读后感是读完一本书后写下对书中内容的思考和感受。怎样写一篇优秀的读后感呢？首先，我们需要从整体上概括作品的主旨思想，以及作者所要表达的观点和情感。接着，我们可以结合自己的阅读经历和生活经验，对作品中的人物形象、情节发展等方面进行深入分析和评价。最后，我们要注意语言的准确性和表达的连贯性，让读后感更具可读性和观点说服力。总结是在一段时间内对学习和工作生活等表现加以总结和概括的一种书面材料，它可以促使我们思考，我想我们需要写一份读后感了吧。那么我们该如何写一篇较为完美的读后感呢？以下是小编为大家精选的几篇优秀读后感范文，供大家参考借鉴。这些读后感涵盖了文学、历史、科普等领域的作品，从不同角度出发，展示了作者对作品的独到见解和感悟。希望这些范文能给大家提供一些写作的思路和启示，欢迎大家一起来阅读和交流。
油画的光与色读后感篇一
要特别指出，色彩最怕固定化形成习惯色，如果无论画春夏秋冬、北方与南方、室内与室外、男人与女人、不同的植物花草等等，都是一种色调一种方法，那么艺术生命也就停止了。
1.真正的调色不能在调色板上，而应在画布上，只有画面才能告诉你需要什么颜色。写生作画，眼睛基本不看调色板，而看画面与对象。即使在调色板上取用几种颜色也是简单地调合，在画面上才是最后的综合。如果在画板上调得过分均匀，色感必单调死板。此外，画面存在未干的颜色，调色时必须考虑画面颜色成分，如果在调色板上调“准”了颜色，加上画面已有的底色又会变得不准。
2.颜色种类不必太多，十多种即可，它们是：白、柠檬黄、中黄、土黄、金土黄、(或生赭)、桔黄、朱红、西洋红、深红(或紫红)、淡紫红、土红、熟褐、粉绿、土绿(或橄榄绿)、翠绿、湖蓝、群青、黑。19至21种颜色即可。
3.调色板上放颜色的顺序，基本可按前面所提颜色顺序排下来，暖色放一边，冷色放一边，而每一种颜色又由浅到深排列，如柠檬黄、中黄、土黄、生赭......这样就有一种素描深浅之概念。假如在画很深颜色的暗部，需要再亮一点暖一点，就可试调生赭，不够再用土黄，再不够可用中黄，以此类推。画暗部千万不可乱用白色，一用白色就不透明了，颜色发粉。
4.白、土黄、土红、熟褐、土绿、翠绿、群青、黑，是油画的基本常用色，它们也不易变色。
5.熟褐、深红、翠绿是暗部用色的三个宝。
6.土黄、土红是亮部的基本常用色。
7.柠檬黄是风景作品中高光、逆光、亮部很可贵的颜色，色感较冷。
8.土绿(或橄榄绿)、中绿，对画树而言，起万能的作用，如树的暗部——土绿加熟褐，偏冷可加群青，树的亮部——中绿加土黄、柠檬黄，夕阳或秋叶可再加桔黄。
9.头像暗部——土红加象牙黑(北欧学派，较透明)，土红加翠绿(东欧学派)。如果用朱红加中绿也可产生相当不错的暗部色彩。
10.粉绿、淡紫红是脸部和人体中间过渡面的调合色。
11.画很白的女人体，白、土黄、土红、粉绿、中绿是基本用色，有时需要朱红。
12.室内头像高光——白加象牙黑，少量土黄。
13.要学会运用象牙黑。暗部、亮部、中间色调都可用，往往同白色一样重要。
14.颜色粉，往往问题产生在暗部，暗部不透明，画粉了，整个画面就会太粉。
15.如何能把写生对象之色彩画得更加好看?在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化，不会绝对均匀，肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色，如果对色彩敏感，是可以感觉得到的。因此在每一局部色块中，都应有所选择，把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高，整体的色彩感就比真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向。
16.如何形成色调?首先要肯定色调总的倾向，然后在调色上加以处理。例如金黄色的秋天，总倾向是偏黄色的调子——以中黄为基色。就可在暗部、亮部、天、地、树等一切色块中，成分不同地调入中黄。
17.要大面积色彩调合，小面积色彩对比。
18.可以适当把冷色加暖，暖色变冷，色彩会更加好看，如冷红、暖灰。
油画的光与色读后感篇二
这幅画是我老婶家的沙发背景墙，有一次我无意中发现了这幅油画的魅力所在。看着看着，我便入迷了，谁知出现了幻觉般的意境。那是一个美丽的清晨。
湛的天空中洁白的云朵，看着真柔软，温和的阳光照耀着大地。突然，一阵风从遥远的地方吹过来。亮光似的花瓣飘到我的脸上，咦，是什么花的花瓣？如此的亮丽，我好奇地想着。忽然，一阵云雾匆匆忙忙的从我面前跑过去了，我的眼前是一片片向日葵地天地，远远地还有着五颜六色的草垛，在那一块空地前，有一间漂亮的房屋，里面住着的人是那些向日葵的主人吧！
那向日葵的心儿好像呈棕色，都是一个个小籽儿组成的一团棕。向日葵的花瓣是鲜亮的黄色，稍微有点儿橙色加红色，向黄昏的天边一样美丽动人。叶子更是漂亮了有的叶子的姿态真是婀娜多姿形态各异。
从近向远看，一片灿烂的黄色印在我的心中。小山坡上屹立着一棵棵小松树，还有那美丽巍峨的冰山……松树绿的像翠玉，那向日葵黄的似麦穗，冰山白的似雪花，五颜六色。
好似从山间飘来的雨露惊醒了我。哦！原来是一副带着无穷魅力的油画。啊！多美的意境呀！我是多么的恋恋不舍。
油画的光与色读后感篇三
画的流派分为两大类。第一类是以客观的再现为主的创造性作品;第二类是以主观表现为主的创造性作品。
在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。
——“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。
——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。
——浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。
——现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。
——写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的'那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”
照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。印象主义——印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。
下面所介绍的第二大类，即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观对象的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。
——后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。
——野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情，马蒂斯是这一画派的创始人。
——立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。
——未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。
——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。
—— 达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。
——超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。
油画的光与色读后感篇四
1.“neptune”感情丰富的钢琴，铺阵通往回忆的长廊，伴随薄脆清亮的钟琴音色，回荡在深远辽阔的音场中，彷佛海王星一般深邃和多愁善感，留下心中满满的感谢和追忆。
2.《蓝莲花》更是许巍的颠峰之作，“穿过幽暗地岁月，也曾感到彷徨，当你低头地瞬间，才发觉脚下的路，心中那自由地世界，如此的清澈高远，盛开着永不凋零的蓝莲花”。正因为蓝莲花盛开在心中永不凋零，所以我对理想有一份执著，对自由有一种向往。
3.百事音乐榜很好，它有很强的隐蔽性，到最后才揭晓，评判也是非常的公正。
4.必须认真地练习所有的音阶。
5.不管怎样，音乐的魅力，使我无法摆脱，使我深深地沉醉。假使心灵是一座城堡，那音乐就是进入这座城堡的门，想要走进这座城堡，就必须打开这扇音乐之门。朋友，当你的心灵正被音乐徐徐漫过时，你是否感到正被音乐的雨露所洗濯呢?听吧，一支古典音乐正在你的耳边萦绕!
6.不要以为我是音乐家，也不要以为我是未来的歌星，更不要以为我是音乐痴呆;我只是一个刚刚和音乐做了一年半的朋友——喜欢听音乐!
7.除了喜欢通俗歌曲，也喜欢纯音乐，前不久，一位论坛朋友给我推荐了一首二胡曲《睡莲》，我被二胡演绎的淡淡忧愁而湿了眼睛，曲中流露出的哀愁，再加上钢琴伴奏，让我感觉忧伤中有着一种沁人心脾的美感，我的心被那胡音感动，久久不能释怀。
8.纯朴发挥了它的全部魅力，它是艺术臻于最高境界的标志。——肖邦。
9.大声不入里耳、曲高和寡。
10.当你听到韵律充满健康活力，带有青春气息的飞轮海的《只对你有感觉》，你是否感受到音乐那占据人心灵的安康?音乐博大而丰富，复杂而富于变幻，悠久而神秘……实在难以尽述。
11.当我坐在那架破旧古钢琴旁边的时候，我对最幸福的国王也不羡慕。
12.德者，性之端也;乐者，德之乐也。
13.电子琴已经是我的过去式，开始慢慢接触钢琴和吉他，将来还要继续体验挑战的感觉!谢谢音乐，谢谢我的电子琴，谢谢那首《隐形的翅膀》!我已经不再是那个胆小的女孩，我变勇敢了，变得有信心去超越自我!唯一不变的，是手里一首揣着音乐的梦想。
14.对，音乐方面全部交给他们处理。其他事务还都是我嫂子在管。我对签什么公司没概念，也不想把自己签给谁。
15.对于富有才华和热爱劳动的人来说，不存在任何障碍。
16.分享与飞扬，与你我同在。
18.歌曲愈往下走，给人的心灵震撼愈强。“是你的红唇粘住我的一切，是你的体贴再次让我热烈，是你的万种柔情融化冰雪，是你的甜言蜜语改变季节”。那歌声，诉说着人间难舍难分的真情，咏唱着雪原中诞生的人世间最甜美的爱情。看啊，幸福的爱情正穿越缤纷雪原，向人间走来。
19.歌声拖得很长很长，因此能听得很远很远。人还没看见，已经先听见歌声了;或者人已经转过山头望不见了，歌声还余音袅袅，不绝如缕。
20.各个班级陆续登上舞台表演，五彩的聚光灯一齐照向他们，好像同学们的歌声因此更动听。唱得最好的是五年五班，他们有很多道具，让人感到似乎看到了歌中的情景，歌声也十分动听。前面几个同学的舞蹈更是衬托了歌声，简直令人陶醉。
21.管理者好比是交响乐队的指挥，通过他的努力、想象和指挥，使单个乐器融合为一幕精彩的音乐表演。
22.很少的人去学习如何去在他们的生命里去创造音乐。而仅有那个音乐才能带你到上帝。
23.欢乐张家界，天籁地球村。
24.建筑是凝固的音乐。
26.具有中华民族风格的《竹舞》，也是我百听不厌的纯音乐之一，在宁静的夜晚，闭上眼睛，静静地聆听《竹舞》，琵琶合着竹乐器的那种特别的水音，仿佛是来自天籁的声音，让人听了心旷神怡，感觉风舞，竹舞，心在舞，心灵在不知不觉中变得宁静，慢慢的达到了一种忘却自我而只有音乐的境界。
27.可爱的小鸟在树技上欢快地唱歌。
28.乐家的艺术不在于直接描绘形象，而在于把心灵置于这些对象能够在心灵里创造的情绪中去。
29.离开了音乐，我觉得我好像变笨了。——王力宏。
31.聆听，最美丽的音乐;倾听，最唯美的境界。
33.没有安全感的孩子，会爱音乐，非常非常爱怕黑，却习惯晚睡。
34.没有热情，就不可能创作出任何真正的艺术作品。——舒曼。
35.每当夜幕降临的时候，喷泉响起优美的音乐，喷出五颜六色的水花，忽高忽低，形成错落有致的水柱。小朋友们围着喷泉载歌载舞，快乐极了!
36.美妙的歌声在自己的音乐天堂中回荡，乐曲的钟声在叮当作响，一个人彻底的被音乐征服了。生活有了音乐就变得多姿多彩，就像在一张白纸上涂上了美丽的色彩。
37.明年在音乐上继续做新歌，春节之后就要拍一部新的电影，还有新的电视剧，排的还算挺满的。
38.那婉转苏缓的浅吟低唱，总是柔柔的、抚慰着我的心房;那优美的、清淡脱俗的忧伤，常常暖暖的、直达我的心脏;就像羽毛，轻轻的、触动我内心最柔软的地方。
39.你对音乐很热爱，但是太没有感觉了。——杨二车娜姆。
40.喷香的味道开始在我身边环绕，突然发现自己不知不觉就和了播放器里的音乐，不由得扑哧一笑，自此，所有的烦恼所有的忧伤，都消失不见了。
41.琴声的魅力让人难以抗拒，琴声的美丽使我感受到了收获的喜悦。收获的喜悦给我带来了学习的动力，现在我对钢琴更是情有独钟，它让我陶醉，让我在美妙的琴声中享受着钢琴的乐趣，它让我欣喜，让我在勤学苦练中享受着成功的快乐。
42.请不必感到惊异，因为这就是音乐的魅力。听吧，当一首流行音乐在你耳中跳动时，音乐已化作一个个精灵激动着你身上的每一个细胞!
44.人都需要娱乐和变换兴趣，以防止变得迟钝，对美的感知和理解是审美教育的核心，是审美的要点。
45.人民广场的音乐喷泉与南山寺、云洞岩都是漳州的著名景点。南山寺是一座千年古刹，以其悠久的历史闻名。云洞岩则是以历代文人墨客留下的摩崖石刻而着称。现在，我向大家讲讲漳州人民广场的音乐喷泉。
46.如果，我经历你走过的路，倾听你喜欢的音乐，品尝你爱吃的糕点，是不是我就可以离你的生活近一点，更近一点。
47.如果你问我，怎样成为好的钢琴家，那么你先告诉我，练了多少音阶。
48.萨特谈到音乐，曾有这么一番意见：挤在音乐厅观看演奏乃是荒谬的，音乐，应该独自倾听。
49.生活的苦难压不垮我。我心中的欢乐不是我自己的，我把欢乐注进音乐，为的是让全世界感到欢乐。
51.是音乐课使我对音乐有了深一步的了解，是音乐能够陶冶我的情操!不仅这样，我还学到了很多很基础的音乐知识，所有的音符像一个个跳动的精灵，是多末的活泼可爱啊!小节、段落，迂回的表达……真是让人爱不离眼，听不离耳!
52.俗话说得好，世上先有千里马而后有伯乐，只有好的音乐却没有欣赏的人岂不是人生一大憾事?而通过学习音乐课，我们被证实带进了音乐的殿堂，虽然不能去演绎这些音乐，但至少我们可以试着去欣赏。
53.他们看上去活力充沛，聪明活泼。他们创作了优美的民间艺术和富有感染力的音乐。
54.泰戈尔说过一句话：“不要试图填满生命的空白，因为音乐就在那空白的深处。”音乐，是一种充满神秘色彩的旋律，它能带来悲伤与忧愁，也能带来快乐与希望。而那一次的“音乐之旅”，可真让我受益无穷呀!
55.跳动的音符放飞的歌声。
56.听完一首好听的歌，真是沁人心脾，滋润我的心田啊!记得那首轮回乐队的《满江红》，曲调豪放、豁达，我尤其喜欢那个主唱，声音带有嘶哑的感觉，听后有种真男人的心情，为使感受更深，我将把音量再次放大，释放我保留好久的气概。
57.同样的一首音乐，不同的人对它的感受却截然不同。所以，我们是在听音乐吗?还是在听我们自己?也许，事实的真相是我们透过音乐来听我们自己。
58.万籁俱寂，月华如璧，我的夜空星光璀璨，清风依依。一曲《月光边境》安宁、轻柔、恬淡，将这个夜晚渲染得如诗如画、静谧详和。今夜，就让如水的琴音带我进入悠远浩渺的天宇，让我的灵魂与美妙的音乐共舞。
59.问题不在于技术练习，而更多的在于练习的技术。——franzliszt。
62.我觉得就我主观的来讲，我自己身为一个制作人，我觉得，我的编曲老师都非常好，我的音乐录影带也拍的非常好，我的歌迷都非常棒，谢谢你们!
63.我深信：质朴和真实是一切艺术作品的美的原则。
64.我喜欢许巍的歌曲，喜欢听他低沉沙哑却又温暖的声音，听许巍的歌曲，会莫明的被感动，许巍的歌曲是情感的深藏与释放，他的《完美生活》，演唱到了极致，“青春的岁月，我们身不由己，只因这胸中，燃烧的梦想……体会着狂野，体会孤独;体会着欢乐，爱恨离别，这是我的完美生活”。
65.我有我的人格、良心，不是钱能买的。我的音乐，要献给祖国，献给劳动人民大众，为挽救民族危机服务。
67.屋里很静，很静，静得能听见自己的心跳。尽管我们都不懂音乐，但大家都被李谷一的歌声深深感染。听惯了她那明丽的《边疆的泉水清又纯》，突然听到她含着嗓音唱歌，大家既惊讶又惊喜。
68.西湖的音乐喷泉可壮观了。随着音乐的起伏在空中翩翩起舞。喷泉时而像一朵朵灿烂的鲜花，时而像跃向天空的蛟龙，时而像飞逝的流星雨，时而又像仙女舞动着长袖，时而像滚滚向前的车轮，时而像小鸟展开的双翅。
69.享受每次回到零的瞬间!感谢生命中有音乐。
70.小河唱着欢快的歌曲向东方流去。
72.新唱片音乐部分已近结束，进入视觉创意阶段，几乎每天脑浆沸腾。——许嵩。
73.旋转的木马，带着我们远离悲伤，但音乐一停，我们也得离场。
74.要我不玩音乐不可能，因为音乐是不死的。
75.一切好的音乐都是为了拨动心弦。——蒙泰威尔第。
76.一首我喜爱的乐曲，所传给我的思想和意义是不能用语言表达的。
77.艺术的三个死敌：平庸、千篇一律、粗制滥造。——舒曼。
78.因为我之前的唱片全部都是海外制作，其实我一直认为内地的音乐特别好听，像许巍、丁薇、李泉、朴树啊，我都很喜欢。所以这次跟他们合作，我反而会有新鲜感。
80.音乐，如同珍珠滴落玉盘，急雨敲击窗棂，手指叩击竹节，给平静的现实生活带来阵阵涟漪，让听者心里不由咯噔一声，仿佛看见了另一种生命的盛景，绚烂而美丽。那是彼岸世界的花开花落，是来自血液与灵魂最深处的悸动。
油画的光与色读后感篇五
油画是也有种类的，是分为写实油画，也是分为抽象油画。
写实绘画在艺术形态上属于具象艺术，是绘画的一种表现手法。艺术家通过对外部物象的观察和描摹，亲历自身的感受和理解而再现外界的物象，这种艺术作品符合观者的视觉经验，为观者提供感官的审美愉悦。
写实绘画源自西方，具有悠久的历史和深厚的传统。写实绘画在欧洲“文艺复兴”时期得以壮大，历经500年的辉煌，产生了许多艺术大师、巨匠和艺术史上的不朽名作。在20世纪之前，整个一部西方美术史就是写实绘画的历史，这一点人们从来就没有怀疑过。曾经有过这样的事：“照相机”和“摄影术”的出现，一度使人们对写实绘画的功用产生了怀疑。事实上，摄影并不能取代绘画，来自外部的挑战会迫使艺术自身更加“艺术化”，这是艺术的自律性决定的。
20世纪的西方美术打破了古典写实传统的`一统天下，尤其是现代艺术观念的诞生，大大拓宽了艺术的疆域，艺术界流派纷呈、多姿多彩，开始走向多元并进的崭新天地。作为绘画形式之一的写实绘画，仍然占有一席之地，同时也不乏优秀的艺术家和作品。
油画的光与色读后感篇六
第一篇
伟大的漫画大师矣.奥.卜劳恩创作的《父与子》,这本深受大家喜
爱
的连环画用一幅幅小巧精湛的画面无言地流泻出纯真的赤子之情与融融的天伦之乐.书中的父与子其实就是卜劳恩与他的儿子,而书里描绘的故事也就是卜劳恩父子之间的故事.幽默搞笑的一个个故事,让我废寝忘食,大笑不止.
看过这本书后,我觉得里面的父亲很爱很爱他的儿子,有一篇叫《哄儿入睡》,父亲用尽了各种方法,哄他的儿子睡觉,可儿子十分顽皮,不管父亲怎么哄,他就是精神十足,最后,父亲哄得筋疲力尽,倒在儿子的身边睡了,这时候,儿子也搂着父亲的脖子甜甜地睡着了……,真是父子情深啊.看着看着,我 禁也想起爸爸哄我入睡的情形,我也甜甜地笑了,因为我也有深爱我的父亲,我感觉很
幸福
呢!第二篇
人生的路上多了一个同伴，也多了一个挚友。父亲从此再不孤独，父子俩一同匆匆赶路，一同去走人生之路。这是一条或许曲折或许平坦的人生之路。当父亲有了困难时，第一个想起的是儿子，当儿子有了困难时，第一个想起的就是自己的父亲。儿子小时父亲是他的呵护神，儿子大时父亲是他的智囊和参谋;儿子小时是父亲的开心果，儿子大时是父亲的顶梁柱。父亲因为有了儿子，儿子因为有了父亲可使两人曲折的人生路程变得平坦，平坦的路程变得更加顺畅，父亲因此有了加力器，儿子有了航标灯。都说儿子是父亲的未来希望，其实也是父亲生命的延续。父亲因为有了儿子，而充满了对未来
生活
的希望，没有了后顾之忧，儿子因为有了自己的父亲，对未来生活更加自信，高高扬起生活的风帆。父亲是儿子的第一任老师，是儿子做事的参谋，也是儿子远行的后方;儿子是父亲的未来，自己未竟的事业就在儿子身上。 儿子需要父亲照顾的时候，那是因为儿子还小，父亲需要儿子照顾的时候，那是因为父亲已老。儿子小的时候，眼中的父亲是天下最能的人，是英雄;等儿子长大了，眼中的父亲总是那么传统，很保守。等儿子快老时，才发现原来父亲是那么英明，自己有很多不如父亲的地方。 世俗的眼光总归是世俗的'眼光：三十岁之前看父敬子，而三十岁之后是看子敬父。父亲有父亲的优势，有经验，老道;儿子有儿子的优点，有朝气，创新。父亲的成功不一定是儿子的成功，而儿子的成功就是父亲的成功，父亲的最大成功就是有一个超过自己的儿子。每一个做父亲的都是在自己父亲的陪伴下，走完自己的前半生;而自己的后半生则是在自己的儿子陪伴子，这是一条永不间断的人类繁衍的链条。家族是这样发展，民族是这样振兴，人类是这样生息。儿子总是在父亲的陪同下走好他的前半生，父亲总是在儿子的陪同下走完他的后半生。当父亲做成功了一件事，人们会说：“那是由于父亲的经验丰富，”当儿子做成功了一件事情，人们还会说“那是由于后生可畏，年轻有为”。如果父亲做失败了一件事情，人们会说：“那是廉颇老矣。”如果儿子做失败了一件事情，人们会说：“还太年轻，不成熟所至。”人生的旅途总是要伴随着成熟和稚嫩、欢乐和懊恼、成功和失败，之所以这样才使得人生更加神秘和丰富多彩。
其实，父与子原本就是一个人，儿子是父亲的裂变，儿子是做父亲没有做完的事情的委托人。儿子会为有一个成功的父亲而自豪，父亲会为有一个成功的儿子而骄傲!
父亲的最大成功就是儿子超过了自己.
下度过。儿子——父亲——儿
油画的光与色读后感篇七
一幅油画如果保存得当，可数百年不变颜色，反之，则可能发生色层的龟裂、脱落和变色。那么，怎样保护你的油画免受损坏呢? 下面是小编分享的油画的保护技巧，一起来看一下吧。
一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡，能完全防止潮湿空气的.浸入而造成损害。
二、油画要避免阳光的长期直射，因为紫外线对色彩的破坏性很大，会造成褪色和变色。
三、储存油画的屋子要注意通风和防潮，尽可能离洗澡间、厨房远一些，注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏，房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干，切忌暴晒，否则画面容易脱落。
四、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连，导致油彩脱落、画面受损。
五、卷油画时要使画布朝里，画面朝外，外面卷一层纸筒，然后再用塑料布裹上，防止画裂。
六、墙上挂的油画如果落上灰尘，可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果油上面有油烟，可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗，然后迅速拿海绵把画面上的水吸干，再拿电风扇轻吹油画表面。如果遇到年代久、有龟裂的油画，一定要少用水，局部干擦即可。如果用专业的上光油为油画保养，在喷上光油之前，要用干净的布把画面擦干净。
七、一般油画可以保存二三百年，但随着时间的推移，有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多，可以把油画用塑料布包起来，放在木箱里，防止硬伤。
油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克(jan van eyck)，(1385年-1441年) 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出独特的贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。
油画的光与色读后感篇八
我们的生活中蕴藏着许多细微的声音，也许它们不如真正意义上的声音喧嚣，但是，如果我们用心聆听，就一定能够发现那些藏匿的声音。
那是一个炎热的午后，我百无聊赖地漫步在美术馆中。一幅幅艳丽或淡雅、张扬或朴素的油画在我眼前掠过，我也只是漫不经心地走过。美术馆时不时传来人们惊叹的低呼，在我的耳边也是聒噪。
这时，我突然停下脚步，驻足在一副油画前。那幅油画颜色淡雅素净，画中有女人紧紧地抱着一个婴儿，她的身后是一片混沌的灰暗。我注意到那女人的眼睛，一双明亮的似乎无忧无虑的眼睛，里面闪烁着什么我却读不出来。
“你对这副油画感兴趣？”我的身后传来一个幽幽的'声音。我诧异地转身，一位慈祥的老人却自顾自地继续说道：“有人说这个女人是无忧快乐的，我却不这么认为。”我像是被人识破一般，心虚地说道：“可是她又不会说话，您怎么知道呢？”老人微微一笑，指着女人身后的一片灰暗：“这里——向我传达了声音，它上面的油墨又深又厚，跟整幅画都不符，难道你不去想想看这是为什么吗？”
我屏住呼吸，再认真地凝视那片灰云。直到我看见一双黑色的眼睛似乎若隐若现，老人继续说道：“这是《圣经》中的恶魔，这个女人愿意同魔鬼做交易，用自己的生命换孩子一世无忧。”
我惊愕地睁大双眼，再望向那个女人的眼睛，那种明亮的光辉中却深深地镌刻着无悔，她慈爱地注视着怀中的婴儿，神情中带着一丝祝福与不舍，她似乎在轻轻地呼唤着婴儿：“不要担心，我愿意把我的祝福给你。”声音绵延回荡在我的耳畔，那是一种我从未听过的低语。
“我想你听到了油画里的声音。”老人的笑中蕴藏着智慧，“因为你用心聆听，你将她的情感带进你的世界。此刻，你就是她，她就是你，是相同的情感将你与她交织在一起。”
用心去倾听油画中的声音，它不仅仅是情感的交集，更是一个心灵对另一个心灵的低语。
油画的光与色读后感篇九
油画底子的制作
油画依托的材料较为多样，有软性底材与硬性底材之分，硬性底材分别是木板、石板、金属板、纸板、纤维板等，软性底材主要是画布，将画布绷在画框上作画大约出现在15世纪，那时意大利著名的.水城威尼斯的画家们首先将船用帆布用于绘画，到16世纪威尼斯画派达到鼎盛时期的时候，画布被广泛使用，后来，画家们将受空气湿度影响变化大的帆布改为几乎不受湿度变化影响的亚麻布。如何在画布上制作底子成为当时画家们研究的问题。
油画底子的制作方法有很多种，一些人错误地将很多底料配伍在一起，甚至坚持认为底料的成分越多越好，更有甚者，我们周围的一些人干脆将白油漆刷在画布上代替底料，实在是令人啼笑皆非。大多数画家几乎不注意底子的重要性，错误认为在什么样的底子上作画并不重要，然而，底子不仅对作品表面的亮度，而且对作品以后的寿命和颜色配伍后相互间的作用都有着很大的影响。
油画的光与色读后感篇十
绘画与音乐是相通的。这是一种审美意象和精神体验上的相通，虽异质而同构。而一旦建立了绘画与音乐之间的“通道”，便实现了从音乐到绘画、或从绘画到音乐的审美联觉和感觉挪移。正如钱钟书先生在《通感》一文中所说：“视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通或交通，眼、耳、舌、鼻、身各个官能的领域可以不分界限。颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量，气味似乎会有锋芒。”齐铁偕就具备了这样的“通感”。他的音乐油画，通过内心体验和语言表达以及材料选择，不断寻找着绘画与音乐之间最合适的“通道”，从而寻找到一种可以被建构和最适合自己对乐曲加以阐释和精神诉求的最佳表现形式。这是一个不断探索的过程，同时也是一个蕴含着创新意味的经历。
音乐是抽象的艺术，是要用心灵去感受的艺术。艺术不需要模仿。贝多芬在《田园交响曲》第一小提琴声部所写的注解说：“情感的表现性比景色的描绘更为重要。”他要求乐曲表达的，是面对大自然的内心感受。而李斯特则以艺术家的激情，把音乐比喻为“直接沁人心脾的最纯的感情的火焰”。绘画也同此理。齐铁偕的音乐油画，既不是对于音乐作品的图解，也规避了清晰具体的物象，而是直接运用线条、笔触、色彩及其组合构成等最基本的绘画形式因素，与音乐一样，用抽象的艺术语言来表达他对音乐作品的内心体验和审美意绪，传递出他的情感。
就这样，齐铁偕以他的视觉画面，引领着我们站在他的作品前，在凝视中走进各自的内心世界，去倾听一曲曲犹如天籁之音的乐章：巴赫广阔宏大的“启示录”式的《g弦上的咏叹调》，贝多芬悲壮激昂撼人心魄的《英雄交响曲》，肖邦优美忧伤细致入微的《第一号钢琴协奏曲》，李斯特充满热情浪漫情怀的《海边》，柴可夫斯基抒情明快旋律动人的《降b小调第一钢琴协奏曲》，格里格洋溢清新诗意的《晨歌》，德彪西色彩丰富而富有幻觉的《大海》，肖斯塔科维奇暴风骤雨般呼唤着人性的《第七交响曲》；以及或古朴高雅、或玲珑剔透，或委婉或欢快的中华民族乐曲《高山流水》、《春江花月夜》、《雨打芭蕉》……在齐铁偕的这些作品中，总能让人感到有一种整体贯通、呼之欲出的“置陈布势”的气韵扑面而来。这种“置陈布势”，暗合着他对所表现的音乐作品的理解和阐释；而这种气韵，又似乎带有某种隐喻，调动着凝视者的想象，唤起我们对于早已刻在心头的熟悉旋律的回忆。在画面中，仿佛时时有绰约可闻的乐曲飘浮出来。
绘画与音乐是相通的。这是一种审美意象和精神体验上的相通，虽异质而同构。而一旦建立了绘画与音乐之间的“通道”，便实现了从音乐到绘画、或从绘画到音乐的审美联觉和感觉挪移。正如钱钟书先生在《通感》一文中所说：“视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通或交通，眼、耳、舌、鼻、身各个官能的领域可以不分界限。颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量，气味似乎会有锋芒。”齐铁偕就具备了这样的“通感”。他的音乐油画，通过内心体验和语言表达以及材料选择，不断寻找着绘画与音乐之间最合适的“通道”，从而寻找到一种可以被建构和最适合自己对乐曲加以阐释和精神诉求的最佳表现形式。这是一个不断探索的过程，同时也是一个蕴含着创新意味的经历。
音乐是抽象的艺术，是要用心灵去感受的艺术。艺术不需要模仿。贝多芬在《田园交响曲》第一小提琴声部所写的注解说：“情感的表现性比景色的描绘更为重要。”他要求乐曲表达的，是面对大自然的内心感受。而李斯特则以艺术家的激情，把音乐比喻为“直接沁人心脾的最纯的感情的`火焰”。绘画也同此理。齐铁偕的音乐油画，既不是对于音乐作品的图解，也规避了清晰具体的物象，而是直接运用线条、笔触、色彩及其组合构成等最基本的绘画形式因素，与音乐一样，用抽象的艺术语言来表达他对音乐作品的内心体验和审美意绪，传递出他的情感。
就这样，齐铁偕以他的视觉画面，引领着我们站在他的作品前，在凝视中走进各自的内心世界，去倾听一曲曲犹如天籁之音的乐章：巴赫广阔宏大的“启示录”式的《g弦上的咏叹调》，贝多芬悲壮激昂撼人心魄的《英雄交响曲》，肖邦优美忧伤细致入微的《第一号钢琴协奏曲》，李斯特充满热情浪漫情怀的《海边》，柴可夫斯基抒情明快旋律动人的《降b小调第一钢琴协奏曲》，格里格洋溢清新诗意的《晨歌》，德彪西色彩丰富而富有幻觉的《大海》，肖斯塔科维奇暴风骤雨般呼唤着人性的《第七交响曲》；以及或古朴高雅、或玲珑剔透，或委婉或欢快的中华民族乐曲《高山流水》、《春江花月夜》、《雨打芭蕉》……在齐铁偕的这些作品中，总能让人感到有一种整体贯通、呼之欲出的“置陈布势”的气韵扑面而来。这种“置陈布势”，暗合着他对所表现的音乐作品的理解和阐释；而这种气韵，又似乎带有某种隐喻，调动着凝视者的想象，唤起我们对于早已刻在心头的熟悉旋律的回忆。在画面中，仿佛时时有绰约可闻的乐曲飘浮出来。
在齐铁偕的这种抽象图像中，看似无序却包蕴着有序，在率意而为中追求着和谐，它既有着以线条的疏密、短长、粗细，以及不同的取向构成的有机统一性，也有着突破有限空间、以静写动、以动取势的运动性。画面上的色彩显得异常丰沛，甚至带有几分神秘，这些色彩仿佛能够透光，让空间的黑光透射过来，但你看到的，则是一片和谐。这些线条和色彩，还有着张弛有度、紧松参差、富有音乐韵律的节奏性，成为呈现齐铁偕内在精神性的对应于音乐的“有意味的形式”和“情感的符号”，形成了他所特有的对于作为时间艺术的音乐所转换的一种视觉语言。而当这种视觉语言所产生的心理张力与人的心灵相碰撞，便会迸发出精神的火花。
齐铁偕在作品中所追求的音乐性形式美感和审美意蕴，是一种超然物外的具有画家主体精神的创造性视觉，而隐藏在画面深处的与音乐相一致的艺术本原精神，演化为各种外化的绘画元素及其组合，成为流动着的精神的轨迹，在他的视阈之中似乎深藏不露，但又呼之欲出。正如他在听贝多芬《月光奏鸣曲》后的题诗：“月光如水/相思如水/琴键如水/心语如水”，从“月光”到“心语”，这是一个从物象到心灵的递进深化，最后落实在心灵的感受。正如“大象无形”和“大音希声”，实际上并非“无形”和“希声”，而是当上升至精神心灵的层面，感官和感性层面就变得不再重要，在心中涌起的便是“无形之象”和“希声之音”。
在艺术形态上从音乐到绘画的转换是一种超越。齐铁偕用油画对于从音乐向绘画语境的转换过程，经历了一个先自外到内、又从内到外的多元审美精神的解构和重组、熔铸和升华，最终将其物化和外化为可视的图式。所谓“自外到内”和“从内到外”，前者是“汲取”，即把音乐的旋律、曲式、节奏等元素接纳进自己的内心；正如黑格尔所说：“迅速消逝的声音世界却通过耳朵直接渗透到心灵深处，引起灵魂的同情共鸣。”后者是“返还”，黑格尔将此称为“灵魂灌注”，即把内心的感受衍化到画面，将音乐的本原精神抽象演化为线条、笔触、色彩的绘画性构成，在舒展的画面中流动出乐曲曼妙的轨迹。而一旦“返还”，便已有了质的变化，从转瞬即逝的、作为时间艺术的音乐，转换为视觉艺术凝固的画面。
齐铁偕的音乐油画，是油画，也是音乐。二者的融和重合，赋予了作品以双重的审美意蕴，也淋漓尽致地呈现出他真实的感情世界和生命形态。以色列指挥家殷巴尔在评论柏辽兹时说：“他的总谱中每一行都拥有自己的生命。在旋律、在节奏、在色彩这三个层面上，都有自己的生命。”音乐如此，绘画亦然。以此来观照齐铁偕的音乐油画，也可作如是观。
油画的光与色读后感篇十一
“我们的工作就是让老古董和新技术嫁接在一起，这是让古典艺术向前发展的最好方式。”尼克说，“之前人们还担心为古典艺术插电会损害艺术本身，但是现在人们越来越愿意主动拥抱这项新技术了。”
为了赋予古典油画生命，卡特夫妇花了几年的时间研究。他们翻出了老安普罗修斯·博斯查多特的名画《窗内的瓶中花》，也找出了文艺复兴时期意大利画家乔尔乔内的名画《沉睡的维纳斯》，对这些名画进行分析扫描，跟视频效果公司合作，制作3d动画效果。这对梵高迷还将梵高的名画《向日葵》进行了3d打印，制作出跟画中一模一样的铜制向日葵盆栽。
“在博物馆里，人们平均花在一幅画上的时间只有6秒钟，我们希望观赏者能够慢下来，真正地去观察一幅画的.每个细节。”尼克说。
为了实现这个目标，他们让原本只是一动不动待在画纸上的鲜花开始随着时间开放，毛毛虫顺着花茎向上爬，蝴蝶从画框一侧飞进来，停在花瓣上扇动着翅膀。他们还改造了一幅画着刚刚死亡青蛙的油画，结合生物腐蚀相关数据，让它准确演示一只青蛙死亡后3个小时内的场景，展示在框在油画框里的屏幕上。
“为了让画中的场景活起来，我们这个团队需要仔细研究青蛙的每一个器官，这样才能真正理解和重现青蛙被腐蚀的整个过程。”尼克说，“每一帧画面如何开始与结束都需要反复模拟重现。这样才能在我们的油画里，重现一只青蛙的真实死亡。”
这种融入新科技的古典油画不仅重现了属于过去的生命，还解决了过去解决不了的问题。名画被窃一直是艺术收藏界为之烦恼的大问题，但是卡特夫妇说，这些重现生命的油画虽然存储在电脑程序里，但并不是一招“复制+粘贴”就可以偷走的，“每一帧画面都经过加密，画面中蝴蝶的每一次飞行轨迹都是不一样的”，“这些画是独一无二的，只有在特定的环境下才能运行，没有油画盗贼可以偷走它”。
就这样，在现代技术的帮助下，古典油画在英国的博物馆里呈现出了完全不同的模样——太阳照射着梵高画里的咖啡馆，随着时间的推移渐渐拉长影子；玻璃瓶中的鲜花渐渐开放，如果你凑得足够近，你甚至可以听到花开那一刹那的声音。
虽然不少人觉得将古典油画数字化是对于传统的干扰，但在我看来，站在几乎要裂开的画框里面瞅着梵高凝固的脸，我还是会希望有那么一瞬间，眼前的画面能够回到过去，画中的人物可以重获生命，带我们重回几百年前的
生活
场景，看到晒太阳的咖啡馆顾客，看到树下沉睡的维纳斯，看到梵高冲我们眨眨眼。不过需要注意的是，参观之前要作好充分的心理准备。尼克常常站在这些新作品前看观赏者的反应，他说常碰到毫无防备的观赏者，边吃三明治边看展览，看到沉睡的维纳斯居然还在呼吸的时候，吓得一口噎住了，站在熟睡的美女面前止不住地大声咳嗽。
油画的光与色读后感篇十二
风景油画是一种以大自然景色为主题的艺术形式，能够通过画家的笔触和色彩表现山川河流、林木花草的美丽景色，突显大自然的神奇和壮美。相比于其他艺术形式，风景油画的绘画技巧和表现手法相对简单，更易于理解和欣赏。因此，它受到了广大艺术爱好者的喜爱，并成为了绘画界中一个独具特色的门类。
第二段：笔触与色彩的运用
风景油画中最为关键的两个元素是笔触和色彩。画家通过运用不同的笔触，可以表现出不同的材质和纹理，让观者仿佛能够感受到画面中的树叶、花瓣、水面等具体物品的触感。而色彩则是表达情感的重要手段，通过色彩的明亮与柔和、明暗的对比，画家能够表现出风景的不同氛围和情绪。在风景油画中，画家可以运用峰值笔触、斜线笔触、点画笔触等，创造出具有层次感和质感的绘画效果。
第三段：构图与透视的运用
构图在风景油画中是至关重要的。画家通过在画面中合理安排元素的位置和比例关系，使画面更加有层次和平衡。同时，透视的运用也能够营造出视觉的深度和距离感，使观者仿佛能够走进画面中去。画家可以通过运用单点透视、双点透视等，将画面中的景物达到真实而立体的效果。构图和透视的合理运用是风景油画中的关键因素，它能够增强画面的观赏性，而不仅仅只是表达风景本身。
第四段：画家情感与观者思考
风景油画作为一种艺术形式，不仅仅是对大自然的再现，更是画家情感的体现。画家通过自己内心的感受，将对大自然的喜爱和敬畏之情融入作品中，使作品更富有灵性和感染力。而观者在欣赏风景油画的同时，也可以在画家情感的引导下，深入思考大自然与人类的关系、自然环境保护等问题。风景油画不仅仅只是美的享受，更是一种启发和思考的媒介。
第五段：风景油画的意义和价值
风景油画作为一种艺术形式，具有极高的意义和价值。它可以帮助人们更好地欣赏大自然的美丽，增强人们的审美力和情绪体验，从而提升人们的生活质量。同时，风景油画也可以通过表达画家的情感和思考，引导人们对自然环境的重视和保护。它在文化传承和价值传递中也具有重要的作用。因此，风景油画不仅仅只是一种艺术表现形式，更是对自然美丽的赞颂和思考的媒介。
总结：风景油画是一种独特而美好的艺术形式。在欣赏风景油画的过程中，我们可以感受到画家对大自然的热爱和敬畏之情，并从中汲取力量和美的享受。通过笔触和色彩的运用、构图和透视的呈现，风景油画能够给观者带来愉悦的视觉体验。同时，风景油画也引导着我们思考人与自然的关系和环境保护的问题。愿我们能够珍惜大自然的美丽，在风景油画中找到心灵的宁静和启示。
油画的光与色读后感篇十三
风景油画作为一种艺术形式，以其独特的表现方式和美学观念，吸引了无数画家和观众。在我接触风景油画的过程中，我深深地感受到了它所传达的深邃与宁静，也体会到了其中蕴含的情感与静谧。在我与风景油画的交融中，慢慢领悟了其中的一些心得体会。
首先，风景油画让我重新审视了周围的自然环境。油画家以其敏锐的观察力和独特的视角，把日常生活中的风光捕捉到画布上。无论是丰饶的田园风光、宏大的山水风景还是清新的湖泊河流，都让人叹为观止。通过细致入微的描绘，画家把自然界的各种元素表现得栩栩如生，给人以亲临其境之感。这让我意识到，当我沉浸在都市的喧嚣之中时，已经忽略了身边美好的风景。风景油画勾勒出的大自然的壮丽与细腻，使我重新审视了自然界的伟大和详细。
其次，风景油画给了我一个思考的空间。在观赏风景油画作品时，我常常陷入沉思。画家用鲜明的色彩和细腻的线条勾勒出大自然的美丽，同时也透露出一种深沉的情感。这让我开始思考一个问题，自己是否也能够感受到自然界的美丽并将之表达出来？通过油画，我认识到艺术是一个特殊的语言，能够让我们与世界进行沟通。而在这个沟通的过程中，我们不仅仅是欣赏者，更可以成为表达者。风景油画给了我思考的空间，让我意识到自己可以通过艺术来表达自己的情感和思想。
再次，风景油画让我尊重艺术创作者的努力。现在，每个人都可以通过手机等设备拍摄风景照片，但那种通过手绘完美呈现的风景画作品，却需要画家用心耕耘和细腻的技巧。风景油画不仅仅是一幅画作，更是画家的情感和才华的结晶。画家需要通过各种技法来表达自己的创造力和对风景的理解，而这个过程需要时间和耐心。在欣赏风景油画时，我开始对画家的努力表示敬意，更明白了要成为一位好的画家需要付出多少心血与努力。
最后，风景油画让我体验到了一种宁静与祥和。在一个繁忙的都市生活中，我们常常感到紧张和焦虑。而观赏风景油画，则能带给我一种平静和放松。当我静下心来仔细聆听画作所表达的情感时，我感到内心得到了一种净化和舒缓。油画中的景观和色彩让我回忆起生活中的美好瞬间，也让我忘记了压力和烦恼。通过欣赏风景油画，我的心灵得以安抚，我开始感受到生活中细小而美妙的事物。
综上所述，风景油画给我带来了很多心得体会。它让我重新审视自然界的美，给了我思考的空间，让我更加尊重艺术家的努力，同时也带给了我一种宁静和放松。风景油画蕴含的深意和情感让我深受启发，也让我对这一艺术形式产生了浓厚的兴趣。我会继续学习和欣赏风景油画，希望能够在其中找到更多的美与灵感。
油画的光与色读后感篇十四
印象油画：印象派最注重的是光线。其作品有代表作《日出·印象》，印象派较为出名的画家，莫奈、马奈、塞尚、高更和梵高等。
印象派是19世纪下半叶在法国兴起的一个画派。印象派绘画是注重于绘画色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。树立了色彩形式的独特审美价值，新颖的形式为现代艺术的产生奠定了基础。
印象派的命名出于印象派画家莫奈的一幅画《日出-印象》在“落选沙龙”中展出，引起了许多评论家的嘲笑。革新画家们就以嘲笑词“印象”为画派的名称，这也正契合了印象派的理念：注重瞬间光色印象，捕捉对景物的真实即时印象，用绚丽大胆的色彩来表达。
产生的原因
艺术的追求，就是不断创新不断变化的追求，19世纪西方美术的中心在法国，主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守陈规，由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
西方绘画在发展历程中，画家总是将当时的科学成就引进艺术创造之中。由于光学和色彩学研究成果问世，后来又经查理士·亨利把光和色彩直接与美学相结合，运用到艺术法则上，这使追求创新的`画家们深受影响和启发，他们尝试着纯粹的“外光”的描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。如果离开了光和色彩便没有这个世界。他们还认为：画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的!这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。
由于官方学院派的压制，这批年轻画家的探索创新作品不能在官方沙龙展出，于是他们共同于1863年举办了一次“落选沙龙画展”，遭到学院派古典主义的猛烈攻击。年轻画家们没有灰心，又埋头奋斗10年，于1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。在这次画展中展出莫奈的一幅风景画，题名《印象·日出》。有位叫勒罗瓦的作家发表一篇小品文评论这次展览，题为“一次印象主义的展览”。“印象派”由此而得名。1876年举办第二次展览，有20位画家参加，这次展览干脆打出了“印象主义画展”的旗号，从此印象派登上了法国画坛，扩及欧洲，影响世界。
油画的光与色读后感篇十五
于是我一边走一边看，高大的电子屏上显示着作者简介：当代实力派油画家王凤国，河北省临漳县人，大专文化，作品曾多次在国家和省市及国外大赛中获奖，并在多家报刊上发表。这时，老师让我们全体小记者集合由王凤国老师带着我们一起参观画展。
王老师告诉我们这里的每一幅画都有它的故事和来历。比如《门》，王老师说他从小在这里出生，从这扇门里走出来上学、上班到结婚。又比如《送羊》，它代表姥姥送给小外甥的祝福，面羊装在竹篮里上面还盖着一块蓝花布，窗户上的每个窗花也有它的寓意。王老师一边讲我们一边飞快地记着笔记。最后到了小记者提问的环节，大家都跃跃欲试，当然我也不想错过这个机会。
终于我鼓起勇气举起了手，王老师说：“这位同学你有什么问题？”我既紧张又兴奋地说：“请问王老师这幅巨大的画为什么挂在这个位置呢？”王凤国老师笑着说：“它叫黄金满地，你看它满树和满地都是金黄的树叶，意思是象征着秋天的丰收。咱们这里是银行同时它也象征着财源广进、大富大贵、富贵有余的意思。”随后又有同学问：“王老师您的画不卖吗？”王老师意味深长地说：“这里的每一幅画都倾注了我大量的心血和时间，曾经有位国外友人出高价买我的《送羊》我都没有卖。”“为什么呢？”我们感到很好奇。王老师说：“它们就像我的孩子一样是独一无二的，我卖了它恐怕再也画不出一模一样的了。”
画展结束后我们都得到了王老师的亲笔签名和合影心里都十分高兴。哈哈！我给我的闺蜜说回家后我要在朋友圈好好炫耀一番，咱也算是见过和拥有名人亲笔签名的人啦！
油画的光与色读后感篇十六
玻璃油画属杂项类，冷眼看去，不过就是玻璃上画油画，镶框加木座摆在条案上，或镶木边挂在墙上，不是
什么
雅器，年代也大多为清末民国时期。玻璃油画看似普通，其实它也有很多的知识在里面。每当我们面对一件文物，无论大与小，大的可能是一座石窟，小的可能是一件掌中玩物，首先需要我们鉴定年代、材质、做工用途等，要掌握大量的文物知识。玻璃油画的知识就在于它是在玻璃上画彩油画，这种技法明代时就有，其特点为玻璃薄，没有杂质。玻璃属纯天然，较为匀净，镶木边框或做木架，雕工非常简单。只可惜由于玻璃属易碎品，不易保存，现今能见到的多是清末或民国时期的。清晚期玻璃油画的特点是，玻璃薄厚适中。记住一点，玻璃越薄，年代越早，俗称“年份好”，而年份好的又多是南方广东所生产，玻璃色白而无杂质，画工也较为精细，图案有刀马山水人物。论其价值，人物画片价值要高一些，故事中的众多人物要比单一人物价值要高。乾隆时期的玻璃油画价值还要高一些，因为此时的油画不仅是因为年代早而拥有较高价值，更因为其画工精细，油画的大部分都带地子，而且加金彩或者银彩，最有名的画家要数广东的黄达生，他的油彩较浓艳而有旧意。民国时期的油画一部分画工较细，而大部分玻璃较厚，画工粗，尤其是人物的开脸不是很精细，所施油彩薄厚不均，常常油彩不施地子，所以保存到现在伤彩的很多，完整的较少。品种大多为大件围屏、插屏、挂屏等，而插屏的木座多为柴木或硬杂木，有的在木座上透雕花纹，而原配玻璃油画的`木座是很少见的，所以带座的插屏比带木框的挂屏价值要高很多。
由于玻璃油画不易保存，所以往往忽略了收藏，在当今精致完整的玻璃油画是很少见的，旧货市场有时能见到，但画工较为粗糙，好的玻璃油画妥善保存，同样有升值的空间。
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