7.通过撰写心得体会，我们可以将所学到的知识进行系统化和整理化，使之更好地为我们所用。写心得体会前，要先回顾所经历的事情，并思考其对自己的意义和影响。“以下是小编为大家搜集的心得体会范文，供参考。”、“接下来，我将为大家分享一些优秀的心得体会范例，希望能给大家带来一些灵感。”、“请看下面这些精选的心得体会范文，或许对您的写作有所启发。”、“以下是一些真实的心得体会案例，或许能给您提供一些思路和参考。”、“通过阅读一些成功人士的心得体会，我们可以汲取到宝贵的经验和教训。”、“在参考他人的心得体会时，我们要善于借鉴，同时也要保持独立思考。”、“这里有一些优秀心得体会范文，希望对您的写作有所帮助。”、“以下是一些实用的心得体会范例，供您参考和借鉴。”、“请注意，以下这些心得体会范文仅供参考，写作时应根据个人实际情况加以改写。”、“最后，希望大家善于总结和归纳自己的心得体会，不断提升和进步。”
钢琴演奏心得体会论文篇一
一、心态对钢琴表演的影响
钢琴演奏从发展至今已经经历了三百年左右的时间，并且在历史长河中不断地发展。钢琴艺术以独特的魅力和风采在世界各地引发了许多的欣赏者和追随者。从世界范围来看，钢琴是发展最为普及、认可程度最高的一种乐器。但对于无论是钢琴演奏的初学者，还是经过了长时间训练并拥有多次演出经验的乐师来说，都会出现或多或少的心理影响。钢琴演奏时需要演奏者将视觉、听觉、触觉乃至运动觉进行综合运用，并通过演奏者娴熟的技巧不断地将演奏者想表达的情感进行演奏。因此，在钢琴演奏的过程中，演奏者需要拥有强大的心脏和稳定的心理素质，不良的心理素质会影响钢琴演奏表演的质量。所以，在培养钢琴演奏者演奏技巧的同时，也应培养演奏者全面的艺术修养和心理素质。心理素质的培养离不开技术技能的建立，只有将技术技能提升到一定阶段，感情才会得以控制，若演奏者在演奏时担心自己的演奏技巧会不会出现问题时，心理素质的坍塌更为容易。钢琴演奏是艺术情感的一种表达方式，演奏者在演奏时全身心地投入到演奏的过程中，才能让观众体会到演奏者所想表达和传递的钢琴情感，从而使观众产生共鸣，得到观众的青睐和认可。钢琴演奏者应在每一次小型演奏会上充分体验并展现自我，以此练习自己的心理素质，防止日后表演的过程中出现怯场、紧张等情绪心理。
二、钢琴演奏效果与心理素质的关系
众所周知，钢琴演奏主要主要的两个方面是对钢琴技术的认知技能技术和演奏者对于所进行演奏的乐曲的情感所想表达的希望。钢琴演奏技巧熟练程度在于演奏者对于所演奏的乐曲的理解程度以及练习时的熟练程度；而钢琴演奏过程中的情感表达需要演奏者在表演过程中拥有强大的心理素质。影响心理因素的方面主要包括对于乐曲内在的想象能力以及直觉能力。钢琴演奏是将乐谱上的内容和自身对于乐曲的理解进行结合，并配合作者原本所想表达的情感相结合，将钢琴演奏者对乐章的熟练程度和技巧性通过演奏表现出来。钢琴演奏是个人情感和原作者情感相互交织碰撞后的情感表达，因此，演奏者在钢琴演奏过程中需要全身心地投入到整个演奏过程中。钢琴演奏艺术是时间和技巧性相结合的艺术，钢琴演奏艺术要使音乐创造性地被演奏者演奏出来。音乐作品和演奏者之间的关系不单单是某一种单一的元素而决定的，一个作品的完整程度，对于演奏者来说，是高于音阶、旋律和情绪的相结合的整体效果。
三、良好的对钢琴演奏的影响
钢琴演奏具有深厚的艺术内涵，演奏者在钢琴演奏的过程中应达到内心、手和音准做到一致性。在演奏表演舞台上，演奏者应该具有良好的空间感，对空间的认知程度较高，并且对音乐技巧拥有较准确的掌控能力，演奏者较高音准性和较高的听觉能力为钢琴演奏者的演奏提供良好的帮助，从而让钢琴演奏者通过内心的指引带动手指进行钢琴乐谱的正确表达。优秀的心理素质是钢琴演奏情感的流露和流现，良好的心理素质是丰富情感的展示，钢琴演奏的过程是一种听觉的盛宴和情感体现的艺术情操，钢琴演奏者在演奏乐曲的过程中应全身心地将自身投入到所进行的表演中。这样进行的表演才可以更好的引起公众的共鸣。与此同时，拥有良好心理素质更有助于钢琴演奏家创新意识的激发。钢琴演奏不仅仅是演奏者对于乐曲的弹奏，而是对作品含义的解读后的二度创作。因此，钢琴演奏者随时客观地以端正的心态聆听自己的演奏，才能对其进行再构建。
四、培养调节心态的方法
（一）保持随机的应变能力
在钢琴练习过程中，演奏者的身体处于放松状态，并且放松自如，但在舞台上进行钢琴演奏表演时演奏者或多或少会带有一定的紧张和兴奋的心态，许多钢琴演奏者在练习时心理处于放松状态，演奏过程也稳定自如，但站在舞台上，台下坐着无数观众和评委，面对与平时练习相差悬殊环境状况，容易产生失控情绪，造成乐曲音符弹奏出现错误的情况，更有甚者因为紧张过度中止了自己的表演。相反，在钢琴演奏过程中，也有人拥有高涨的情绪，过分的想要在舞台上发挥自己，情绪过于兴奋造成了兴奋和抑制相互制约出现了偏差。因此，这些问题应在平时的心理素质训练中得到改善和解决。应将钢琴的教学过程与演奏过程相结合，培养钢琴演奏者在训练过程中寻找演奏的感觉，尽多可能的面对观众进行演奏，提高钢琴演奏者随机应变的能力。
（二）总结经验教训
总结曾经的演出经验教训，为了更好地完成某一次重大表演任务，钢琴演奏家应很早就对演奏曲目进行练习和准备。经过长时间的练习，对作品的乐谱乐章达到了如指掌的状态。对于乐谱和乐章的熟悉可以让钢琴演奏者站在台上时不会对乐谱乐章产生紧张的心态，没有过多的顾虑和负担。钢琴演奏者在表演时可以将演奏时表达的情感充分释放。只有在表演者技术技巧达到一定程度时，表演者的表演无论是动作还是心态都可以充分的放松，做到对于舞台的表演无拘无束。钢琴演奏者不应该过于看重某一次表演的结果，钢琴表演者在学习、演奏钢琴的过程中会参加大大小小几十次甚至上百场的演奏活动，因此钢琴演奏者不应看重每次演奏的结果，应该认真吸取每次一表演时的经验，将优秀的经验进行总结，为以后大型演出做好准备。当然，如果在表演中有失败的经验也不应放弃演奏或者从此对钢琴演奏产生抵触心理。一次的失败不会对一个人有过大的`影响，但应该针对这次失利吸取教训，让经验和过程更好地帮助日后钢琴演奏者的演奏。毕竟钢琴演奏是一个长期的过程，在钢琴演奏者的职业生涯中，平衡好每一次演出的心态，每次演出的结束又是一次新的开始。如果过重看待演出成绩必定会影响下一阶段的练习乃至下一阶段的演出效果。因此，钢琴演奏者在演奏的过程中调整好自己的心态，总结好经验教训，这对于钢琴演奏的效果来说是十分必要的。
五、结论
在完成上场前的心理准备后，还需要培养钢琴演奏者在实际演奏时的心理素质―以完形为目标的演奏心理。拥有以完形为目标的演奏心理使钢琴演奏者拥有最佳的状态和超强的意志力去控制、掌握自己的演奏技巧和情感表达，钢琴演奏者拥有平和的心态可以让演奏者全身心地投入到音乐的创作中来，使钢琴乐曲的演奏达到和谐的美感。与此同时，钢琴演奏者不应单一地掌握钢琴演奏的技巧，培养良好的钢琴音乐素养、提高钢琴乐曲的欣赏水平以及在实际生活中的灵活运用也是十分必要的。因此，钢琴演奏者拥有超高的钢琴演奏水平与其自身拥有超强的心理素质是分不开的。一个人的心理素质可以决定一个人的成败，若想取得钢琴音乐演奏的圆满成功，演奏者需要充分发挥自己的钢琴技巧以及自己超强的心理素质。
参考文献
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[7]孙晓杨.钢琴演奏者的心理素质培养小议[j].黄河之声,2016(20).
[8]黄卓.论钢琴演奏者的心理素质与状态调控[j].长沙大学学报,2015(01).
钢琴演奏心得体会论文篇二
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》。
2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，01期。
3.代百生：《钢琴教与学的心理训练》[j]，钢琴艺术，（3）。
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5.曹云：《浅议幼师钢琴教学》[j]，新课程学习（中学），05期。
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7.林振纲：《论钢琴学习（一）》[j]，北京：钢琴艺术，2008（10）。
8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，3期。
9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，期。
钢琴演奏心得体会论文篇三
凯瑟琳・古德森1872年生于英国，1958年去世。她幼年即开始学习音乐，并于12岁前在全国各地演出。她的才能引起公众的注意，被送到伦敦皇家音乐学院学习。她师从当时最著名的钢琴教师奥斯卡・贝林格(oscarbennger)，六年后，她在维也纳跟莱谢蒂茨基学习四年。
回英国后，古德森在音乐公众中产生的深刻印象，使她成功地建立起一位出色演奏家的声誉。她在英国、德国、奥地利和美国巡回演出，取得极大成功。《格罗夫大词典》中写到她的演奏：“她有着充分的活力和生气，这在年轻的钢琴家中是十分难得的。她对声音的渐变有极好的控制，具备令人钦佩的完美技巧、独特的音乐情趣和值得重视的个人风格。”
分析音乐名作。
我们并不需要更多的哲学即可领悟到，一切科学和艺术的进程都建立于分析和综合的过程之中。我们把东西拆开，以寻找它们用什么做成并如何做成，我们再把它们放到一起，以显示我们所掌握的知识。音乐性的衡量标准是实践的能力。分析的过程虽然重要，但有时可能做得过分极端，以致忽略了构建引向真正成功的过程。
学生应该能够判断一首他正在学习的乐曲的结构，并使这成为他的某种第二本能。如果这首作品是一首奏鸣曲，他应该可以辨认出主题和副题，无论它们如何出现或部分地出现。学生应当对曲式有足够全面的认识，并熟知乐曲所分成的段落。他在学习一首新的乐曲时，不能不观察到它的轮廓――也就是作曲家在创作这首乐曲时所制定的“建筑计划”。学生对他所要演奏的作品，永远不要拖延这第一步的分析。
尽管流行着一种印象，即音乐是模仿性的，并能再现不同的画面和不同的情感，事实远非如此。作曲家通常写作音乐只是为了它作为音乐的价值，而不是具体的景色。许多教师试图以想象出的故事来激活有些学生迟钝的想象力，这也许是对的。然而，即使一首乐曲有某种设计使它暗示某种想法，并可以有趣地看到一种特定的画面，但永远不要忘记作为一首美好音乐作品的真正的美。
懂得和理解一种节奏是一回事，但在实际弹奏中保持它却是另一回事。节奏依据在一两小节中音符和重音的安排，给予整首作品一种具有特点的摆动。好的节奏感显示出音乐家具有精确平衡的能力，他知道如何拥有完美的自我控制。
律动不同于节奏，但和它有关联。要想把握它――这种推动力，学生必须弹奏过许多能倾向于发展律动的乐曲。
有能力清楚地、即时地看到一首作品中乐句的构成，能极度的简化对一首新作品音乐解释方面的研究。经过正确的训练，学生应当能第一眼就看到乐句，如同一位植物学家在观察一种新的花朵时，在他内在视觉中会把它分成不同的.部分。他不会把花萼误认为花瓣，而且他立即可以认定每一部分的特点。除了曲调性句子外，学生应该能看到在乐曲形式之下的小节划分。他应该可以告诉你，这首作品是八小节的段落，或是四小节的段落，或是不规则的分段。
对幼小的儿童，如果在他们最初的几节课中，就能使他们愿意去观察旋律乐句，将是一件多么奇妙的事情。教师们往往非常强调手形，其目的是让学生的手处于完美的状态。但为什么不能注意一下头脑的形成?它比单纯的手指工作离真正的音乐目标要接近得多。世界上最完美的手形，对于音乐家有时是毫无价值的，除非对手起作用的头脑具有真正音乐性的训练。
每一个钢琴学生应该具有和声的知识，但这种知识必须是实用的，也就是――一种和声知识――对耳朵和眼睛是同样熟悉的。有些学和声学的学生，他们可以像一位数学专家那样熟练地解决一些和声上的问题，但他们却从未想过他们的音符可能产生的音乐。
能够认识一个在纸上写的和弦，相比于能认清被弹出来的同一和弦，几乎算不得什么收获。一个学生如果一眼就能说一个减七音程或一个增六度，但却不能通过他的耳朵来分辨它们，就是有严重的智力缺陷。训练耳朵应是所有学习中首要的。
钢琴本身对于学生在学习和声时是极大的帮助，要学生在弹奏中时刻在听。所有儿童应该享有一个训练听觉的课程，不应只是单独训练音高和音准，同时也要训练听音乐的性质。可以补充一些音乐听写的练习，直到学生可以只听到一次，即可从容地写下一些短的乐句。
一位在键盘上夜以继日工作的艺术家会发现，有些细致的触键效果使他总是和某一段音乐联系起来。他这样做也许没有任何合乎逻辑的理由，而只是他的艺术直觉要求这样。他极可能并没有遵守什么规则，而只是根据他自己的音乐审美和听觉。就是这一点，能比任何其他方面，使不同大师们的演奏更具有个性。
不可能准确地表明某些触键是如何产生出某种效果。然而，耳朵能听到这些效果，而如果学生能正确的坚持，他会不断地工作，直至再创造出他所听到的同样效果。这时他会发现，他所用的触键和他所听到过的那位大师所用的，是非常相似的。对于为了提高音乐知识的目的而经常听音乐会的学生，高度发展的听觉是有巨大价值的。
全世界从事初级钢琴教学的教师有极重大的责任。如果他们轻视自己教儿童的工作，而渴望去做大师们所从事的那种授课，就应该让他们认识到，从某种意义上说，他们是整个结构的基础，虽然并不像高耸入云的塔尖那样引人注目，但他们无疑是同等重要的。
钢琴演奏心得体会论文篇四
就钢琴演奏本身而言，应该是一个复杂的生理、心理结合统一的过程，它要求演奏者各感官间默契地配合，以达到钢琴演奏中所谓“琴人合一”的最高境界。然而，在部分教师的教学过程中，忽视了钢琴演奏本身所需要的各感官之间的联系配合，把艺术化、科学化的钢琴教学引入了单一技术训练的歧途。作为一名钢琴教师，在对上述现象感到悲哀的同时，也试图运用科学的理论对钢琴教学法进行改良，并希望通过对学生钢琴演奏中听觉、触觉、视觉协同能力的培养，使学生形成正确的弹奏方法，提高学习效率和演奏质量。
一、钢琴演奏教学中听觉、触觉、视觉协同的理论基础
协同学主要是研究系统各要素之间，要素与系统之间，系统与环境之间的协调、同步、合作、互补关系。研究协同效应的形成，揭示系统进化的运动，核心思想是“协同导致有序”。协同学由一系列严密而复杂的原理组成。在钢琴教学协同性问题的研究主要运用了“协同效应原理”和“自组织原理”。
1.钢琴演奏教学中各感官的协同效应原理
协同学认为：一个开放的大系统内的各个子系统既有独立运动，又有关联运动。当关联运动占主导地位时，各个子系统就会自动地服从于整体，产生协同效应，这时的整体功能大于各个部分功能之和。根据协同效应原理，笔者认为，要培养全面而高素质的钢琴演奏者，其关键是加强各感官之间的协调合作，使之产生协同效应。为此，我们要分析钢琴演奏中各感官的作用和特点，激发其潜能，加强它们之间的关联运动，优化钢琴弹奏系统的`整体功能。
2.钢琴演奏教学中各感官的自组织原理
自组织原理是指在一定的外部能量流或物资流输入的条件下，系统会通过大量子系统的协同作用，在自身涨落力的推动下，达到新的稳定，形成新的有序结构。根据自组织原理，笔者认为，要提高演奏者的弹奏能力，必须提高各感官之间的自组织能力，即听觉、触觉、视觉之间形成一种弹奏的默契，在自发的状态下进行协调配合，从而形成各感官之间的协同合作，使对音乐作品的演奏与表达成为一种自觉行为。
二、钢琴演奏教学中的听觉、触觉、视觉概述
1.演奏听觉
音乐是听觉的艺术。钢琴演奏教学中听觉主要包括外在听觉和内心听觉两个部分。
外在听觉能力是指运用耳朵听辨外在音乐音响的能力。
内心听觉能力是一种预知听觉，是建立在演奏者对声音的积累和存储基础之上，它类似于绘画中“胸有成竹”，即演奏者在弹奏之前内心已经听到了自己将要弹奏出的声音。
2.演奏触觉
钢琴演奏触觉的发力部位从指尖开始，包括了腕、肘、臂、腰在内直至全身整体运动的综合。演奏触觉包含以下内容：即，触键种类（高抬指垂直触键、贴键法触键、冲击式触键、手腕摇动式触键等）、触键力度与速度、触键深度等。
3.演奏视觉
钢琴演奏中的视觉可分为以下三种：（1）读谱视觉：在钢琴演奏过程中对谱面上所标示的音高、节奏、速度、力度等符号产生的视觉感受。（2）键面视觉：在钢琴演奏中对键盘位置的视觉感受。（3）记忆视觉：在背谱演奏过程中在脑海回放原谱的视觉感受。
三、钢琴演奏教学中“三觉”的协同研究
1.通过“三觉”的协同形成理想的音色
音乐是声音的艺术，在钢琴教学中如何形成理想的音色呢？音乐作品中旋律的风格、和声的色彩、力度的起伏、速度的变化等特征因素都是音色变化的内在依据。而这一系列信息的输入必须通过演奏者的视觉器官准确无误地传入大脑，大脑指挥触觉器官协调运动，完成与谱面信息相对应的触键。在整个过程中，听觉器官必须起到“调色”和监控的作用，即：将视觉获得的谱面信息转化为内心听觉，再与弹奏出来的实际音色效果（外在听觉）逐渐调和统一，从而达到运用听觉、触觉、视觉三者的协同形成理想音色的目的。
例如，学习弹奏《野蜂飞舞》这首乐曲时，我们应该从作品标题和谱面旋律的特点得到内心听觉的信息，并指导手指来表现这样一幅幅图画：一群群野蜂飞舞而来，一会儿集中（渐强的蜂鸣音色），一会儿又分散（渐弱的蜂鸣音色）；有时来势凶猛（和声织体加重），有时又有趣地围着野花采蜜（运用手腕转圈运动带领手指做“橄榄形”力度变化）。这样一来，音乐中的音色会更加生动自然、富有表现力。
2.通过“三觉”的协同完成各种演奏技巧
任何音乐作品的演奏都需要通过不同的弹奏技巧得以体现。从表面看来，弹奏技巧的完成仅仅依赖于演奏者的触觉器官。然而，这种错误的观念也正是一些学生练琴无效率、无效果的主要原因。
在练琴的过程中，学生们最初获得的音乐信息全部来自于乐谱，教师应当引导学生把音符看成连续不断的声音模式符号，而不是孤立的单元。这样完整的视觉信息将有利于触觉器官对相应弹奏技巧的连贯与把握。与此同时，“自我鉴听”也是准确完成演奏技巧的重要环节。钢琴演奏的技巧可谓是品种繁多，有力度、速度、和声、触键方法等方面的。这也注定了演奏者在练习过程中，耳朵要对弹奏出来的音乐技巧“批判性”地听、有鉴别地听、有对比地听。只有通过这样反复的推敲和调整，使听觉、触觉、视觉产生协同效应，演奏者的技术水平才能不断地得以完善和提高。
3.通过“三觉”的协同表达音乐的情感
音乐是情感的艺术，音乐作品中包含了作曲家的情感体验。演奏者通过演奏作品，进行了二度创作，其中也融入了演奏者对该音乐作品的理解及自身的情感表达。好的演奏者能够充分地表现作品的情境及内涵，准确表达出作曲家的创作意图。
在钢琴演奏教学中，教师要多启发学生通过想象力对音乐作品进行理解。例如，弹奏门德尔松的《威尼斯船歌》，就要引导学生根据作品标题、音乐形象等谱面信息发挥想象，如在脑海中浮现出这种景象：宽阔的河面上，一叶两头微翘的小舟，后面拖着一道长长的波浪，船儿随着波浪轻轻地摇曳着……音乐中的情感自然地从心里流出，演奏者的触觉也会自发地配合情感进行演奏，特别是当看到谱面上一串串波音记号时，更会情不自禁地在听觉和触觉上对“水波荡漾”这一情境进行诠释。
总之，演奏者的听觉、触觉、视觉是完成钢琴弹奏的主体与核心，在钢琴演奏教学中，教师应当运用协同学的科学理论，加强学生听觉、触觉、视觉的联系与配合，使之产生协同效应。这必将优化钢琴弹奏系统的整体功能，提高学习钢琴的效率和演奏的质量。
钢琴演奏心得体会论文篇五
钢琴演奏活动是一种传统与现代相结合的方式，为钢琴爱好者提供了展示才华和交流心得的机会。在这个活动中，参与者可以通过演奏自己喜爱的曲目，展现他们的音乐天赋和技巧。此外，钢琴演奏活动还有助于培养参与者的舞台表现能力和对音乐的理解，对提升个人音乐水平起着重要的推动作用。
第二段：描述演奏前的紧张和准备工作（字数：250字）。
在钢琴演奏活动即将开始之际，演奏者常常会感到一种紧张和兴奋的复杂情绪。他们会在音乐前台等待自己的演出时间，紧握着双手，心中默念曲目的节奏和技巧。一旦自己的名字被宣布出来，演奏者就会进入舞台，坐在钢琴前，深吸一口气，集中精神，待音乐降临。这段准备过程固然充满挑战和紧张，但也因此增加了演奏者与音乐之间的情感连接。
第三段：分享在演奏过程中的艰辛与快乐（字数：350字）。
在钢琴演奏过程中，演奏者会面临许多艰辛和挑战，但也会感受到巨大的快乐和满足感。首先，演奏者需要在短时间内熟练掌握大量的乐曲，同时还要注重技巧和表现力的提升。这需要他们付出大量的时间和精力进行日常的练习和探索。然而，当演奏者能够在舞台上将自己的才华展现给观众时，他们会感到一种无以言表的快乐和满足。此时，所有的辛劳都会得到回报，曾经的紧张和困惑都会消失不见，只有音乐和欢乐留在心中。
第四段：强调演奏活动对个人音乐发展的重要意义（字数：250字）。
参与钢琴演奏活动对于个人音乐发展来说，具有重要的意义。首先，通过演奏活动，演奏者可以与其他爱好者进行交流和互动，互相学习和借鉴。这种交流不仅丰富了个人的音乐知识和技巧，也为他们提供了与其他音乐爱好者分享音乐的机会。同时，演奏活动还可以促使演奏者更深入地理解所演奏的曲目，从而提高他们对音乐的理解和表现力。最重要的是，演奏活动为演奏者提供了展示自己才华和努力成果的舞台，这对于个人的音乐发展和艺术追求来说，具有极大的激励作用。
第五段：总结演奏活动的体验并展望未来（字数：250字）。
通过参与钢琴演奏活动，我不仅收获了许多音乐上的成长和进步，也结交了许多志同道合的朋友。在与他们的交流中，我感受到了音乐的力量和人与人之间的亲近。同时，我意识到，尽管演奏活动中存在许多挑战和困难，但只要坚持不懈，就一定能够克服困难，取得理想的演奏效果。因此，我将继续努力学习和进步，为下一次的演奏活动做更充分的准备，展现自己的音乐才华和情感表达能力。
以上是关于“钢琴演奏活动心得体会”的连贯的五段式文章。通过介绍钢琴演奏活动的背景和重要性，描述演奏前的紧张和准备工作，分享在演奏过程中的艰辛与快乐，强调演奏活动对个人音乐发展的重要意义，以及总结演奏活动的体验并展望未来，文章将读者带入了一个钢琴演奏活动的全面体验之中。
钢琴演奏心得体会论文篇六
钢琴是一种优雅高贵的乐器，具有丰富的音色和表现力。作为钢琴爱好者，在大学期间，我选择了钢琴专业，并完成了一篇与钢琴相关的论文。通过这个过程，我对钢琴有了更深入的理解和感悟，并从中获得了一些宝贵的心得体会。
首先，我学会了沉下心来，用耐心和毅力去解决问题。论文写作并不是一件轻松的事情，尤其是当我面对琳琅满目的研究资料时。我需要仔细筛选和阅读相关的文献，以确保我可以准确地理解和引用。当我遇到困难和疑惑时，我必须细心思考和分析，不断尝试和探索，直到我找到合适的解决方案。这个过程需要耐心和毅力，但最终，我通过一步步的努力完成了我的论文。
其次，钢琴论文的撰写让我更加懂得了学会与他人交流和合作的重要性。在写论文的过程中，我需要与导师和同学们进行合作和讨论。通过交流，我能够开阔自己的思路，获得更多的灵感和启发，并且找到一些对我论文有帮助的资源和参考文献。同时，我也能够更加了解导师的要求和期待，使我能够更好地在论文中展示自己的观点和认识。与他人交流和合作，让我意识到一个人的力量是有限的，只有通过团队的力量，才能真正做到更好的成就。
第三，通过这次钢琴论文的写作，我更加深入地理解了钢琴这个乐器的演奏技巧和艺术表现。我对钢琴音乐的历史和发展有了更加详细的了解，并学会了分析和理解不同乐曲的结构和风格特点。这让我在钢琴的演奏时更加自信和熟练，因为我知道了乐曲的内涵和意义，能够更好地演绎出音乐家原创的意图。通过写钢琴论文，我也有机会进一步研究和探讨一些深入的乐理和技巧问题，使我能更好地掌握钢琴的演奏技巧和艺术表达。
第四，这次钢琴论文的完成也加深了我对音乐教育的认识和关注。在写论文的过程中，我发现了有关音乐教育的一些问题和挑战，例如如何培养学生对音乐的兴趣和理解，如何帮助学生克服钢琴演奏中的困难等。我认识到音乐教育对于培养学生的综合素质和审美情趣是至关重要的，而作为一名钢琴教师，我要不断学习和提升自己的教学能力，以更好地引导学生走进音乐的世界。
最后，钢琴论文的撰写使我对自己的研究和创作能力有了更加明确的认识。通过对钢琴的学习和论文的写作，我渐渐地明白了自己在钢琴研究和音乐创作方面的优势和不足之处，也明确了未来自己的发展方向。我将不断努力学习和积累，追求卓越和创新，希望在钢琴的道路上能够有所突破和成就。
总之，钢琴论文的写作过程不仅让我对钢琴有了更深入的了解和认识，也让我学会了沉下心来解决问题，与他人合作和交流，改进自己的演奏技巧和艺术表达，并对音乐教育和个人发展有了更深入的思考。这次论文的完成是我大学生活中的一段宝贵经历，对我未来的学习和发展都有着重要的影响。
钢琴演奏心得体会论文篇七
钢琴演奏是一项艰巨的任务，需要演奏者不断努力和实践。为了提高自己的演奏水平和展现自己的才华，我积极参加了一次钢琴演奏活动。通过这次活动，我深深地感受到了钢琴演奏的魅力，也收获了很多宝贵的经验和感悟。
首先，我学会了更加专注于每一次的演奏。在演奏过程中，我不仅要注意音准，还要注重细节，如音色的变化、节奏的掌握等。通过反复练习和反思，我在演奏中逐渐形成了自己独特的风格和表达方式。当观众沉浸在我的音乐中时，我感受到了他们的专注和赞赏，这让我更加坚定了自己在音乐路上的前进方向。
其次，我明白了演奏是一种沟通和情感表达的方式。在表演过程中，我不仅要通过音乐传递自己的情感，还要与观众产生共鸣。这就需要我用心去理解和演绎每一首曲子的内涵，用自己的方式去解读它们。在演奏过程中，我努力将音符转化为音乐，用琴键深深触动听众的内心。当听众在演奏结束后报以热烈的掌声和赞叹时，我明白这是对我情感交流的最好回应。
再次，我感觉到了音乐的无限力量。音乐不仅可以给人带来欢乐，还可以治愈心灵的伤痛。在演奏中，我经常感到一种愉悦和快乐。尤其是在演奏一些流畅有力的曲子时，我觉得自己仿佛能够与音乐融为一体，忘却一切烦恼。而当我碰到一些悲伤或深情的曲子时，我便能够通过音乐倾诉内心的情感，让自己的心灵得到安慰和升华。
最后，我深信坚持和努力是取得进步的关键。钢琴演奏并非一蹴而就的，它需要我们全身心地投入和精益求精。在演奏活动中，我不断调整自己的状态和心态，不断超越自己，不断挑战自己的极限。当我经历了许多困难和挫折，最终达到了自己预期的效果时，我深深地明白到只要心怀信念，不断努力，就能够克服一切困难，实现自己的理想。
通过这次钢琴演奏活动，我认识到了自己在音乐中的潜能和无限可能性。我深化了对音乐的理解和热爱，更加坚定了追求音乐艺术的决心。我会继续努力学习和实践，不断提升自己的演奏水平，为大家呈现更好的音乐作品。同时，我也会积极参与更多的演奏活动，结交更多志同道合的音乐人，共同探索音乐的奥秘和无限魅力。我相信，在不久的将来，我能够在音乐的殿堂中留下自己的足迹，为世界带来更多美妙的音乐。
总之，钢琴演奏活动使我受益匪浅。通过这次活动，我不仅提高了自己的演奏水平，而且加深了对音乐的理解和热爱。我明白了演奏需要专注、情感和沟通，也体会到了音乐带给人们的欢乐和治愈。通过坚持和努力，我相信自己能够在音乐之路上取得更大的成就。我将继续努力学习和演奏，为世界带来更多美妙的音乐，书写自己的音乐篇章。
钢琴演奏心得体会论文篇八
钢琴作为一种优雅的乐器，具有丰富的音色和表达力，是许多人心中的梦想。作为一位学习钢琴的学生，在撰写钢琴论文的过程中，我积累了许多宝贵的经验和心得体会。本文将以五段式结构，分享我在论文撰写中的心得体会，希望对钢琴学习者们能有所启发。
第一段：选择合适的论文题目
选择论文题目是撰写论文的第一步，也是非常关键的一步。在选择题目时，我们应该从自己熟悉的领域出发，并且选择一个独特又有深度的问题。我在选择题目时，考虑到自己在钢琴学习中的经验和兴趣，最终选择了“巴赫的奏鸣曲与舞曲的对比分析”，并对这一题目进行了深入研究。因此，我建议其他学习者在选择论文题目时应站在自己的舒适区内，选择一个自己真正感兴趣并有研究价值的题目。
第二段：深入研究和收集资料
在开展钢琴论文研究之前，我们应该对所选择的题目进行深入研究，并收集相关的资料。对于我而言，我阅读了大量关于巴赫奏鸣曲与舞曲的音乐理论书籍，也观看了一些相关的演奏视频。除此之外，我还积极参加钢琴研讨会和音乐学术讲座，与其他研究者进行交流和讨论。这些学习和交流的过程不仅有助于丰富我的知识和见解，也拓展了我的思维和视野。因此，我建议其他学习者在撰写钢琴论文前，要进行更深入的研究和资料收集，并多与他人进行交流和讨论。
第三段：写作过程和修改
钢琴论文的写作过程是一个不断探索和完善的过程。在写作过程中，我经历了多次修改和反思。我首先进行了大纲的起草，将论文的结构和内容进行了规划。接着，我按照大纲的要求，逐渐填充内容，并不断修改和调整。在写作过程中，我发现主题陈述和逻辑连贯是非常重要的，这对于读者理解和接受论文的内容起着关键的作用。因此，我在修改时特别关注文章的结构和逻辑，确保每一段的内容都能和论文主题紧密相连。此外，我还请教了我的钢琴老师和同学的意见，从而提升了我论文的质量。因此，我建议其他学习者在写作和修改过程中要不断反思和改进，并寻求他人的意见。
第四段：严谨的引用和注释
在撰写钢琴论文时，对于引用和注释的要求非常严格。出于对知识产权的尊重和学术规范的遵守，我们应该遵循相应的引用和注释规范。在我的论文中，我引用了大量的音乐学术书籍和论文，因此，我在撰写过程中要时刻留心引用的准确性和完整性。此外，我还对每个引用进行了详细的注释，确保读者可以清楚了解引用的来源和意义。在注释的过程中，我注意了注释的规范和格式，以确保论文的学术性和准确性。因此，我建议其他学习者在引用和注释时要严谨并细致，注重细节和准确性。
第五段：总结和反思
钢琴论文的撰写是一个不断学习和成长的过程。在这个过程中，我不仅加深了对巴赫奏鸣曲与舞曲的理解，也提升了自己的研究和写作能力。通过撰写钢琴论文，我学会了更深入地思考问题，更准确地表达自己的观点。同时，我也认识到了论文写作中的困难和挑战，这需要我们不断地学习和努力。因此，我希望通过自己的经验和体会，鼓励其他钢琴学习者在写作钢琴论文时，要保持耐心和坚持，相信自己的努力和才华，相信自己能够写出一篇优秀的钢琴论文。
总的来说，在撰写钢琴论文的过程中，我们需要选择合适的题目，深入研究和收集资料，进行反思和修改，注意引用和注释的准确性，并进行总结和反思。通过这一过程，我们不仅可以加深对音乐理论的理解，也可以提升自己的写作能力。希望我的心得体会能对其他钢琴学习者在论文撰写中提供一些启示，并帮助他们取得更好的成果。
钢琴演奏心得体会论文篇九
钢琴，作为一种古老而又优雅的乐器，一直以来都备受瞩目。许多人热爱钢琴，梦想能够在琴键上舞动指尖的华尔兹。而在学习钢琴的过程中，我们不仅仅需要掌握音乐理论和演奏技巧，还需要通过文字来理论和分析各种音乐现象。钢琴论文成为了学琴之路上不可或缺的一环。在本文中，将分享一些我在撰写钢琴论文过程中所学到的心得和体会。
第二段：把握论文主题
钢琴论文的写作前提是要把握好论文的主题。在进行论文写作之前，需要明确自己所要研究的问题或者主题。可以选择探讨某位作曲家的创作风格或是某首曲子的演奏技巧等。在明确了主题之后，我会展开相关的文献和乐谱的收集与阅读，以便了解更多背景信息和研究成果。
第三段：审视数据与主张
在论文写作的过程中，对于所收集到的各种数据，在不只是单纯地陈列数据，而是要对其进行审视。从数据中分析出规律和特点，并将其与自己的主张进行联系和对比。例如，当我在讨论某位作曲家的创作风格时，需要通过数据分析找出他的音乐风格中的特点，并与其他作曲家进行对比。这样，不仅能够增加论文的可信度，也能够更好地体现自己的观点。
第四段：结论与展望
在论文的最后一部分，需要对于所研究的主题进行总结并给出展望。在总结部分，我会简明扼要地回顾整篇论文的内容，并强调这个主题的重要性。同时，我也会提出一些自己对于这个主题未来可能的发展方向或者可以进行深入研究的问题。这样的结论和展望，能够让读者对于论文的意义和研究价值有更深入的了解，并激发他们的进一步思考。
第五段：个人心得与感悟
通过撰写钢琴论文，我不仅仅是增加了对于钢琴音乐的了解，还培养了较强的批判性和分析性思维。在论文写作的过程中，我学会了如何从大量的信息中提炼出对于论题重要的内容，并加以理论分析和阐述。同时，我也逐渐熟悉了学术写作的规范和要求，提高了自己的写作能力。
总之，钢琴论文的撰写需要对所研究的主题有深入的了解，善于整理和分析数据，并能够提出独到的见解和观点。通过这个过程，我们不仅能够加深对钢琴音乐的理解和认知，还能够提升自己的学术能力和思维能力。希望将来有更多热爱钢琴的同学能够通过论文写作的方式深入研究和传承钢琴文化。
钢琴演奏心得体会论文篇十
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》。
2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，2012年01期。
3.代百生：《钢琴教与学的心理训练》[j]，钢琴艺术，2000（3）。
4.曹静：《钢琴弹奏技巧与音乐表现间的关系》，湖南科技学院学报，2008年10期。
5.曹云：《浅议幼师钢琴教学》[j]，新课程学习（中学），2009年05期。
7.林振纲：《论钢琴学习（一）》[j]，北京：钢琴艺术，2008（10）。
8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，2011年3期。
9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，2012年02期。
钢琴演奏心得体会论文篇十一
现代篮球比赛复杂多变，紧张激烈，许多违反规则动作隐蔽性强。如果没有良好的裁判技能和判断能力，常常会出现误判、漏判、错判或偏判，裁判员移动不到位、手势不规范等现象，影响比赛的顺利进行。甚至形成裁判表演的局面。篮球裁判员要高质量地完成裁判任务，不仅要具备良好的体能和裁判技能，还应具有敏捷，迅速、准确的心理判断能力。
裁判员良好的心理素质的形成和发展，与其所处的生活、工作环境和教育条件有直接的关系。一名篮球裁判员能否在比赛中自始至终保持稳定、冷静、沉着的心理状态，能否在应激状态下做出机智的反应，这与裁判员平时形成的心理素质分不开，本文以文献资料法就篮球裁判员的培养进行浅析。
1.“球感”的建立。
“球感”是在训练中发展起来的专门化知觉，是篮球裁判员的一项重要的心理技能，使裁判员能对球的形状、重量、弹性、空间变化，做出精细的分析，对球的运行速度、控球队员的运动状态，以及传球的方位等动态有十分精确的感知；以排除凭视觉判断的假象而做出准确的判断，因此，篮球裁判训练中，要求裁判员进行抛球、跑动、跟球等练习，以增加“球感”，使裁判员在比赛中对球的运动方位、空间状态、发展方向等判断自如，发挥出最好的裁判水平。
正如比赛中,中圈跳球后的移动配合动作，几乎没有一成不变的具体形式，甚至在比赛中出现的一个新的情况，很有可能在裁判训练中没有出现过，在特殊情况下，能找到自由灵活度，这与篮球裁判员以“球感”的掌握程度密切相关。因此，篮球裁判员的“球感”是裁判员技术水平获得高度发展并出现高水平的`重要心理技能。它不但能使动作变得灵活自如，而且是获得高超裁判技术的重要心理因素。
2“.注意力”的集中练习。
注意力集中是坚持全神贯注于一个确定目标，不为其它内外刺激的干扰而产生分心的能力。面对比赛，裁判员不能像观众一样观赏比赛的精彩的技术和战术配合所干扰，而应保持清醒的头脑，摆正自己的位置，积极、公正、准确的执法，确保比赛的顺利进行。因此在裁判员的心理素质训练中，应注重注意集中的训练。
注意品质是篮球裁判员必须着重培养的一种心理素质，在裁判工作中，准确迅速、有效的判断离不开高度的注意力。裁判注意技巧的培养，主要在技能训练和正式比赛中，有意识地分出注意的层次和目标。例如，在犯规和违例中，应重点选择犯规来注意，在犯规方面，应重点选择篮下的侵人犯规与对投篮队员的犯规。然后转移目标，重点选择有球区域攻守对抗中的犯规和无球队员的犯规。最后将注意力转移到违例判罚上来。
这种分层次，有重点，有目标的注意技巧可以训练裁判员的注意选择性，指向性和注意的有序分配能力。使裁判员注意的目标明确，重点突出，注意分配和转移定时合理，能克服“什么都想抓，什么都抓不住”的不良心理，从而提高裁判员的心理素质。
3注重表象训练。
表象训练是体育运动领域最常用的一种心理训练方法。表象训练有利于建立和巩固正确的动作的动力定型，有助于加快动作熟练和加深动作记忆。在篮球裁判工作中，裁判员的手势动作及相应的速度和准确性是反映裁判员水准的一个重要方面，裁判员手势的好坏对运动员有着明显的影响，及时，规范的手势能树立“法官”的威信，因此裁判动作是裁判工作的一个重要内容。
利用裁判训练中，规范手势图片进行手势的逐一练习，从而专门使用运动训练来强化动作表象，由于操作必须依赖于大脑中储存的动作图片，而通过符号学习，可以在大脑内建立或巩固动作图式，将动作编译为符号部件，并在此基础上，通过多次练习即认知编码，建立有用的图式，消退无用的图式。例如，在判罚停止计时钟动作练习时给裁判员这样的暗示：“立即鸣哨，面对犯规队员，判罚动作姿势，一拳紧握上举，一手平举指向腰部，并记下犯规队员的号码，报告记录台。”
在比赛中，将裁判动作在头脑中先“过电影”，如同事先编写的电脑程序般，将规范的手势呈现在运动员和记录台面前。
4执法时信心的树立。
心理学家认为，人的心理状态，个性特点能直接影响生理过程的变化，有的裁判员临场时，由于心理紧张，胆小，引起思维混乱，全身虚汗，哨音越吹越小等，直接干扰裁判员水平的正常发挥。
篮球裁判员的良好个性心理特征一方面通过经验积累逐渐形成，一方面可以通过有效的心理训练来加强。然而，形成良好的个性心理，消除情绪的有效方法是信心的培养和训练。平常强化自我角色的意识，相信自己的技能发挥，心理上把自己立刻划为勇敢高大威严的球场“法官”形象，培养出有良好技术风格的裁判员。临场前与技术代表的讨论，对新规则的探讨，对新旧规则的争议问题进行讨论，这种职业习惯以对临场信心的增强有着积极的作用。
在进行裁判心理训练时，克服过度紧张的重要方法是通过认知训练，使学生对比赛有正确的心理定向，使对面临场裁判任务有清楚的理解，有积极的执法动机，对自己势力充满信心。临场执法时要排除心理障碍，排除外界应激的干扰，不断地从主观上，进行自我情感和自我意识的强化，使之适应客观需要。
教学指导思想是教学活动的根本方向和目标问题，在篮球裁判员教学中，应从球感的建立，注意力的集中转移，表象训练的重视，信心的树立等方面着手，使每位篮球裁判员的打手势动作舒展，判罚姿势规范，面部表情柔和。能够在运动员和观众心中产生一种威望。从而确保篮球运动技术，战术水平和发挥和比赛的效果。综上所述篮球裁判员的心理素质则又直接影响着裁判水平，因此良好的心理素质的培养，是篮球裁判员顺利完成裁判任务，展现良好裁判技巧的必要条件。
参考文献。
1全国体院教材委员会《篮球》北京：人民体育出版社1990。
2马启伟体育心理学北京：高等教育出版社1995。
3中国篮球协会篮球竞赛规则（1998----2002）光明时报出版社。
4马启伟竞技体育创新论北京：北京体育大学出版社1996。
5张彩篮球教练员的问答北京：人民体育出版社1995。
钢琴演奏心得体会论文篇十二
1.做一些放松身心的活动。人在紧张时可以选择一个空气清新、四周安静、光线柔和、不受打扰，可活动自如的地方。做做深呼吸，活动一下身体的四肢，使关节放开，肌肉松弛。或者闭上眼睛，去感受安静、松弛，想象一些恬静美好的事物，使自己全身心地放松下来。
2.渐进式紧张缓解法。韩国的郑灿皓博士介绍的这一解决心理紧张的小技巧，可以从头到脚地放松，这个方法可以在各种场合适用。
a.先从眉毛开始，下巴保持不动，眼睛看着天花板，此时眉毛就会皱起来，使劲点，心里默念1、2、3、4、5，然后放松，眼睛再往下看，以此反复。
b.使劲闭眼睛，心里也默念1、2、3、4、5，然后睁开眼睛放松，睁开眼后感觉眼前有星光闪烁才表明使的劲足够。
c.低头，将下巴尽量向胸口方向靠，这时要感觉脖子周围的肌肉在用力才对。
d.双手交叉握拳，手臂尽量靠拢，向后伸，有挺胸的感觉。
e.手握成拳，手臂弯曲，向自己的方向用力弯曲。
f.吸气，屏住呼吸，感觉腹部很硬，心里默念1、2、3、4、5然后放松。
g.双脚并拢伸直，脚面向前绷直。
h.双脚并拢，脚跟点地，将脚掌尽力向后绷直。
采用这套渐进式的紧张缓解法，是将全身先紧张起来，然后放松，利用身体紧张后的放松，起到更好的缓解心理紧张的作用。
身体各部位的放松。先做耸肩运动，将双肩耸起，尽力伸至耳朵，保持几秒钟，然后放松，这样反复多做几次。然后是手臂的放松。体会手臂的放松其实很简单，人在走路时手臂在身体两侧自然的摆动就是手臂放松最好的例子。
第二，增强自信心，提高演奏欲望。
自信心，使人更加地自信有勇气，给人增加无形的能量。在平日的钢琴学习、练习中就要重视自信心的培养，如常常激励自己，相信自己是最棒的等等。在增强自信心的同时，也要对自己的演奏水平有着客观的认识，不要使自己的自信心高出自身的演奏水平能力的范围。
提高演奏欲望也是很关键的。平日练琴有时会出现“不想弹”的情绪，这时我们要积极调整，如起来放松一下身体,缓解一下心情，呼吸一下新鲜空气，运动一下等等，使自己能够在日后的钢琴演奏中快速地调整自己的情绪，提高演奏欲望。还要有计划、经常地进行体育锻炼，增强自身的体能,确保有充分的心理准备和有足够的体力来进行钢琴的演奏。
第三，要具有扎实的基本功、全面的钢琴技术、正确的弹奏方法和技巧。
首先，要有良好的手型。掌关节在这里起到关键的作用，它一定要支撑住，手指的第一个关节要很结实的，也就是通常所说的'不能塌指，大指的虎口处应该是圆形的，在这里说一下手腕，它的状态应该是松弛的。这些都具备了才能为演奏好钢琴打下坚实的基础。
其次，手指的技巧练习，这是每位学琴的人必须天天面对的重要练习。练习手指有很多方法，也有很多相应的教材可以供我们来学习，比如《哈农》，这是用得最多的一本手指练习的教材，里面提供了许多基本的手指练习，有一些比较有针对性，一般人的3、4、5指不好使，这本书里的第21—30课就是针对这一问题而写的专项练习。当然还有许多种练习的方法，要掌握全面的钢琴技术，我们不能局限于一种练习和同一本教材，这样会显得枯燥无味，从而影响到学习的效果和兴趣。
再次，手腕，手臂的正确运用。很多人不会用手腕，更不会用手臂，往往会出现手臂酸了，手指跑动不起来了，弹出来的声音变成一片一片的了，等等。这些都是不会用手腕和手臂的结果。有些学生说我用手腕了，可为什么感觉还是不对呢，那就要看手腕和手臂运用的是否正确了。比如弹奏音阶时，手腕运动的方向应该是随着音阶进行的方向和手指运动的方向平稳而动，同时大指在这里起到至关重要的作用，它就像桥梁一样起到连接的作用。有很多学生不会用大指，手腕更是上下左右一起动，使弹奏出来的音阶听起来声音不均匀，手指触键又不舒服，要解决这些问题就得用正确的方法来练习。
第四，科学有效的练琴方法。
平日练琴要具有经常性、不间断性、有计划性、分阶段的练习习惯。如：视奏阶段，技术攻克阶段，音乐处理阶段，熟练演奏阶段，背谱背奏阶段等，使练琴更具科学性、合理性。这样练琴会更具有效果、更加完整。
还可以用录音机把自己的弹奏录下来，聆听自己的弹奏录音，可以对自己的演奏做出更加客观的评价。录音机可以使演奏者“头抬起来了，看得更高”。帮助演奏者改善缺点完善优点。录音机还可以辅助背谱，在不练琴时小声播放录音，使乐谱直入演奏者的潜意识。
第五，多在众人面前演奏，熟悉舞台气氛。
经常在众人面前演奏，可以帮助我们从心理上不断适应表演的环境，熟悉舞台的气氛。如经常给别人演奏，定期邀请同学、朋友进行钢琴演奏的交流性活动等等，以加强自身的心理素质，增强舞台演奏能力。
总之，钢琴演奏中的紧张心理是一种复杂的心理过程，要正确认识和面对这一紧张心理，同时，在钢琴演奏的实践活动中不断地去寻找调节、克服钢琴演奏中紧张心理更有效的方法，使自身能够有效地控制、调节及克服在钢琴演奏中的紧张心理，以求得完美的钢琴演奏，也使自身能够真正地体会和感受到钢琴演奏带来的自信、乐趣与享受。
钢琴演奏心得体会论文篇十三
弹奏技能和心理素质作为钢琴演奏教学重点内容，学生在钢琴演奏过程中，既要具备专业的弹奏技能，又要具有超强的心理素质，只有这样，才能够顺利完成钢琴演奏实际表演，全面提高自身演奏水平。因此，作为教师应该根据学生演奏学习具体要求，分别从弹奏技能和心理素质两个方面展开教学，从而保证钢琴演奏教学更加全面、具体，有效提高学生钢琴演奏整体质量。
1弹奏技能培养对策。
1.1强化读谱、背谱练习。
琴谱是学生必须掌握和了解的，学生只有对琴谱了然于胸，才能够保证钢琴演奏更加顺畅、流利。因此，在钢琴教学过程中，教师应该重视琴谱教学。［1］向学生教导正确的读谱技巧，培养学生形成良好的背谱习惯，从而保证学生能够扎实掌握琴谱内容和钢琴演奏节奏，提高学生钢琴演奏水平。首先，教师在课堂上，需要告知学生为什么要读谱、背谱，琴谱对钢琴演奏有哪些重要作用，以及琴谱不熟练可能造成的钢琴演奏问题，从而让学生对琴谱树立正确的思想认知，端正琴谱学习态度。其次，教师应引导学生正确读谱、背谱。无论是在平时学习、日常训练还是专业比赛当中，都要先读谱、背谱，再进行弹奏，从而扎实学生读谱与背谱基础，提高学生钢琴演奏能力。
1.2加强弹奏技巧训练。
在钢琴演奏过程中，学生的演奏技能，在很大程度上决定着演奏水平。因此，在钢琴教学过程中，教师应该重视学生演奏技能的强化训练，从而保证学生对演奏技能掌握更加牢固，夯实演奏功底，全面提高学生钢琴演奏水平。首先，教师可以根据钢琴演奏教学目标，提炼钢琴演奏重难点以及演奏技巧，并在课堂上通过理论讲解、情境演示、示范教学等方法，让学生对钢琴演奏技术难点形成一定的思想认知；其次，教师引导学生自主展开对技术难点的强化练习，通过循序渐进的演奏训练，提高学生自身在钢琴演奏领域中的技术造诣；最后，教师需要引导学生在进行演奏技巧练习的过程中，不断进行自我反思、总结，并优化演奏技巧，规避技巧错误。
1.3加强音乐鉴赏和弹奏处理能力训练。
学生若想钢琴演奏表现优秀、演奏水平发挥得当，必须对音乐作品内涵、节奏、情感加以掌握，并以此为支撑，细腻地处理演奏情感，保证演奏水平更加高效。因此，钢琴教师不仅要重视学生演奏技能强化训练，更要培养学生形成良好的钢琴作品自主鉴赏习惯。要求学生在演奏之前先对钢琴作品的创作背景、风格、内涵以及情感进行全面的掌握，［2］根据自身对音乐作品本身的解读，合理设计钢琴演奏方案，从而保证学生的钢琴弹奏更具有创新性，符合学生弹奏个性，为学生成为创新性人才奠定良好的素质基础。
2.1因材施教。
心理素质是学生个体在行为表现背后所具有的心理状态，不同的学生个体，因为先天性格条件和成长环境条件的不同，所具有的心理素质具有很大差异。因此，钢琴教师要想合理培养学生形成良好的弹奏心理，必须根据学生个体需求，因材施教。根据学生在钢琴演奏期间的心理表现，选择恰当的方式进行心理教育和疏导，保证学生对钢琴演奏建立起自信心，克服演奏心理压力和不良情绪。比如，针对比较自卑的`学生，教师可以在平时多对其进行鼓励，当他们在钢琴演奏练习中表现优秀时，教师应多加表扬，多认可他们的钢琴演奏表现，在指出问题和错误时，也要注意指导态度和方式方法，避免打击此类学生钢琴演奏学习的积极性。而对于平时盲目自信、马虎大意的学生，教师应采用严格教导的方式，让他们能够正确认识自身在钢琴演奏中存在的不足，并不断完善和提高自身演奏技能。
2.2树立正确演奏观。
良好的演奏观念，是决定学生钢琴演奏水平的重要因素，只有具备正确的演奏观，学生才能够自主参与钢琴练习，并以平常心对待钢琴表演，从而有效克服自身在钢琴演奏过程中的心理压力和负面情绪。首先，教师应该为学生构建开放、自由、轻松的练习情境，让学生以一种轻松的状态，参与钢琴演奏练习。［3］其次，教师要引导学生对钢琴产生自主学习兴趣，通过构建课堂情境，丰富教学和训练方式，让学生对钢琴训练产生更加饱满的学习热情。最后，教师要引导学生树立终身学习思想，不断强化钢琴演奏练习，并积极学习其他人优秀的弹奏经验，逐渐建立起钢琴演奏的自信心，从而不断提升自身演奏水准。
2.3加强演奏实践练习。
为保证学生在钢琴演奏领域具有良好的心理素质，教师应该多组织一些实践练习活动。让学生通过不断的练习，降低自身对钢琴演奏的陌生感，并在实际表演过程中，逐渐提高演奏自信心，形成良好的心理素质。同时，通过钢琴演奏实践练习，学生能够清楚了解钢琴演奏过程中容易出现的事故和问题，并根据自身专业技能合理处理问题，确保钢琴演奏顺利进行。学生在钢琴演奏领域具有良好的事故处理能力，在以后的专业表演中，也能够轻松应对各类演奏问题，进而展现出专业的演奏素养。
3结语。
在钢琴演奏教学领域，教学目标以提升学生演奏技能，培养学生演奏心理素质为主。因此，钢琴教师在进行教学时，应该合理根据这一目标，优化钢琴教学，围绕学生钢琴演奏技能基础和心理素质，展开针对性的练习。让学生在教师的指导和特定的练习过程中，掌握专业的演奏技能，并且全面提升自身钢琴演奏心理素质，从而为自身在钢琴演奏领域获得更大的发展空间奠定素质基础。
参考文献：
［1］…佟羽佳.浅析钢琴演奏教学中学生心理素质的培养［j］.亚太教育，2016（18）：221.
［3］…王晓蔚.钢琴演奏教学中的弹奏技能和心理素质培养研究［j］.戏剧之家，2015（03）：152+160.
钢琴演奏心得体会论文篇十四
摘要:节奏是音乐的基础,音乐的脉搏,音乐的生命。在钢琴学习中必须从一开始到最后都明确强调,并尽最大的努力去培养、训练自己的节奏感,为钢琴学习和演奏奠定坚实的基础。
关键词:钢琴乐器之王音乐的脉搏音乐的生命钢琴演奏节奏感。
钢琴被称为是现代乐器中无与伦比的乐器之王,它能够用仅有的88个琴键表达出人类所有的情感——欢乐、忧愁、哀伤、哭泣、沉思、庄严、诙谐……而要将情感正确完美地表达出来,节奏感是至关重要的一点。
一、节奏是音乐艺术的脉搏、音乐的生命。
音乐的存在和进行,首先就在于节奏的作用。节奏在音乐中就像生命存在于每时每刻中,就像我们的脉搏每时每刻都要在跳动一样,节奏的脉搏每时每刻都贯穿在音乐之中。流行音乐由于讲究效果,在演奏时常加入很多打击乐器,在每小节重怕时,低音鼓浓重地打出了节奏重音,表现非常有规律的节奏使听众很容易便被这种节奏所感染,而这也是它通俗性的表现。而严肃音乐节奏的表现方式就不可能像流行音乐那么外在,所以往往容易在某种程度和某些方面被忽略,而使音乐感受能力稍差的人,由于感觉不到节奏的律动而无法感受音乐的存在和进行,更别提进一步地理解和享受音乐的艺术美了。音乐的节奏不可能像机器那样纹丝不动,一首奏鸣曲,一个乐章内虽有一个基本速度,但在欢快时,也许稍稍加快了一点,抒情的地方也许要稍稍放慢一些,但是基本速度不能变,从整体感觉上速度必须是统一的,这样乐曲才能完整。由此可见,节奏是音乐构成中的重要部分,在音乐表现中具有重要意义。
钢琴演奏是音乐艺术的主要表现形式之一,它利用手指及全身心弹奏钢琴来表现音乐形象,用钢琴音乐语言来倾诉心声,使演奏成为有灵魂的'活的富有情感的表演。而音乐感觉本身具有一定的抽象性,容易意会,不易言明。必需通过节奏和声音两个具体的要素来加以体现。因此,节奏问题在钢琴演奏中具有极其重要的作用。在我们的练琴和演奏中,由于通常没有其余的节奏乐器如鼓等来伴奏,节奏的体现全靠弹奏着的良好训练和感觉去体现出来,由此节奏感的强调就显得至关重要。
三、如何来培养节奏感。
(一)培养正确、良好的节奏感首先要做的是使“步伐”整齐——即搞清拍子、数准拍子、统一速度。要做到节拍准确,必须做到熟练掌握各种常用的拍子;养成正确数拍子、打拍子的习惯;保持稳定的速度数拍子,并按正确的节拍练琴。对于钢琴学习者来说,一个大项是音阶、琶音及其他练习曲,另一个大项是乐曲、复调曲、奏鸣曲等。这两个大项都要求节奏的统一、稳定,所以数好拍子,弹稳拍子,是一项最基本的要求。
(二)培养节奏感必须做到突出节奏的律动。例如:贝多芬“悲怆”奏鸣曲第一乐章的快板部分。左手有大段的每小节八个音的分解八度震音,弹奏时在保证节奏稳定均匀的基础上,在每小节第一个音上加适当重音,作为节奏支点和发动力,随后的七个音比第一个略轻但均匀流动。以这组有规律的分组和感觉,连续演奏下去,配合右手坚定奋进的旋律和表情起伏,形成一种不屈不挠的决心和气势给听者一种精神力量,并有不可阻挡之感。
(三)注意节奏的呼吸。人的说话、唱歌都要呼吸,钢琴演奏也一样。我们常说弹琴像唱歌那样委婉动听,那么,呼吸理所当然十分重要。
(四)突出节奏的特性。根据音乐的特点强调不同的节奏点或某些有特点的节奏。比如在圆舞曲中第一怕与第二拍之间比较紧,而将宽出来的时间放到第二拍与第三排之间;或者有的乐曲可以将附点节奏略靠后些,使其更有风格或活力等,这些特点在我们演奏中如果掌握的好,也将会加强音乐表现力。
节奏是音乐的基础,音乐的脉搏,音乐的生命,我们在钢琴学习中必须从一开始到最后都明确强调,并尽最大的努力去培养、训练自己的节奏感觉,为我们的钢琴学习奠定坚实的基础,为能在音乐殿堂中领略更美好的风光做好充分准备。
钢琴演奏心得体会论文篇十五
摘要:“内心听觉”在整个钢琴演奏和学习中发挥着非常重要的作用,钢琴演奏不能光重视训练手指的技术能力,而忽视了内心听觉能力的训练,本文以内心听觉的培养在钢琴演奏中的训练为出发点,结合本人多年来钢琴学习的心得,把内心听觉的培养贯穿整个钢琴学习过程,让更多的钢琴学习者能够注重内心听觉能力在钢琴学习中的发展和培养。
关键词:内心听觉;重要性;培养;训练。
近年来,“内心听觉”这个词在音乐界备受关注,内心听觉是一种音乐能力,它在音乐演奏中发挥着越来越重要的作用,音乐是听觉的艺术,学习音乐,尤其是学习钢琴演奏,拥有敏锐的音乐听觉能力是至关重要的。音乐要靠听觉来欣赏,音乐技艺的程度水平也要靠听觉来辨别。李斯特曾经说过“用心灵创造技术”,就是指演奏家的技术是植根于自己的内心深处的,把一首作品演奏成功,并不是只解决了技术问题就可以了,高质量的音色及对作品的表现和理解都是同时必须要做好的,根据研究认为,通常人们都具有不同程度的内心听觉能力,这种能力经过专门的训练可以逐步提高,而这种能力的提高又有助于提高理解音乐的能力,因此,我们必须始终把内心听觉能力作为钢琴演奏学习的重要组成部分。
一、内心听觉的含义及重要性。
(一)内心听觉的含义。
内心听觉能力是一种音乐能力,是一种构成内心音乐形象的能力,它不受外界声音的影响,以音乐感知为基础,以完善音乐意象为目的,不依赖于乐器和人声想象出来的音响,它具有先导与创造能力。内心听觉是音乐家最重要的音乐听觉能力之一,内心听觉的发达程度决定着音乐家内在的音乐想象力反映真实的.音乐现象的能力。内心听觉在钢琴演奏中的心理活动分为两个部分:听觉意象的形成和听觉意象指导演奏,因此在学习的过程中要从两个方面着手:一是随着听觉意象的不断完善形成内心听觉;二是让内心听觉发挥作用即通过形成的听觉意象指导并调整实际演奏效果。
在平时的钢琴练习过程中,内心听觉起着主导作用,练习时如果没有内心听觉的支持,弹出的音乐就会显得苍白无力,缺乏艺术感染力,所以演奏者在演奏过程中必须要在内心形成自己想要的音色、速度及力度等,并在练习的过程中通过对自己身体及手指触键角度的调整来达到自己所满意的音响效果。
二、内心听觉的培养及训练。
内心听觉的心理过程主要通过听觉意象来体现,因而训练听觉意象能力的提高对内心听觉能力的提高有着直接的影响。内心听觉能力的培养是一个循序渐进的过程,为了比较有效的提高内心听觉的水平,这里介绍几种专门的训练方法:。
(一)“歌唱”训练。
著名钢琴家格伦・古尔德在弹奏钢琴的过程中,不仅会专注的演奏,口中还跟随着旋律哼唱,忘我的投入到演奏中,这种哼唱弹奏的方式是一种学习和理解音乐的比较有效的方法。钢琴是富有歌唱性的乐器,演奏者的内心歌唱能力的水平决定演奏出音乐的优美程度,只有通过歌唱旋律等方式来培养和发展这方面的能力,才能逐步提高内心听觉能力,从而感悟音乐的歌唱旋律性,把作品弹的“有血有肉”。
(二)“想象”训练。
音乐想象是以音乐意象为基础的,内心听觉的形成也要靠音乐想象来形成,音乐想象能力的提高是发展内心听觉的关键。钢琴演奏是把人类生活中的实物,如高山、河流等和人类情感中喜悦、悲愤等化作声音来表达出来,人们在生活中接触到的事物,大都与声音有着紧密的联系,使演奏者对对所接触的事物进行想象,通过想象与音乐音响融合,从而产生音乐听觉形象,这种音乐听觉形象在很大程度上依赖于音乐听觉经验。
(三)“冥听”训练。
冥听是指演奏者在演奏前事先听到自己内心第一流的整个演奏效果的能力,这需要演奏者具有一定的音乐积累和音乐感觉,冥听水平的高低决定了演奏水平的高低,冥听一般经过“树立声音标准”、“模仿杰出声音”、“创造新的声音”这三个过程,在脑中积累了丰富的音响材料之后,要努力在内心形成自己所要的音响效果,演奏者应将自己的演奏效果和内心听觉听到的效果进行对比,在练习的过程中逐步缩短两者之间的差距,这对于演奏者的演奏质量有着显着的作用。
总之,音乐是听觉的艺术,内心听觉又是音乐听觉的核心。通过听觉想象的训练可以有效地提高内心音乐听觉能力,培养和发展钢琴演奏者的内心听觉能力就是让演奏者有较高质量的听觉感知能力,精确的把握对音乐作品的表现和理解,提高音乐的表现力。内心听觉在钢琴演奏中具有至关重要的地位,对音乐有着举足轻重的影响,也应是每一位钢琴演奏者必须强化训练的重要基础。
参考文献:[1]赵晓生.钢琴演奏之道[m].世界图文出版社,1999.
钢琴演奏心得体会论文篇十六
一个人会弹钢琴,首要的是要会聆听,聆听自己的音乐,要让自。
己的手指打动钢琴进而产生共鸣,这样才能带给自己美好的享受,才能打动听众,在弹奏的时候,首先要学会的就是听,听什么是正确的声音,什么是错误的,只有会听才能打好科学触键的基础,这也是科学触键的必要前提。另外,在弹奏曲子时会听也能把我们快速的带入作者想要表达的意境当中,你能从曲子当中体会作者想要表达的思想情感和他当时的内心活动,会听还能让你更好的而且更准确的去把握这首曲子的弹奏和处理其中的情感技巧。
涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“声音的掌握是钢琴家应该解决的技术问题中最首要的一个。“他接着又谈道:“我毫不夸张,在我授课时,四分之三的劳动花在音色的探索上。它们之间的因果关系自然是这样排列的:首先是艺术形象;其次是有时值的声音,亦即形象的物质化、具体化;最后是整个技术……”可见音色对于钢琴演奏是何等重要!
音乐是声音的艺术,其中没有看得见的形象,它也不是用文字和概念来表达的。它只用声音来表达。可是声音也像文字、概念和可见的形象一样,能够表达的清晰易懂。既然音乐即声音,那么每一个演奏首先应当关心的是声音的训练。
钢琴的音色变化说到底是演奏者的指触差别造成的,而这种细微变化又是由演奏者的内心感觉的不同所引起的。学琴者从练第一个单音开始就要去听,听声音是否有良好的震动与共鸣;当手指在琴键上保持站立态势时,耳朵要倾听声音的持续和延长,并要学会辨别好听的声音和不好听的声音。
二、触键的方式及其特点。
在实际演奏中,很难把不同触键分为若干互相分割的类型。在具体使用不同触键、建立不同指感、获得不同音色的过程中,只有细心体察各种基本触键类别之间的相互渗透、相互组合,才能真正获得无限的、丰富的、多样的、钢琴音色千变万化的动人魅力。
1、断奏触键。由于断奏时所有的重量要集中在指尖上,所以手指的三个关节及掌部、腕部都必须有坚定的支撑感,腕部要稳定而有支持感,手掌必须把架子撑牢,不能松垮。断奏有大臂、下臂、腕部等不同用力部位。三个不同部位的断奏以手腕的速度最快,重量最轻,肘部次之,臂部的重量最重,速度最慢。
2、快速的颗粒性触键。这种广泛使用的触键实际是手指的快速断奏,需要手指下键的有力的爆发力。手指触键的部位靠前,指尖下键要快,放松亦快,音与音之间有相对较大的空隙,利用指尖反弹的力量发出有力、结实、明亮、清脆的声音。
3、轻快纤巧的触键。指尖触键的份量既轻又匀,以极快而精巧的指触将琴键击下三分之二或四分之三(不到键底,要留下一点缝隙),音与音之间的力量传递仿佛一条无形的丝线将颗颗珍珠曳牵成串。这种触键一要轻、二要快――下键快、放松快。动作要尽可能小而又小,力量要尽可能集中又集中,指尖就如针尖一般轻刺下去。
4、手指跳音的触键(简称指跳)。指跳的触键比上述颗粒性触键。
和轻快纤巧的触键更短促、更集中。这类跳音重要的是练习手指第一关节灵敏、快速、集中、轻盈、尖锐的触键方式。为了追求短、尖、亮、轻巧的声音,即要把手指训练的敏感有力,又要可以快速的收缩。
5、手腕跳音的触键(简称腕跳)。手腕跳音比指跳的速度略慢,但更有力。手腕迅速地向下又迅速反弹。手腕跳音的眼点是:手掌有良好的架子支撑牢,动作要敏捷,手腕有力而富有弹性,不能疲软、松垮。腕跳的指触应集中而牢固由指尖承接手腕弹跳的力量。这也是现在我们学生所接触的跳音,但很多学生不能掌握其要领,不能真正做到力量的反弹,只是单纯的手往上提。
6、下臂挑音的触键。肘部跳音与下臂断奏的区别在于,前者需要极强劲而迅速的反弹力,手指触键后立即被下臂有力的弹力反弹离键,不在键上停留时间过长。而断奏的支撑更稳,在键上停留时间也略长些,且无反弹力。肘部跳音除去用下臂发力及手掌“抓”键的动作相配合。惟有如此,下臂的重力才能集中到键上,产生坚实有力弹性十足的良好音质。与手腕跳音相比较,前臂跳音的力量更大,但速度略慢。
7、轻、虚、漂浮的触键。在浪漫主义作曲家、尤其印象主义作曲家的作品中,时常需要一种神秘、遥远、空旷、朦胧、虚无飘渺的效果。这种效果特别需要手指的特殊触键方式。这种触键的特征可归结为摸、推、揉、飘四法。
8、打击性的触键。不少二十世界现代钢琴音乐作品中,需要尖锐强烈富有打击性的效果,有时甚至近乎粗暴、野蛮而干涩。但必须强调指出,即使富于打击性音响的触键,仍需良好而有效的控制,并非真正的“砸琴”。自然,这类触键需要坚挺的手指,有力的爆发,坚挺的腕部,肩臂力量猛然集中指尖。例如:《翻身的日子》引子和结尾部分就表现了热烈,欢腾的锣鼓节奏。
9、哑键。这也是印象派乃至现代派作品中常用的一种触键手段。其方法为;用手或用其他物体按下但不发出声音。
10、手掌前臂触键。在现代钢琴作品中,手掌和前臂也是有效的触键部位。手掌和前臂也有种种力度、速度、重量的变化,奏出从轻盈到响亮、从朦胧到尖利的不同层次不同色彩不同效果。因此,“指感”的概念被扩大为“掌感”,也应有极敏感的知觉与音乐所需要的不同效果相结合。
十种基本触键,深浅有分,浓淡各异,一切触键的`方法都依靠音乐的需要而决定,要用耳朵仔细聆听,不断调整指触的感觉,提高全身各部位的积极性与敏感性。
三、触键方式对钢琴音色的影响。
用手指贴近键面的练习方法。
2、触键速度对钢琴音色的影响。触键速度在钢琴演奏中是个十分特殊的问题。钢琴的机械发声原理,要求触键的速度缩短到极快的一瞬间。如果说,指触太高、重量太大都可能发生问题,那么触键速度却永远不会嫌太快。无论快速音群还是柔美歌唱,都需要快速的触键。问题在于放松要快。千万不能发出声音后继续施加压力,而只是让手指像衣服挂在衣架上那样,“挂”在琴键上。在弹连奏时,在手迅速放松的同时,要在手掌内保持“内应力”,准备发出下一个音。
3、触键深度对钢琴音色的影响。触键深度对音色的变化,影响极大。尤其在学习钢琴的基础阶段,手指不具备最基本的功力时,琴键弹不到底,弹出的声音只会是又虚又浮,钢琴纯正的声音无法表现出来。究其原因,主要有以下几点:。
1)对放松的错误理解。形式上表现为:松得哪儿都不积极行动。比如掌关节积极动作时,手指却懒洋洋的,不能把琴键弹到底。
2)手型、指型没有保持在稳定的弧线上,“塌指”、“折指”,。
触键点不够集中。3)在触键的瞬间,只想用手指力量,没有同时吸引、集中与借助。
超出手部范围的重量。原因之一是腕部位置偏高,弹每一个音时都由手腕加压力,手腕随着每个音的弹奏而上下颠动。从暂时的效果看似乎弹得很“扎实”,实际上声音很重浊。更致命的是,这种弹法只在较慢弹奏时能造成假象,稍快一点便会使声音变得断续、跳动和不连贯。
由此,我们不难看到只有正确的触键技术才能发出好的音色。好听的声音应是明亮、宽厚,能产生共鸣的。而敲砸的声音是由于手臂过高过猛、过于用力地向键盘冲去而造成的;闷暗的声音是因为下键的速度不当造成的;挤压的声音是由于在钢琴发声后,手还继续对键盘施加压力而造成的。
总之,触键与音色有着直接的密切联系。触键是方法,音色是结果。但二者都是为音乐而服务的。我们应当始终从音乐出发,用音乐作为塑造音乐形象、体现音乐效果的媒介,以此来决定采用何种触键方法以达到这一目的。
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