理解和独特的艺术品味。

总结：绘画作为一种艺术形式，不仅代表着一种文化和时代的精神，更是对生活、情感和人性的体现。欣赏西方绘画不仅可以拓宽眼界和enrich自己的审美情趣，还可以引发对艺术和生活的深入思考。因此，我们应该珍惜这一绘画艺术宝库，从中汲取艺术的智慧和灵感，使之成为我们更加丰富多彩的人生的一部分。

古典主义绘画论文篇三

今年我国对高等美术学校的限制越来越弱，逐步的开放了高等美术学校中美术专业的招收学生的数量，，同时，我国现阶段学生通过美术类的高考进入大学的比例很高，因为这些高等美术学校对于学生的文化课的程度要求非常的低。在这种境况下我国的高考制度对于高等美术教育的影响是非常大的。

一、美术高考制度的现状介绍。

1）我国美术高考的题目和形式比较固定和简单。我国的美术高考都是大部分的省份集体的出卷联合考试，但是通过对多年的美术高考题目的和形式的总结可以发现这些都是年年相似本质上没有特别大的变化，这些内容都是在素描、速写和色彩的这三个方面中选择，同时美术的高考形式往往是很简易，学生在不需要有深厚的美术功底就能够通过突击和记忆达到一个高分，这种美术的现象的产生严重的阻碍了高等美术学校的美术专业的优良和进步方向的发展。

2）当前的美术高等学校对于学生的文化课的要求是非常的低的。现阶段我国的美术高等学校的高考录取学生的过程中往往对于美术学生的文化课的要求降低并且要求远远低于普通高等学校招生的水准。这种境况就造成了大部分的学生会认为在文化课不优秀的情况下选择美术类考试的这种捷径考上高等学校，更加造成了高等美术学校的学生的专业素质和文化课素质参差不齐的现象。

二、不健全的美术高考对高等美术教育的影响。

我国的美术的发展具有非常悠久的历史的同时前辈们的优秀的创作时刻的对我们现在的美术造成这非常大的影响，但是，由于我国当前的美术高考制度中存在的非常多的不和谐的因素以及不完善的制度造成了我国高等美术教育中的美术的发展的缓慢以及受限。

1）学生对于美术的学习不注重创新能力的培养，比较固定。高中的美术教学往往就是为了图上高等学校而进行美术的学习，这种情况下造成学生在学美术的过程中往往就是没有美术的创新的意识，只会照猫画虎的进行美术的学习，造成了高等美术学校的学生的审美和创新的'意识以及较高的艺术方面的修养不完善。

2）不健全的美术高考制度造成了部分高等美术学校的生的文化课的成绩较低的现象。由于现行的美术高考制度存在的缺点和弊端造成高等学校的美术专业的学生的文化素质偏低，就是因为现在的美术高考制度对于学生的文化课程的要求非常的低没有做到严格的要求。

三、改变这种影响提出的几点策略。

1）改变这种美术高考制度就需要进行教学思想方面的改变，做到把握真正的美术以及教学中的思想和方式有机融合。我国传统的教育模式应试教育模式对我国的学生的思想的压制以及对教师各方面的压制造成了个方面养成了懒惰的思想，同时高中的那种拿来主义式的学习已经在大学不能够适用，要全面的深刻的改变校方以及学生的思想观念，从源头建立起学生的对艺术的求真理念、对美术的创新和创造的思想观念，并且要求教师在教学的过程中把科学的美术思想和科学的教学方法渗透到学生学习的点点滴滴中去。以此来达到提升学生对美术的全面的理解的目标。

2）在高中的美术教育当中要随时的进行美术教学方式的转变。在高中阶段的美术教育过程中要做到普及让学生及时的进行美术优秀的作品的欣赏环节，对美术的观赏能够促进学生对美的感受同时提升学生如何进行美术的欣赏和激发自身对美术的兴趣，从而逐步的改变学生为了上高等学校才走美术教育的局面，让学生从心里产生对美术学习的动力。

3）及时的要求学生对美术进行创作并进行一定形式的奖励和鼓励措施，让学生把自己的所思所想通过美术的形式进行描绘出来。在美术的教育过程中做到鼓励和奖励措施与进行美术教育相结合，让学生在学习美术的过程中没有学习的压力，给予学生适当的奖励能够促进学生进行美术的创作以及做到让学生能够具有表现自己表达艺术和美的热情和信心。

4）进一步的进行高中高考制度的制度上的改革，从而完善我国的美术教育。我国的现行高等美术教育上出现的问题一部分原因是以为我国的美术制度的不完善造成的，在美术方面的改革需要及时的进行下去和深刻的进行下去逐步的完善我国的美术教育。

四、结语。

因为这些问题的出现需要进行美术教育的深刻的改变，时刻的发现美术教育中的问题同时时刻的把问题进行解决，逐步完善当今现行的美术高考制度以及提升高等美术教育的综合能力，促进美术专业的学生的全方面的发展。

参考文献：

[1]夏永峰。现行美术高考制度对高等美术教育的影响。成功（教育版）[j]。。10。

[2]杨琼。浅谈现行美术高考制度对高等美术教育的影响。华章[j]。。23。

[3]方勇。关于美术高考及美术教育的思考。读与写（教育教学刊）。10。

古典主义绘画论文篇四

摘要：随着现代社会的不断发展，科技手段的不断更新，人们的生活也变得越来越多样化。在科技发展的历史长河中，电脑可谓一项举足轻重的发明，在现代生活中，电脑已经和电视一样得到了普及，而且人们的生活已经逐渐离不开电脑，无论是平时的娱乐活动比如购物，看视频等还是一些科学研究的分子，电脑都给人们的生活带来了很大的便利。除此之外，电脑为美术以及设计领域也开辟了一片新的天地，使美术以及设计领悟也开始了新的电脑时代。电脑在美术设计领域的使用使美术艺术的表现比之以前更加具有视觉冲击力，带给了人们全新的美术欣赏的视觉体验，同时让美术艺术设计变得更加具有活力。但是在电脑美术设计与艺术的关系上，人们一定要认识清楚，电脑的使用只是为艺术锦上添花，艺术是使用电脑的指导思想。艺术具体表现出来或者是更加完美的表现出来需要电脑技术的支持和帮助。电脑美术技术和艺术形式的完美结合可能创造出更好的艺术作品。电脑的美术技术和人们所创造的艺术两者结合起来才能较为充分的表达人们所创造的艺术形式，因为某些艺术形式只考人们的手绘等等方法达不到真正的艺术效果。

关键词：电脑美术技术；艺术；结合；关系。

随着世界的发展，美也在随着时代的进步而进步，艺术也在不断的发展，趋向着带给人们更好的欣赏享受的方向。从十八世纪到现在的二十一世纪，美随着社会不断变迁。艺术的创新和存在形式对每一个时代都是具有代表性的，它代表了这个时代的审美追求和文化艺术的发展程度。在二十一世纪，艺术形式的创新则体现在电脑美术技术的产生以及电脑美术技术在艺术上的应用。电脑的出现和普及在带给人们生活翻天覆地的变化是，电脑美术技术也让二十一世纪的艺术和人们的审美发生了翻天覆地的变化。电脑美术技术弥补了人们手绘和表达程度的不足，能够较为完美的表达创作者的意图，使图画的颜色等等方面表达的更加完美。而电脑美术设计者需要多方面的能力，例如对电脑熟练掌握的能力，对艺术，色彩等等敏锐的感知以及设计能力。电脑美术设计者不仅仅要能够进行艺术创作，还要可以制造一些商业性的广告等等的美术创作。这是将人们感性的艺术感知以及电脑美术技术相结合。电脑在美术艺术上的应用一定会给人们带来全新的艺术体验。

一、电脑美术设计是技术和艺术的结合。

随着电脑的普及，为了电脑能够更好的服务于人们的生活，让电脑帮助人们走向更进一步的进步，电脑的软件等等也在不断的更新换代。电脑刚刚出现时只能进行简单的计算，发展到二十一世纪的今天，电脑已经可以帮助人们娱乐，更重要的是电脑可以帮助人们进行科学分析。对于艺术来说，电脑上美术设计软件的产生是一个进步。电脑美术设计技术与人们美的艺术进行了有机的.结合，让人们的艺术设计更加趋向于完美，使艺术设计进入了一个新的设计天地。在艺术设计中电脑的使用可以完成人们手绘达不到的一些艺术效果，一些艺术创作可能存在脑子里无法准确的表达出来，也许手绘很多次也达不到自己想象的画面或者艺术形式。所以如果利用电脑可以达到很多效果，比如，颜色的选择等，还可以做出一些特效等等将人们脑子里的艺术完美的呈现出来。除此之外，艺术虽然是要带给人们美的享受，但是也是要应用于生活实际中的，所以，在实际生活中的广告设计等等应用上，电脑提高了人们的工作效率和工作质量，电脑使美术艺术设计者的设计方法改变，甚至改变了设计思想。艺术设计是时代的产物，适应市场需求，扩散速度很快，得到了很大的发展，在人们的艺术世界中占有重要的地位。电脑在艺术上的应用很大程度上改变了人们的艺术世界。

电脑美术设计在生活中几乎无处不在，例如，广告设计，工业设计，建筑设计，动漫设计，电脑游戏设计等等。以“动漫设计”为例过去的动漫都是手绘，在人物设计和色彩应用上往往不及现在用电脑制作出的动漫。电脑所制作的动漫在细节处更加精致，背景的制作和色彩的作用也更加完美，达到手绘很难达到的效果。所以说，艺术是需要靠技术来展现的，两者是相互依存的。随着电脑软件的不断更新，电脑几乎出现在所有的设计工作中，人们也已经离不开电脑。电脑美术设计在艺术上的应用虽然时间不长，但是很明显在现代的艺术殿堂中，电脑美术技术所产生的艺术也已经有了自己的不败之地。电脑设计技术艺术不仅仅带来了具有冲击力和美感的视觉效果，同时也带了了艺术展现方式以及表达方式的变革。电脑美术设计技术所产生的作品是艺术和技术的结合。我们生活中常用的photoshop，coreldraw等图片编辑的软件为艺术设计带来了很大的便利同时也能够启发设计者的设计思路。电脑美术设计有“精，准，美，特”等优势是手绘做不到的。人们思想艺术和电脑美术技术的结合带给了人们新的视觉盛宴。

虽然现代的艺术设计几乎离不开电脑的帮助，但是设计作品的主体仍旧是人，而不是电脑，电脑只是在整个过程中起到一个辅助工具的作用。虽然电脑美术技术的作用很大，但是并不是只靠电脑就能有好的艺术作品。所以设计师在运用电脑设计的同时，自身必须有很好的设计功底和与众不同的设计想法以及对艺术的敏感触觉，同时具有很好的表现力，因为只有设计师本身有思想才能用电脑表达的更好。在设计世界中，电脑的存在给了设计很大的便利，所以对电脑能够进行熟练的艺术设计是设计师必备的技能。但是随着电脑在艺术设计世界的深入，很多设计师将提神自身的准重点放在提高个人电脑技术上，笔者认为有失偏颇。我们必须清醒的认识到设计的主体是人，设计最重要的是人的设计理念，而不是电脑美术技术。虽然电脑美术技术在艺术设计中有些很重要的地位，是很好的辅助工具，但是不能够本末倒置。设计者必须提高自己的设计素养到一定的水平，再利用电脑作为辅助工具，创造出很好的作品，但是创作的主要影响因素是创作者本身的创作素养而不是电脑美术技术。试想如果创作出的作品只靠手绘，那么作品肯定达不到我们想要的效果，但是，如果没有好的创作思想以及明确的创作思路那么作品注定是失败的。所以，在电脑美术技术和个人艺术创作素养上，是电脑技术服从于创作思想的，而创作思想的准确表达是依赖于电脑技术的。只有在真正的创作实践过程中，不断的提高自身的创作素养，同时熟练掌握电脑技术，两者完美结合才会创造出好的作品。

参考文献：

[2]汪晟.浅谈艺术类高职电脑美术设计专业课程的教学地位[j].科技创新导报，2008，（15）：226+228.

[3]铁锚.论计算机技术对美术发展的影响[d].大连理工大学，2005.

[5]孙绍君.百年中国品牌视觉形象设计研究[d].苏州大学，2013.

[6]董赤.新时期30年室内设计艺术历程研究[d].东北师范大学，2010.

[7]刁基良.浅谈舞台美术设计与戏剧的艺术特性的关系[j].民营科技，2007，（09）：105.

古典主义绘画论文篇五

绘画是一种富有创造力和表现力的艺术形式，通过色彩、线条和形状等因素，传达艺术家的想法和感受。作为一位热爱绘画的人，我深深意识到绘画不仅仅是一种技术，更是一种情感的释放和思想的表达。在我的绘画实践中，我体会到了绘画的乐趣、挑战以及对自我成长的推动力。在这篇文章中，我将分享我对绘画的心得体会。

第一段：起源与激情。

每个人对绘画的迷恋都是有原因的，我的热爱源于我小时候的一次亲身经历。那是在大自然中，我第一次发现了颜色和形状的奇妙。当时，我觉得自己就像置身于一个巨大的绘画中，每一幅画都是无穷的探索和发现。自那以后，我对绘画的兴趣与日俱增。绘画有一种超越文字的魔力，能够用视觉的方式传达深刻的情感和思想。这种直接的、直观的表达方式让我深深着迷。

第二段：技术与实践。

绘画是一门技巧和技术的结合。对于我来说，从掌握最基本的色彩和线条开始，到不断尝试各种不同的材料和风格，技术的提高是一个不断实践和学习的过程。我不仅参加绘画课程，还向经验丰富、技练精湛的艺术家请教。他们的指导对我绘画的发展起到了重要的推动作用。通过不断的练习，我的技术逐渐提高，我能更好地运用线条和色彩去表达我的意图。

第三段：表现与创新。

绘画是我表达自我的一种方式。通过绘画，我能够把内心深处的情感和思想呈现出来。绘画给了我一个自由创作的空间，无论是抽象的表现形式还是具象的形象描述，都能够找到适合我的方式。在表现方面，我尝试着将自己的情感融入到画作中，通过线和色彩的运用来表达我对生活、对世界的理解和感受。此外，我也不断地尝试一些新的技巧和风格，以实现自己的创新。

第四段：挑战与坚持。

尽管绘画是一种富有乐趣的活动，但它也会带来一定的挑战。在实践中，我会遇到一些技术上的困难，遇到创作上的瓶颈。然而，这些困难并没有让我灰心丧气，相反，它们成为我前进的动力。我学会了坚持，相信艺术的力量，相信自己的潜力。我不断地面对挑战，不断地寻找突破，这让我在绘画过程中找到了不断超越自我的动力。

第五段：成长与反思。

绘画对我来说不仅仅是一种爱好，更是一个成长与演变的过程。通过不断地练习、实践和探索，我发现自己的绘画技巧和创作能力在不断进步。同时，在我的绘画实践中，我也思考和反思着我自己的创作动机和目标。绘画不仅仅是一门技术，更是一种思维方式和生活态度。通过绘画，我找到了内心的平静和宁静，也培养了对艺术的敏感和洞察力。

综上所述，绘画是一种充满乐趣和挑战的艺术形式。通过不断的实践与探索，我体会到了绘画给予我的成就感和满足感。绘画不仅仅是一种技术，更是一种表达自我的方式。通过绘画，我能够传达我的情感和思想，找到属于自己的声音。绘画的过程也让我面对挑战和困难，但我学会了坚持和超越自己。绘画让我成长，让我发现自己的无限潜力。

古典主义绘画论文篇六

导言：

西方绘画作为世界美术史上的重要组成部分，具有悠久的历史和丰富多样的表现形式。我曾有幸在大学期间学习了西方绘画史，并亲自尝试了西方绘画的创作。通过这段学习和实践的经历，我深刻体会到西方绘画的特点和艺术价值，对此我愿意分享我的心得体会。

第一段：西方绘画的形式和技法。

西方绘画的形式和技法极为丰富多样，从传统的油画到当代的水彩、素描等各种绘画媒介都有所涉及。对我而言，最让我印象深刻的是油画的细腻表现力和立体感。油画能够通过层层上色和明暗对比，创造出更加绚丽的效果。我在创作过程中掌握了浓淡的运用、线条的运动感表现以及色彩的配合等技法，使我的作品更加生动有力。此外，西方绘画还注重透视和构图，能够巧妙地运用透视原理和构图技巧，使画面更加有深度和层次感。

第二段：西方绘画的题材和主题。

西方绘画的题材和主题丰富多样，涵盖了宗教、历史、风景、肖像等各个领域。不同的时代和地域产生出截然不同的绘画风格和题材特点。在学习西方绘画史上，我深入研究了一些著名画家和经典作品。例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了一种神秘和深邃的面孔，使人无限遐想；而毕加索的作品则以他独特的艺术语言表现了社会现实和情感世界。从这些作品中，我领悟到西方绘画情感表达的力量和多样性，也激发了我在创作中对不同题材和主题的探索。

西方绘画的审美观念深深熏陶了我对艺术的理解。其中之一是西方绘画强调对自然的观察和再现。通过对光影、色彩和线条的细致描绘，西方画家能够还原自然界的细节和美感。同时，西方绘画也注重艺术家主观感情的表达。西方绘画家们在创作中注重个人对题材的理解和情感的投入，使作品更加个性化和富于情感共鸣。这种审美观念的影响，使我在创作中注重观察现实，表达自己的情感和体验。

学习西方绘画史和实践西方绘画创作给予了我许多启发。首先，西方绘画教会了我如何更好地运用颜色和光影效果，使我的作品更加生动。其次，西方绘画的透视和构图技巧让我更加关注画面的整体效果和平衡感。此外，通过学习西方绘画的各个时期和流派，我了解了不同艺术家和风格的特点和发展脉络，提供了对各个时代的艺术发展的宏观理解。所有这些启发都让我在绘画创作中有了更为深入的思考和实践。

第五段：未来对西方绘画的思考。

西方绘画作为世界文化的瑰宝，无论是在艺术史上还是在绘画创作中，都占据着重要的地位。随着对西方绘画的研究和实践越来越深入，我对西方绘画的兴趣和热爱也日益加深。未来，我希望能够进一步学习和探索西方绘画，继续提升自己的绘画技巧和艺术修养，为艺术创作做出更多有意义的贡献。

结束语：

通过学习西方绘画史并亲身实践，我对西方绘画的形式、技法、题材和主题，以及审美观念有了更全面和深入的理解。西方绘画的多样性和艺术表现力给予了我许多启发和思考。相信在未来的创作中，我将继续秉持对西方绘画的热爱和追求，为艺术事业贡献力量。

古典主义绘画论文篇七

摘要:刘纲纪先生是当代著名美学家、美术理论家、书画家。他对中国传统绘画理论的研究，建立在马克思主义实践本体论的理论基础上，建立在自己对绘画实践的经验体验上。既有哲学、美学与思想文化史高度上的理论概括和总结，同时又有对画家具体作品的技巧、形式、风格的深刻体悟与分析。这使他的绘画理论具有卓异的创造性和科学的理论性，并成为他实践本体论艺术美学思想的重要组成部分。

刘纲纪先生是我国著名的美学家，马克思主义实践美学的奠基人之一。同时也是著名的美术理论家、书画家。在半个多世纪的学术生涯中，他将美术、美学、哲学三者相互交融，连为一体。在中国当代文化史上留下了重要的印记。早在1959年，刘纲纪在《六法初步研究》的“后记”里说过:“对于我国十分丰富的传统绘画理论遗产整理的工作，需要多方面的素养:理论的素养、历史的素养和实际进行绘画制作的素养。只有具备了这些条件，才能做好这一工作，才能把我国传统绘画的理论科学地加以系统化，使其对当前的创作起到应有的作用。”［1］这是在一般理论意义对从事绘画理论工作者提出的基本要求，实际上也是他对自己的要求。刘纲纪先生对中国传统绘画理论的研究，扎实可靠地建立在马克思主义实践本体论的理论基础上，建立在自己对绘画实践的经验体验上，这使他的绘画理论具有卓异的创造性和科学的理论性，成为他实践本体论艺术美学思想的重要组成部分。1960年，他的《“六法”初步研究》一书，由上海美术出版社出版。这是我国第一部运用马克思主义的世界观、方法论来研究中国画的理论纲领———“六法”的专著。1963年，《龚贤》一书出版。1979年，《黄慎》一书出版(同属上海人民美术出版社《中国书画家丛书》)。总体来说，主要成就表现在以下几个方面:首先是从实践本体论出发的研究原则和方法，二是不囿旧说、自抒新见的绘画历史人物论;三是对古代文人画精审独到的阐释;四是对谢赫“六法”的精微解读。

一、以实践本体论为指导的研究原则和方法。

作为中国实践美学的创始人之一，刘纲纪一直站在马克思主义哲学的立场之上，运用马克思主义实践论的观点创造性地建构了他的实践本体论，在这一哲学理论的基础上，深入地研究了美和美感的本源和本质，此后又以此为理论指导，研究探索艺术的一般本质和规律以及各部门艺术的本质特征，从而形成了一套行之有效的科学的研究原则和方法。在谈及中国美学史的研究方法时，刘纲纪指出:根据马克思主义哲学，社会实践是美的根源，艺术是对现实生活的具体感性的审美反映，是美的最为典型最集中的表现形式，而现实生活正是人类在漫长历史过程中实践的结果，所以实践是社会的本源，是反映社会生活的一切艺术形式的本体。正如马克思所言:人类的精神生产的性质由物质生产(这是实践的首要方面)的一定形式产生出来的一定的社会结构和人对自然的一定关系所决定的。因此，要科学地说明包括艺术在内的精神生产的实质，就必须从一定的历史时代的物质生产状况出发，分析由这种状况所决定的人与人、人与自然的关系，进而又分析由这两者决定的，同人们的审美意识不能分离的精神生活的方式，“这是我们认为在中国美学史的研究方法上首先必须遵循的一个基本原则。”［2］实践本体论美学思想是科学的美学思想，以此为指导原则对艺术概念、范畴、规律的揭示和评价能符合历史的实际，把历史的分析与逻辑的分析结合起来，把考证训诂与理论分析结合起来，在人类文明发展的社会学的宏阔背景下进行中西美学的比较研究，才能对包括绘画理论在内的中国古代美学做出新颖正确的研究。在《美术概论》中，刘纲纪先生把以上原则和方法具体分解为四点:第一，马克思主义哲学的世界观;第二，批判地继承中外美术理论遗产，以马克思主义观点加以改造，在广阔的理论背景中进行中西融会的比较研究;第三，实事求是的方法。从实际出发，知人论世，弄清各个画家的生平、作品、思想观点，坚持实践是检验真理的唯一标准;第四是辩证的方法。把握艺术现象或理论观点的对立统一的两面，搞清值得肯定的进步的一面和它局限性的一面，准确评价判断其理论价值和历史地位。［3］在谈到“六法”的来源的问题时，他指出了其社会实践根源;在对龚贤、文征明、云林等画家论述时，注重时代变化和政治影响;研究“四王”和“吴门四派”的兴起时，侧重历史必然性和当时的社会原因，指出“四王”乃是康熙文化政策的产物，从历史与逻辑统一的角度做出了客观正确的揭示和辩证的符合史实的解释。同时，他也注意到概念、命题在历史发展过程中衍化转变出的不同理论意蕴，如对“六法”的历时性研究，都深刻体现了理论分析与考据训诂相结合的研究原则，使其结论建立在真实可靠又辩证客观的基础上，形成了言之有据、论之有理、圆融自洽的理论风格和学术品位。

二、不囿旧说，独抒新见的人物论。

刘纲纪的画论，涉及了历史上众多的画家和绘画理论家，在《中国书画、美术与美学》中主要研究了顾恺之、宗炳、王微、谢赫、姚最、文征明、董其昌、龚贤、“四王”、黄慎等重要人物，其中对谢赫、文征明、龚贤和黄慎等用力最多，进行了深入而系统的研究。对这些人物的研究中，刘纲纪依据实践本体论的美学观点和方法，在大量考据原始资料的前提下，在社会学的广阔视界里对他们的成就和局限进行了纵向的历史定位，同时对他们的理论观点同西方有关美学理论和相关画家进行了横向对比。龚贤是刘纲纪最为用心用力研究的人物之一。从1961年《龚贤》一书的出版到为《中国古代名家作品丛书》写《龚贤》，历时近半个世纪，对龚贤的字号、籍贯、生卒年、家世、生平、著作、主要绘画成就和绘画理论他都进行了精谨严肃的研究。以详实的考证为依据，澄清了相关错误记载，合理解决了研究者长期争讼不清的问题。考察了在清代画史上龚贤绘画艺术和理论不被重视，未能得出公正的、有见地的评价的原因。他指出，由于当时的画坛如娄东、虞山两派的.独霸地位，也因当时社会好尚的影响，人们大都追慕“清疏秀逸之趣”，而与带有悲壮之气的“沉郁雄厚”的龚贤画风不能相容，造成了当时的论家不能公正地品评龚贤。他将龚贤的特殊贡献放到更为广阔悠长的历史背景上，放在从宋元至明清山水画发展的历史过程中，社会历史与艺术自身发展逻辑的统一中去考察，得出了突破旧说的富有真知灼见的结论。认为龚贤论画，重视天地造化，重视作画与造化同根，阴阳同候。在创作上，创造出了无笔法墨气之分的“浑沦”的技法，当同时代画家们则喜欢画残山剩水以寄托明朝亡国的哀思之时，他仍以积极入世的精神来眷恋赞美明朝的大好河山，在全景式重峦叠嶂的大幅山水中显扬气象万千的壮丽，视域超越了时代。其作品足以和西方17世纪如荷兰的写实主义风景画相媲美，可以成为打通研究中西绘画的一个重要渠道。

三、对“文人画”精审独到的阐释。

在中国画体研究中，历史上出现过三种划分模式，即郭若虚等人的“以体标体”，何良俊等人的“以家划体”和董其昌等人的“以宗划体”。但他们的这些分派都有牵强矛盾、繁纷凌乱之处，所以如何运用逻辑的方法进行梳理归纳，以科学体系勾勒出一个较为明确清晰的体派轮廓，一直是后世美术史论家们追求的一个学术目标。著名书画家、美术史论家王学仲先生根据中国画原有体系与划分原则，把中国画分为文人画体、作家画体和宫廷画体三体，是为人们广泛赞同的一种划分方法。［4］在比较归纳的基础上，刘纲纪等人认为，文人画应当是这样一个大致历程，即发生(魏晋)———发展(唐)———确立(宋)———成熟(元)———进一步演化发展(明清)。依据实践本体论的艺术反映论的观点，他指认了这些类型所产生的现实根源，即现实政治和社会生活。在刘纲纪看来，中国绘画史差不多可以元代为界，划分为元以前和元以后两大时期，而宋元绘画异同于明清绘画的一个重要方面是文人画的发展问题。中国绘画从宋到元的重大历史转变的发生，在于出现了以元四大家为代表的文人画，因此，元画与宋画的区别，最主要的是文人画的区别。对于文人画，刘纲纪提出了“广义文人画”的观点，这是一个颇具创造性的重要思想。关于“广义的文人画”刘纲纪认为:(1)从思想上来看，在中唐禅宗产生以前，思想上是儒、道、玄三者兼而有之，禅宗产生以后，是儒、道、玄、禅四者兼而有之的文人画，在不同时代和具体的人那里，这种思想所占的比例以及它们相结合的情况各不相同，这一类文人对道家的飘逸、玄学的超脱、禅宗的空灵依时代和画家本人的个性不同而各有所爱，但最终又不否定儒家与仁道相关的中正和平的要求。(2)从审美趣味追求上看，鄙弃与世俗对荣华艳慕相关的美，而追求一种天然、含蓄、悠远平和的美，在不否定现实人生的前提下，追求一种超越性与永恒性。(3)从艺术观的理解上看，他们高度重视艺术家个性情感的表现。(4)文人画的发生可上溯至魏晋南朝，但它作为一种重要艺术倾向而明显地表现出来，实始于宋代。［5］所以，“广义地说，凡属表现了上述审美要求与思想的绘画就可称之为文人画。”［6］这样，对文人画的理解就不只限于元代文人画而可以上溯至晋代的王恺之、南朝的宗炳、王微、唐代的王维，但文人画取得成熟的典型的形式，成为独立的、人数众多的流派，并对中国绘画产生重要而深刻影响的则是从元人文人画开始。广义的文人画，不限于元代，同时又以元代文人画为重要代表。这种界定承前启后，既符合对文人画最先标体划分的董其昌等人的理解，又符合于中国绘画发展的实际。在对文人画进行分类的同时，刘纲纪依据文人画发展的历史状况及其影响，创造性地提出了“新文人画”［7］这一观点，并认为是董其昌开创了“新文人画”，这是董的重大贡献所在。他认为董其昌一反对元画轻视贬抑的看法，把它提到了极高的位置，同时又不否定宋画，立足于元画又注意吸收宋画的成就，这就与沈周、文征明、陈洪绶等人立足于唐宋绘画去吸取元画成就形成鲜明的对照，表现了明末绘画的一个新方向。

四、对“六法”的精审解读。

从某种意义上可以说，刘纲纪是从研究“六法”开始涉足绘画理论研究的。发表于1957年的《关于“六法”的初步分析》，是刘纲纪“在50年代的条件下试图用马克思主义的美学观来解释中国绘画‘六法’论的产物”［8］对于中国美术理论界在建国之后运用新观点研究传统问题具有开拓性的意义，产生了深远的影响。主要表现在对“六法”源出所作的社会学考察和在此基础对“六法”原初意义的体辨;以辩证的分类观点从艺术创作与欣赏的角度对“六法”作出新颖理解;以历史的发展的观点对“六法”主要概念如“气韵”、“骨法”等作出精谨的解读等方面。任何一种理论的形成都是社会实践的结果，都应该在这实践中找到说明，“六法”也如此。过去国内外不少对“六法”的研究大体不外有两种情况:一种是孤立地而非从实际的历史发展中考察，往往在字面意义上或陷入古人争论纷纭的歧异之中，或引申出玄妙难解的诠释。另一种是唯心主义或形式主义的阐释，常常把毫不相干的思想强加于谢赫。刘纲纪认为，对“六法”的研究和阐明，只有联系谢赫当时绘画发展的实际情况，才可能达到正确的了解。谢赫活动的南朝齐梁期间是中国文艺史上自觉提出和讨论文艺理论，和批评同起的时期。当时文艺多用来吟咏情性，与现实生活中人的思想感情有了更加密切的关系，并成为上层社会中唯务享乐的重要精神生活内容，文艺品评也自然成为他们饶感兴趣的问题。谢赫的《画品》在此种时代环境中应运而生。由于谢赫是当时最有影响的宫廷画家，在表现技巧上有“细密精致而臻丽”的高超能力，又有“随时变改，与时竞新”的创造意识，有条件有资格出来评论还没有人论说过的绘画问题。“六法”虽为谢赫提出，但其它文艺形式的品评对他有不小影响，特别是《文心雕龙》、《诗品》等文论思想，萧子显、萧纲一派的文学和美学思想倾向。但最为重要是魏晋以来的绘画实践和思想的发展为其所作的准备，顾恺之的“传神写照”、“置阵布势”、宗炳的“以形写形”等言论观点都成为“六法”的思想资源。“谢赫的功绩在于他适应当时绘画批评的需要，把原来在顾恺之和宗炳那里还是零碎、散乱、模糊的思想，加以明确化、系统化、完善化，提升为创作和批评的准则。”［9］为了进一步印证，刘纲纪在1980年代出版的《中国美学史》中对谢赫的生平活动，《画品》的成书年代及书名，“六法”句读等作了深入的考察和辨析。他认为，从创作和批评的角度来进行内部结构的分类分析是正确估价“六法”理论价值和历史影响的关键所在，因此，“六法”应这样理解:应物象形，随类赋形和经营位置是中国绘画艺术表现技巧的三个基本方面;骨法用笔是绘画中的造型技巧;气韵生动是中国绘画的现实主义美学准则;传移模写是向传统学习的重要方式。它是一个既包含了创作与批评的一般理论的准则，又包含绘画艺术技巧的准则，从而构成了中国绘画理论科学系统的体系。为了正确理解和把握其真实含义，刘纲纪运用历史的发展的观点，对诸如“骨法”、“气韵”等重要概念进行了精细谨严的考析，在理清这些概念在历史上不同时代的意义变化的前提上，对其作出了马克思主义实践本体论美学思想的现代阐释。从谢赫的原初意义上讲，“骨法”是人的形体状貌，又与人的“性”即人的“操行清浊”有关，这原是一个性命哲学、面相学中的术语，在王充《论衡骨相》和刘邵品识人物的专书《人物志》里都论说过。顾恺之第一个在绘画批评中应用了这一术语，之后，谢赫才进一步提出来了“骨法用笔”，到唐代，张彦远把它称之为“骨气”，这是面相学中对“骨法”的另一种称谓，“气”就是人的“气色”。所以，刘纲纪认为，“古人所说的骨法，意味着我们现在所说的人体的形体比例、结构、质量感、体积感等等，即人体验生活造型构成的各个要素。”［10］但他同时指出，宋代山水画的发展使“骨法用笔”的含义有了重大变化，山水画家们按照创作实践中的要求去理解“六法”，拓展和丰富了“骨法”的含义，它不再只指人的形体的造型构成，而且也指山水中树木山石房屋，后来也指花鸟等形体的基本结构。这是把握“骨法”含义的一个必须注意的重要问题。总之，作为中国实践美学创始人之一，刘纲纪先生以实践本体为基点，创立了以“自由”为中心范畴的美学体系，并延伸至艺术学的研究与艺术创作中。统观刘纲纪对中国绘画史论、美术理论的研究，其重要特征在于既有哲学、美学与思想文化史高度上的理论概括和总结，同时又有对画家具体作品的技巧、形式、风格的深刻体悟与分析。在《美术概论》中他说:“从历史上看，美学或艺术理论有两种情况:一种可以叫做艺术家的美学，一种叫哲学家的美学。这两种各有优缺点。对我们来说，既要懂得艺术，热爱艺术，不是外行，又能做哲学思考，不要怕抽象思维的艰苦。换句话说，既要有艺术家的气质，又要有哲学家的气质，这两者统一起来，就会有所成就。”［11］毫无疑问，刘纲纪是兼长这两种气质的理论家。在马克思主义社会人类学、文化学、政治经济学的视域中，在历史维度和逻辑维度的交叉点上，刘纲纪先生对中国古代绘画理论及相关作品作出了切合实际的历史还原与精彩的文本阐释。

参考文献:。

［1］刘纲纪:《中国书画、美术与美学》，武汉:武汉大学出版社版，第296页。

［2］李泽厚、刘纲纪:《中国美学史(先秦两汉编)》，合肥:安徽文艺出版社版，第11页。

［3］刘纲纪:《中国书画、美术与美学》，武汉:武汉大学出版社20版，第755－763页。

［4］王学仲:《王学仲美术论集》，天津:百花文艺出版社1994年版，第4页。

［5］刘纲纪:《中国书画、美术与美学》，武汉:武汉大学出版社年版，第540页。

［6］刘纲纪:《中国书画、美术与美学》，武汉:武汉大学出版社2006年版，第321页.

古典主义绘画论文篇八

摘要：绘画艺术的自我意识，是在摄影的刺激下形成的。绘画与摄影的区别表现在眼、手、心三个方面。摄影提示了绘画不是模仿，而是“有意味的形式”。绘画的“形”不等于“形象”(再现性形象)，而毋宁说是“形式”(抽象性形式)。绘画线条的意义从笔触中获得肯定，笔触和线条是画家身体活动的结果，因此绘画作品中有一个“看不见的身体”存在。构图是绘画处理中最根本的问题，其与空间互为表里，空间意识表现为画框意识与平面意识。绘画史呈“从形象到空间”的趋势而发展。

关键词：绘画;摄影;美学;有意味的形式;人心营构之象;空间幻象。

自古就有关于绘画艺术的大量思考。但是，直到19世纪下半叶，对绘画艺术的一种全新的理解才逐渐形成，进入20世纪，绘画美学才取得突破性的进展。这与美学的发展有关，与绘画艺术的演变有关，更与摄影技术的发明有关。摄影技术的诞生，使我们对绘画的理解发生了翻天覆地的变化。甚至可以说，在摄影技术产生之后，绘画以摄影为镜，方才真正地看清自己的面孔，认识到绘画本身的存在意义。亨利・摩尔指出：“摄影在今天扮演了一个很重要的角色，它的精确拷贝能力解放了画家并且使他们进发出另外一种观念。”绘画艺术的自我意识，是在摄影的刺激下得以形成或获得自觉的。因此，本文将以摄影为背景，以20世纪美学为参照，思考绘画艺术的美学问题。

一、眼与手。

1839年8月19日，法国科学院和美术院召开联合会议，公布了银版摄影术的专利权得到批准的消息。随着消息的公布，浪漫主义画家保罗・德拉罗什发出载人史册的一声惨叫：“从此以后，绘画死了!今天我们已经很清楚，德拉罗什纯属杞人忧天，绘画并没有寿终正寝。但是，历史地看，德拉罗什固然惊恐过度，却也在情理之中。摄影对绘画的冲击之所以如此之巨，是由于它彻底颠覆了西方传统绘画观念，那就是模仿论。在摄影诞生之前的西方画家看来，绘画模仿自然，实为天经地义。根据模仿论，“逼真”、“酷似”自然而然地成了绘画艺术的评价标准。然而，拥有“纪实性”天赋的摄影出世之后，画家们马上意识到，在逼真或肖似方面，绘画根本不能与摄影一争长短。

安格尔感叹道：“摄影术真是巧夺天工，我很希望绘画也能画到这样逼真，然而恐怕任何画家都办不到。”绘画为之奋斗了数千年的神圣使命，如今被摄影轻而易举地实现了。画家们如梦初醒，觉悟到模仿的使命从此不再神圣，甚至只是一个历史的误会。从19世纪末到20世纪初，西方画家、批评家和美学家基本上达成一个共识：“摹仿的理论早已不足为信了。”总之，以摄影为参照，绘画开始对自身的模仿性产生了怀疑，并且逐渐意识到自己的家园存在于摄影之外。

因此，找出绘画与摄影的区别，便是找到绘画的家园，找到绘画存在的理由。这个区别，简言之，就是人工与机械的区别。绘画的“人工性”表现为三个方面：眼、手、心。宗白华在短文《论素描》中生动地说，在素描中“画家的眼、手、心与造物面对面肉搏”。这句话可以借来一般性地说明绘画与摄影的区别。在摄影中见不出“眼、手、心与造物面对面肉搏”。自然，眼、手、心三者，在绘画中相互交融，连贯一气，只有在言说中才可以分解开来。

第一，眼。绘画与摄影均基于视觉，但是，画家和摄影家的观看是大不相同的。画家直接通过眼睛来观看，“与造物面对面肉搏”，而摄影家通过照相机的镜头来观看，眼睛与世界之间隔着一个镜头。根据格式塔心理学的原理，视知觉并不是对事物的忠实记录，而是一种“型知觉”。阿恩海姆指出：“所谓视觉，实际上就是一种通过创造一种与刺激材料的性质相对应的一般形式结构，来感知眼前的原始材料的活动。这个一般的形式结构不仅能代表眼前的个别事物，而且能代表与这一个别事物相类似的无限多个其他的个别事物。”比如汉字一贯被视为“方块字”，其实只有极少数汉字才是比较纯粹的方块形。又如，按照摄影的记录，人脸的轮廓是十分复杂、细碎的曲线。但我们用眼睛看，就觉得那是“圆脸”、“长脸”、“瓜子脸”、“葫芦脸”等简单的完整的几何形。儿童绘画就是格式塔理论的一个实例。

儿童画肖像或人脸，往往先用线条描出一个圆形或方形，再在中间填上一些简单的道道以代表眉眼口鼻。这样的形象，只能象征一个“抽象的人”，而不是一个特定的“爸爸”、“妈妈”、“爷爷”、“奶奶”、“哥哥”、“姐姐”(当然，儿童本人可以随心所欲地将它看做任何一个人)。它是一种概括化的形象，一种“感性的抽象”，一种“知觉的概念”。因此，绘画再现事物时，总是从概括的图案或抽象的程式开始，逐渐地逼近个别事物，个别性是绘画创作的终点。相反，摄影却不具备任何抽象概括的能力，只能以个别的事物为起点。举例来说，“摄影在表现一张概括的面孔时，会发生很大困难。它不得不从一个个别的例子人手。为了达到概括，它也许不得不去模糊或者竟要部分地隐藏这一个体的那些明显的细部。与积极的抽象陈述相反，它只能用删除一些原初材料的办法消极地达到这个目的。”

第二，心。抽象概括是视觉的特点，也是心灵的能力。绘画再现的对象具有非现成性或未完成性，甚至隐而不显，有待于画家参与进来促其显现;画家作画的过程，就是通过种种方式去探索、获取、创造形象的过程。纵然在写生时，画家也必然对眼前的物象加以概括化、理想化。

1516年，拉斐尔曾在一封信中自供：“为了画出一个美的女人，我必须观察许多美的女人，而且这也以你会帮助我作出选择为条件;不过，由于美的女人非常少，确切可靠的判断也很稀罕，所以我运用了我的头脑中产生的某种观念。”所谓“运用头脑中产生的观念”，也就是理想化。正是由于形形色色的理想化，才赋予艺术作品以独特面目和鲜明个性，使绘画千姿百态气象万千。因此在绘画作品中，我们看到的并不是感官直接性的自然，而是对自然生气洋溢、独辟蹊径的解释。摄影不具有抽象概括的能力，也不具有理想化的能力。摄影的对象总是已经现成地在眼前了，只等拍摄，甚至只需一按快门，瞬间完成。摄影并非一个创造形象的过程，因而就“摄像”本身而言，不具有创造性，而只是“记录”。

摄影并非理想化的创造物，镜头感触不到理想之域。如阿恩海姆所言，摄影就是“在实存的世界上寻找不寻常的事物”，而摄影作品，则是对那些发现了罕见美好事物之摄影家的奖赏。章学诚《文史通义》曾说，有“天地自然之象”，有“人心营构之象”;衡之摄影与绘画，摄影只能接受(选择)现成的“天地自然之象”，绘画形象则是创造出来的“人心营构之象”，简称“心象”。

第三，手。摄影家的观看联系于镜头，画家的观看联系于人手。摄影是镜头和底片的艺术，绘画是眼与手的艺术。摄影家一看到某个奇妙的事物就想立即拍摄下来，画家一看到某个奇妙的事物就想立即描绘下来。在《金玫瑰》中，康・帕乌斯托夫斯基借一位画家之口说：“看每一样东西时，都必须抱定这样的宗旨，我非得用颜料把它画出来不可。”观看时伴随着在绘画媒介中实现知觉对象的强烈冲动，乃是画家区别于常人的主要标志。借助于绘画媒介，如色彩、调子、线条、形体，画家在现实物象和绘画形象之间撕开了一道裂隙。

古典主义绘画论文篇九

“宪政是指一种使政治运作法律化的理念或理想状态，它要求政府所有权利的行使都被纳入宪法的轨道并受宪法的制约。”而宪政意识则是在宪政形成之前或行程中所萌生的一种关于宪政的启蒙思想。在宪政未完全确立之前，宪政意识己经存在并且始终影响着宪政的发展历程，而一个国家宪政意识的形成是受多种因素影响的:。

首先，物质决定意识，经济的发展对宪政意识的形成有着重要作用:。

其次，政治对意识形态也有着重要作用，因此在中世纪的西方，基督教神权以及权利之间的相互关系对宪政意识的形成有着重要影响力:。

再次，文化对思想有着重要影响，一个国家的历史文化背景也深刻的影响着一国的宪政意识发展:。

最后，社会剧变往往是一些重大思想意识形成的导火线，因此文艺复兴、宗教改革等运动也对西方宪政意识的形成产生了重要作用。

二、西方宪政意识形成的几个因素。

(一)市场经济。

“在自给自足的自然经济的经济基础上，宪法、宪政不可能产生。在这种经济基础上，盛行的是等级特权观念、集权人治思想，对各种社会关系的调整主要依靠严刑峻法。道德礼教、宗法关系、习惯传统、宗教戒律等”。因此我们不妨大胆假设，只有在市场经济的基础上才能滋生自由、平等理念和限制政治权利的精神，才会由此产生宪政意识乃至宪政。

市场经济是一种权力经济，一种契约经济，一种竞争经济，权利的确立和保障离不开法律，契约的本身具有法律效力，也需要法律加以确认和保障，而法律也是对市场主体自由平等竞争的保障。而这三个特性都需要从法律的角度对市场经济进行保护和制约。因此，市场经济的产生催生了宪政意识的形成和发展，它的发展也进一步促进了宪政意识的发展。而这也恰巧解释了为什么早在1066年英国就出现了最早的宪政意识，因为在那时的英国出现了交换通畅的市场经济。

(二)宗教。

“任何宗教都不会产生宪政意识，基督教也不例外。”那为什么说西方的宪政意识形成与宗教有关呢，那是因为有句话是这样说的，哪里有压迫哪里就有反抗，西方的宪政意识就是在与基督教神权的斗争中转型的。10世纪后随着市民意识的觉醒，市民社会的法权要求反对基督教神权统治的基础，在此基础上，15世纪以后，欧洲先后出现了多次反对基督教神权统治的运动，正是在反对基督教神权的斗争电“基督教文化中所传承的宪政理念得以释放并与市民社会的法权要求相结合，形成了近代宪政理念”。

因此，在欧洲中世纪，正是这种与宗教不断斗争的市民社会的产生和市民精神的出现才是最具革命性的因素，是民族国家和宪政意识产生的决定性因素。宗教，用它最不愿意看到的方式帮助了宪政意识的形成和发展。

(三)地理位置。

地理位置的独特性往往能催生出不同于别处的意识形态。最直观的例子便是雅典曾出现了人类历史上最早的宪法。

宪法的最早形成得益于雅典民主制度的高度发展，而民主的高度发展则是得益于雅典的独特地理环境。雅典四面环海，地形以山地为主适合农耕的上地很少，迫使雅典的工商业高度发达，人们在对外交流过程中思想境界非常开阔。其次，雅典地域狭小，也就是一个城市连同其周围不大的一片乡村，人口较少，小国寡民的雅典“乡居的公民进城参加公民大会可以朝出暮归，人们相互间比较熟悉。而在广阔的国家中，这些条件是全不具备的，所以，城邦制度和直接民主是相互依赖的。”我们不妨说是雅典独特的地理环境造就了雅典的民主政治，也正是雅典的民主政治酝酿了其先进的宪政意识。

(四)权利之间的制约关系。

“法治是宪政的要素，是宪政的基石。然而法治需要有深厚的民主底蕴。毕竟，宪法不是少数人的意志的反映，而是人民共同意志的反映。因为宪法集中反映全部人民而不仅仅是大部分人的共同意志，所以宪法具有至高无上的地位，国家权力必须受宪法的制约，国家机关的权利要有宪法依据，一切超越宪法而行使的权利都是从人民那里篡夺的权利。因此，宪政意识是否能健康正常发展，也取决于国家权力之间的制约是否达到平衡，是否能保证国家制度是建构在民主体制基础之上。

这从下列观点中可以得到支持“只要一个宪法代表着民主理论，只要它是一部有权威性的'宪法，它就必须保护人民参与政府的权利。只要一个宪法体现着宪政理论，只要它是一部有权威的宪法，它就必须限制政府权利，甚至人民自由选举出来的代表的权力，而且要以保护个人其他实质性权利的方式。”形在十七世纪的法国，启蒙运动兴起后，最先出现了三权分立思想，这也是法国宪政意识兴起与发展的表现。

(五)历史文化。

历史文化在一定程度上深刻的影响着人们的价值观和世界观，因此，西方的宪政意识在很大程度上是受其传统历史文化影响的。

中世纪的西方国家实行的是领主制度，而“领主和封臣之间的依附关系是通过一种类似于契约的方式建立的”。这就意味着领主不能对封臣享有任意的专断权利，领主不仅享有种种封建权利，同时还必须承担一定的义务“从这种契约观念出发，自然就会导向一种权利义务关系和观念，以及由此催生的对于法律规则的尊重态度。

由此看来，尽管封建主义政治制度的最大缺点在于缺乏强有力的中央权威，从而导致行政的无效率、司法不统一以及地方上的分裂主义，但是却造就了一种对于权力进行限制的观念和制度。因此，从这不难看出，西方宪政意识的启蒙和发展都深受其历史传统文化的影响。

(六)社会剧变。

社会剧变能够影响整个社会的经济、政治、文化发生深刻变化。西方的众多改革也对西方的宪政意识产生了巨大作用。

在文艺复兴时期，人文主义者强调以个人为中心“以个人的意志、欲望和权利作为人自身观察、思考与评判万事万物的是非标准。个人为中心对政治现象的分析和对国家的认识形成了西方近代最初的宪政理念。而16世纪的宗教改革运动，使统一西欧的基督教分裂，新旧两教的并立，使罗马教廷至高无上的权利瓦解，使得他们的民族意识开始觉醒，从而为宪政的发展铺平了道路。

无论是文艺复兴还是宗教改革，它们都以它们的形式对民主启蒙思想，对宪政意识产生了无比重要的意义。

三、总结。

宪政的发展过程是艰难而曲折的，影响宪政意识的因素也是错综复杂的，正是因为这些因素的相互作用，宪政意识才得以产生和发展，在不同的国家影响宪政意识的主导因素可能不同，但是一个国家宪政意识的出现必然是由多种因素相互作用形成的，因此，无论是哪一种因素都有可能在一定时期对某个国家的宪政意识发展起决定作用。

四、英国宪政意识的发展对中国的借鉴意义。

宪政意识抑或宪政制度不是几道法令或是几部法典就能建立起来的，它是一个体系，有内核也有外延，它是动态的，也是与时俱进的，就现阶段，关于中国宪政意识的发展提出几点不成熟的建议:。

首先，发展经济，不断提高我国的生产力水平是我们的首要任务。西方国家的宪政历程不断映证着“物质基础决定上层建筑”这个真理。因此，为了达到这一目标，我们的国家必须足够强大昌盛。

其次，从我国国情出发，确立宪政制度建设的步骤和框架。

再次，认真实践我国的法治建设，让我们国家有法可依，有法必依。

古典主义绘画论文篇十

论述类文本阅读（本题共3小题，9分）。

阅读下面的文字，完成下面小题。

中华美学精神是中华优秀传统文化具体到审美与文艺创造上的产物。中华优秀传统文化又和各家各派思想的产生发展密不可分。因此，我们在考察中华美学精神时，也要充分注意各家各派尤其是处于主导地位的儒家思想的重要作用。而论及儒家思想的美学影响，核心的一点就是对美善统一尽善尽美的境界追求。

中华美常精神一向与善和真的问题密切联系在一起。从善的角度来看，儒家把“仁者爱人”看作最高的善。仁与礼分不开，礼也不能脱离仁。所以孔子说“人而不仁，如礼何”，即离开了任，礼是没有意义和价值的。孔子所说的“爱人”，又不仅仅是爱自己，而是把爱己与爱人高度统一起来，“已欲立而立人，已欲达而达人”“已所不欲，勿施于人”。这是中华民族自古就有的一种真诚博大的人道精神。培育和发扬这种精神，和儒家所说的“治国平天下”、以及“博施于民而能济众”的民本主义有密切相联，最终目的在于把中国建设成为富强而又爱好和平的国家。因此，这种精神又与为国奉献的爱国主义精神分不开。

中华民族自古以来所说的美，不能脱离以上所说的与最高的善相关的“仁”。审美与文艺创造的根本目的，就是要陶冶人们的情感心理，使它符合“仁”的要求，直至如孔子所说的，使每一个人都以行“仁”为最大快乐。这也就是中国自古以来所说的广义上的艺术一“乐”所担负的最重要的任务。这里所说的“乐”，不只指音乐（声乐和器乐），还包含诗（歌词）和舞，舞又同舞者的动作节奏和舞者的服装及其花纹色彩有关。所以，古代的“乐”实际是一—种综合性的艺术，它的表演能引起人们的审美愉快，但目的又不仅仅在于引起审美愉快，而是要通过这种愉快去感发人们的“仁”心。孔子说“人而不仁，如乐何”，即离开了“仁”，“乐”就没有什么意义和价值可言。荀子也曾说过，“乐”的作用是为了“移风易俗，天下皆宁，美善相乐”。孔子和荀子都指出了“乐”的美和以“仁”为本的善的实现分不开。而这种善的实现就是要使人与人之间相亲相爱，和谐共生，所以广义的艺术——“乐”的美必须是“和”的。

总之，“仁”的完满实现既是一种最高的道德境界，同时又能通过艺术的表现而成为一种最高的审美境界。两者既有区别，又完全能统一在一起。正因为这样，孔子第一次明确提出“乐”的创造既要“尽善”，又要“尽美”。“尽善”就是要使“乐”所表现的内容没有任何不符合善的东西，“尽美”就是要把善表现在能引起人们最大审美愉悦的感性形式中，使“乐”的歌唱、演奏及与之不能分离的舞蹈，听起来、看起来都有一种极为鲜明光辉美丽的节奏与文采，就如孔子盛赞古代与尧治国的.伟大业绩相连的“乐”那样，“焕乎，其有文章”。

古典主义绘画论文篇十一

进入到新世纪以来，国家对素质教育不断提倡，所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长，为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮，而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能，因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢？笔者认为主要有以下几个方面。

一、美术鉴赏的概况。

（一）现状。

进入新时代后，随着物质水平的提高，人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求，在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求，文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展，大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化，注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野，形成学生对美的鉴赏，作品传递的思想和表达的内涵，又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力，因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。

（二）特点。

虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立，但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面：1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点，如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程，必修课程具有内容单一的特点，适用于专业课和基础课程的学习，但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程，可以根据学生想掌握的方面进行统计，设立多种课程供学生进行多样的选择，满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏，只了解教材上相对应的作品，没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程，要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单，而是要通过对作品的鉴赏，达到自身审美素养的提高。

二、在大学教育中美术鉴赏的功能。

（一）认知功能。

作为知识认知的一种方式之一，美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野，也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化，从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇，比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏，通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道：通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知，现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时，除了上面所说的信息的认知以外，还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格，等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知，由于现在科技发展非常迅猛，很多人都在紧随着时代的步伐，人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高，然而更多的是对事物表面的认知，却将其本质忽略了。因此，加强对大学生的美术鉴赏教育，在丰富了学生业余文化的同时，也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。

（二）教育功能。

对于艺术的鉴赏，首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上，更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析，我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态，以及创作者想要表达的艺术思想。例如：对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道，在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层，由此也可以引申到画中的内容，通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况，为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用，同时也培养学生的创造力，而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此，通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间，提高思维想象力，能够更好地开拓思维，并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。

（三）审美功能。

审美是人意识的一种特殊形态，是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西，然而人的审美能力并非是天生所具有的，而是需要人们通过不断地接触事物，并在脑海中增强感知，再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性，同时，人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说，人们具有审美的功能，就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维，通过这种审美的思维，人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中，学生通过对艺术作品的鉴赏，不断地加强大学生对于审美方面的教育，不仅有利于陶冶个人秉性，促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念，更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力，也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力，进而更好地服务社会和人民，创造更多的社会价值[5]。

（一）创造性思维的培养。

我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够，这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中，人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此，在美术鉴赏课堂中，我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说：“想象是一个非常重要的东西，我们可以用想象是有形的东西变形，同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此，在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。

（二）审美能力的教育。

自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围，我们生活的世界是一个灿烂的世界，这个世界上存在着太多太多的.对比，如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力，让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中，教师通过对美术作品的讲解，拉近学生与美术家们的距离，使学生与美术作品产生一种审美关系，这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力，并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。

（三）广博知识的学习。

艺术家豪泽尔曾经说过：“有的人也许天生就是艺术家，可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程，因此，学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活，美术也一样，它们都来源于社会，并且都依附于社会而存在，因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中，教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵，这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识，还要对这些知识进行不同的更新，确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地，美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程，也是一门包罗万象的世界信息课。

（四）人格境界的提高。

审美的中心问题是情感境界问题，美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此，优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如：《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情；拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂；还有世界著名雕塑《大卫》，这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来，为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识，更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的，邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的，动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以，美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。

四、结语。

美术鉴赏是以视觉思维为主的过程，通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式，可以更加直观地来引起共鸣，加深视觉冲击效果，而且在直观事物面前，人们的想象力和代入感也会得到发挥，从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用，无论是学生还是学校，无论是家长还是各个教育机构，都应该提高对美术鉴赏的重视程度，一起进步，共同发展。

参考文献：

[3]耿振翔.浅析美术鉴赏对大学教育的影响[j].中国校外教育,2014,(30):165.

[4]欧阳启名.关于美术鉴赏课程改革的探讨[j].首都师范大学学报(社会科学版),,s3:8-10.

[5]边新灿.新一轮高考的改革对大学教育的影响[j].中国高等教育,,02:7-9.

[6]赵志红.民族高校公共美术鉴赏课现状与对策研究———以内蒙古民族大学为例[j].内蒙古民族大学学报(社会科学版),2015,(03):114-116.

[7]刘瑛,黄意涵.中国艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革初探——以长沙理工大学美术鉴赏教学为例[j].大众文艺,,(01):262.

[8]衣方丹,臧闯.美术鉴赏课在大学生素质教育中的作用[j].中国校外教育,,(30):21.

古典主义绘画论文篇十二

1.对20世纪所有艺术流派的兼收并蓄。

桑德罗基亚最基本的艺术特征是包含了多样风格的统一，他对现代艺术中的各种不同艺术风格的学习可谓数不胜数：从毕加索到塞尚，从野兽主义到象征主义，从卡拉的未来主义到德基里科的形而上主义，从毕卡比亚到夏加尔，等等。当然，他并没有一味延续前人的艺术风格，而是广泛地吸取艺术传统中的精华，并结合自己对神话和隐喻的重新诠释，从而达到自由运用。在他的作品《丁托勒咖啡馆的意外事故》中，一个身穿橘黄色裙子的女人双臂张开，站姿不稳，她的裙摆被风掀开，旁边的两把白色椅子也被风吹倒在地，天花板上的吊顶似乎摇摇欲坠，紫色的窗帘在风中舞动。周围深蓝色的基调让人想起毕加索的蓝色时期绘画，而画面打破透视规律，按其主观意愿重新构建场景，是从夏加尔那里学来的；画面中用线的纷乱、色彩的浓重，又是对未来主义风格的汲取。整体的杂糅形成了神秘、幽深的画面效果。

2.绘画具有具象性，人与生命是创作的永恒主题。

桑德罗基亚的绘画是具象的，而且他的创作主题始终没有离开人与生命。他的绘画充满神话和隐喻的色彩，但不具备情节性。他将古典的题材和随意的画法结合在一起，作品形象具有显著的体积感，多种曲直线的运用又使画作具有抽象和具象结合的因素。《背水产者》中硕大的鱼的形象得自古希腊神话中的动物形象，背水产的男人形象则来源于古希腊雕塑，这种具象的物象辅以背景的深红色地面和蓝白色海水，以及人物右侧的曲线团块的对比，使画面形式感具有一种别样的.意味。

3.绘画形象具有多重意义。

桑德罗基亚有着良好的色彩感，画面不但令人赏心悦目，同时极具戏剧性与幽默感，在他的作品中，往往还配有一段作品的解说词或小诗。桑德罗基亚用灵敏的艺术感觉与时刻流动着的艺术意识，将西方现代艺术史变成了一幅多种风格并存的画面。对于桑德罗基亚来说，他的每一件作品都是一个小的中转站，他通过创作不同的作品，并让这些作品彼此达到最大限度的融合，最终构成其独特的个人风格。

二、桑德罗基亚的“超前卫”绘画艺术的历史作用。

“超前卫”绘画是后现代主义艺术在意大利的一个缩影，成为了西方现代艺术与后现代艺术的节点，直至今日，“超前卫”绘画仍然对艺术的发展具有十分重要的影响。以桑德罗基亚为代表的“超前卫”绘画的发展过程也为我国当代艺术的发展提供了一个借鉴模式，对中国当代艺术具有一定的启示：尊重艺术规律，重视从历史遗产中发掘对当今艺术创作有用的东西，打破西方与东方、时间与空间、艺术与非艺术、具象与抽象等种种原本对立的范畴之间的界限。这股新潮流为当代的绘画艺术打开一扇全新的大门，使当代艺术摆脱了绘画精神的贫乏与“观念”的误用，最终回归绘画的本质。而“超前卫”艺术极其丰富的艺术语言则让中国的绘画艺术家得到了更多探索与发挥的空间。中国当代绘画艺术家用他们的独特艺术语言，从不同的角度表达着对生命的感受，使人们重新思考人性与绘画的关系，将人的情感与个性、思考与理智、理想与经历都转化为绘画的形象，让人们感受到艺术的最初动力。

古典主义绘画论文篇十三

民俗美术,一直是作为人民大众最基本的情感而生存与发展。她有着质朴、醇厚的人文精神,她的作者是人民群众和民间匠师,其中绝大多数是在劳动生产的业余时间制作的,主要是供自己使用、欣赏的,内容大都表现的是他们的心理愿望、信仰和道德观念。民俗美术在民间节日庆典、婚丧嫁娶、生子祝寿、迎神赛会等活动中,创作最为活跃。材料大都是普通的木、布、纸、竹、泥土,然而制作技艺高超、构思奇巧、很少直接模拟物象,而是善于大胆想像和夸张表现强烈的情感,用人们熟悉的寓意谐音的手法通过优美的形象表达他们对美好生活的憧憬,艺术上刚健清新活泼淳朴。

现代设计则是充分体现着当今科学迅速发展的时代脉搏,广泛地应用于衣、食、住、行等各个领域,随着科学不断发展,社会的进步开放,以及国际文化的频繁交流,加之现代人的还旧思潮,传统的国粹民俗文化在时尚的浪潮,焕发出新的生命力。面对现代的设计,我们不仅要升华是外表的形式,也要更新其内在的气韵,要赋予设计更深层次的审美享受,现代设计中运用传统文化能够满足消费者追求艺术的心理需要,同时也体现了历史文化的永恒魅力,下面就民俗美术对现代设计的影响,我谈一下个人的看法:。

一、民俗美术寓意的延伸和沿用。

民俗美术是具有悠久文化历史的积淀,通过形象之间的组合、蕴含着更加深刻的内容,并用概括、简练的自然与抽象形象象征着人们的意念与感情。在民间广泛流行的“老鼠嫁女”,以狮喻“男”,绣球喻“女”,“石榴”象征多生贵子,“桃子”代表长寿,以及“莲”(连)生贵子,蝠(福),鹿(禄)等文字谐音的运用,都反映劳动人民朴素的思想感情及祈求美好生活的愿望。

同样,这种祈求美好生活的愿望至今一直是现代人所向往。既有装饰性又有深刻的寓意是现代设计中常用的一种手法,正如司徒虹老师所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现,它具有两个特征:一个是包含科学合理,是古人对自然规律的总结。二是它的想象力和创造力,它体现中国人对吉祥幸福的向往。”所以说传统图形背后的吉祥意味同样也适宜用于现代广告设计之中。如松下“爱妻号”洗衣机,从情感的角度出发,充分发挥了寓意的优势,把品牌的寓意与产品使用的对象结合起来,使得消费着在情感上产生了共鸣,自然而然地联想到广告的品牌,从而引起消费的欲望。

二、民俗美术图形的`提取和衍生。

民俗美术图形是人类通过视觉形象传达民俗文化的一种形式,是劳动者集体民俗观念和审美意识的产物。民俗美术种类繁多,造型千姿百态。在反映的题材与内容方面,不仅体现事物和生活本身,而且把自然中的山水草木、鸟兽虫鱼以主观的想象,通过形象组合安排。构图上通常用散点透视的表现手法,采用主要人物画得很大,次要人物作为陪衬画得很小,形成大小对比。另外,遍布大江南北的剪纸艺术和民间广泛流行年画艺术,都充分体现了作者丰富的想象力和高度的概括力,她们抓住生活中最动人的、最能表达内容的形象,用夸张、写实、寓意等等手法和简练的线条,创造富有装饰性的艺术形象。这些等等都为现代设计提供很好的参考价值。

而现代广告设计中的民俗图形符号大多来自民俗美术图形,他们在保留传统本土民俗艺术的特点基础上,同时也融入了现代经济文化的元素。这些民俗图形符号的运用不仅丰富了现代设计作品的内涵,而且使传统文化得以广泛传播。如在礼品糕点、糖果包装上,人们也通常借助民间美术中有祝福愿望的吉祥图案,来增强礼品中的“礼”的含量。另外,泥塑、陶瓷、脸谱艺术不仅把花纹巧妙的用于现代的广告设计上,而且还用于现代包装容器的设计中。可见,民俗美术的图形符号已成为现代设计中不可或缺的重要组成部分。

三、民俗美术色彩的借鉴和巧用。

民俗色彩是源于原始本身的反映,色彩象征意味浓厚。如红色含有吉祥喜庆的寓意;黄色象征着富贵尊荣。民间艺人一向重视色彩的象征寓意带来的精神力量,因此喜用红黄这样单纯、浓烈的吉庆色彩。民间剪纸多表现为单色红色;木版年画以黄与紫、红与绿等强烈对比色并置一起,造成鲜艳的色彩调子,形成独特的地方风格;民间彩塑玩具多以红、黄、绿、蓝为基色,黑或白为底色,形成了活泼强烈的色彩对比,极富个性。巧用民俗色彩,充分地利用它,会带来意想不到的效果,现代设计中借鉴这些民俗美术的习惯用色和配色手法,可以使传统商品和民间老字号的包装色彩更具视觉冲击力,民俗特色更加一目了然。

民俗美术的色彩还存在着很强的地域性差异,如湘西的蓝白印花布格调清新、质朴、明朗,贵州苗族的服饰绣品黑底衬五彩图案神秘而艳丽。利用不同地域的民俗色彩元素会更强化的地域民俗特征,很适合在土特产的包装设计,这些包装深受国内外人士的喜爱和认同,同时也会提升产品的价值,有利于商品的竞争。

民俗文化融入在现代设计这一领域中是有很大空间可作为的,需要设计者对文化的深刻领悟,正确处理好守旧和求新的关系。在继承传统工艺的基础上,结合现代创新技法,从多角度联系着人的视觉,人的情感,才能产生出既有时代气息,又有鲜明民族风格的设计作品,来适应现代人的审美需求,美化人民的生活,积极应对的态势并参与全球化竞争。

古典主义绘画论文篇十四

随着当今世界科学技术发展的日新月异，作为当今社会现代化技术的高新科技产品——电脑，以其独特的绘画方式，让幼儿以电脑为媒介，通过运用鼠标或键盘，利用相应的绘画软件来完成构图和涂色，形成幼儿心目中美好的视觉形象。其操作又十分简便，只要幼儿掌握简单的鼠标及功能键的操作，熟悉软件中各种绘画工具，就可以用现成的颜色，线条和图形进行创作。和传统绘画相比，电脑绘画体现了较明显的优势，有效弥补了传统绘画中的不足，归类为以下两方面：

幼儿期的孩子，手部肌肉，腕骨发育还不完善，在握笔画画时，常常出现一些特有的现象：线条凌乱、随心所欲，画面不流畅，涂色不均匀。而电脑绘画却能在点点、按按中，用简单的动作，操作绘画软件中工具栏中的工具，将各种美术元素自由组合，凭自己的想象，加以发挥，一幅幼儿眼中的美丽作品就轻松完成了。因此，电脑绘画既满足了幼儿的心理需要，也锻炼了幼儿的想象力，利用独特的表现方式描绘出童趣，情趣，乐趣的画卷。

电脑能够储存和呈现大量的材料，也就是有用不完的“绘画纸”。因此，幼儿在这些材料上能任意的添加和修改。在传统的绘画过程中，幼儿手中的笔常常不听使唤，不是颜色涂出了边框线，就是涂进了别的颜色块中，一会儿手发酸涂不动了，没耐性的孩子干脆横竖一起涂，原本心中美好的彩色蓝图一下成了泡影。如果构图出了错，那就更槽糕，不是重画就只能拼命的擦，要么硬着头皮继续涂抹，最后往往一发不可收拾，起了反作用。显然，孩子的自信会因此而受挫，绘画兴趣也会因此消怠，而电脑绘画在一定程度上能弥补这些缺点。

每个人都有想象力，人在幼儿期蕴藏着无穷的想象力，关键在于是否进行过开发和挖掘。三四岁孩子的绘画作品，往往很“抽象”，因为他们从生理到心理，尚处于不成熟阶段。传统的绘画方式很难体现其创造力和想象力，一旦使用了电脑绘画，他们就会选用在日常生活中所接触过的实物素材，进行自由想象和创作。电脑软件中的各种工具与幼儿童趣盎然的想象创造有机的结合起来，这样的结合马上使电脑绘画一举成为发展幼儿创造潜能的有效平台。

美感是个人的主观体验，具有很大的差异性，通过让孩子们欣赏各种不同的电脑绘画图，把对这些图的理解感受融合到电脑绘画中，启发引导他们用合适的画工具来表现。比如：选择“米罗”画让幼儿欣赏，这种画的特点十分明显，以米字和红黄蓝绿四种色块为基调进行组合想象，孩子们觉得“米罗画”很好玩，开启他们的兴趣，在欣赏后了解其特点，他们就会主动运用电脑工具将自己心目中的理解方式，以米罗画的形式表现出来，同时也融入了自己的想象，使之成为一幅创作画，除欣赏国外的绘画作品，中国绘，山水画也是孩子欣赏，理解和创作的一部分画种内容。中国的山水画的特点是用笔用墨来表现事物，而对年幼的孩子是有一定的难度的。如果要画一幅山水画则需要话上一段时间来学习，由于画笔工具中的“刷”“喷桶”产生的绘画效果类似于中国画的用笔用墨。孩子们只要掌握如何用“刷”“喷桶”就能很容易的绘画出一幅幅的“喷墨画”和“山水画”，这样不仅提高了孩子的兴趣，丰富了他们对各种画的知识，也激发了幼儿的审美情趣。

诚然，电脑绘画与传统绘画相比有其卓越性，然而，在电脑绘画逐渐走红的今天，我们必须冷静的看待这一问题：电脑绘画的普及是否就意味着电脑绘画真的能代替传统的绘画形式吗?回答是否定的。任何事物都有利弊的双面性，电脑绘画也同样会出现以下的问题：

电脑绘画中提供的现成的颜色和线条，使幼儿在点击鼠标的过程中，轻松完成构型和涂色。在这样现成的作画环境中，幼儿失去了自己探索，获得图形的机会。传统绘画中的颜色需要幼儿自己去尝试搭配，幼儿所要的图形要自己一笔一划的勾勒。虽然加大了幼儿绘画的难度，但是这一过程本身就是幼儿探索获得真知的契机。尤其，幼儿自己调配颜色的过程中，不同种颜色的混合，每种颜色的比例不同，均会产生出乎幼儿意料的效果，。在一定程度上激发了幼儿的求知欲和创造力。

首先，幼儿生理心理发展都不成熟，手部肌肉，腕骨发展也不完善，在传统绘画的过程中，通过亲自动手来锻炼幼儿小肌肉群的发展。其次，幼儿在进行电脑绘画时需要很长时间的面对电脑屏幕，并且画画的过程需要孩子专注的盯着电脑屏幕，幼儿自觉性差，不能很好的调节的用眼时间，这样会导致视力的下降，防碍幼儿身体的健康发展。

另外，传统绘画的工具需要纸和笔等多种工具，在幼儿完成一幅作品时，可以培养幼儿良好的行为习惯。如将画小心的保存，不乱扔废纸，蜡笔放回原位自己保管好等生活常识;在作画时注意工具使用的安全和卫生;不用蜡笔乱涂等等。

幼儿在绘画表达的过程中，由于受其自身肌肉动做发展的影响，他们的绘画表达在技巧上表现得不如成人熟练与完美，表现出一种稚拙感，然而，也正是这种纯真的童心，童趣，才使得幼儿的作品充满了魅力。

基于上述认识，个人认为电脑绘画永远也取代不了传统绘画形式，他只能以一种新颖的形式存在于绘画中，使其成为绘画家族的一员。但无论是电脑绘画还是传统的绘画方式，除了技能上的传授，更应了解孩子的内心世界，绘画不单单是一种表现方式，在孩子的身上更多的是用来表达思想，交流体验的途径。因此，在这样目标的激励下，我们要善用绘画技术，给幼儿提供理想的绘画创作空间。

古典主义绘画论文篇十五

这幅画展现了一位婀娜多姿的妇女形象，回眸侧脸更是惊艳一笔呀，腰间的缠绕凸显背部身姿的轻盈，画面简洁易懂。

这幅画描绘了一位正在跳舞的贵妇的背影，展现了他丰盈的身材与曼妙的舞姿，身上穿的衣服更加具体得展现是这位妇人身份的尊贵。

古典主义绘画论文篇十六

每每出现这种现象，不少老师简单地归结为：学生学习不努力、不刻苦，学习习惯差，甚至是认为学生头脑笨，不开窍。其实，在很大程度上是教师不顾学生的认知能力，违背学生心理发展规律，在教学设计、教学手段选择等方面存在偏差，致使学生思维滞后，无法理解和掌握所学知识。

1.师、生思维不对称。

心理学研究表明，思维敏锐、灵活具有创新性和批判性有助于问题的理解;相反，思维迟缓、不敏捷则不利于问题的解决。在课堂教学中时常会发现一头热的现象，教师讲得是口若悬河，津津有味，自得其乐。而学生是不知所以，一头雾水，其根本原因是师、生的思维不对称。学生处于智力、思维的发展上升期，其思维的广阔性与深刻性、思维的独立性与批判性、思维的逻辑性、思维的灵活性与敏捷性还都不完备，无法达到与教师的思维同步，特别是像一些具有发散、开放性问题或是规律揭示、空间想象及综合运用等思维要求较高的问题，学生更是应接不暇，无法跟上教师预设的思维要求，出现思维滞后或“掉队”。

2.学、教需求不吻合。

在课堂教学中常常会发现被教师认为是难点的知识，而在学生看来并非真正的难点。相反，对于一些难以理解和把握的知识，学生迫切需要教师进行深入的剖析、仔细的讲解，教师却轻描淡写一带而过。再有，教师讲到自己得意之处，十分兴奋，对学生已懂的问题和已掌握的知识仍然滔滔不绝地重复讲解，引起学生的厌恶，表现出情绪不安，不愿听讲。这就导致了教师的教与学生的学的需求不相吻合，当学生真正遇到那些难点时思维无法跟进。

3.学、教思路不合拍。

学生的学习是一环扣一环，逐层推进，是一种螺旋式上升，如果某一环节中出现了差错必将加大后续学习难度。此时，教师若仍然按照自己的教学习惯，沿用过去的教学思路组织教学，而忽视当下学生现有的知识基础和学力，其教学效果是不言而喻的。另外，我们时常发现在指导学生解决具体问题的过程中，很多教师只是根据自己对问题的理解，按照自己固有的思路讲解，而没有沿着学生的思路去分析错误原因，没有理解学生的心思，以至于同样的问题是一错再错，屡教不改。师、生之间这种学、教思路不合拍必然会导致师生思维的脱节。

古典主义绘画论文篇十七

空间艺术在素描范畴内一是指画面的设计结构，二是指在一个二维平面对深度的幻想。空间感从文艺复兴到塞尚开始的现代主义都与它的表现方式有着直接的关系，其中，焦点透视的三维空间和平面二次元空间以其直观可感的形式，在西方素描中得到最为广泛的运用。西方素描在绘画空间上很是注重静物和景物分割空间形成的几何形构成，大多是结合焦点透视法，安排一个深度空间，组织有秩序的几何结构和画面，以数学计算式的精确，递减景物大小和在深度中进行画面构成。画面中无论近、中、远景的物象都用清晰的黑线勾勒出来，有相对清楚的边缘，空间的深度和前后关系靠一块块有厚度的平面重叠堆砌而成，然后再根据画面的空间结构的需要，主观的拉长、拉高、拉宽平面，空间通过平面的前后重叠而达到清晰的显现。而后印象主义和立体主义的空间观念，是追求素描空间在内心感受上的主观空间

想象

西方素描视觉审美的`雏形，是从乔托时期开始的，断断续续地朝着线性透视、空气透视及色彩透视方面的方向使用发展，到十九世纪后期法国的印象主义艺术，把传统的西方素描的视觉审美发展到顶点。画中追求客观的再现，提倡画家要到野外对景写生，尊重和强调光与色的客观变化规律。同时在这一时期，受日本浮世绘及中国书法等东方艺术对西方绘画的影响，孕育和产生了追求主观表现的现代艺术的萌芽，这种局面的形成原因应归之于东西文化的交融，西方素描的视觉审美观已开始逐渐缩短，并朝着融和的方向努力发展。就素描的艺术创作与对客观物象关系而论，西方素描受传统哲学思想的深刻影响，在视觉审美上注重具有光影层次、透视、凹凸、色彩变换的高度写实形象，追求造型的准确、质感、光感、体感。虽然从印象画派以后，西方素描开始重视表现性，注重主观情感作用，但是从根本上来讲，西方素描仍然属于一种再现自然的艺术创作观念，在视觉审美上更多的是一种科学的艺术，得益于自然科学，如物理光学、透视学、人体解剖学、色彩学等科学研究。特别是在“摹仿论”、“反映论”、“现实主义”的深刻影响下，这一规律更是得以共识。从绘画形式上看，西方素描的形式特征包括了空间和物象的简化、大量空白的运用、前后空间的渗透和物象内外空间的相互开放、平面性与深度空间的结合、素描秩序感的运用等等，其传达了一种静观审美的态度，这恰好反映了外在形式和内在精神相统一的观念，这种氛围暗示出静观的意境便是一种哲理性的审美意识与感悟。

在素描绘画中，艺术家们始终把西方素描作为一门独立的艺术来看待，也正是这样，对西方素描发展历程的审视与思考，即可从康定斯基、塞尚到毕加索等艺术家那里开始寻求素描艺术语言的拓展和创新，从梵高充满表现主义激情的线条到波洛克的绘画杰出典范，便可看出，西方素描的概念和绘画之美已经在实践中为造型艺术带来了伟大的生命力，奠定了科学形体法则的基础。

古典主义绘画论文篇十八

西方经济学自从引进之后就融入到了中国经济发展中，并且对中国的经济发展产生了很大的影响。本文主要从西方经济学的引进开始讨论，浅谈西方经济学的各个主要分析方法对中国经济学的影响。

一、西方经济学的引进。

西方经济学的引进没有一个特定的时间，是随着我国资产阶级革命逐渐引入的，纵观历史可以发现，在我国半殖民半封建时期西方经济学就已经逐步走进中国。在百日维新时期，以梁启超、康有为等人发起的变革带动了西方经济理论的传入。根据统计，在我国“五四运动”开展之前，大约有四十部西方经济著作的完成，系统介绍了西方经济的基础理论以及分析方法。但是这个时期都是以翻译为主，直到二十世纪三十年代初期我国才有自己著作的相关西方经济理论书籍。此时著作的理论水平较低，达不到学术水平的高度，所以出版和阅读量也十分有限。这样的状态一直持续到了建国都没有太大的改观。在改革开放之后，我国对于西方经济理论的研究和引进都达到了一个新的阶段，这时对西方经济的研究由表面开始逐渐深入，并且有很多人员开始专门从事西方经济理论的研究工作。这个阶段，推动了我国西方经济学更大程度的发展。

在二十世纪八十年代的初期，对西方经济学的研究仅限于对凯恩斯经济学以及外国古典经济学的研究，像是美国的《宏观经济学》以及马歇尔的《经济学原理》也在研究范围内，但是经过目前的研究发现，我国当时对凯恩斯经济学理论的研究最为深入。这个现象和我国的国情有着密不可分的关系。因为凯恩斯经济的主张是政府要干预经济的发展，和我国改革开放初期的国情相符合，此时，西方一些非主流的经济学理论也被翻译引进，在某些方面弥补了凯恩斯经济学的不足。综合引入的各种经济学理论可以看到，对经济进行适当干预的理论是最符合我国国情的一种理论，并且也得到了我国众多学者的一致认同。在九十年代初期，在我国又兴起了产权经济学，这也是符合我国国情的一种西方经济学理论，产权经济学主要是以制度为核心进行的一种经济理论，强调产权制度也是我国目前经济发展迫切需要建设的一个方面。此种经济学理论在一定程度上缩小了我国和其他发达国家之间的差距。

二、西方经济学分析方法的影响。

西方经济学对中国经济发展的影响首先就表现在分析方法的影响上。

(一)实证分析法。

大多数学者都认为，马克思主义经济学理论是偏向于规范分析，而西方的经济学主要是运用实证分析法来进行分析的。实证分析法相比较而言有两个鲜明的特点：第一，主要分析“是什么”诸如此类的问题，主要强调的是对目前状况现象的分析，而不着眼于对现存问题的解决。第二，通过数据统计和经验，对实证提出的假说进行正面或者反面的论述，具有很大的客观性。这种分析方法对我国很多中年学者产生了较大影响，他们认同经济学是一种实证类的学科，所有的假说和研究者的.道德伦理价值理念没有任何的关系，他们只在客观条件下研究经济学问题。所以，经济学这一学科就被赋予了“道德中性”的客观意义。目前，西方经济学家一般倾向于实证经济学方法，但并不完全排除规范经济学。

(二)结构分析法。

结构分析法是在二十世纪八十年代随着宏观经济学的引入而发展起来的一种分析方法，结构分析法主张在“整体”上对经济有一个宏观的判断。在分析的过程中要依据经济内部发展规律和模式，这种分析方法认为经济之所以有质的变化是因为结构不同的原因。结构分析法的学者认为我国经济的矛盾不是通过单纯的数据分析就可以解决的，真正的矛盾是需求和供给之间的结构矛盾，所以这种分析方法主张对我国的经济结构进行分析，从结构方面来把握经济的增长矛盾。这种分析方法认为，在发展中国家，经济发展是缺乏一定的弹性的，弹性缺乏造成的经济发展不平衡归根结底就是结构的不合理，结构对于经济方向的判断有着有着重要意义，所以对经济的分析是需要从结构方面开始的。

(三)制度分析法。

制度分析法是在八十年代开始被中国的学者广泛接受，这个分析方法的热度一直持续到了九十年代。西方经济学家认为经济发展视需要一定的制度作为前提和保证的，因为西方经济学都是基于成熟的制度之上的分析，所以中国经济之所以有问题就是因为制度的不成熟。此种分析方法着重关注我国的制度问题，第一，我国现存的经济制度不是最终完善的。第二，我国的经济制度还在不断的发展。第三，我国目前的经济制度在很多方面来讲都只有暂时意义可以参考。这种制度分析的方法对于我国经济发展来说更具有现实性意义，就如著名经济学家诺斯所言：“制度理论集中考察的是制度在决定交易费用中的作用……制度经济学的目标是研究制度背景下人们如何在现实世界中作出决定……这些决定又如何改变世界……”

(一)有关我国经济学的学科定位。

西方经济学帮助我国经济学进行一个更好的定位，我国的传统理论认为经济学是要对社会与生产之间的关系进行研究的学科。而西方经济学学者更认同于将经济学看作为是一门“科学”的观点。虽然在西方，对于经济学的定位也存在分歧，但是这种分歧对于我国经济学的定位来说是微不足道的。随着中国经济学的发展，大多数的学者都认同中国经济学是建立在现代经济发展的基础之上的。综合权威学者的观点可以看出，经济学其实是一门社会学科，而不能称之为是科学。因为经济学中的很多变量是无法通过准确的计算而得出的，只能得出一个宏观的概念，综合西方经济学学家马歇尔的概念也可以看到，经济学通过分析只能得到一种经济发展的“趋势”，而不是一个可以通过数字来证明的可以参考的规律。加入经济学可以通过数学数字准确的计算出来，那么也就是失去了其学科意义。经济学没有准确的数字计算，因为其中的因素复杂多样，所以只能出现相关的趋势和方向预判。经济学和哲学等其他学科有着很大不同，这个学科具有很强的实践特点，不是通过单纯的逻辑和推理就可以得出答案的。很多西方经济学家认为经济学是可以通过数学学科的介入来得到答案的，其实不然，经济学尤其是和我国国情相结合的经济学，是需要一定的前提假设的，只有经过了历史检验的经济学才是真正所追求的学科。

(二)关于我国经济学的学科范畴。

我国经济学的学科范畴也是在不断发展中最终成形的，最初西方经济学的引进并没有绝提的范畴划分。我国对于经济学的界定由最初的研究生产与需求的关系到了现代经济学的范围拓展。目前学术界认为经济学主要由三个部分组成，分别为经济理论，经济正常，经济规律的应用。这三个部分相互联系，密不可分。经济理论是一切研究的基础，只有将研究基于理论的基础上才具有更大的公信力。发展到现在，经济理论不止一种，有很多经济理论是需要结合现实进行创新研究的。经济政策主要值得是对我国现存的政策方针的研究，主要是利用已有的理论和结果制定相应的经济发展参考政策。这种政策是针对现实问题而定的，必须具有现实意义才可。而经济应用研究是将理论应用到各行各业的一种最终实现，必须要提供具有参考性和操作性的依据。

(三)西方经济学与中国经济学的融合。

自从西方经济学的传入，就不可避免的与中国国情相融合，这是一个必然趋势。但是这种融合趋势是隐性的，在不断发展的过程中逐渐呈现出来。这表现在西方经济学的一些理论被应用到中国经济发展中，而马克思主义经济学理论也被用来分析一些西方经济现象。虽然两者之间有融合的趋势，但是这种融合并不是融为一体，而是在某些理念和应用上的融合，必要的分支依旧十分明确。目前我国已经划分为宏观经济学和微观经济学两个经济学主流，研究相关经济学问题。

四、结语。

西方经济学有很多的可取之处，对我国经济发展有带动作用，能给我国经济学带来活的生机。西方经济学自传入中国以来就被不断的充实和应用，不仅确定了我国经济学的学科定位，还提供了一种新的经济思路，有利于我国经济的可持续发展。

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