总结是思考和反思的过程，可以帮助我们更好地吸取经验教训，做出正确决策。总结要结合实际情况，给出具体的例子和分析。希望以下这些总结范文能够给大家带来一些启发和思考，祝大家写作顺利。
舞蹈点绛唇论文篇一
摘要：本文以高等师范类院校舞蹈专业课程的设置研究为切入点，以重庆市师范大学音乐学院舞蹈系为研究对象，综合运用教育学、社会学、文献学与田野调查相结合的方法。经过对各类具有典范意义的师范类院校实践考察与调查问卷的形式，深层次的剖析师范类舞蹈专业的课程设置与培养模式，旨在从教学理念、培养方式、教学模式的方向梳理师范类舞蹈专业学生究竟该如何培养，挖掘其深层的意义，以前人的理论研究结合本人的实践经验，探研出一套适用于具有师范类舞蹈专业学生特点的课程设置，并揭示出师范类院校舞蹈专业的教学内涵，倡导更多的教育家与理论家能够关注并重新审视师范类舞蹈专业的未来发展，以期到达在各地方上设置舞蹈专业的师范类院校能够根据自身特色更好更快发展的目的。
关键词：舞蹈论文
二十世纪50年代之后，我国艺术教育受到前苏联教育体系的启蒙渐渐在文化领域中开始萌芽，它的主要任务是培育以舞蹈表演为职业的人才。以往的学校基础教育中的舞蹈教育一向是依附在别的教育中，开始是结合体育进行教学，之后又融入到音乐的教育中。在制定课程时没有特地的给高等师范院校舞蹈专业撰写编排大纲和相贴合的教学目标和方法，而是照本宣科专业院校或者是以前音乐系的教材和课程安排，导致学生在舞蹈理论方面的学习量明显不够，而偏重于技能技巧方面的训练，所以对高等师范院校舞蹈课程的整改和发展已经是迫不及待的事情。在欣赏舞蹈时不但能够让大学生获得感觉器官上的知足，还能引发自身情感和舞蹈情感之间的共鸣，到达陶冶情操的目的，全方面提高自身素质。依据学生欣赏水平的高低来选择教材进行教学，这才是高等师范院校舞蹈教学的原则。
当前我国高等师范院校舞蹈教育专业的课程是由音乐基础课、教育类课程还有相关舞蹈课程组成，其中音乐基础课程所占课时最多，这就显得促进学生“专业”知识提高的相关舞蹈课程相对减少。这种不平衡的教学导致了毕业生在各方面都略有精通可是所学专业不够扎实的结果。
我国高等师范院校舞蹈技巧技能课程课时大于理论课程课时导致学生在舞蹈理论基础的学习上不够多，这归结于我国舞蹈理论课程发展较缓慢，也揭示了我国高等师范院校舞蹈教育注重技巧教学忽略理论教学的基本现状。加强舞蹈理论基础的学习才能提升对舞蹈技巧技能的把握。构建完整的知识结构才能促进舞蹈理论课程的发展。比如经过增设对《舞蹈编导常识》、《中国舞蹈发展史》、《舞蹈基础理论》这类课程的教学来灌输舞蹈定义、题材、分类、美学特征、艺术概念等涉及舞蹈艺术认识方面的知识，分析舞蹈作品在音乐的引导下的创立构造过程，一个舞蹈动作是如何萌芽、发展以及转变过来的都是需要对学生进行讲解的；还有完整舞段和舞剧的出现。
实践课程对学生完善自身知识的结构、本事的培养和技能的增强、早日投入教学与研究中以及适应瞬息万变的社会都发挥着有重要作用。这门课程在培养本事结构、全方面的知识、极具创新力和实践力的人才上起着关键性的作用。学生走出学校这个环境以后需要有普及舞蹈教育和了解基层文化这两方面的编导本事才能立足社会，而舞蹈编导课程恰恰在塑造艺术人格、构建知识框架、激发创造性思维、全面提高个人素质上起着关键作用，它弥补了单一专业课程的不足，两者互相结合，相辅相成。
日益增长的社会需求促使高师舞蹈专业加大了培养满足多方面需求的舞蹈专业人才的力度，师范院校本身拥有的多元化发展的环境，让学生能够在此徜徉在知识的海洋里，不断学习相关专业的知识资料。充分发挥这种良好气氛和环境是进行高等师范院校舞蹈教学的前提。学舞蹈的学生也不是单一的喜欢舞蹈，他们在唱歌、演讲、书法绘画、表演方面都表现出了很大的潜质。他们不仅仅仅是一科精通，还有很大的活力去发挥他们其他方面的特长。学生勤奋好学、兴趣广泛都是好的兆头。为了把学生这种进取学习性坚持下去，我们除了抓专业课之外，还能够增设哲学、文学、表演、美学方面的课程，并把这些课程也纳入平时成绩中，给学生更大的选择范围，不断提高学生的艺术修养。
把专业知识的范围从单一的舞蹈领域扩展到别的艺术领域所带来的有利帮忙是有目共睹的。第一，学识和修养的提高能够增加自身的理解、感染力，对学习舞蹈专业有正面促进作用；第二，把学生创造的活力带动起来，让学生逐渐开阔视野，获取丰富的知识，引发无限联想和塑造艰苦钻研的精神，带动学生富有创新的思维去实践中扩散出去。大学生面临越来越大的就业压力，多一门技能就能增加自身在社会上的竞争力，为工作创造更多的机会。所以我们要在以开发学生天赋和潜质为目的的前提下安排课程，全面提高学生素质，培养全才，从长远角度来培养学生各方面的本事。
舞蹈美育只是整个美育工程中的一个分支，经过艺术教育这个关键部分的教学来实施美育是新的世纪培养高素质、高水准创新人才的重要举措，舞蹈教育不但能够锻炼学生体质、激发学生创造性思维，还能提升学生对美的鉴赏本事，对塑造完美的人格起着关键性作用。
舞蹈点绛唇论文篇二
摘要：本文针对在知网发表的关于布里亚特蒙古族舞蹈的相关期刊论文和学位论文进行分析整理与统计，根据知网中对布里亚特舞蹈所进行过研究的论文加以分析整理。文章从布里亚特族群历史现状分析到布里亚特舞蹈风格特征整理再到布里亚特舞蹈的传承与保护进行阐述，经过多方应对布里亚特舞蹈资料的整理期望能够把握最新热点，为接下来的研究供给思路想法。
关键词：布里亚特族群；布里亚特舞蹈；舞蹈传承；
布里亚特族群舞蹈文献调查研究，主要是对中国知网这个平台进行文献检索调查。其中布里亚特族群舞蹈期刊文献为五篇，布里亚特族群舞蹈文化的硕博士论文为两篇。在知网中使用“布里亚特人”为关键词进行检索，布里亚特族群文献共有350篇。其中博硕士论文53篇，期刊论文270篇。在此众多文献中包括了历史文化、民族教育、民族艺术（舞蹈、音乐、美术、服饰）、宗教等方面资料。
布里亚特族群是蒙古族的一只古老部落，其先民一向在贝加尔湖附近生活游牧。在《蒙古秘史》文献中介绍过在1207年孛儿只斤·术赤，也就是成吉思汗的长子降服了一个林木中百姓的一个部落，名字为“不里牙剔”，也就是我们此刻所说的布里亚特人。13世纪末，蒙古帝国崩塌后，布里亚特人民为了躲避战争与俄罗斯人建立起了贸易联系和军事联盟，促使不少布里亚特部落加入到俄罗斯国籍中，最终成为俄罗斯土地下的属民。在1689年，满清政府与沙俄签订了《尼布楚条约》，将布里亚特部落划分为俄罗斯区域，从此布里亚特人民一向生活的贝加尔湖区域也成为了俄罗斯土地下的一块版图。
在俄国十月革命时期，因为战争与革命的动荡生活，使生活在俄罗斯的布里亚特反动官员，富人以及喇嘛们有了逃离革命寻找安逸之所的想法。自此在1918-1922年期间，一部分俄罗斯布里亚特人迁徙至我国锡尼河地区开始定居，并且于当地的边邻民族过着季节性的游牧生活。
布里亚特蒙古族主要居住在呼伦贝尔市鄂温克旗。“鄂温克族自治旗的历史与内亚草原游牧所有礼貌紧密相连。该地区历史上以往是匈奴帝国、鲜卑国、契丹国，也以往是突厥汗国和成吉思汗帝国，一向处于边境地带”.1在近现代时期随着中俄之间的地区争夺导致了边境战争和冲突，随着战争而来的则是异族文化的入侵。在1922年布里亚特迁入呼伦贝尔地区后在与周边其他少数民族部落的不断地交融、延续之后文化互融现象十分明显。可是布里亚特族群即有北方游牧民族的特点，又在这文化互融中保存了自我本族群传统文化以及自我的独特性。
布里亚特族群的舞蹈文化和舞蹈风格特征不一样于蒙古族的其他部落，在蒙古族舞蹈的璀璨文化中自成一系。本文在调查研究关于布里亚特族群的舞蹈文字文献和音频文献的过程中针对布里亚特舞蹈中的萨满教和图腾崇拜文化、布里亚特民间舞蹈的风格特点、布里亚特舞蹈中蕴含的民族精神这三方面进行了分析。
1、舞蹈中的萨满教和图腾。“布里亚特的古代居民在旧石器时代就有了宗教信仰萌芽，信奉原始的自然宗教-萨满教。公元三世纪前半期驼鹿在布里亚特蒙古地区当地人的崇拜中占了主导地位，成为最早的图腾崇拜物。”2可是在如今的布里亚特族群舞蹈文化中，原始的萨满宗教特性减少，大部分的布里亚特族群歌舞目的性都是自娱。可是在布里亚特族群男性舞蹈元素中依旧透露着萨满宗教舞蹈元素的影子。并且男性舞蹈吸收融合了原始宗教舞蹈的动作大、动律小、回旋多的特点。在此基础上，布里亚特族群男子舞蹈中，既有宗教文化的神秘色彩，又有如今草原儿女的洒脱大气之美感。
2、布里亚特民间舞蹈的风格特点。“布里亚特民间舞蹈有其古老的传统，风格古朴，游戏性强。这种民间舞蹈又被称之为”幺呼儿“，通常是以游戏开始，有众多的舞者手拉手，边歌边舞。”3布里亚特族群最初是生活在贝加尔湖附近的林木中，是“林中百姓”的其中一个部落，之后迁徙到了广阔的草原与多个不一样民族为邻，生活环境的变化以及不一样族群文化的互融，使其舞蹈也有了独特的步伐和自成一派的表演方式。布里亚特民间舞蹈较为有代表性的三种步伐分别是跑跳步、跺步和晃悠步。
在《蒙古秘史》中记载：“蒙古各部和泰亦赤兀剔人在斡难河谷聚会，推立忽图刺后，与众人在河边川地的一课大树下欢宴，舞得天旋地转，跳得地动山摇。”4由此记载，布里亚特舞蹈中男性的手拉手跺步的舞蹈形式与蒙古人的树木图腾崇拜有所关系。而此刻的男子跺步特征为，舞蹈时力量雄厚，彪悍，且在双脚跺踏时下身沉稳，身体下压，呈厚重质感。
在布里亚特舞蹈《布里亚特舞韵》中“每当节奏缓慢，歌声悠扬，进入舞蹈慢板之时，演员们便开始身体随步伐摆动，左右脚进行交替向旁迈步、向内摆动。”5舞姿曼妙优美，身体随动律起伏，这便是晃悠步的魅力。布里亚特舞蹈是以“横摆”动作为特色，跑跳步、跺步和悠晃步为基础，队列方式多以圆圈为主。布里亚特舒展、奔放的舞蹈风格，表现出布里亚特人特有的民族精神，这是源于古老的布里亚特古先民几经搬迁，饱经沧桑，在艰难困苦的逆境中，培育出的团结合作和不畏艰难的乐观精神。
在第四届小荷风采舞蹈比赛中，由内蒙古锡林郭勒盟民族艺术学校选送的布里亚特民间舞《布里亚特儿童》让我们看到了布里亚特民族的新生力量-布里亚特的儿童们。在这部视频文献中小演员们用他们曼妙的舞姿以及动人的神态为我们演绎出了一群充满着生气代表了布里亚特民族未来期望的布里亚特儿童。小演员们在舞蹈里主要是以布里亚特民间舞蹈特色“横摆”为主动律，其中伴随音乐的快慢夹杂着活泼的跑跳步以及悠然自得的晃悠步。此视频文献中，小演员们其中的一个动作是双腿打开下蹲呈马步，左右脚交替靠步。上肢在胸前交叠，头部随身体上下律动不断点头。这个动作在整段舞蹈中虽然不是最多次出现的动作，可是我认为此动作具有不一样的意义。动作形式简单可是又象形，以观众的视觉观看十分像是一群孩童骑着骏马在草原奔驰。《布里亚特儿童》这部视频文献让我们看到了草原的新生力量以及布里亚特民族对生活热爱的态度和蓬勃向上的朝气。
在调查研究布里亚特族群舞蹈时，借用知网进行文献梳理归类时发现，我国学者对于布里亚特的人文历史研究较为广泛，可是对布里亚特的艺术范围尤其是民族音乐和舞蹈领域研究甚少。有关布里亚特的音乐文献在知网中数据为15篇，舞蹈文献数据为5篇。在舞蹈方面这甚少的文献中，有两篇文献提及了关于布里亚特民间舞蹈的传承与保护。
《简述布里亚特蒙古族民族民间舞蹈保护和传承》6阐述了布里亚特蒙古人歌舞艺术的主要特点，以及如何更好的保护和传承这些团体民间舞蹈。文章提出怎样才能更好的将这些团体民间舞蹈保护和传承下去这样的论点，并从三个方面进行了分析解答。
第一方面是民间舞蹈保护的研究。文献提到对于民间“原生态”的舞蹈应当尽可能坚持其原貌，不要随意变化。且保护资料应当是包括舞蹈、服装、道具、音乐、歌词以及表演场地和表演特定功能等方面。我认为在进行布里亚特民间舞蹈保护研究时，我们能够多在布里亚特族群的婚宴中进行采风和调研。布里亚特族群的婚宴中的歌舞文化目前在舞蹈市场中令人知晓的作品屈指可数，可是婚宴中的歌舞却又是十分淳朴自然的。
第二方面是课堂维护。因为我们现如今我们学院民间舞都是根据最原生态的少数民族民间舞蹈为元素所提炼和发展的。可是关于布里亚特的民族民间舞蹈课堂教材却是空白，所以文献中提出期望政府能够进一步重视修改整理民间舞教材工作，这也是保护和传承布里亚特民间舞蹈的重要环节。我认为我们也能够在高雅艺术进学校的活动中多多邀请布里亚特的民间艺人进入高校，相互学习和演出，让布里亚特族群的歌舞逐渐让大家熟知。
第三方面是舞台保护。文献中认为“舞蹈价值是舞台作品对民间舞蹈保护的重要依据，能够分为文化内涵、舞蹈研究价值和市场经济价值。”7我国目前舞蹈作品市场中，经典的获奖的舞蹈作品数不胜数，可是在蒙古族的分支布里亚特族群中，脱引而出的舞蹈作品却是少之又少，并且很多人还不了解。可是在布里亚族群部落的日常生活中，歌舞又是大家的生活必备。那么为什么流传到市面上的布里亚特舞蹈作品这么稀缺呢？我认为布里亚特的舞蹈文化没有全面的系统化教学教案，而民间艺人也仅是在部落中演出，没有舞台编舞的经验和实践，导致布里亚特的舞蹈文化在舞蹈舞台上一向数目较少。
两篇文献对于布里亚特民间舞的传承与保护从多方面多角度提出对群众自娱性的团体舞应当怎样进行传承，怎样进行保护。不仅仅是对布里亚特民间舞的传承具有很好的提议，也是对我们很多优秀的民间舞蹈的一个很好的提议。
布里亚特蒙古族是在旧石器时代就有所记录的民族，历史源远流长。在文献检索中发现关于布里特民族的文献很多，可是关于布里亚特舞蹈的文献却极为稀缺。尤其是针对布里亚特的舞蹈音频文献的分析以及以布里亚特的文化背景进行布里亚特舞蹈风格特征的分析这两方面的研究甚少。而现有的两篇关于布里亚特民间舞蹈风格的论文对于布里亚特的舞蹈步法特征以及舞蹈变换的舞阵还有舞蹈素材构成的因素这些方面的描述基本话语都一样，并没有进行深入分析并且挖掘的资料很少，这些相关的名词描述在两篇论文中出现的也都是几近相同。尤其是布里亚特舞蹈的体态，步伐，形式以及舞蹈的种类都没有较为详细的记载。
虽然关于布里亚特族群舞蹈方面的研究资料甚少，可是终归还是有学者发现这一领域的空缺，已经在对布里亚特舞蹈的未来发展进行了研究。关于布里亚特民间舞的未来发展，知网中仅有一篇文献提及此方面。
该文从布里亚特民间舞的的育人层面进行分析，“认为布里亚特民间舞有着能够演变为少数民族大型团体舞、歌舞的潜力。”8文献对布里亚特民间舞所蕴含的培养人的核心素养层面入手，分析布里亚特民间舞的优势，根据其独特的舞蹈优势分析其未来的发展走向。作者更独特的是站在了教育的角度上对布里亚特民间舞的发展进行了阐述，说出布里亚特民间舞有着演变成大型少数民间歌舞、团体舞的未来潜质。此文对于教育工作者来说十分具有意义！
我们目前所获得的文献资料都是比较浅显和表面。虽然目前仅有五篇布里亚特舞蹈方面的文献，可是这也是为我们的布里亚特舞蹈理论研究方面奠定了基础，也对将要研究布里亚特舞蹈的后者供给了材料和着手点。
参考文献。
注释。
1马克思.中俄当代萨满教发展的比较研究[d].中央民族大学,2011.
5李晓甜.布里亚特舞韵--观舞蹈《盛装舞》分析布里亚特舞蹈[j].经贸实践,2016,(20):171.
6塔娜.简述布里亚特蒙古族民族民间舞蹈保护和传承[j].价值工程,2011:328.
7塔娜.简述布里亚特蒙古族民族民间舞蹈保护和传承[j].价值工程,2011:328.
8春玲.布里亚特民间舞蹈的核心素养及发展未来[j].课程教育研究,2017,(47):203.
舞蹈点绛唇论文篇三
摘要：云舞隶属“字舞”范畴， 是古时百姓祈雨仪式中的舞蹈。安徽现存云舞保留下来较为完善的有郎溪县的“姚村云舞”、休宁县的“云舞”与潜山县的“十二月花神”.为了探寻云舞的历史渊源及其发展脉络， 实地考察并采访了传承人， 现场记录表演仪式全过程， 并查阅当地现存史料， 比较三地的云舞表演形式， 归纳了云舞在当地山区的存在价值。
关键词：云舞； 类型； 舞蹈； 渊源；
安徽民间云舞是一种老百姓喜闻乐见的舞蹈形式， 舞蹈目的是祈求上苍降雨沐浴大地万物， 以实现庄稼茂盛、五谷丰登的愿景。安徽境内现存云舞一支分布于徽州地区 （现为黄山市） 休宁县海阳、万安、五城等村镇， 舞蹈名曰“云端舞”， 又称“扯云端”“舞云端”;另一支分布于郎溪县姚村乡， 舞蹈名曰“云舞”.二者同属舞蹈中的“字舞”范畴。
云舞同其他艺术形式一样， 是在人们的生产生活中提炼加工而成的。云舞的发祥地是典型的山区， 如姚村乡石佛山， 其巅有“石佛撑云”之美景， 一年四季云雾缭绕， 人居其间如入仙境。山里人长期体会着这种出门抬头见云彩的生活， 于是有人用竹片和硬纸扎成云朵状玩具供孩童玩耍。众孩童手执“云朵”， 追逐蹦跳， 嬉戏舞蹈， 便有了云舞的雏形。当地民间艺人从中获得创作灵感， 创作出独树一帜的舞蹈。起初的云舞仅仅作为龙灯、马灯的伴舞， 后逐渐发展成能在广场和舞台上独立表演的一种舞蹈艺术。
这一形式在当地有深广的民众基础。据记载， “祈求雷公场面， 进香求拜天神， 渴望风调雨顺， 人民扎龙为嬉， 以兆丰年”的民间舞龙活动在南宋时期就已流行。如姚村每年的农历七月三十是石佛山庙会节， 方圆百里数万百姓纷纷前往石佛山敬香拜佛， 祈求上天保佑风调雨顺、国泰民安。
随着时代的变迁， 古老的跑云灯形式得到变更， 此刻的云舞就是在跑云灯基础上不断提炼、反复加工升华而成的， 无论表演形式还是主题资料， 既有民间传统古典口味， 又有从不一样角度进行的艺术表现形式创新。
安徽云舞主要分布于长江以南的丘陵地带。虽然沿江有充足的水源， 但丘陵山区无法靠天然水源灌溉， 当地的农耕主要靠自然降雨解决。由此， 在长江沿岸的丘陵地带， 按地域与当地风俗划分， 由西向东依次是姚村云舞、休宁云舞、潜山云舞。
1. 姚村云舞
当地民间艺人从生活实践中获得创作灵感， 创作出独树一帜的舞蹈， 后逐渐发展成能在广场和舞台上独立表演的一种舞蹈艺术。据老艺人回忆， 独立出来的云舞仍沿袭原有跑灯的活动习惯， 由该乡群众自发组成的云灯会负责人召集， 筹措经费、排练指导。会首由云灯会推荐地方有才艺且德高望众的老艺人担任。除夕试灯焚香放鞭炮， 演练跑云阵式， 做好春节玩灯的准备。正月初五正式开灯， 会首率领出灯队伍首先前往石佛山大庙及山庙朝拜， 敬香祭祖， 求天神赐恩赐福；之后回到古戏楼进行一年的首场演出；随后便到周围各村庄送灯贴， 表示贺春， 通常称“送灯”.那里的百姓通常有接灯的习惯， 家家户户都事先准备好糕团、糖果， 齐放鞭炮迎接。跑云灯进入自家堂屋绕行一圈， 象征着“云灯进堂， 人丁兴旺”.
随着时代发展， 云舞歌舞的演出没有了昔日那种带着大地温度的“庄重”与“繁华”， 主要是参加各种表演和比赛， 失去了诸多前奏与后缀。云舞， 顾名思义， 以跑云为主， “云”的编排是重中之重。这其间不知经过多少代艺人之手不断被改善， 但其基本形态数百年来一向坚持[2].
表演人数根据场地大小、实到跑云的多少确定。一般为二十一人， 其中跑云者十六人。两人各持一云片， 云片系马粪纸做架， 再彩绘云形。男女各半， 男的头扎白毛巾， 穿白布短褂， 白灯笼裤， 代表白云；女的穿彩绸褂裤， 腰围绣花兜兜， 代表彩色云朵。穿花跑四角或摆字亮相， 犹如天女散花， 舞姿造型优美。另五人为捧花主角， 一般由容貌姣好的少女组成。她们的衣着与跑云女相同， 道具则为花篮。篮内插满鲜花和五谷， 象征着吉祥美满、五谷丰登。尾声， 舞者用手中的“云朵”排成汉字造型。一声锣响， 在三秒钟之内排成一个字。舞步轻盈欢畅， 舞姿翩翩柔美， 往来穿梭， 忽如祥云轻移， 恰似福祉降临。
根据实际情景和主题不一样， 又可贯穿不一样资料于其中。如在云片背面写上不一样资料的文字， 由演员手持列出， 进一步突出演出宣传的主题或明确其纪念意义。云片大小规格不一， 近年来越来越多的小朋友加入了表演队伍， 其云片尺寸变小， 龙灯、马灯、花篮皆相应缩小。整个舞蹈过程中， “云”的形态千变万化、多姿多彩， 暗合节奏的进程， 阴云、乌云、墨云、彤云、祥云、彩云等皆有展现。
云舞的热烈高潮之处， 穿插龙灯马灯表演， 有游龙穿云之势、深蛟潜海之威， 更有翻江倒海之猛烈和龙争虎斗之雄壮。全程演出舞中有歌， 以歌伴舞， 集歌、舞、吹打乐于一体。锣鼓在云舞过程中的使用， 使得演出场景更加浓重热闹， 烘托了气氛。演出过程中的锣鼓采用长套和快番两种节奏， 将龙灯、狮子、旱船、锣的各种打法相结合， 同时用戏剧中的锣鼓点， 联合组成了一个较完整的联曲锣鼓套路。演出时色彩浓郁的民间唢呐、清脆的笛声及二胡均由司鼓指挥， 时快时慢， 伴奏交替交换， 渲染舞蹈欢乐气氛。云舞表演场面宏阔热烈， 动静相衔， 完美融合。伴奏多为打击乐和唢呐曲牌两种， 热闹纷呈。当前， 云舞的舞蹈部分已基本定型， 适宜演出， 效果受到肯定。但唱词及唱和部分还处于脱节状态。当然， 此刻少了古代祈求降雨的场合， 那种祈求雷公赐雨的经道语 （上天神灵， 为我黎民， 风调雨顺， 五谷丰登） 已几乎失传[3].
2. 休宁云舞
休宁县境内流行的云端舞都由民间的一种叫“灯棚”的戏班表演。每到一地， 白天舞狮舞叉， 舞水流星、火流星， 舞刀枪棍棒， 并表演其他歌舞、杂耍、武术；晚上则演一些徽昆小戏， 如：《大财神》《万花》《跳加官》等。为了吸引观众， 不论白天和晚上， 演出前都喜用云端舞造成欢快气氛， 以招揽观众。
云端舞在流传过程中构成两种表演形式：秀阳乡钗坑村用云片表演；五城区洪里乡唐川村及万安区潜阜乡里余村用云旗表演。一人执大旗翻筋斗领队， 8~12人执小旗变化各种队形图案。
云端舞队形变化复杂， 技巧较高， 要经过长时光训练方能胜任表演。表演者均为贫家男性少年， 拜民间的昆曲、徽剧老艺人为师， 在冬季农闲时排练。新春佳节、喜期吉日在本村演出， 或应邀到外村， 近则本乡， 远则百十里之外。邀请者管吃而无工钱， 仅有灯棚中出名的艺人才能得到少量报酬。灯棚是临时聚集的半职业性民间艺术团体， 洪里乡唐川村的胡永平 （1906年生） 曾带班至江西婺源、浙江开化等地演出， 受到群众称赞。云端舞带有很强的竞技性， 群众常以能否表演该舞及演技优劣作为衡量班社技艺高低的标准， 所以表演者总是想方设法年年创新。
据秀阳乡钗坑村舞狮班艺人金阿荣 （1916年生） 、巴富贵 （1921年生） 及唐川村老艺人胡永年 （1892年生） 介绍， 清同治年间， 徽班已趋向衰退。一些身怀绝技的徽戏艺人离散异乡， 走向农村教艺。较大的村庄青年人多， 财力雄厚， 就演出一些大戏；有的村庄人少力弱， 只能演一些小戏或折子戏。云端舞备受一些交通闭塞、文化落后、资金不足的乡村欢迎， 因而一时光在休宁流传开来。休宁境内能演此舞的班社最多时有20多个。但到民国三十年 （1941年） 时， 仅存少数戏班表演此舞。1952年， 钗坑班、唐川班及其他班恢复演出。1953年休宁县业余民间艺术会演时， 钗坑村戏班表演的云端舞获奖， 之后又参加过芜湖专区业余民间艺术会演， 之后再未演出。
云端舞的音乐结构为徽、昆腔曲牌体， 歌词浅显易懂， 感情流畅， 唱法工整对称， 为七字句或十字句。伴奏乐器以徽胡为主， 配以笛子和琐呐 （当地称“大清”） .打击乐器音色较低沉、浑厚， 有时光杂使用京锣， 产生出欢快、喧闹的交响特色， 具有浓厚的乡土风味和生活气息。
3. 潜山“十二月花神”
“十二月花神”流传在潜山县黄泥镇一带， 是当地民间灯会、庙会中的主要表演节目之一。十二名少女扮成代表十二月花卉的花神， 左右手各持云片一枚， 翩翩起舞。祈求大慈大悲观世音菩萨“霖雨苍生”， 老百姓的生活完美， 如花儿绽放般美丽。
表演时， “观音”手持云帚 （又称拂尘） 盘坐在莲台上。左侧站立一名童子 （文童） ， 左手捧盛清水的净瓶， 右手拿杨柳枝叶， 用柳叶蘸清水挥洒， 表示“霖雨苍生”， 滋润百花。另一名童子 （武童） 在莲台前翻筋斗， 然后回头向观音一拜， 谓“童子拜观音”.十二名少女扮成代表十二月花卉的花神， 在莲台前翩翩起舞， 表现受到观音挥洒的甘露滋润， 应时开放。十二月花神多随灯会或庙会舞队在行进中表演。到了商店或居民门前， 如果主家放鞭炮迎接， 便开始表演 （即演唱一段或两段歌词） ， 唱完又向前行。莲台是一个长方形木架， 四脚处都安装滚轮， 木架上头是用钢筋、白布做成的一朵如澡盆大的白莲花。木架左右两边各有一人， 一手拿竹竿， 一手扶木架。表演时， 莲台停住不动， 站在莲台左右的人挥动竹竿维持演出秩序， 防止观众拥挤， 表演完毕用于推动木架向前徐行， 接上前面的游舞行列[4].
音乐《抱妆台》原是用笛子和洞箫演奏的一首古曲。据民间传说， 《抱妆台》曲谱来源于上古殷商时代。商纣王轻信妲己谗言， 铸造炮烙， 残害忠良。周武王伐纣灭商， 除暴安良， 黎民百姓演奏《抱妆台》， 揭露商纣暴政， 载歌载舞共庆升平。
据潜山县清朝廪生张伯祥考证， 早在明朝天启年间 （1573-1620） 就有“十二月花神”这舞蹈， 这一说法从旧道具 莲台木架上所刻“天启四年六月置”字样得到了证实。到乾隆年间， “十二月花神”以完美的舞蹈形式在民间广泛流传， 在潜山县黄泥镇一带流传更广。至清咸丰、同治年间， 由于连年兵乱， “十二月花神”几乎失传。1916年农历十月间， 黄泥镇举行每年一次的大王庙会。庙会前夕， 人们从镇上项义源老店后楼上发现了一批陈旧破烂的道具和服装， 其中有彩色衣裙十二套、白色衣裙一套、童子服装两套和莲台木架一座。经两位老秀才郝万馨、熊楚才 （当时郝己八十多岁， 熊已年逾古稀） 的鉴别， 才明白这些东西是表演“十二月花神”的服装和道具。青年们在这年的庙会中穿上这些服装， 由会吹奏《抱妆台》的老艺人程树台 （当时已年过花甲） 指导并亲自吹笛伴奏， 此节目才得以恢复。
随着时代的变迁， 如今的云舞再也不是起初的简单嬉戏、追逐蹦跳， 而是具有鲜明的创作思路。百姓把手持云片祈求雷公赐雨的经道语看成吉祥的预兆、求雨降临的重要法宝。在中国历史上， 百姓以各种方式求天神赐雨的民间活动是较为普遍的， 但用舞蹈的艺术表演却是独一无二的， 所以说它在民间传统艺术活动中更具特殊性， 其丰富的蕴含让人们回味无穷。
云舞这一传统民间艺术奇葩是由南宋时期的舞龙活动而演变而来的， 它形象地体现了人神合一的思想理念， 表达人民群众渴望安居乐业的完美愿望。舞姿唱词中带有浓厚的宗教敬神色彩， 是体现汉民族古代民间信仰的一种代表性仪式。
云舞是安徽地区宝贵的非物质文化遗产。充分保护、传承这一文化遗产， 是弘扬传统文化的重要举措， 是占领社会主义文化阵地， 不断满足人民物质文化生活需要的重要途径。
云舞不仅仅是祈求降雨的仪式， 经过演化还构成了老百姓喜闻乐见的娱乐健身舞蹈。每逢节假日， 乡亲们聚在一齐演跳云舞， 凝心聚力， 共同畅想完美生活， 有利于社会主义和谐社会的建设。
参考文献
舞蹈点绛唇论文篇四
论文摘要：舞蹈教育是一门综合性的学科，一个完整的舞蹈应具备音乐、灯光、舞美、服装等等元素的参与其中，好的音乐即是舞蹈成功的一半，所以音乐是舞蹈教育中非常关键的一个组成部分，倘若舞蹈动作元素如同人的骨骼，那音乐就是或肥或瘦，或圆润或富有弹性的肌肤，她使得舞蹈更加立体，饱满，她调动了人的听觉和动觉，创造了和谐的共通空间。
舞蹈与音乐都是古老的形式，两者间的关系十分密切，舞蹈教育是素质教育的重要组成部分，音乐的修养在舞蹈教育中起着极为重要的作用，如果只重视基本功和技巧的练习，忽略了对音乐修养的加强，那么出来的作品就会是很空洞、生硬，没有内涵的。音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈与音乐应该是相互依存的。可是在当下一些舞蹈教学中，由于音乐修养的欠缺，严重的影响了舞蹈的发展和表现。本论文通过探寻在舞蹈教育中音乐修养的加强，使人们可以更深层次的了解舞蹈与音乐的密切关系，从而在今后的舞蹈教育和学习中重视音乐的修养，把舞蹈与音乐很好的结合在一起。
舞蹈与音乐是水乳交融的姊妹艺术，任何一种舞蹈都必须根据音乐的节奏来进行创作，没有音乐的伴随就不存在舞蹈。舞蹈与音乐在上、结构上、旋律上及各舞蹈的结合上都有着密切的联系：在中国的古籍中，多把“乐”与“舞”并提，也就是说，舞蹈是音乐的表现形态，音乐是舞蹈的声音和内容，音乐配合舞蹈，使舞蹈的表现能力大大加强，舞蹈配合音乐，使虚的音乐形象变成较为具体可感的舞蹈形象。
舞蹈与音乐都具有抒情性。古人认为，舞蹈和音乐都是人类感情最集中的体现。直到现在，当人们兴奋的时候也会情不自禁的手舞足蹈起来。可见舞蹈和音乐都是抒发人物情感的艺术，舞蹈与音乐都属于时间艺术，舞蹈与音乐都要表达一个进程，都在时间推移中展示主题，刻画形象。在表达内容和情绪时，音乐需要音符的连续，舞蹈需要动作的连续；其次舞蹈与音乐都是以节奏为基础的，节奏是产生动感的基本要素，是舞蹈动作构成的基本因素，也是构成音乐旋律的基本因素。如果没有节奏的支撑，音乐和舞蹈都会瘫痪，在舞蹈中，节奏是联系动作的纽带，一般表现为舞蹈动作力度的强弱、速度的快慢和能量的大小。相同的动作，由于节奏的变化，可以表现出不同的情感，体现不同的内容。比如旋转的动作：如果旋转速度很快，就可以表现出人物激动的情感，或暴怒，或狂喜，或哀痛；如果速度减慢，则激动的情感也随之慢慢平静下来；如果旋转的速度减到最慢，那么激越的情绪也就逐渐消失了。可见有鲜明的节奏，和音乐紧密结合是舞蹈区别于其他艺术的最明显的特点之一。
我们常说，音乐是舞蹈的灵魂，这说明了音乐对于舞蹈的重要性。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。一个舞蹈作品的成功或失败，舞蹈音乐起着极为关键的作用，音乐不仅仅是舞蹈的伴奏，而且还表现人物丰富的思想感情和性格特征。音乐对舞蹈的作用具体体现在以下几个方面：
舞蹈需要音乐的激发与强化，音乐可以配合舞蹈在听觉和视觉上同时刺激观众，两者结合能互为补充从而形成视觉形象和听觉形象相统一的整体。比如如果出现低沉缓慢的音乐时，一般是要表现人物比较失落、哀伤的情绪，观众通过凄迷婉转的音乐和舞蹈演员的表演，可以充分体会到人物的情绪变化。
由于音乐对舞蹈的特殊性，舞蹈编导们可以从音乐中寻找到灵感。舞者在学习或表演时，把对音乐的理解融入到现实的舞姿中，可以增强作品的表现力和感染力。舞者通过反复听音乐，体会音乐的情绪，然后将脑海中的肢体表现出来。只有懂音乐的人才会被音乐情绪所打动，所以搞舞蹈的人，一定要学会听音乐即兴舞蹈。在舞蹈中，音乐是连接舞蹈动作的纽带，通过音乐把舞蹈动作串联起来，形成有规律的组合。音乐的风格可以体现出舞蹈的风格，比如藏族弦子舞，音乐速度较慢，旋律优美，婉转而深情，舞蹈动作舒展、柔美，其音乐与舞蹈风格都是一致的。
通过上述对舞蹈与音乐的关系和音乐对舞蹈的作用两方面的介绍，说明了舞蹈中音乐的重要性，那么在舞蹈教育中，加强舞蹈专业人员的音乐修养是提高舞蹈人才素质的关键因素之一，音乐包含的内容是极其丰富的，单是音乐基础理论知识就包括乐理基础、和声、中外音乐史、曲式分析等。音乐技巧又包括对视唱练耳、声乐基础、钢琴基础等课程。
本人认为，以上这些课程对舞蹈的学习帮助很大，如果舞蹈学习者没有真正理解音乐的内涵，就不能够从音乐的思维中获得更多舞蹈之外的营养，更无法在创作时很好的把握音乐，所以这些课程的学习都是必要的，当然还有许多没有提到的课程也很有用，在这里就不一一列举了。
舞蹈是一种无声的表达，是通过肢体来表现内心情感的，需要音乐的配合来完成，每一种舞蹈、每一个舞者都必须根据音乐的节奏来进行动作的创作，加强肢体音乐语言的训练，就是让舞蹈学习者通过对音乐的理解，把脑海里想到的形象用舞蹈动作表现出来，这样可以提高舞蹈艺术的表现能力。一个具有良好音乐修养的人，一旦音乐响起，随着音调的高低、节奏的长短、速度的快慢，舞者就进入了用肢体语言阐释心中对音乐感受的世界。但是在一些中等专业的舞蹈（艺术）学校并没有开设完整的音乐教育课程，没有把音乐修养提到相应的高度，这就限制了他们对音乐中舞蹈形象的想象和表现，限制了他们向更高的层次发展。在训练中，应该多注重学生对乐感的培养，在理解感受音乐的同时，发自内心的用舞蹈动作把体会到的音乐形象表现出来。
参考文献：
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[2]李晓敏.邓肯舞蹈教育思想对我国儿童舞蹈教育的启示[j].剧作家.(6).
舞蹈点绛唇论文篇五
1.舞蹈的地面训练,是舞蹈训练的一种空间占有形式.
2.地面训练显现出在不承担自身体重的情况下,采取动力性和静力性训练.
3.地面训练从柔韧训练(又称软开度训练),力量训练(又称能力训练),技术技巧动作训练三方面为舞者身体柔韧性、力量、技术技巧动作的具备和掌握,给予基础的,全面而系统的训练.
一.选题说明:地面训练在中国古典舞基本功训练中占有重要的地位,尤其是在低年级阶段,它为舞者解决身体柔韧度,培养良好的动作意识,奠定坚实的基本功基础,是一个不可忽视,不可小看的部分.
二.正文:
1.地面训练的概念.
(1)地面训练是舞蹈训练的一种空间占有形式.
(2)地面训练主要包括柔韧训练、力量训练和技术技巧训练.
(3)地面训练一般采取动力性和静力性训练.
2.地面训练的教材内容.
(1)基础训练
(2)能力训练
(3)技术技巧训练
舞蹈点绛唇论文篇六
摘要：舞蹈是一种以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式，能够表现出人的生活、思想和情感，一般用音乐伴奏。舞蹈艺术欣赏能够围绕舞蹈动作、舞蹈情感、舞蹈音乐三方面来进行。舞蹈动作是舞蹈艺术的主要表现手段，承载着塑造形象、叙述情节、表达情感等多种功能。欣赏舞蹈动作要结合各个舞蹈种类的风格特征、历史背景以及人文内涵，把握舞蹈动作所赋予的相关文化。情感是舞蹈的原动力，是舞蹈作品中人物行动的内在驱动力。表达情感是舞蹈艺术的本质和目的，情感是舞蹈作品打动观众的真正原因，舞蹈中所有的表现手段都为情感服务。舞蹈音乐不仅仅承担着舞蹈的器乐伴奏，且其本身就具有揭示剧情和刻画主角内心境感的作用。舞蹈所表现的情绪变化，与音乐的旋律、节奏、速度、力度等形态相一致，它是经过形体动作与音乐的有机结合来塑造艺术形象的。音乐是舞蹈艺术的重要组成部分，欣赏舞蹈艺术同时要进行舞蹈音乐的欣赏。
关键词：舞蹈艺术;欣赏;舞蹈动作;舞蹈情感;舞蹈音乐;。
回答这些问题，我们首先需要了解舞蹈艺术的相关知识。舞蹈，是一种以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式，能够表现出人的生活、思想和情感。下头我围绕舞蹈最主要的三个元素：动作、情感、音乐谈谈我对舞蹈的欣赏感受。
舞蹈最主要的表现手段是形体动作，它承载着塑造形象、叙述情节、表达情感的多种功能。舞蹈中的形体动作源于生活，而又高于生活，是经过提炼、组织和艺术加工的形体动作。舞蹈作品中的动作具有必须的技艺性，舞蹈演员要具备跳跃、旋转、翻腾、柔软、控制等难度较大的技巧本事。
芭蕾舞的动作是程式化的，有一套完整而严谨的动作和体系，它的标志是演员用脚尖跳舞。芭蕾舞对演员动作的要求极其严格、苛刻，如：脚尖向外要到达180度，踢腿要到达必须的高度，旋转必须快而稳，动作要做到“开、绷、直、立”的标准，要能精准地控制手、脚、臂、腿的动作。芭蕾舞剧《天鹅湖》“白天鹅独舞”：舞者伴随着音乐向上舒展；舞者两臂波动，两腿带着身体平稳地旋转。这一系列动作完美地展现出白天鹅优雅、楚楚动人的形象，表现出她在碧波中浮游时的孤傲和悲痛。当我们置身于布景真切的剧场，单单是这一系列舞蹈动作，足矣打动我们的内心，感受到舞蹈的魅力。
民族民间舞的动作最为贴近生活，往往汲取当地群众劳动生活中最典型的人物或动物形象，运用艺术加工，将其凝练为简明生动的舞蹈动作。如傣族舞蹈中孔雀的形象最为常见，舞者充分运用身体、头、和手臂的动作模仿孔雀的优美动态，或优雅地梳理羽毛，或缓步徜徉于水畔，动作惟妙惟肖。朝鲜族舞蹈中，较为常见的仙鹤形象，朝鲜族人民崇拜仙鹤，在其民族舞蹈中有许多类似仙鹤的动态，典雅而舒展，舞者手臂像柳枝摆动，脚步像仙鹤迈步。蒙古族舞蹈中最常见的是模仿骏马和雄鹰的动作，舞者用肩部的抖动来表现马的奔跑，以手臂的波动来表现雄鹰的展翅飞翔。如傣族舞蹈《邵多丽》，以曼妙的舞姿、清新的风格、新颖的舞蹈形式，把观众带入神秘的傣族文化中。“邵多丽”是傣族人对已成年尚未婚嫁少女的称谓，一般指十四五岁到十八九岁的漂亮少女。舞蹈传承了傣族舞蹈“三道弯”和“一顺边”的传统风格和动律，并融入现代舞的元素，丰富了舞蹈语汇。表现形式上突破了以往傣族舞常用的独舞或群舞形式，采用三人舞的形式，描绘了三位年轻美丽的傣族姑娘穿着漂亮的傣族长裙，在春天的阳光下欢乐嬉戏的美妙画面。在道具上也一改传统，巧妙地运用了斗笠、竹竿和花，配合不断变换的动作姿态，增强了舞蹈的观赏性。
情感是舞蹈的原动力，是舞蹈作品中人物行动的内在驱动力。表达情感是舞蹈艺术的本质和目的，情感是舞蹈作品打动观众的真正原因，舞蹈中所有的表现手段都为情感服务。
优秀的舞蹈作品，必须是在情感上富有感染力，能激起观众情感上的浪花，拨动观众的心弦，从而唤起人们在情感上的共鸣，引起一种或喜悦、或欢欣、或激越、或振奋、或愤怒、或憎恨的情感，这种情感的产生是人们在精神生活中所需要和渴求的，经过欣赏舞蹈作品，体验到这种情感，从而获得精神上的愉悦。
如欣赏音乐舞蹈史诗《东方红》，这部作品反映出伟大的中国人民艰苦卓绝、前赴后继，将革命推向前进的英雄气概。秋收起义的革命风暴，井冈山根据地的斗争，二万五千里长征的艰苦岁月，革命圣地延安的壮丽风光，抗日游击队的战斗情景，百万雄师过大江的伟大壮举，这种种历史斗争场面，都经过感人的音乐舞蹈形象，生动地展此刻观众眼前。整个舞蹈丰富多彩，既刚健又柔美，既活力又抒情，时而动人心魄，时而感人肺腑。欣赏完这部作品，感觉理解了一次深刻的思想、情感的革命洗礼。
再如舞蹈《同行》讲述了两个女兵在恶劣的生存环境下，因为水而产生的一段生离死别的感人故事。舞蹈沿袭“革命的活力，战斗的抒情”这一“前线”艺术风格，汲取军旅舞蹈独特的养分，把两个女兵相互支撑、艰苦同行的过程表现得淋漓尽致。她们这种舍己救人的精神给人一种心灵的震撼。舞蹈主要经过双人造型和人与水壶之间的关系，来表现对水和生命的渴望。两个女兵在行军过程中运用了整齐划一的.步伐和刚健的技术技巧动作，表现出女兵的坚强信念。舞蹈中运用了很多的托举等高难度的舞蹈动作，表现了行军路上的艰辛和两人团结奋战、克服困难的巾帼英雄气概。小提琴二重奏的音乐背景下两人深情的交流，烘托出军中姐妹的深情厚谊。舞蹈结束在一个富有动感的造型中，强调了“同行”二字。
音乐与舞蹈有着水乳交融、密不可分的关系。
音乐不仅仅承担着舞蹈的器乐伴奏，并且其本身就具有揭示剧情和刻画主角内心境感的作用。舞蹈所表现的情绪变化，与音乐的旋律、节奏、速度、力度等形态相一致，它是经过形体动作与音乐的有机结合来塑造艺术形象的。
比如欣赏芭蕾舞剧《红色娘子军》“斗笠舞”，万泉河边，黎族姑娘们手捧新编的斗笠，载歌载舞慰问红军。舞蹈音乐为一段合唱，主题音调源自黎族民歌《五指山歌》，音乐亲切热烈，在音乐声中，黎族姑娘们翩翩起舞，热情多姿；娘子军英姿飒爽，豪迈干练。音乐既表现了军民一家的鱼水深情，也塑造出人物的性格特点。
欣赏舞蹈作品时，这三个因素相互交融、相互渗透，不能孤立地从某一个方面去欣赏。总之，舞蹈欣赏并不神秘难解，多了解学习、熟悉了舞蹈，自然会逐步提高舞蹈欣赏的水平。《文心雕龙》有言：“凡操千曲而后晓声，观千剑而后识器，故圆照之象，务先博观。”一个人“晓声”和“识器”的欣赏本事，来自不断的实践和学习。对于优秀的舞蹈作品，仅有很多欣赏，深入体会和理解，才能充分感受到舞蹈艺术散发出的艺术魅力，不断提高自身的艺术素养。
参考文献。
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[12]黄小明.中外舞蹈鉴赏语言[m].桂林:广西师范大学出版社，2008.
舞蹈点绛唇论文篇七
摘要：民族舞蹈作为一种文化， 需要在发展的过程中， 不断创新和提高， 这就要求我们必须重视民族舞蹈的创作。在进行民族舞蹈创作的过程中， 合理运用编舞技法， 能够有效提升所创作民族舞蹈的水平。对此， 本文对民族舞蹈及其编舞技法进行概述， 分析了在进行民族舞蹈创作的过程， 编舞技法的运用现状以及在运用时应当注意的要点。
关键词：民族舞蹈创作； 编舞技法； 民族文化； 民族精神； 运用要点；
随着我国社会经济的快速发展， 人们更加注重经过观看演出， 来满足自身的精神需求。民族舞蹈表演是各种文艺演出舞台上经常出现的演出形式， 也受到人们的广泛喜爱。为了满足人们不断提升的精神文化需求， 民族舞蹈也应当不断创新和发展。在进行民族舞蹈创作时， 应当重视编舞技法的运用， 以此创作出更加优秀的作品， 实现民族舞蹈艺术的发展和提高。
民族舞蹈是中华民族优秀文化的重要组成部分， 具有鲜明的民族性和地域性， 是在各民族传承和发展的过程中构成的， 不仅仅仅具有娱乐的作用， 还能够传达情感。编舞技法是指在进行舞蹈创作时所用运用技巧和方法， 是舞蹈创作者在长期实践过程中总结出来的， 根据舞蹈特质的不一样， 能够分为多种， 例如， 在对舞蹈动作进行创作的过程中， 有重组法、重叠法以及拆分法等等。在进行编舞时， 能够根据实际情景， 综合运用多种编舞技法。
民族舞蹈创作包括选材、处理和编舞三个环节， 在进行民族舞蹈创作时， 要想创作出优质的作品， 不仅仅仅需要创作者具有高超的水平和专业的本事素质， 还应当灵活合理的运用编舞技法。
3.1 民族舞蹈创作缺乏创新性
随着人们生活水平的不断提升， 人们更加注重满足自身的精神需求， 对于所观看的舞蹈表演的要求也在不断提升。在此种情景， 民族舞蹈的创作应当不断创新， 但就实际情景来看， 很多民族舞蹈表演大都存在千篇一律的现象， 缺乏创新性。这与没有深入进行理论研究有很大的关系， 民族舞蹈理论是进行民族舞蹈创作的基础， 由于缺乏理论指导， 对于编舞技法的运用也不够合理， 导致民族舞蹈创作效果往往不尽人意。
3.2 创作者文化内涵有待丰富
民族舞蹈具有民族性和地域性， 其中蕴含着丰富的民族精神， 民族舞蹈还能够体现一个民族的风貌以及特色等等。所以， 要想创造出高水平高质量民族舞蹈作品， 对于创作者的本事素质具有很高的要求。现阶段， 虽然一些创作者的本事和素质很高， 但由于其文化内涵不够丰富， 在进行民族舞蹈创作时， 不能够根据民族文化的内涵合理运用编舞技法进行创作， 只是单纯的表此刻舞蹈动作上， 这很难提升作品的艺术性。
3.3 编舞技法的运用较为单一
在进行民族舞蹈创作的过程中， 综合运用多种编舞技法， 能够实现系统优化， 从而到达部分大于整体之和的效果， 提升作品的艺术水平。但当前由于创作者存在思维局限， 在进行民族舞蹈的创作时， 仅仅运用一种编舞技法， 这导致所创作出来的作品显得较为单调， 达不到良好的演出效果， 无法满足人们日益增长的精神文化需求。
4.1 将民族精神融入创作过程中
民族精神是一个民族在长期历史发展过程中构成的， 其中包含着文化、风俗、思想观念等多方面的资料。所以， 在进行民族舞蹈创作的过程中， 融入民族精神是至关重要的。对此， 在进行创作之前， 创作者应当对该民族的民族精神进行深入的分析和了解， 将其中具有代表性以及鲜明特色的素材， 融入到舞蹈创作中， 不仅仅仅只体现的表面的动作， 更体此刻精神层次， 从而创作出具有鲜明的民族特色和丰富的民族情感的舞蹈作品。
4.2 丰富创作者的文化内涵
目前， 存在多种编舞技法， 是否能够将其合理运用于民族舞蹈创作的过程中， 与创作者的水平、本事和素质具有很大的关系， 异常是创作者的文化内涵对编舞技法的合理运用具有很大影响。在此种情景下， 应当不断丰富创作者的文化内涵， 仅有如此， 创作者才能够在深入分析了解民族文化的基础上， 合理运用编舞技法， 进行民族舞蹈的创作。
4.3 综合运用多样化的编舞技法进行创作
民族舞蹈具有鲜明的民族特色， 民族舞蹈的呈现， 受到多种因素的影响， 不仅仅仅与民族风俗习惯有关， 还与必须的自然环境具有密切的联系。所以， 在进行民族舞蹈创作时， 也需要结合各民族的实际情景， 综合运用多种编舞技法， 实此刻舞蹈动作以及时光和空间方面的相互协调与配合。例如， 对于不一样的动作应当配合相应的表情， 以此来表达作品的情感。还例如， 在不一样的时光和空间状态下， 应当配合相应的舞蹈动作。
综上所述， 民族舞蹈作为我国优秀的文化， 应当在继承的基础上不断发扬和创新， 做好民族舞蹈创作。对此， 应当合理运用编舞技法， 在民族舞蹈创作的过程中， 融入民族精神， 以此来创作出更加优秀的民族舞蹈作品。
参考文献
[3] 高洁.浅谈现代舞编舞技法在民族民间舞当中的运用[j].科教导刊:电子版, 2017 (30) :183.
[4]孟泽婧.浅议编舞技法在民族民间舞创作中的运用[j].北方音乐, 2016, 36 (7) :176.
舞蹈点绛唇论文篇八
两年以上工作经验|女|28岁(1988年6月15日)
居住地：南京
电话：133*******(手机)
e-mail：
最近工作[1年8个月]
公司：xx有限公司
行业：娱乐/休闲/体育
职位：舞蹈编导
最高学历
学历：本科
专业：舞蹈编导
学校：东南大学
自我评价
舞蹈学院毕业，主修舞蹈教育，学习舞蹈。专业知识较强，可以自己编排、表演。本人思维活跃，善于沟通，乐于在未来工作中不断的提升自己，勤奋好学，工作积极，认真细致有耐心且有较强的表达能力和解决问题能力，富有团队精神，可承受一定的'工作压力，工作积极主动，能吃苦耐劳，有极高工作热情和强烈的责任心。
求职意向
到岗时间：可随时到岗
工作性质：全职
希望行业：娱乐/休闲/体育
目标地点：南京
期望月薪：面议/月
目标职能：舞蹈编导
工作经验
/6–/2：xx有限公司[1年8个月]
所属行业：娱乐/休闲/体育
演艺部舞蹈编导
1、承担工作室招生及培训事宜;
2、承担各种商业演出舞蹈编排;
3、负责组织谢幕;
4、每日演出后，负责记录演出情况。
/8–2013/4：xx有限公司[8个月]
所属行业：教育/培训/院校
教练部舞蹈教练
1、担任多项舞种教练，芭蕾形体教练;
2、担任爵士舞蹈教练;
3、担任肚皮舞舞蹈教练，担任儿童启蒙舞蹈教练;
教育经历
/8—2012/6东南大学舞蹈编导本科
证书
/12大学英语四级
语言能力
英语(良好)听说(良好)，读写(良好)
舞蹈点绛唇论文篇九
摘要：民族舞蹈作为一种文化，需要在发展的过程中，不断创新和提高，这就要求我们必须重视民族舞蹈的创作。在进行民族舞蹈创作的过程中，合理运用编舞技法，能够有效提升所创作民族舞蹈的水平。对此，本文对民族舞蹈及其编舞技法进行概述，分析了在进行民族舞蹈创作的过程，编舞技法的运用现状以及在运用时应当注意的要点。
关键词：民族舞蹈创作；编舞技法；民族文化；民族精神；运用要点；
1、绪论
随着我国社会经济的快速发展，人们更加注重经过观看演出，来满足自身的精神需求。民族舞蹈表演是各种文艺演出舞台上经常出现的演出形式，也受到人们的广泛喜爱。为了满足人们不断提升的精神文化需求，民族舞蹈也应当不断创新和发展。在进行民族舞蹈创作时，应当重视编舞技法的运用，以此创作出更加优秀的作品，实现民族舞蹈艺术的发展和提高。
2、民族舞蹈和编舞技法概述
民族舞蹈是中华民族优秀文化的重要组成部分，具有鲜明的民族性和地域性，是在各民族传承和发展的过程中构成的，不仅仅仅具有娱乐的作用，还能够传达情感。编舞技法是指在进行舞蹈创作时所用运用技巧和方法，是舞蹈创作者在长期实践过程中总结出来的，根据舞蹈特质的不一样，能够分为多种，例如，在对舞蹈动作进行创作的过程中，有重组法、重叠法以及拆分法等等。在进行编舞时，能够根据实际情景，综合运用多种编舞技法。
民族舞蹈创作包括选材、处理和编舞三个环节，在进行民族舞蹈创作时，要想创作出优质的作品，不仅仅仅需要创作者具有高超的水平和专业的本事素质，还应当灵活合理的运用编舞技法。
3、民族舞蹈创作中编舞技法的运用现状
3.1民族舞蹈创作缺乏创新性
随着人们生活水平的不断提升，人们更加注重满足自身的精神需求，对于所观看的舞蹈表演的要求也在不断提升。在此种情景，民族舞蹈的创作应当不断创新，但就实际情景来看，很多民族舞蹈表演大都存在千篇一律的现象，缺乏创新性。这与没有深入进行理论研究有很大的关系，民族舞蹈理论是进行民族舞蹈创作的基础，由于缺乏理论指导，对于编舞技法的运用也不够合理，导致民族舞蹈创作效果往往不尽人意。
3.2创作者文化内涵有待丰富
民族舞蹈具有民族性和地域性，其中蕴含着丰富的民族精神，民族舞蹈还能够体现一个民族的风貌以及特色等等。所以，要想创造出高水平高质量民族舞蹈作品，对于创作者的本事素质具有很高的要求。现阶段，虽然一些创作者的本事和素质很高，但由于其文化内涵不够丰富，在进行民族舞蹈创作时，不能够根据民族文化的内涵合理运用编舞技法进行创作，只是单纯的表此刻舞蹈动作上，这很难提升作品的艺术性。
3.3编舞技法的运用较为单一
在进行民族舞蹈创作的过程中，综合运用多种编舞技法，能够实现系统优化，从而到达部分大于整体之和的效果，提升作品的艺术水平。但当前由于创作者存在思维局限，在进行民族舞蹈的创作时，仅仅运用一种编舞技法，这导致所创作出来的作品显得较为单调，达不到良好的演出效果，无法满足人们日益增长的精神文化需求。
4、民族舞蹈创作中编舞技法的运用要点
4.1将民族精神融入创作过程中
民族精神是一个民族在长期历史发展过程中构成的，其中包含着文化、风俗、思想观念等多方面的资料。所以，在进行民族舞蹈创作的过程中，融入民族精神是至关重要的。对此，在进行创作之前，创作者应当对该民族的民族精神进行深入的分析和了解，将其中具有代表性以及鲜明特色的素材，融入到舞蹈创作中，不仅仅仅只体现的表面的动作，更体此刻精神层次，从而创作出具有鲜明的民族特色和丰富的民族情感的舞蹈作品。
4.2丰富创作者的文化内涵
目前，存在多种编舞技法，是否能够将其合理运用于民族舞蹈创作的过程中，与创作者的水平、本事和素质具有很大的关系，异常是创作者的文化内涵对编舞技法的合理运用具有很大影响。在此种情景下，应当不断丰富创作者的文化内涵，仅有如此，创作者才能够在深入分析了解民族文化的基础上，合理运用编舞技法，进行民族舞蹈的创作。
4.3综合运用多样化的编舞技法进行创作
民族舞蹈具有鲜明的民族特色，民族舞蹈的呈现，受到多种因素的影响，不仅仅仅与民族风俗习惯有关，还与必须的自然环境具有密切的联系。所以，在进行民族舞蹈创作时，也需要结合各民族的实际情景，综合运用多种编舞技法，实此刻舞蹈动作以及时光和空间方面的相互协调与配合。例如，对于不一样的动作应当配合相应的表情，以此来表达作品的情感。还例如，在不一样的时光和空间状态下，应当配合相应的舞蹈动作。
5、结语
综上所述，民族舞蹈作为我国优秀的文化，应当在继承的基础上不断发扬和创新，做好民族舞蹈创作。对此，应当合理运用编舞技法，在民族舞蹈创作的过程中，融入民族精神，以此来创作出更加优秀的民族舞蹈作品。
参考文献
[3]高洁。浅谈现代舞编舞技法在民族民间舞当中的运用[j].科教导刊：电子版，2017（30）:183.
[4]孟泽婧。浅议编舞技法在民族民间舞创作中的运用[j].北方音乐，，36（7）:176.
舞蹈点绛唇论文篇十
摘要：舞蹈编导是一门侧重实践性的学科。新时代大众对艺术审美提出了新的要求， 这对于舞蹈工作者来说既是新的挑战也是新的机遇。要想使舞蹈创作体现创新， 编导不仅仅需要对舞蹈艺术满怀热情与活力， 更需要具备过硬的专业本事和能够把握社会审美心理发展变化的敏感度。基于此， 本文首先论述了新时代舞蹈编导创作创新的重要意义， 在此基础上， 分别从在两个“共鸣”层次上进行创作以及以舞蹈创作题材为着力点进行创作这两个方面论述了舞蹈编导创作创新的优化对策。
关键词：新时代； 舞蹈编导； 创作创新；
随着我国传统舞蹈艺术的传承与发展， 我国舞蹈艺术呈现出繁荣发展的良好势头。尤其是多年来舞蹈编导已是高等艺术专业教育中一门有系统化教学课程的专业， 大大提高了我国舞蹈编导创作队伍的整体水平。然而， 在当前舞蹈作品产出量巨大的形势背后， 存在很多作品雷同、重数量轻质量等诸多问题， 严重影响了我国舞蹈艺术现代化的发展进程。基于创作创新对传统舞蹈艺术改革和发展的重要性， 我们有必要分析舞蹈编导创作过程中存在的问题， 从根源解决问题， 从而提高新时代舞蹈编导作品创新水平。
1.1 舞蹈编导创作创新是解决当下舞蹈编导创作难点的关键
舞蹈编导创作创新是解决当下舞蹈编导创作难点的关键， 甚至于在必须程度上， 是促进舞蹈艺术现代化传承与发展的根本动力和方法。当前我国正行走在艺术多元化的道路上， 现代舞蹈艺术创作起步较晚， 水平与特色不突出、百余年的艺术崇外心理、改革开放以来的商品经济不良金钱观和个人利益观等共同交织影响下， 构成了当前自我文化不自信、没有生气灵魂、快餐式以及程式化、格律化套作的舞蹈创作现实， 作品题材的单一乏味已经成为制约中国舞蹈艺术作品创新的关键因素。
1.2 舞蹈编导创作创新是增加舞蹈艺术影响力和社会价值的关键
艺术多元思维是当前包括舞蹈在内的所有艺术形式最基本的创作共识。艺术多元化既包含了同一种艺术形式不一样文化的交流融合和不一样艺术形式不一样文化的交流互鉴， 也包含了对艺术作品价值与艺术大众化趋向的双重要求。舞蹈编导创作创新在艺术现代性创作观念下， 对传统元素与文化有深入理解和选择， 有助于提高舞蹈作品质量、增加舞蹈艺术影响力， 是大众化和新媒体视角下对舞蹈艺术社会价值的深度挖掘， 有助于提升国民艺术审美情趣和审美层次。
2.1 着力在两个“共鸣”层次上进行创作
没有深入了解传统， 一味摒弃传统、强调创新， 是最肤浅和最愚蠢的行为， 是异化形式主义的象征。任何广受好评的人民喜闻乐见的舞蹈作品必然建立在两个“共鸣”层面基础上， 其一是社会文化心理的共鸣， 其二是贴合受众审美变化的共鸣。要想到达这两个“共鸣”， 首先要了解传统舞蹈背后的文化底蕴；其次必须树立文化自信的观念， 从民族传统文化中取经， 挖掘民族性传统文化资源， 这样既能引起文化心理共鸣， 又能在多元文化中突出特色， 使我们走出一条有灵魂的舞蹈艺术康庄大道；最终， 要对优秀的舞蹈作品进行受众群体特征分析， 明晰受众审美变化特点。
2.2 以舞蹈创作题材为着力点进行创作创新
针对上文提到的舞蹈创作题材的单一乏味制约了我国舞蹈编导的创作创新这一关键性问题， 研究舞蹈艺术作品创作的偶然性和创新的广泛性特点， 我们除了要有创作的活力， 还需要选择一个“巧妙”的角度才能叩开新时代艺术创新的大门。对此， 我们能够从两个方面研究， 解决问题。
一方面， 我们要重视对中国民间民俗舞蹈题材的挖掘。以花腰黎族民间舞蹈代表作《尼苏新娘》为例， 其之所以能够包揽多个大奖并得到社会的广泛认可和关注， 在于其创作中对民族风俗的选择与提炼， 在于作品题材贴合“真、善、美”的正确主流的审美评价， 在于对“熟悉中的陌生”创作方法的运用。
另一方面， 题材的选择要适应社会发展的趋势。舞蹈编导应对社会流行审美、社会热点等有必须的敏感度， 创作出能够在当代社会感召大众、激励人心的好作品。如前线歌舞团的作品《决胜千里》， 以群舞的形式将现代数字化战争的紧张与激烈展现得淋漓尽致， 虽无真刀真枪， 可是战争中争分夺秒的紧迫感、决胜千里之外的宏大气势却使观众身临其境， 不仅仅展示了我国当代军人的飒爽英姿， 也激起了大众的一腔爱国热情。
本文重点论述了在新时代背景下舞蹈编导创作创新的重要意义和优化对策。创新是使中华民族屹立于世界民族之林的不竭动力， 是使伟大祖国坚持昌盛繁荣的核心竞争力。在强调创新的当下， 为了更好地促进传统舞蹈艺术的现代化转型， 新时代舞蹈编导不仅仅要满怀真诚地进行舞蹈作品创作， 不断提高自身的专业本事， 还要坚持为人民服务的创作态度， 关注新时代舞蹈创作的新环境、新形势以及新问题， 在专注力和核心职业本事的培养上， 把握多元文化和舞蹈艺术大众化的时代潮流趋势。仅有这样， 舞蹈编导才能创作出人民喜闻乐见的好的时代舞蹈作品。
参考文献
[1]乔素.新环境下舞蹈编导基本本事以及创新精神探讨[j].黄河之声, 2019 (09) :132.
[2]谭宇轩.舞蹈编导创作中的创新手法[j].黄河之声, 2019 (08) :134.
舞蹈点绛唇论文篇十一
首先,是无统一或比较明确的舞蹈教学大纲。笔者通过对几所师范院校音乐教育专业进行调研,发现在音乐学专业教学目标及大纲的制定上，师范院校舞蹈必修课分为以下几类:一是执行学校自行制定的教学目标与大纲；二是教师参照高师音乐学专业教育目标制定大纲；三是舞蹈教师各自定制教学大纲。也有少数学校甚至根本就没有制订明确的教学目标与大纲。总之,各学校舞蹈必修课教学目标与大纲存在着课程定位不清、教育理念模糊等问题，教师们在具体教学中随意性较大,课程内容参差不齐。
其次,在教材的使用上,普遍存在内容陈旧，不规范、不配套等问题；教师选用教材随意性较大,上课时所使用的教材大体分为专业性大纲教材、文字性理论教材、影像资料类多媒体教材等。长期以来,高师舞蹈课基本沿用的是专业院校的模式，教材内容偏难、偏深,或者退而求其次的使用它们的简化版,学生常常因为难以掌握和完成训练任务而失去信心；教师不能充分把握音乐学专业舞蹈必修课程的定位，同时在教学过程中也无法向学生提供适宜于课堂教学的教材。特别需要指出的是,在教材的使用上由于受教师个人修养、表演方法及欣赏品位等方面影响，不同教师在教材的选用范围和程度上造成的差异，使学生之间学业的内容掌握方面大相径庭。教材体系缺乏科学性、系统性，教材选用的结构和取向的随意性,等于将舞蹈教育这偌大的园地放任自流,这种状况显然不利于培养中小学校音乐教师的目标的实现。
二、舞蹈教材的选择和提炼。
要关注的内容之一。常规教材不是指把现成节目或片断拿来当做教材进行训练;素材不等于教材,节目也不能代替教材,更不是指专业舞蹈院校教材的简化版应用。例如在对借鉴专业舞蹈学院对具代表性民间舞作为教材的选择问题，并不是直接全盘拿来,主题方向可以借鉴,但是具体内容不能定位成它的简单化处理，而是把具有“代表性“有胚胎作用观念’、“有发展力观点”基础动作进行整合,纳入高师舞蹈教学的常规教材中去。比如汉族民间舞可以选择东北秧歌作为教学内容,主要学习基本体态、“扭”的动律、基本步法(压脚跟、前踢步、后踢步、跳踢步）、手巾花的基本动作就足够了。在这些教学环节中，着重是针对既无基础身体又不灵活的高师成人学生的特点，让他们能迅速地掌握丰富的舞蹈元素。
(二）从中小学音乐教材里进行提炼笔者通过分析“人教版”中小学音乐教科书,发现书中有大量舞蹈教学环节的运用，概括起来大体可以分为：“音乐（舞蹈）律动’、“歌表演”、“音乐游戏，、“音乐舞蹈欣赏’“集体舞’、“即兴舞”和“群舞”。对‘‘人教版”中小学音乐教科书中的涉及到的舞蹈技能与知识进行提炼,可以作为高师音乐教育专业舞蹈教材选择的重要部分之一,如?关于音乐（舞蹈）律动方面，在形体训练环节，通过对身体各部位的动作探索，找到肢体舞蹈运动的规律,配合不同的音乐，做出律动反映。另外，在常规教材中要学习不同文化的舞蹈，但舞蹈的种类何其多,单说我国的民族民间舞在每个民族中又有它地区风格特点的区别。在上文说到的教科书中有大量的舞蹈组合的编写“遍撒网”不如‘‘定向、定点、定位’，直接采用教材中涉及的舞蹈组合进行教学,这样不仅解决了教材选择的问题,而且,加深了对中小学教材的熟悉程度,有利于将来在工作岗位上的再发挥。当然，在这方面也需要随着中小学音乐教科书的改革,常教常新。
(三）开发乡土教材各地都有风格各异的原生态音乐舞蹈或者仍然活跃在现代都市的民俗音乐舞蹈,它们是文化艺术的一块宝藏,也是一块被人忽略、或未被发掘的领域。由教育部、华中师范大学基础教育课程研究中心编着，经全国中小学教材审定委员会20xx年初审通过的义务教育课程标准实验教科书中，在七年级上册第五单元《乡音乡情》一节里，把湖北民歌、民俗音乐舞蹈纳入学习范围，教学目标要求学生了解湖北民间风情,用歌表演的形式体验民间音乐的艺术魅力。这些经典的民歌、民俗舞蹈除了具备较强的根源文化传承价值外,其对音乐、艺术课程以及舞蹈教育都有着较大的意义。在高师音乐教育专业的舞蹈教学中，对原生态音乐舞蹈和民俗音乐舞蹈学习同样十分重要，但要在有限的时间内学习这么多舞蹈内容,是不切实际的，可以采取由学生作为教学的主导，“师生互动’、“生生互动”用观摩或探讨的方式进行传递。把各地的原生态舞蹈或民俗舞蹈的素材通过各所在地学生进行搜集，这也是我们教材选择的重要内容之一，重要的不是结果,而是这个搜集一体验一交流一传承的过程。
(四）遴选多媒体资料随着网络、通信的发展,高师舞蹈教学可以通过网络，找到许多与教学内容相关的最新、最前沿知识。资源共享、知识更新的速度让我们能够全面的获得第一手资料（文字资料、舞蹈音乐资料，与舞蹈相关的视频资料等），让学生在学习知识的同时还可以了解与之相关的内容，以及这一学科的最新进展与发展方向，改变过去学生只知道死扣书本的情况,增大课堂教学容量，开阔了学生的眼界。这些资料无论对于高师教师,还是他们面对的教学对象,哪怕高师毕业生走上中小学音乐教师的岗位，都将是无尽的知识财富。与此相关的还有影像类教材。随着我国舞蹈电教的发展，用录音录像的方法纪录舞蹈教材,逐渐成为了一种常用的教学方法。以适合的影像资料作为教材,用电视机、cd机、dvd机等工具播放影像和音乐,大大提高了教学效率。
(五）及时发掘新的舞蹈教学元素为丰富教学内容,提高学生学习兴趣,使教材具有实用价值,我们许多高师舞蹈教育者通过实践,将基训、民间舞等舞蹈内容配合流行音乐改编成有表演性的组合。如用《中国功夫》的音乐来完成男生班的古典舞基训的脚、手位的组合,在创编组合动作中，充分结合音乐的特点和歌词所描绘的意境,使组合具有表演性、可观性。《中国功夫》音乐本身就颇具阳刚之气,男生在完成手、脚位的动作时就会不由自主地随着音乐,表现出古典舞的精、气、神。
舞蹈点绛唇论文篇十二
指导老师: 姓 名： 学 号： 专业班级： 四周的《舞蹈鉴赏》课很快的就结束了，在王老师的教导下，我愉快地学完了这门选修课。老师在课堂上给我们讲了许多有关舞蹈的知识，还放了许多经典舞蹈的视频，而且教我们跳一些简单的舞蹈，课堂气氛很好，我感到学习这门课程感到很轻松很愉快。我不会跳舞，但我觉得舞蹈这门艺术很伟大，有时候语言显得最低级，而舞蹈可以让我们达到一种心领神会的境界，无声胜有声。王老师让我们写一片课堂上给自己留下印象最深的一段舞蹈的感悟，是的，课堂上很多片段给我留下了深刻的印象，阿宝的成长、千手观音背后的故事„„我本打算写阿宝，我上网搜了很多资料。但是，从内心来讲，我更想写一些自己对舞蹈的认识，在网上搜了些资料，也在图书馆借了一些书看，最后汇总了一下，下面这些是我在搜集资料的过程中我感觉对我有价值的，另外还有我的一些心得体会。
艺术是人类审美活动的大家族，它的成员有文学、美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、杂技等。各个门类的艺术都是反映社会生活和表现人们思想感情的。舞蹈是八大艺术之一，于时空中以身体为语言作“心智交流”的人体的运动表达艺术，一般有音乐伴奏，以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式。它一般借助音乐，也借助其他的道具。舞蹈本身有多元的社会意义及作用，包括运动、社交/求偶、祭祀、礼仪等。
作为艺术之一的舞蹈，同样是一个非常广阔的天地，它也是由各个不同种类、不同样式、不同风格的舞蹈所组成的。根据舞蹈的作用和目的，舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类。生活舞蹈是人们为自己的生活需要而进行的舞蹈活动，包括有：习俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈、教育舞蹈等。艺术舞蹈则是为了表演给观众欣赏的舞蹈，包括有：古典舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈、当代舞蹈和芭蕾舞等。
舞蹈欣赏，是人们观赏舞蹈演出时所产生的一种精神活动，是对舞蹈作品的感受、体验和理解的整个过程。观众在欣赏舞蹈作品的过程中往往会联系自己的生活经历，引起情感上的共鸣，激发起记忆中有关的印象、经验。人们进行舞蹈欣赏这种舞蹈的审美活动，首先必须具备一定的主观条件，也就是说要具有一定的舞蹈知识、舞蹈欣赏水平和认识能力，舞蹈欣赏活动才能正常和顺利的进行。这正如马克思所说的那样：“如果你想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。”“只有音乐才能激起人的音乐感；对于不辩音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义，音乐对它说来不是对象„„”所以，我们了解舞蹈艺术的特性、舞蹈和其他艺术的关系、舞蹈形象构成的各种因素，舞蹈是以经过提炼、组织、美化了的人体动作为主要表现手段，表现人们的情感和思想，反映社会生活的一种艺术。从舞蹈作品诉诸于欣赏者的感觉特点来看，它是一种综合了听觉(时间性)和视觉(空间性)的表演艺术。
舞蹈作为一种最古老的艺术，它的源头来自哪里呢？据艺术史学家的考证，人类最早产生的艺术就是舞蹈。在远古人类尚未产生语言以前，人们就用动作、姿态的表情来传达各种信息和进行情感、思想的交流。以后由各种声音发展成为语言和音调以后，才相继产生了诗歌和音乐。在劳动中，由于制造工具，人的手逐渐变得灵巧起夹，又诞生了绘画和雕刻。随着人类的进化，思维能力和认识事物水平的提高，曲艺、小说、戏剧等艺术才相继被创造出来。关于舞蹈的起源，众说纷纭，各有各的道理，但又都不十分完整和全面，因为舞蹈活动是人类生活中的一种社会现象，它的起源和世界上的一切事物的构成一样都不是单一的，而是有着多种因素的，所以人们主张“劳动综合论”，即：舞蹈起源于人类求生存、求发展中劳动实践和其他多种生活实践的需要，如果再详细一点来说，舞蹈起源于远古人类在求生存、求发展中劳动生产(狩措、农耕)、性爱、健身和战斗操练等活动的模拟再现，以及图腾崇拜、巫术宗教祭祀活动和表现自身情感思想内在冲动的需要。它和诗歌、音乐结合在一起、是人类历史上最早产生的艺术形式之一。
自人类诞生以来，创造了许多经典的舞蹈，例如柴可夫斯基创作的伟大的芭蕾舞剧《睡美人》、《胡桃钳》和《天鹅湖》，中国的经典舞蹈《霓裳羽衣舞》、《春江花月夜》和《踏歌》等，这些舞蹈都给人一种美的享受。相比与外国舞蹈，中国舞蹈有自己的特征。第一，载歌载舞。中国的民间艺术自古以来就有载歌载舞的传统，如汉族北方的秧歌，南方的《采茶灯》、《花灯》，满族的《莽式》，维吾尔族的《麦西来普》，藏族的《弦子》，这些都是载歌载舞的民间舞蹈。第二，广泛利用道具。这些道具有：手绢、扇子、花绸、头上戴的帽子、面具、腰里绑的腰鼓、腰铃、脚踏的高跷，以及各种道具如：伞、灯、刀、剑、棍等。第三，形象鲜明、情节生动。中国的民族舞蹈一般都以一个故事为依据，舞蹈刻画的人物形象生动，活灵活现。第四，自娱与表演的统一。
心得体会。舞蹈作为一门古老的艺术，在人类的历史中始终都在艺术领域中占据着重要的地位，它和人类的生活、思想和文化已经融为了一体。虽然我对舞蹈没有太深的了解，但我可以感觉到舞蹈演员背后所付出了巨大的艰辛和努力。正是他们的付出，我们才有幸欣赏到那么多优美的舞蹈，尤其是《千手观音》这个舞蹈，可以让我们深刻地感受到这一点。世界上没有随随便便就能创造出的伟大，伟大的背后必然是不断的付出和不懈的努力，阳光总在风雨后。当我们在欣赏哪些伟大舞蹈时，我们不要只是感叹于它的唯美，也要想到优美舞蹈背后的东西，用舞者的汗水来点燃我们生活的激情，用舞蹈的精华来滋养我们的生命。
最后，很感谢王老师的教导，通过这门课程的学习，我对舞蹈的认识和欣赏能力提高了很多。在以后的生活中，我也会更多的去欣赏经典的、优秀的舞蹈，来提高自己的舞蹈修养！
舞蹈点绛唇论文篇十三
摘要：本文经过对高师舞蹈学专业毕业论文改革的探索及研究，找出了集创新型、应用型为一体的改革方案，结合舞蹈学学科特色、专业发展建设，真正体现了学以致用、科学合理的应用型人才培养目标，为高等教育的舞蹈学专业发展找到切实可行的有效途径。
关键词：舞蹈学；毕业设计；论文改革；学科特色；专业建设
在大多数高等教育的舞蹈学专业人才培养计划中，毕业论文是以论文形式出现，要求学生从理论上阐述学术观点及想法。由于大多数舞蹈学专业学生自幼学习舞蹈，有的甚是科班对文化知识的全方位掌握有必须欠缺，在论文撰写上常常感到力不从心，但在专业领域中，学生能够较全面的发挥优势及特长，仅有深入探索和研究适合本专业学科特色发展创新的毕业设计改革方案，找到正确的方针路线，才能真正的体现学以致用、科学合理、贴合学科特点的应用型人才培养目标。
一、研究资料
第一，对艺术专业领域的毕业论文改革与创新性研究。在四年制本科教学计划中，毕业论文的完成时光一般规定为8周，通常以论文形式为主。但有部分高校已将艺术类毕业论文改为从“单一学术性论文”到“多样化毕业设计”，高校艺术类专业的毕业论文环节将面临着改革和创新，也将突破传统模式进行新一轮的有效性研究。
第二，结合舞蹈学学科特色探索合理科学的毕业设计改革方案。在培养舞蹈人才过程中，不能够片面、单一，更不应急于求成。所制定的毕业设计要求既能够反映学生的综合素质本事，又能对适应步入社会的第一阶段做好充分的心理准备和实战经验。
第三，制定体现应用型人才培养计划的舞蹈学毕业设计方案。基于毕业设计质量是衡量高校教学水平的重要标志，是培养大学生的创新本事、实践本事和初步科研本事的重要实践环节，结合舞蹈学专业的特殊性、科学性和合理性，可将毕业设计分为编创作品、汇报演出两种方式。编创作品即创作舞蹈作品，汇报演出即汇报表演舞蹈，均属于实践性质。两者目的都是使学生进一步巩固加深对所学的基础理论、基本技能和专业知识的掌握，使之系统化、综合化。使学生获得从事工作的初步训练，培养学生的独立思考和综合运用已学知识解决实际问题的本事，尤其注重培养学生独立获取新知识的本事。
二、研究目标及特色
舞蹈是一门实践性较强的专业，是具体的手把手的教与学，是真正意义上的“言传身教”，必须经过科学、系统、严格的训练，将理论与实践并重，才能成为一名“文武双全”、名符其实的舞蹈教育人。所以在毕业设计中的教师指导环节，要注重实践性和创新性，鼓励学生的想法，用正确的观点来引导他们。只授予学生高超的技艺，不重视提高学生的综合素质与理论知识的培养，就不可能造就出优秀的舞蹈教育人才。此项研究贴合舞蹈学专业学科发展建设的特殊性、科学性和合理性，真正将应用型人才培养计划与人才知识结构需求、高等教育目标、学生综合素质相结合，使学科建设得到有效的实行、发展和提高。
三、舞蹈学毕业设计改革研究与项目制定
应予以充分的注意。
舞蹈学是舞蹈艺术门类中的一个重要学科，是用人体动作来表达思想感情和真善美的一种艺术形式。所以，舞蹈学所涉及的研究面是很宽的。在此，笔者对舞蹈学专业毕业论文(设计)改革探索及研究还不够深远，所做出的改革方案还微不足道，期望借此引发更多同仁的支持和研讨，让今后高校舞蹈学科的发展和建设之路越走越远。
参考文献：
[1]游洁.解读舞蹈艺术的文化性[j].广西梧州师范高等专科学校学报.(03).
[2]张莉，李晓红.高校舞蹈教育中存在的问题及对策[j].平原大学学报.2005(05).
舞蹈点绛唇论文篇十四
摘要：现代舞剧作品《妮娜物语》是日本舞蹈界近年来的优秀作品， 舞团探寻了舞者的肢体应当是什么样貌的， 他们的肢体能够强大到什么程度， 并创造出了一个充满了紧张与美感的舞台。本文经过对作品《妮娜物语》的艺术特征和创作的现状进行分析探讨， 最终期望把创作及探寻的方向回归舞蹈的本源， 即身体， 艺术的价值， 即个性。
关键词：舞蹈本源； 肢体； 舞台美术； 编舞手法；
《妮娜物语》是日本无设限舞团创作的现代舞作品， 由金森穣导演编舞， 它由独舞《天鹅的梦》 （15分钟） 及现代芭蕾《妮娜物语》 （60分钟） 两部作品构成， 是一部集强大肢体、精妙音乐和炫酷视觉于一体的震撼之作。作品展现出艺术家超越国界的世界性格局与视野， 带领我们感受到艺术的一种新境界， 生命就是不断的探索， 并从中激发出一种能量， 使身体产生一种力量与美的感觉。此外， 它将人的肢体语言传导出来， 对人性进行拷问， 将人类精神中的黑暗面进行外化， 人物会变成物体， 以此来拷问人性。当这些舞者们理解自我的物化之后， 他们就会变成骄傲的祭品。本文以编舞家角度为切入点， 围绕舞者肢体背后、舞台场景呈现以及编舞手法几个方面进行分析与探讨， 侧重探索编舞家在人的肢体语言的设定， 打破传统舞台美术设计以及舞蹈动作设计， 探讨舞者身体的各种可能性。
舞蹈以人体为媒质， 是身体语言的表述和表达；“动”乃舞蹈之核心元素和重要特征， 用舞动的人体去言说， 是舞蹈表现的最主要手段。看了《妮娜物语》首先能感到肢体表现带给人的震撼， 舞蹈语汇十分丰富， 编舞的手法个性新颖， 舞者们的默契和现场舞动呈现出的剧场张力十分强大， 对肢体的控制本事令人震惊。因受到传统的影响， 日本舞台表演艺术家对“身体”有执着的关注， 第一次看的时候， 你或许会感觉像是机器人在跳舞。编导在舞蹈肢体的开发上， 探究舞者在空间中舞动前如何能强而有力地散发肢体的美及力量， 身体又如何接地气以至被推而不倒。当然， 在舞蹈技巧上， 金森穣作为编舞， 他认为， 身体是完美无缺的， 坚定不移的。它是绝对“零”的体现， 不多不少。肢体的背后可能有任何意义或者没有任何意义， 皆取决于观众的思考角度。同时他也试图透过身体， 探讨东方舞者在舞蹈技巧上的控制本事。而这种给予身体的“探讨”， 作为留学欧洲十多年的金森穣， 长期受到西方当代舞训练体系的影响， 在重返日本舞台时， 用东方演员的身体， 加上自我西方现代舞的技法， 东西碰撞之间， 是很有实验性的。在中国的“陶身体舞蹈剧场”， 就是十分注重动作开发与东方文化相结合的舞团， 编舞家及创团人陶冶就是致力探索一种颠覆性的身体运动技术并在国际舞蹈界享有盛誉。舞者在训练中不断开发与挑战肢体的潜能与极限， 突破身体局限与思维的预期。着重对舞蹈本体的研究， 是对身体运动的再造， 专注身体形式的探索和挖掘。所以仅有创造出独具特征的舞蹈运动语汇， 才能成为独具一格、自成一家的身体舞团。这也应当是舞蹈创作者最迫切的自觉行动。
《妮娜物语》这是一部寻求身体“普遍力量”的作品， 没有华丽的舞台包装， 没有喧宾夺主的干扰， 观赏中从一开始到结束， 视线都没有离开舞者身体以外， 所有的表现一切用舞蹈最本体的肢体给人以震撼。除了身体， 这个作品更加重要的是内在的思想性， 和编舞本人对当代人所共同身处的世界的认识， 以及对人性的探讨。作品一开场， 会先上来五个女舞者穿着特制的服装， 他们把自我的身体固定好之后， 如同没有自我意识的提线人偶， 随后突然出现身着黑色服装的舞者试图操控人偶的肢体， 双方博弈的故事就此展开， 开始人偶的一举一动都被穿着西装的另一群舞者操控， 看到了一种现实人群中的无奈。直到最终一幕反转， 当人偶们逆袭穿上西装， 操控了控制者， 这是不是有种被压抑后的畅快， 在这你总能找到一些瞬间和这个故事对号入座， 或许是越来越逼真的机器人， 或许是你自我的经历， 或者是什么历史课本里的某次起义， 也或许是走过不细心踩死的一只蚂蚁。虽然12个人一台戏， 没有舞美的包装， 简约的灯光， 但让观者理解的信息量是巨大的， 带给大家欣赏优质舞蹈作品时那种心灵层面上的领悟， 以及欣赏完之后所将展开的更深刻的内心思考， 这就足矣了。反观我们的作品有时则过分依靠其他形式的包装， 善于造势与滥用包装， 造成“舞不够， 景来凑”， 且舞台美术的设计都趋向于大制作、超豪华， 有时舞美的制作预算占了一大半总费用， 也造成剧目无法演出， 因为成本太高。也所以显得作品资料苍白， 主体创作贫乏， 舞台美术则奢华。有些舞美制作确有独立的观赏价值， 可是由于作品的平淡无味， 不但未能起到提高艺术质量的进取作用， 反而更凸显滥用包装的负面效应。
说到日本人， 大抵对之有过一些了解和接触的话， 都会产生那么一点他们挺“严谨”的印象。这种感觉的由来多是因为我们亲身感受到了日本人在日常中表现出来对于细节的执着， 以及体验到了这个国家规则秩序至上的社会大环境。认真的人喜欢将事情做到极致。例如近些年来反复被国内媒体报道和强调的“日本职人”就是很明显的特征。职人精神是日本社会走向繁荣的重要支撑。“职人气质”是指追求自我手艺的不断提高， 并对此持有完全自信， 不会因为金钱和时光的制约而去扭曲自我的意志或做出妥协让步， 只专做自我能够认可的工作， 就算是完全放下利益于不顾， 也要使出浑身解数去完成工作。当他们对工作的严谨放在创作里， 能感受到舞者的每个编排， 每个细节， 是经过多少次再创作和磨合到达的效果。《妮娜物语》主要完成就是五组双人舞的表演， 在双人舞的编排上力量与肢体相互的设计十分独特， 空间处理人与人的接触如行云流水， 双人舞的舞动随心所欲， 让人叹为观止， 相互间配合如电脑编程， 每个衔接都是严丝合缝。我想这也跟他们骨子里的敬业和创新精神有关， 只要是我们能看到的日本团体演出， 质量往往不会差， 不论从观念到舞台呈现， 从导演编排到演员表达， 都有可圈可点之处， 耳目一新；也就是， 资深剧场观众的话来说， 我们通常不会“踩雷”.然而， 正是这种精神， 成就了日本科技、文化的发达， 毕竟严谨和创造力才是活力和提高之源。
我们此刻所处在一个十分发达的信息时代， 资源信息随时能够获取， 这时有助于艺术创作者能够更快捷、便利地借鉴到他人的创作经验。可是艺术创作的借鉴有如人体营养的获取， 是需要经过牙齿的咀嚼， 胃肠的消化， 而不是生吞活剥。有时看见国内某些大导演也在照搬他人， 已无所顾忌。但长此以往， 这些快捷的创作不经过创作者独立思考的行为， 慢慢的会割掉艺术家创作才华， 并且也随时涉及到知识产权问题， 长期以往对艺术繁荣创作十分不利。此类问题虽然对于大多数编导来说， 主观上也许并非出于“抄袭”的动机， 而是认识---观念上的模糊和创作上的惰性导致求异思维的萎缩。有些手法的雷同化， 也存在“不约而同”的偶然性。但有时， 如果我们换一种思维方式， 当我们借助多媒体时代的便利开阔眼界， 获取很多信息， 看到一些令人拍案叫绝的手法时， 倘若我们去认真探索其创作思维轨迹， 去使自我获得触类旁通的启迪， 而不是照猫画虎地翻版， 是否会获得更深刻的认知， 当自我苦心孤诣想出的“点子”在他人率先推出的作品中“英雄所有相同”时， 有宁肯割舍也不重复的气派另辟蹊径， 或许会逼迫自我更上一层楼。这样的要求或许比较苛刻， 这样的创作实践必然很艰苦， 可是艺术的至高境界就是独一无二， 有出息的艺术家就应当这样“挤兑”自我。
《妮娜物语》这部剧， 虽然是十几年前的作品， 但在今日来看依然具有很强的观赏性、艺术性和思想性。同时也透过这部剧反观我们的创作态度和理念。如果作为一名创作者没有独具思想深度的创作理念， 肯定不能产生特立独行的作品和精巧的设计；如果一名舞者没有对高水准的舞蹈素质和精神诉求， 也就不可能构成艺术震撼人心的效应；如果一个团队不具备形而上的追求和引领， 那么艺术灵魂就不会那么庄严肃穆、洁净无暇。所以要记住在创作上核心价值不是在舞蹈的风格上， 也不在舞蹈动作体系上， 而是在对艺术的追求和态度上。才华和灵气是信念造就的， 心灵与精神的升华才能酿出纯真的艺术， 我想作为一名真正的艺术家需要的可能是更高精神层面的建设。
参考文献
[1] 资华筠.资华筠论文集《探索规律·追求独创》[m].文化艺术出版社, 2008.
[2]杨美琦.第三代现代舞艺术节的崛起[j].舞蹈杂志, 2018, 440 (7) .
舞蹈点绛唇论文篇十五
摘要：
近些年来舞蹈作为一门艺术已经被相关院校列为特色专业，并且发展的速度越来越快。根据社会调查显示，普通高校舞蹈专业的学生日渐增多，学校和家长逐渐增强对学生艺术的培养，并且艺考资料也显示近些年来舞蹈专业的艺考生比例在不断的升高。目前，舞蹈在很多普通高校已经成为一门系统的专业，已经成为高校教育中不可或缺的一部分。可是许多学校在对学生的日常训练中往往忽视了很多关键性问题，尤其是舞蹈表现力，笔者主要针对此刻舞蹈专业表现力存在的问题提出合理的提议。
关键词：
舞蹈；表现力；措施
一、引言
舞蹈是一门形体艺术，在动作的表现上不仅仅会给人以美的享受，并且也是内心境感的充分表达。[1]舞蹈也是一种表演形式的艺术，观众在进行舞蹈欣赏的过程中会加入自我的生活中的感悟和理解。舞蹈表达着舞者的精神世界，经过自我的专业性动作和一些创新风格的融合，引起观众的共鸣。随着改革开放的不断深入，国家对人才的要求开始产生多样化的特征，普通高校在人才培养方面，逐渐开始真正的将素质教育落到实处，不仅仅仅注重学生专业理论知识的学习，更重要的是让学生在德、智、体、美、劳等方面进行全面发展。那么在舞蹈的过程中就会涉及一个深刻的问题：舞蹈表现力。
二、舞蹈表现力的深刻内涵
一部优秀的舞蹈作品能够引起观众强烈的共鸣，能够从本质上打动人的内心世界。舞者主要是经过自我的肢体语言与观众进行情感上的交流，将自我的感情世界传达给观众。当年的“千手观音”引起了观看者的震撼，之所以会有如此的效果是因为舞者的舞蹈表现力。相对于普通高校的舞蹈学生而言，仅仅具备基础的舞蹈动作是绝对不够的，最重要的是具备细腻的情感，然后与自我的舞蹈动作相结合将情感表达给观看者，仅有这样舞蹈才会成为真正的艺术品。总而言之，根据相关学者的阐述舞蹈表现力分析能够这样来解释：首先，基本形体动作构成了舞蹈的基本模式，可是舞者必须要从情感的角度出发，运用相应的舞蹈技巧将自我的内心世界和丰富的情感传递给观众，真正的将自我和舞蹈融合为一体，让观众从舞者的动作和情感中能够看出表演者的欢乐、喜悦与忧伤，让观众从舞者的动作、神态、表情中体会细腻的情感世界，从而产生共鸣。
三、舞蹈表现力的重要作用
（一）传达精神内涵的重要途径
舞蹈是一门综合艺术，它不仅仅仅是为了愉悦观众或者给观看者必须的审美享受，更重要的是经过舞者的肢体语言和相应的神态来传达该舞蹈的精神内涵。[2]同样的舞蹈作品不一样的表演者会诠释出不一样的风格，一个优秀的舞蹈作品不仅仅在舞蹈的编排上独具创新，并且最为重要的是舞蹈者会传达出舞蹈的精神内涵，这才是舞蹈真正的魅力所在，仅有将精神层面的的文化内涵淋漓尽致的表现出来才会引起观众的共鸣。
（二）评价舞蹈演员的重要标准
一个优秀的舞蹈演员仅有单纯的舞蹈基本功是远远不够的，也不是看舞蹈的难度系数到达了多少，而是看重舞者是否具备很强的舞蹈表现力。舞蹈是由一个个舞蹈动作组成的，可是这些都只是机械的肢体语言，舞蹈动作要想到达艺术语言的层面，就需要舞者具备较强的误导表现力。
四、普通高校增强学生舞蹈表现力的措施
良好的教学方法有助于提高学习效果，与普通的文化课知识学习不一样，舞蹈专业的学习具有必须的特殊性。随着改革开放的不断深化，教育改革也在与时俱进，素质教育被提上日程。传统的舞蹈教育也属于“填鸭式”教学，授课教师知识根据传统的教学习惯进行舞蹈知识的传播，这在很多程度上就损害了学生自我的创造本事，并且很多的教师片面追求舞蹈技巧，导致的是舞蹈表演毫无新意而言，很难与观众产生情感上的共鸣。
针对以上种种现存的实际问题，我们提倡教师改善传统的教学方法，要从实际出发，根据学生身体发展的特质和心理等多方面的差异进行不一样程度的改善。一方面教师要进行舞蹈理论知识的学习，让学生有一个扎实的基本功。另一方面不断的提高学生的审美水平，要求学生不断地观察生活并且热爱生活，仅有这样创作出来的舞蹈才会具有生活张力。[3]课下教师要与学生进取的沟通和交流，认真听取学生的意见和提议，以便在以后的教学工作中不断的改善。
学校也能够增加一些舞蹈比赛或者不一样形式的舞蹈演出，让每一个舞蹈专业的学生都充分的参与进来，在不断的实践中学生会加强对舞蹈的创造性。也能够实行舞蹈学习小组，同学之间充分发挥自我的创新本事进行舞蹈再创造，一方面加深了对舞蹈的理解，另一方面也增强了与同学之间的友谊。
五、结语
舞蹈是一种独特的艺术形式，普通高校应当注重教师的专业素质和综合素质，经过多种方式提高教师的授课水平，行之有效的手段加深学生对舞蹈的创新，不断的在实际工作中总结经验，将“以人为本”的教育理念真正的落到实处。所以，舞蹈表现力是提高学生舞蹈水平的一个重要环节，学生只掌握单纯的舞蹈技巧是远远不够的，还需要不断的加深自我的艺术修养和审美水平，要注重自我表现力的培养。学生和教师都应当从舞蹈动作、眼神、舞台表现力等多个方面进行全面提升，我们相信在不久的将来我国普通高校的舞蹈专业会有一个更加光明的前景。
舞蹈点绛唇论文篇十六
摘要：现代舞剧作品《妮娜物语》是日本舞蹈界近年来的优秀作品，舞团探寻了舞者的肢体应当是什么样貌的，他们的肢体能够强大到什么程度，并创造出了一个充满了紧张与美感的舞台。本文经过对作品《妮娜物语》的艺术特征和创作的现状进行分析探讨，最终期望把创作及探寻的方向回归舞蹈的本源，即身体，艺术的价值，即个性。
关键词：舞蹈本源；肢体；舞台美术；编舞手法；
《妮娜物语》是日本无设限舞团创作的现代舞作品，由金森穣导演编舞，它由独舞《天鹅的梦》（15分钟）及现代芭蕾《妮娜物语》（60分钟）两部作品构成，是一部集强大肢体、精妙音乐和炫酷视觉于一体的震撼之作。作品展现出艺术家超越国界的世界性格局与视野，带领我们感受到艺术的一种新境界，生命就是不断的探索，并从中激发出一种能量，使身体产生一种力量与美的感觉。此外，它将人的肢体语言传导出来，对人性进行拷问，将人类精神中的黑暗面进行外化，人物会变成物体，以此来拷问人性。当这些舞者们理解自我的物化之后，他们就会变成骄傲的祭品。本文以编舞家角度为切入点，围绕舞者肢体背后、舞台场景呈现以及编舞手法几个方面进行分析与探讨，侧重探索编舞家在人的肢体语言的设定，打破传统舞台美术设计以及舞蹈动作设计，探讨舞者身体的各种可能性。
一、打破传统的舞蹈肢体技巧
人陶冶就是致力探索一种颠覆性的身体运动技术并在国际舞蹈界享有盛誉。舞者在训练中不断开发与挑战肢体的潜能与极限，突破身体局限与思维的预期。着重对舞蹈本体的研究，是对身体运动的再造，专注身体形式的探索和挖掘。所以仅有创造出独具特征的舞蹈运动语汇，才能成为独具一格、自成一家的身体舞团。这也应当是舞蹈创作者最迫切的自觉行动。
二、简约而不简单的舞美设计
，善于造势与滥用包装，造成“舞不够，景来凑”，且舞台美术的设计都趋向于大制作、超豪华，有时舞美的制作预算占了一大半总费用，也造成剧目无法演出，因为成本太高。也所以显得作品资料苍白，主体创作贫乏，舞台美术则奢华。有些舞美制作确有独立的观赏价值，可是由于作品的平淡无味，不但未能起到提高艺术质量的进取作用，反而更凸显滥用包装的负面效应。
三、富有严谨与创造力的编舞手法
就是，资深剧场观众的话来说，我们通常不会“踩雷”.然而，正是这种精神，成就了日本科技、文化的发达，毕竟严谨和创造力才是活力和提高之源。
无二，有出息的艺术家就应当这样“挤兑”自我。
四、结语
《妮娜物语》这部剧，虽然是十几年前的作品，但在今日来看依然具有很强的观赏性、艺术性和思想性。同时也透过这部剧反观我们的创作态度和理念。如果作为一名创作者没有独具思想深度的创作理念，肯定不能产生特立独行的作品和精巧的设计；如果一名舞者没有对高水准的舞蹈素质和精神诉求，也就不可能构成艺术震撼人心的效应；如果一个团队不具备形而上的追求和引领，那么艺术灵魂就不会那么庄严肃穆、洁净无暇。所以要记住在创作上核心价值不是在舞蹈的风格上，也不在舞蹈动作体系上，而是在对艺术的追求和态度上。才华和灵气是信念造就的，心灵与精神的升华才能酿出纯真的艺术，我想作为一名真正的艺术家需要的可能是更高精神层面的建设。
参考文献
[1]资华筠。资华筠论文集《探索规律·追求独创》[m].文化艺术出版社，2008.
[2]杨美琦。第三代现代舞艺术节的崛起[j].舞蹈杂志，，440（7）.
舞蹈点绛唇论文篇十七
高师音乐教育专业的舞蹈教学，存在着课程构建不协调、课型单教学模式不符合专业需求等问题。在经过多年的教学和研究发现之后，我们可以借用网络技术中的“链接”概念，并将其运用到课堂教学中来，可创造出一种合作、探究和开放的音乐教育舞蹈教学模式。
—、课型间形成“思维链”，从单一教学模式向多样化教学模式发展。
高师音乐教育专业的舞蹈教学活动程序框架的构建，是舞蹈教学课型改革的重要内容。过去高师舞蹈教学主要是实践教学，或曰形体训练，多采用“传递——接受式”的“口传身授”模式进行教学。这种方法当期望学生在短时间掌握_定的知识时还比较可行，但舞蹈教师在任何教学内容上都运用这种模式，长此以往必然造成一种“满堂灌”的教学模式,这不仅形式单非常不利于学生的全面发展，也不利于提高教学质量和教学水平。在此提出“五种课型教学法”，即理论课、实践课、观摩课、、研讨课、创编课的设想，以上几种课型虽然都可以独立成_门课，但是各种课型之间却有着千丝万缕的关系。理论课为其它课程打下理论基础，实践课又能映证理论课学习的内容和提出的观点，有了正确的感性认识和理性认识，可以指导讨论和创编，观摩课为创编课提供素材，丰富所学知识等，各种课型所采取的教学方法也不尽相同。
各课型之间形成有机的联系，构成“思维链”，_堂有效的舞蹈课就应具备多样化的教学模式。首先，要有多元化的舞蹈教学活动，充分利用多种教学方式，主要使用知识传授与自我学习相结合、课堂实训与课外实践相结合的方式来进行多样化的教学活动。其次，要有多层次的教学方式，为了能够更好地体现出教学特色和实现教学目标，运用舞蹈作品分析、情景模拟等新颖的教学方法，形成教师现场授课与实习指导、开放型自我实践、引导性与探索性结合实践三个主要的层次。最后，要注重多重性的能力培养，要求我们的学生从基础知识、基本技能、综合技能操作和专业知识运用上与中小学音乐教师应具备的舞蹈素养需求接轨。
二、教学内容形成“知识链”从体验型向探究型教学模式发展。
探究是人类认识世界的基本方式,舞蹈开放式教学更应注重发现问题——探究问题——解决问题的学习过程，关注学习过程中学生的情感体验、舞蹈实践，以及对舞蹈信息资料的分析整合、解决实际问题的能力和包括意志、毅力、信心、兴趣等在内的非智力因素，形象思维、抽象思维、逻辑思维在内的思维方式及创新精神的培养。这里的“体验——探究”式教学是指学生在教师的指导下，用研究的方法(或探究的方式主动地获取知识、应用知识和解决问题的一种学习活动，目的在于改变以教师为中心、以课堂为中心、以教材为中心、以模仿学习为主要途径的传统教学方法，使学生通过自主探究、合作学习增强创新意识和实践能力，它是适应素质教育与创新教育需要的_种新型舞蹈教学模式。
比如针对一节汉族民间舞课，教师首先利用多媒体为学生展示有特色具代表性的汉族舞蹈片段或优秀剧目，并鼓励学生在观赏过程中自由体验。教师引导学生各抒己见,有的关注动作，有的关注情绪表情，有的关注道具服饰等，教师根据学生的兴趣特点及个体关注问题的不同，让大家自由组成若干个探究小组，自主确定探究的内容。如汉族地区的历史、宗教、地理环境、人文风俗、民族音乐的特点、民族舞蹈的风格、舞蹈动作的特点等，并引导学生运用书籍、影视、网络、社会生活等资源，通过观赏、体验、回忆、讨论、分析、查阅、调查研究等多种探究活动的形式，多渠道、多方位地去展开探究。在综合探究的基础上，引导学生进1步分析、掌握舞蹈的体态动律以及基本动作，在理解民族文化的基础上进_步分析和体验汉族民间舞的舞蹈语汇及其风格，在理解的基础上再体验这些文化因素对汉族民间舞蹈的影响。
三、教学方法形成“教学链”由以“教”为主向重“学”为主的教学模式发展。
传统教学模式都是从教师如何去教这个角度来进行阐述，忽视了学生如何学这个问题。杜威的“反传统”教学模式，使人们认识到学生应当是学习的主体，由此开始了以“学”为主的教学模式的研究。现代教学模式的发展趋势是重视教学活动中学生的主体性，重视学生对教学的参与，根据教学的需要合理设计“教”与“学”的活动。这就需要更新教学方法，形成“教”与“学”的“链接”。
首先是舞蹈情境创设与生活实际链接。如在学习藏族民间舞踢踏动律时，让同学们找下楼梯时，膝盖放松、身体重心向下的律动，为的是他们在放松的状态下找到动作感觉。这时让他们想象:在楼上听到朋友在楼下呼喊，急急忙忙下楼梯时的膝盖颤动。这样通过把舞蹈动作放回曰常活动中去的启发式教学，打开学生的想象思维,提升学习效率、增加舞蹈表现力。同时学会观察生活，从生活中找到动作产生的源泉。这是学习舞蹈动律的有效方法。
其次是学生活动与教学相链接。教学中结合学生实际，创设有趣的活动，践行让学生玩中学、学中悟的教学理念,让学生真正体会到学习舞蹈的乐趣。如舞蹈元素中的步伐学习环节，在同学们学会步伐以后，可以引导学生设计不同的队列、操作的各个环节和参与者的配合的过程，在这个过程中培养学生编创和组织策划能力。
最后是知识内容与情感的链接。有诗云“言之不足，咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。这句诗把舞蹈作为人们情感表达的最高境界，抒情性是舞蹈的表现要素，也是把音乐中的情表于形的重要手段，舞蹈和音乐之间相辅相成的关系，使舞蹈动作与音乐作品相融合,如舞蹈基本训练采用歌曲作为伴奏，让学生学会用艺术加工过的肢体语言去诠释歌曲所表达的情感和意境，为表演打下基础。
四、教学手段中形成“信息链”推进教学模式的曰益现代化。
美国心理学家布鲁纳认为：“在学校教育教学中，所有教学计划在很大程度上将依赖于为达到教学目标而采用的教学媒体。”在当代教学模式的研究中，越来越重视引进现代科学技术的新理论、新成果，教学条件的科学含量越来越高，教师们可以充分利用可提供的教学条件设计教学模式，教学的目的在于让学生了解、记住、掌握和运用知识。教育心理学则告诉我们：人们从听觉获得的知识能够记忆15%,从视觉获得的知识能够记忆25%,如果同时使用这两种传递知识的方式，就能够获得65%的知识。多媒体正是具备了这样的优势，它通过文字、图像、声音、动画等手段,把教学内容表现出来，再将这些内容有机组织、安排、结合在_起。在舞蹈教学过程中舞蹈的风格韵律、情感等内涵是教师很难用语言向同学们解释清楚的，而利用多媒体手段让直观、生动、形象的画面表现出的教学内容，给学生营造一个多视角、多方位的空间，充分调动其视觉、听觉等感官系统，使学生获得充分的感知，激发学习兴趣，加深理解与记忆。
现代化教学手段对我们教育工作者来说非常关键，现代化手段不仅可以使舞蹈实践教学变得“有声有色”它的重复再现功能也为学生进行模仿、对照练习提供了有利的条件。同时还可以开展其他的舞蹈教学活动，如利用电教设备开展舞蹈专题讲座，利用多媒体设备开展舞蹈鉴赏课，利用dv录像保留舞蹈教学过程与教学成果等。在基础训练课中如果让学生从录像中看到自己，便对自己的优缺点一目了然，也可以为自己保留一份教学资料。
另外,过去学生了解知识只能依靠单一的教材和老师的讲解，但不论是哪本书还是哪个人，知识的容量和广度都是十分有限的。这已经不再适应时代的发展了。随着网络、通信的发展，在信息飞快传递的时代，有着巨大的信息量和广泛的信息来源，我们可以通过网络，找到许多与教学内容相关的最新、最前沿知识。资源共享、知识更新的速度让我们能够全面获得第一手资料(文字资料、舞蹈音乐资料，与舞蹈相关的视频资料等，让学生在学习知识的同时还可以了解与之相关的内容，以及这一学科的最新进展与发展方向，改善过去学生只知道死抠书本的情况,增大课堂教学容量，开扩了学生的眼界，无论对于高师教师还是他们面对的教学对象，哪怕高师学子走上中小学音乐教师的岗位，学会搜集、查找、运用这些资料，响应“终身学习”的号召，让这些资料成为无尽的知识财富，将受益终生。
参考文献：
[1]高文.教学模式论[m].上海:上海教育出版社,002.
[2]蒙妍“体验一探宄”教学模式在高师舞蹈开放式教学中的应用研宄[j].梧州学院学报,20xx,(4).
舞蹈点绛唇论文篇十八
摘要：舞蹈编导是一门侧重实践性的学科。新时代大众对艺术审美提出了新的要求，这对于舞蹈工作者来说既是新的挑战也是新的机遇。要想使舞蹈创作体现创新，编导不仅仅需要对舞蹈艺术满怀热情与活力，更需要具备过硬的专业本事和能够把握社会审美心理发展变化的敏感度。基于此，本文首先论述了新时代舞蹈编导创作创新的重要意义，在此基础上，分别从在两个“共鸣”层次上进行创作以及以舞蹈创作题材为着力点进行创作这两个方面论述了舞蹈编导创作创新的优化对策。
关键词：新时代；舞蹈编导；创作创新；
0、前言
随着我国传统舞蹈艺术的传承与发展，我国舞蹈艺术呈现出繁荣发展的良好势头。尤其是多年来舞蹈编导已是高等艺术专业教育中一门有系统化教学课程的专业，大大提高了我国舞蹈编导创作队伍的整体水平。然而，在当前舞蹈作品产出量巨大的形势背后，存在很多作品雷同、重数量轻质量等诸多问题，严重影响了我国舞蹈艺术现代化的发展进程。基于创作创新对传统舞蹈艺术改革和发展的重要性，我们有必要分析舞蹈编导创作过程中存在的问题，从根源解决问题，从而提高新时代舞蹈编导作品创新水平。
1、新时代舞蹈编导创作创新的重要意义
1.1舞蹈编导创作创新是解决当下舞蹈编导创作难点的关键
舞蹈编导创作创新是解决当下舞蹈编导创作难点的关键，甚至于在必须程度上，是促进舞蹈艺术现代化传承与发展的根本动力和方法。当前我国正行走在艺术多元化的道路上，现代舞蹈艺术创作起步较晚，水平与特色不突出、百余年的艺术崇外心理、改革开放以来的商品经济不良金钱观和个人利益观等共同交织影响下，构成了当前自我文化不自信、没有生气灵魂、快餐式以及程式化、格律化套作的舞蹈创作现实，作品题材的单一乏味已经成为制约中国舞蹈艺术作品创新的关键因素。
1.2舞蹈编导创作创新是增加舞蹈艺术影响力和社会价值的关键
艺术多元思维是当前包括舞蹈在内的所有艺术形式最基本的创作共识。艺术多元化既包含了同一种艺术形式不一样文化的交流融合和不一样艺术形式不一样文化的交流互鉴，也包含了对艺术作品价值与艺术大众化趋向的双重要求。舞蹈编导创作创新在艺术现代性创作观念下，对传统元素与文化有深入理解和选择，有助于提高舞蹈作品质量、增加舞蹈艺术影响力，是大众化和新媒体视角下对舞蹈艺术社会价值的深度挖掘，有助于提升国民艺术审美情趣和审美层次。
2、新时代舞蹈编导创作创新的优化对策
2.1着力在两个“共鸣”层次上进行创作
没有深入了解传统，一味摒弃传统、强调创新，是最肤浅和最愚蠢的行为，是异化形式主义的象征。任何广受好评的人民喜闻乐见的舞蹈作品必然建立在两个“共鸣”层面基础上，其一是社会文化心理的共鸣，其二是贴合受众审美变化的共鸣。要想到达这两个“共鸣”，首先要了解传统舞蹈背后的文化底蕴；其次必须树立文化自信的观念，从民族传统文化中取经，挖掘民族性传统文化资源，这样既能引起文化心理共鸣，又能在多元文化中突出特色，使我们走出一条有灵魂的舞蹈艺术康庄大道；最终，要对优秀的舞蹈作品进行受众群体特征分析，明晰受众审美变化特点。
2.2以舞蹈创作题材为着力点进行创作创新
针对上文提到的舞蹈创作题材的单一乏味制约了我国舞蹈编导的创作创新这一关键性问题，研究舞蹈艺术作品创作的偶然性和创新的广泛性特点，我们除了要有创作的活力，还需要选择一个“巧妙”的角度才能叩开新时代艺术创新的大门。对此，我们能够从两个方面研究，解决问题。
一方面，我们要重视对中国民间民俗舞蹈题材的挖掘。以花腰黎族民间舞蹈代表作《尼苏新娘》为例，其之所以能够包揽多个大奖并得到社会的广泛认可和关注，在于其创作中对民族风俗的选择与提炼，在于作品题材贴合“真、善、美”的正确主流的审美评价，在于对“熟悉中的陌生”创作方法的运用。
另一方面，题材的选择要适应社会发展的趋势。舞蹈编导应对社会流行审美、社会热点等有必须的敏感度，创作出能够在当代社会感召大众、激励人心的好作品。如前线歌舞团的作品《决胜千里》，以群舞的形式将现代数字化战争的紧张与激烈展现得淋漓尽致，虽无真刀真枪，可是战争中争分夺秒的紧迫感、决胜千里之外的宏大气势却使观众身临其境，不仅仅展示了我国当代军人的飒爽英姿，也激起了大众的一腔爱国热情。
3、结语
本文重点论述了在新时代背景下舞蹈编导创作创新的重要意义和优化对策。创新是使中华民族屹立于世界民族之林的不竭动力，是使伟大祖国坚持昌盛繁荣的核心竞争力。在强调创新的当下，为了更好地促进传统舞蹈艺术的现代化转型，新时代舞蹈编导不仅仅要满怀真诚地进行舞蹈作品创作，不断提高自身的专业本事，还要坚持为人民服务的创作态度，关注新时代舞蹈创作的新环境、新形势以及新问题，在专注力和核心职业本事的培养上，把握多元文化和舞蹈艺术大众化的时代潮流趋势。仅有这样，舞蹈编导才能创作出人民喜闻乐见的好的时代舞蹈作品。
参考文献
[1]乔素。新环境下舞蹈编导基本本事以及创新精神探讨[j].黄河之声，（09）:132.
[2]谭宇轩。舞蹈编导创作中的创新手法[j].黄河之声，2019（08）:134.
舞蹈点绛唇论文篇十九
芭蕾是法文ballet的音译，起源于意大利，形成于法国。古典芭蕾舞有一整套严格的程式和规范，尤其是脚尖鞋的运用和脚尖舞的技巧，更是将芭蕾舞与其他舞蹈品种明显地区分开来。
芭蕾舞在西方被称为舞蹈艺术皇冠上的明珠。它有着复杂的结构形式和特定的技巧要求，一部芭蕾舞的双人舞、独舞、群舞都有固定的形式结构。双人舞是古典芭蕾的核心舞，大都用以表现男女主角恋情或正反两方对抗，姿态优美、感情内在是其特点。一般分为“出场”和“慢板”，即由男女演员运用扶持和托举代表着表演的抒情性舞蹈，之后是“变奏”，即男女演员的独舞，展示人物的性格和内心，然后是男女演员穿插表演的“结尾”，最后以合舞结束。女子脚尖舞是芭蕾舞的灵魂，其独舞要求技巧娴熟，有轻盈如飞的跳跃和令人目眩的旋转，还有快感十足装饰性极强的双脚打击，以烘托主要人物，渲染环境气氛等。
传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。
《天鹅湖》第二幕：慢板双人舞细腻地表达了白天鹅奥杰塔从恐惧、提防逐渐到对王子的放心和信任，进而迸发爱情，以至热恋的过程，奥杰塔的独舞突出了她的悲剧色彩，她的舞姿越是优美柔弱，就越是凸现出她的孤独和动人。（还可以结合教材152页《天鹅之死》来进一步认识芭蕾舞）是法文ballet的音译，起源于意大利，形成于法国。古典芭蕾舞有一整套严格的程式和规范，尤其是脚尖鞋的运用和脚尖舞的技巧，更是将芭蕾舞与其他舞蹈品种明显地区分开来。
芭蕾舞在西方被称为舞蹈艺术皇冠上的明珠。它有着复杂的结构形式和特定的技巧要求，一部芭蕾舞的双人舞、独舞、群舞都有固定的形式结构。双人舞是古典芭蕾的核心舞，大都用以表现男女主角恋情或正反两方对抗，姿态优美、感情内在是其特点。一般分为“出场”和“慢板”，即由男女演员运用扶持和托举代表着表演的抒情性舞蹈，之后是“变奏”，即男女演员的独舞，展示人物的性格和内心，然后是男女演员穿插表演的“结尾”，最后以合舞结束。女子脚尖舞是芭蕾舞的灵魂，其独舞要求技巧娴熟，有轻盈如飞的跳跃和令人目眩的旋转，还有快感十足装饰性极强的双脚打击，以烘托主要人物，渲染环境气氛等。
传统的芭蕾舞技巧是一个严格的体系。最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置，三种基本舞姿，腿的伸展、射击、打开、屈伸、抬腿、踢腿、和划圆圈等动作，还有各种舞姿的跳跃、旋转和转身，各种舞步和连接动作。将其按特定的结构手法编排、组合，就能创造出富有感染力的舞蹈艺术形象。
《天鹅湖》第二幕：慢板双人舞细腻地表达了白天鹅奥杰塔从恐惧、提防逐渐到对王子的放心和信任，进而迸发爱情，以至热恋的过程，奥杰塔的独舞突出了她的悲剧色彩，她的舞姿越是优美柔弱，就越是凸现出她的孤独和动人。
舞蹈点绛唇论文篇二十
摘要：《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史, 具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。
关键字：大河之舞 踢踏舞 歌舞剧 爱尔兰
在舞蹈鉴赏课上，我欣赏到了世界著名的《大河之舞》。《大河之舞》是俐落流畅的爱尔兰踢踏舞,是忧郁热情的西班牙佛朗明哥,是气质优柔的古典芭蕾,也是活力动感的现代舞。
《大河之舞》中的“大河”指的就是爱尔兰的里菲河,里菲河就像我们的黄河一样,是爱尔兰民族的“母亲河”,而恰恰是这一条“母亲河”记载着爱尔兰的历史,《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史, 具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。
《大河之舞》被誉为“地板上的精灵”，该剧以传统爱尔兰民族特色的踢踏舞为主轴，融合热情奔放的西班牙弗拉明戈舞，并汲取古典芭蕾与现代舞蹈的精髓，共同营造出一场气势如虹，异彩纷呈的绝世舞作。《大河之舞》是爱尔兰凯尔特人的骄傲，这种以踢踏舞为主的舞蹈和为踢踏舞专门编制的音乐，被称作世界上最具震撼力的舞蹈和最富感染力的音乐。据说凯尔特人生来就有舞蹈的天赋，他们对舞蹈的理解已经达到至高无上的境界。踢踏舞已经不单单是一个舞蹈，已经成为爱尔兰的民族艺术之魂和骄傲。同时它也成为一个媒介，连接了爱尔兰的过去与未来，连接了爱尔兰的民族与世界，现在已经成为世界艺术百花园中的一朵奇葩。
《大河之舞》的剧情是诗化般的，神话、传说、历史混合成爱尔兰那最初的朦胧而清晰的印象，如泣如诉的爱情、波澜壮阔的战争和永恒不死的自由，让心灵奔腾不息地穿行在爱尔兰那如诗的旷野上。在这里，艺术渲染了一个极具纵深感的背景。器乐和人声无比完美地结合起来，使爱尔兰的传统音乐旋律诞生出了新的灵魂。悠扬苍凉的爱尔兰风笛延续着古老的情怀，激扬的小提琴挑动着每一根敏感的心弦，让人们一次又一次被爱尔兰的文化和历史所感动。
舞，气势如虹，像潮水一般冲击着人们的视线和心灵。应该说，“大河之舞”的舞蹈已经深深融入了爱尔兰厚重的文化之中。
我喜欢《大河之舞》，我折服于舞者富有激情而不失细腻的表演，惊叹那复杂多变的节奏，明朗的舞步。与此同时，我的灵魂早已游走在爱尔兰民族的血泪史里。《大河之舞》是一部爱情悲剧，或者，更是一个民族的辛酸史。舞蹈聚合了一个国家深重的苦难和爱尔兰人民执着的企盼，正因为如此，原本单薄的舞蹈才会变的有些厚重，原本轻盈的舞蹈才会带上些历史的沧桑。在踢踏舞震撼的节奏里，我找寻到与芭蕾的静谧全然不同的奔放与激情，同时，我的内心有种情愫在暗暗滋生。光影浮动，每一次变幻预示着一次全新的发展。在《大河之舞》变幻莫测的节奏和贯穿始终的旋律里，舞者用踢踏这样一种方式讲述一个家族的灾难历程。《大河之舞》展现出的是真爱、丑陋的人性理想与现实矛盾冲突的融合体。它就犹如是一部叙述爱尔兰祖先与大自然的抗争，以及经历战争、饥荒等种种苦难后流离失所，重建家园的长篇血泪史诗。历史宛如一条长河，滔滔不绝地传颂着智慧、勇气、生命与爱。《大河之舞》让我享受到一种全新的感观体验，也将我的思想带到了比舞蹈更本质深远的层面。
在《大河之舞》中，舞者的服装并没有特别之处，男舞者多数是上身白衬衫，下身黑裤子，而女舞者基本上是一身黑连衣裙。就舞者的动作来讲，不管男女舞者，上身基本保持不动，两手自然下垂或偶尔掐腰，这就很自然的把人们的目光吸引到舞者的脚下，而舞者的脚下功夫才是“舞之魂”，那种千变万化，美轮美奂的踢踏动作，点燃的是激情，敲击的是震撼。在整个集体舞中，舞者的身高也不一定很整齐，但是他们的脚下的踢踏舞却整齐如一，踢踏出来的节拍是那样的和谐，那样的震撼人心。每一位舞者的精湛技艺都让人赞叹不已，每一位舞者的敬业精神亦让人油然起敬。舞蹈中不断变换的形式以及独特的三角队行，快速却毫无杂音的踢踏之声，使舞蹈具有强烈的层次感和穿透力，在视觉和听觉上都给人以空前的震撼力。布景更是将其剧情展现得淋漓尽致、丝丝入扣，将爱尔兰人民热爱自然、崇尚生命的精神表现得尽善尽美，并且使演员和布景完美地融合在了一起，你中有我，我中有你。《大河之舞》是一场力感、动感、质感与美感兼具的百老汇音乐歌舞盛宴。
《大河之舞》具有舞台化、戏剧化、现代化、商业化和国际化等特点，它有很多的艺术手段可以借鉴，强调的是现代人的现代化、节奏化，符合现代人的欣赏品味，因此它能够舞动世界，深受世界人民的欢迎。我想它能够获得如此大的成功，是因为它不仅给人们带来了娱乐，更洗涤了人们的心灵吧。
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