读后感是读完一本书之后，根据自己的理解、感受和思考所写的一种文学评论。在写读后感时，我们可以提炼出作品的核心思想或主题。读后感可以是对作品的赞美，也可以是对作品的批评与反思，它是个人阅读体验的真实写照。
油画的光与色读后感篇一
可追溯到二千七百多年前的周代，文献揭示了油画是中华民族民间古老的重要传统画种，它服务于宫室和民间，大到王侯的亭台楼阁建筑，小到日用器具的美饰。我们熟悉的“油画”、“油色绘”和“密陀绘”等称谓也早已存在于西汉及其后的史料文献之中。从一些考古发现推断，在实践中使用油彩绘画可能更早，甚至早到新石器时代出土的以油色所作的彩绘陶图案。油色绘在周代时就已经发展成完整的绘画形式。《周礼》中记有：“山国用虎节，土国用人节，泽国用龙节，紫檀木画其形象，御笔亲金书以赐重臣，碧油笼之。”这是迄今所见关于碧油罩明技法最早的文字记载。
十六世纪中期的明代《髯饰录》亦记载了有关古油画诸技法。《髹饰录》是一部总结中国古代髹漆工艺经验的巨著，总结了中国古代用漆、用油以绘制漆画、油画及漆器制作和各类装饰技法。其中记载:“金细勾彩油饰者”，“又金细勾填油色”，“油饰，即桐油调色也，各色鲜明”“描油，即油色绘也。其纹飞禽走兽、昆虫百花、云霞人物，一一无不备天真之色。如天蓝、雪白、桃红则漆所不相应也。古人画饰多用油，今见古祭器中有纯油色油纹者”“油清如露，调颜料如露在百花上，各色无所不应。见正色而却呈绘事也。”书中尤强调欲鲜彩图唯油画表现景物“各色无所不应”，而新鲜明净的浅色“则漆所不相应也”，因此“古人画饰多用油”，这样才能保证所绘图画色彩效果比用漆绘制色度高、鲜艳悦目。
另外，明代巨著《天工开物》中对胶彩画的弊端也有清晰的阐释，其认为胶彩附在木质器皿上易为木质纤维吸收而色彩会呈现粉浊，且附着力不强易风化脱落，更不适于在建筑木构、木板、门画、舟车、旌旗、帷幔和服饰彩绘上。因此，在古代中国服务于实用的胶彩画应次于“漆画”，而漆画的材料“漆”，本身是从富含树脂的落叶乔木所得，与空气接触后呈褐色，很难制作出鲜明的浅色颜料，“即漆工以鲜物采，唯入桐油调则显，入漆亦晦也”。因此，对于各种绘事中要求的新鲜明净的浅色“则漆所不相应也”。有关我国古代传统油画的记载，清代著名学者康有为在《万木草堂藏画目》之中曾记载当时京都的部分宋、元时的`绢、帛油画内容。康有为遍游欧亚画廊，对中西方的绘画有深刻而独到的鉴赏力，他的书中记载：“宋画：易元吉《寒梅雀兔图》，立轴，绢本，油画逼真，奕奕有神。赵永年《雪犬》册幅一，绢本，油画，奕奕如生赵大年弟，以画犬名者可宝。龚吉《兔》册幅一，绢本，油画。陈公储画《龙》册幅一，绢本油画，公储固以龙名，而此为油画，尤足资考证。以上皆油画，固人所少见。沈子封布政久于京师，阅藏家良多，面叹赏惊喜，诧为未见。此关中外画学源流宜永珍藏之。元画：高暹《马》，册幅，亦油画，与前各油画合册，写瘦马迫真，珍品。”并且进一步认为，由于欧洲15世纪之前没有油画，故而是马可波罗将中国的油画传到欧洲才形成今天的欧洲油画。对古代中国油画有很深研究的秦长安先生认为，古代中国的传统油画多为绢帛油画，今天却所见不多，而古代的绢帛画中，有不少佳作应该是中国的传统油画，只不过没有人去化验鉴定。他甚至很肯定地认为我国现存的战国帛画以及誉满中外的马王堆西汉墓出土的帛画，都是两千多年前的中国古代油画的珍品，是世界上最早的油画，只是这些绘于绢帛之上并陪葬在地下的画宝早已失去原油画表面的光泽，但是它们并非胶彩画，也非漆画，而是古代油画。
综上所述，我们认为中国古代最早发展的彩绘为油画，而从历史的角度看，一向被认为是中国传统绘画的山水画则是后来才形成的“新”传统。中国的古代文献不仅记载了中国古老的油画传统，而且对于所使用的油也有比较明确的记载，记载的油画用油主料为干性植物油(主要有亚麻仁油、核桃油、桐油)，这与现在的油画可油是一致的。一般而言，现在油画绘制中使用到的液态物质总的来说可分四类：松节油等挥发性溶剂;亚麻仁油、核桃油、罂粟油等干性植物油;达玛油、达玛上光油等树脂溶液，以及含有油和水的混合物乳液。其中，干性植物油是油画颜料中真正起媒介剂作用的。也就是说，干性植物油是油画的主要养料，其他都是配料。在古文献记载中，中国传统油画使用的干性油料主要为大麻油、荏油(又称紫苏油，含有丰富的a-亚麻酸)、胡桃油(即核桃油，人们原以为核桃是张骞出使西域带回的，非我中土原有产物，故称胡桃，但1972年距今约七千多年的磁山文化遗址出土的胡桃，修改了所谓汉代核桃为张骞引自西域的说法)、桐油和罂粟油等数种。据考，我国远古遍植桑麻，秦汉之先已多取大麻油、荏油彩绘。汉代《四民月令》、北魏《齐民要术》等文献中均有关于古代“油帛”、“油衣”的记载。“油帛”即泛指绢帛油饰。《齐民要术》称“茬油色绿可爱，为帛煎油弥佳。茬油性淳，涂帛胜麻油”。证明了古时用茬油、麻油调色涂绘于帛已甚为普遍。《北史》“列传”之《祖挺传》记载:“除挺寻迁典御，又奏造胡桃油。”“挺善为胡桃油以涂画，乃进之长广王。”后长广王即是祖挺，他能制作胡桃油，而且擅长胡桃油作油画，并将其画作进献给北齐武成皇帝长广王，此画应为宫廷绢帛油画。桐油原产于中国，它是一种优良的干性植物油，用途极为广泛，具有干燥快、光泽度好、附着力强、耐热、耐酸、耐碱、防腐、防锈等特性。桐油用于中国传统油画是从唐代开始的并延续千年，至今民间仍有以桐油绘门神、祠庙、渔船龙凤飞天及历史、神话故事。门画乃中国传统油画的重要形式，它延续久远且的群众喜闻乐见。唐代的彩绘门画主要是桐油彩绘，有直接在门板上画的门画，也有在贴于门板之上的麻布上绘制的门画，绘制手法有鲜明油色的厚涂，也有的是渲染与勾线结合，或配以贴金和描金工艺。
油画的光与色读后感篇二
一幅油画如果保存得当，可数百年不变颜色，反之，则可能发生色层的龟裂、脱落和变色。那么，怎样保护你的油画免受损坏呢? 下面是小编分享的油画的保护技巧，一起来看一下吧。
一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡，能完全防止潮湿空气的.浸入而造成损害。
二、油画要避免阳光的长期直射，因为紫外线对色彩的破坏性很大，会造成褪色和变色。
三、储存油画的屋子要注意通风和防潮，尽可能离洗澡间、厨房远一些，注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏，房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干，切忌暴晒，否则画面容易脱落。
四、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连，导致油彩脱落、画面受损。
五、卷油画时要使画布朝里，画面朝外，外面卷一层纸筒，然后再用塑料布裹上，防止画裂。
六、墙上挂的油画如果落上灰尘，可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果油上面有油烟，可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗，然后迅速拿海绵把画面上的水吸干，再拿电风扇轻吹油画表面。如果遇到年代久、有龟裂的油画，一定要少用水，局部干擦即可。如果用专业的上光油为油画保养，在喷上光油之前，要用干净的布把画面擦干净。
七、一般油画可以保存二三百年，但随着时间的推移，有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多，可以把油画用塑料布包起来，放在木箱里，防止硬伤。
油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克(jan van eyck)，(1385年-1441年) 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出独特的贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。
油画的光与色读后感篇三
要特别指出，色彩最怕固定化形成习惯色，如果无论画春夏秋冬、北方与南方、室内与室外、男人与女人、不同的植物花草等等，都是一种色调一种方法，那么艺术生命也就停止了。
1.真正的调色不能在调色板上，而应在画布上，只有画面才能告诉你需要什么颜色。写生作画，眼睛基本不看调色板，而看画面与对象。即使在调色板上取用几种颜色也是简单地调合，在画面上才是最后的综合。如果在画板上调得过分均匀，色感必单调死板。此外，画面存在未干的颜色，调色时必须考虑画面颜色成分，如果在调色板上调“准”了颜色，加上画面已有的底色又会变得不准。
2.颜色种类不必太多，十多种即可，它们是：白、柠檬黄、中黄、土黄、金土黄、(或生赭)、桔黄、朱红、西洋红、深红(或紫红)、淡紫红、土红、熟褐、粉绿、土绿(或橄榄绿)、翠绿、湖蓝、群青、黑。19至21种颜色即可。
3.调色板上放颜色的顺序，基本可按前面所提颜色顺序排下来，暖色放一边，冷色放一边，而每一种颜色又由浅到深排列，如柠檬黄、中黄、土黄、生赭......这样就有一种素描深浅之概念。假如在画很深颜色的暗部，需要再亮一点暖一点，就可试调生赭，不够再用土黄，再不够可用中黄，以此类推。画暗部千万不可乱用白色，一用白色就不透明了，颜色发粉。
4.白、土黄、土红、熟褐、土绿、翠绿、群青、黑，是油画的基本常用色，它们也不易变色。
5.熟褐、深红、翠绿是暗部用色的三个宝。
6.土黄、土红是亮部的基本常用色。
7.柠檬黄是风景作品中高光、逆光、亮部很可贵的颜色，色感较冷。
8.土绿(或橄榄绿)、中绿，对画树而言，起万能的作用，如树的暗部——土绿加熟褐，偏冷可加群青，树的亮部——中绿加土黄、柠檬黄，夕阳或秋叶可再加桔黄。
9.头像暗部——土红加象牙黑(北欧学派，较透明)，土红加翠绿(东欧学派)。如果用朱红加中绿也可产生相当不错的暗部色彩。
10.粉绿、淡紫红是脸部和人体中间过渡面的调合色。
11.画很白的女人体，白、土黄、土红、粉绿、中绿是基本用色，有时需要朱红。
12.室内头像高光——白加象牙黑，少量土黄。
13.要学会运用象牙黑。暗部、亮部、中间色调都可用，往往同白色一样重要。
14.颜色粉，往往问题产生在暗部，暗部不透明，画粉了，整个画面就会太粉。
15.如何能把写生对象之色彩画得更加好看?在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化，不会绝对均匀，肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色，如果对色彩敏感，是可以感觉得到的。因此在每一局部色块中，都应有所选择，把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高，整体的色彩感就比真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向。
16.如何形成色调?首先要肯定色调总的倾向，然后在调色上加以处理。例如金黄色的秋天，总倾向是偏黄色的调子——以中黄为基色。就可在暗部、亮部、天、地、树等一切色块中，成分不同地调入中黄。
17.要大面积色彩调合，小面积色彩对比。
18.可以适当把冷色加暖，暖色变冷，色彩会更加好看，如冷红、暖灰。
油画的光与色读后感篇四
这幅画是我老婶家的沙发背景墙，有一次我无意中发现了这幅油画的魅力所在。看着看着，我便入迷了，谁知出现了幻觉般的意境。那是一个美丽的清晨。
湛的天空中洁白的云朵，看着真柔软，温和的阳光照耀着大地。突然，一阵风从遥远的地方吹过来。亮光似的花瓣飘到我的脸上，咦，是什么花的花瓣？如此的亮丽，我好奇地想着。忽然，一阵云雾匆匆忙忙的从我面前跑过去了，我的眼前是一片片向日葵地天地，远远地还有着五颜六色的草垛，在那一块空地前，有一间漂亮的房屋，里面住着的人是那些向日葵的主人吧！
那向日葵的心儿好像呈棕色，都是一个个小籽儿组成的一团棕。向日葵的花瓣是鲜亮的黄色，稍微有点儿橙色加红色，向黄昏的天边一样美丽动人。叶子更是漂亮了有的叶子的姿态真是婀娜多姿形态各异。
从近向远看，一片灿烂的黄色印在我的心中。小山坡上屹立着一棵棵小松树，还有那美丽巍峨的冰山……松树绿的像翠玉，那向日葵黄的似麦穗，冰山白的似雪花，五颜六色。
好似从山间飘来的雨露惊醒了我。哦！原来是一副带着无穷魅力的油画。啊！多美的意境呀！我是多么的恋恋不舍。
油画的光与色读后感篇五
1.“neptune”感情丰富的钢琴，铺阵通往回忆的长廊，伴随薄脆清亮的钟琴音色，回荡在深远辽阔的音场中，彷佛海王星一般深邃和多愁善感，留下心中满满的感谢和追忆。
2.《蓝莲花》更是许巍的颠峰之作，“穿过幽暗地岁月，也曾感到彷徨，当你低头地瞬间，才发觉脚下的路，心中那自由地世界，如此的清澈高远，盛开着永不凋零的蓝莲花”。正因为蓝莲花盛开在心中永不凋零，所以我对理想有一份执著，对自由有一种向往。
3.百事音乐榜很好，它有很强的隐蔽性，到最后才揭晓，评判也是非常的公正。
4.必须认真地练习所有的音阶。
5.不管怎样，音乐的魅力，使我无法摆脱，使我深深地沉醉。假使心灵是一座城堡，那音乐就是进入这座城堡的门，想要走进这座城堡，就必须打开这扇音乐之门。朋友，当你的心灵正被音乐徐徐漫过时，你是否感到正被音乐的雨露所洗濯呢?听吧，一支古典音乐正在你的耳边萦绕!
6.不要以为我是音乐家，也不要以为我是未来的歌星，更不要以为我是音乐痴呆;我只是一个刚刚和音乐做了一年半的朋友——喜欢听音乐!
7.除了喜欢通俗歌曲，也喜欢纯音乐，前不久，一位论坛朋友给我推荐了一首二胡曲《睡莲》，我被二胡演绎的淡淡忧愁而湿了眼睛，曲中流露出的哀愁，再加上钢琴伴奏，让我感觉忧伤中有着一种沁人心脾的美感，我的心被那胡音感动，久久不能释怀。
8.纯朴发挥了它的全部魅力，它是艺术臻于最高境界的标志。——肖邦。
9.大声不入里耳、曲高和寡。
10.当你听到韵律充满健康活力，带有青春气息的飞轮海的《只对你有感觉》，你是否感受到音乐那占据人心灵的安康?音乐博大而丰富，复杂而富于变幻，悠久而神秘……实在难以尽述。
11.当我坐在那架破旧古钢琴旁边的时候，我对最幸福的国王也不羡慕。
12.德者，性之端也;乐者，德之乐也。
13.电子琴已经是我的过去式，开始慢慢接触钢琴和吉他，将来还要继续体验挑战的感觉!谢谢音乐，谢谢我的电子琴，谢谢那首《隐形的翅膀》!我已经不再是那个胆小的女孩，我变勇敢了，变得有信心去超越自我!唯一不变的，是手里一首揣着音乐的梦想。
14.对，音乐方面全部交给他们处理。其他事务还都是我嫂子在管。我对签什么公司没概念，也不想把自己签给谁。
15.对于富有才华和热爱劳动的人来说，不存在任何障碍。
16.分享与飞扬，与你我同在。
18.歌曲愈往下走，给人的心灵震撼愈强。“是你的红唇粘住我的一切，是你的体贴再次让我热烈，是你的万种柔情融化冰雪，是你的甜言蜜语改变季节”。那歌声，诉说着人间难舍难分的真情，咏唱着雪原中诞生的人世间最甜美的爱情。看啊，幸福的爱情正穿越缤纷雪原，向人间走来。
19.歌声拖得很长很长，因此能听得很远很远。人还没看见，已经先听见歌声了;或者人已经转过山头望不见了，歌声还余音袅袅，不绝如缕。
20.各个班级陆续登上舞台表演，五彩的聚光灯一齐照向他们，好像同学们的歌声因此更动听。唱得最好的是五年五班，他们有很多道具，让人感到似乎看到了歌中的情景，歌声也十分动听。前面几个同学的舞蹈更是衬托了歌声，简直令人陶醉。
21.管理者好比是交响乐队的指挥，通过他的努力、想象和指挥，使单个乐器融合为一幕精彩的音乐表演。
22.很少的人去学习如何去在他们的生命里去创造音乐。而仅有那个音乐才能带你到上帝。
23.欢乐张家界，天籁地球村。
24.建筑是凝固的音乐。
26.具有中华民族风格的《竹舞》，也是我百听不厌的纯音乐之一，在宁静的夜晚，闭上眼睛，静静地聆听《竹舞》，琵琶合着竹乐器的那种特别的水音，仿佛是来自天籁的声音，让人听了心旷神怡，感觉风舞，竹舞，心在舞，心灵在不知不觉中变得宁静，慢慢的达到了一种忘却自我而只有音乐的境界。
27.可爱的小鸟在树技上欢快地唱歌。
28.乐家的艺术不在于直接描绘形象，而在于把心灵置于这些对象能够在心灵里创造的情绪中去。
29.离开了音乐，我觉得我好像变笨了。——王力宏。
31.聆听，最美丽的音乐;倾听，最唯美的境界。
33.没有安全感的孩子，会爱音乐，非常非常爱怕黑，却习惯晚睡。
34.没有热情，就不可能创作出任何真正的艺术作品。——舒曼。
35.每当夜幕降临的时候，喷泉响起优美的音乐，喷出五颜六色的水花，忽高忽低，形成错落有致的水柱。小朋友们围着喷泉载歌载舞，快乐极了!
36.美妙的歌声在自己的音乐天堂中回荡，乐曲的钟声在叮当作响，一个人彻底的被音乐征服了。生活有了音乐就变得多姿多彩，就像在一张白纸上涂上了美丽的色彩。
37.明年在音乐上继续做新歌，春节之后就要拍一部新的电影，还有新的电视剧，排的还算挺满的。
38.那婉转苏缓的浅吟低唱，总是柔柔的、抚慰着我的心房;那优美的、清淡脱俗的忧伤，常常暖暖的、直达我的心脏;就像羽毛，轻轻的、触动我内心最柔软的地方。
39.你对音乐很热爱，但是太没有感觉了。——杨二车娜姆。
40.喷香的味道开始在我身边环绕，突然发现自己不知不觉就和了播放器里的音乐，不由得扑哧一笑，自此，所有的烦恼所有的忧伤，都消失不见了。
41.琴声的魅力让人难以抗拒，琴声的美丽使我感受到了收获的喜悦。收获的喜悦给我带来了学习的动力，现在我对钢琴更是情有独钟，它让我陶醉，让我在美妙的琴声中享受着钢琴的乐趣，它让我欣喜，让我在勤学苦练中享受着成功的快乐。
42.请不必感到惊异，因为这就是音乐的魅力。听吧，当一首流行音乐在你耳中跳动时，音乐已化作一个个精灵激动着你身上的每一个细胞!
44.人都需要娱乐和变换兴趣，以防止变得迟钝，对美的感知和理解是审美教育的核心，是审美的要点。
45.人民广场的音乐喷泉与南山寺、云洞岩都是漳州的著名景点。南山寺是一座千年古刹，以其悠久的历史闻名。云洞岩则是以历代文人墨客留下的摩崖石刻而着称。现在，我向大家讲讲漳州人民广场的音乐喷泉。
46.如果，我经历你走过的路，倾听你喜欢的音乐，品尝你爱吃的糕点，是不是我就可以离你的生活近一点，更近一点。
47.如果你问我，怎样成为好的钢琴家，那么你先告诉我，练了多少音阶。
48.萨特谈到音乐，曾有这么一番意见：挤在音乐厅观看演奏乃是荒谬的，音乐，应该独自倾听。
49.生活的苦难压不垮我。我心中的欢乐不是我自己的，我把欢乐注进音乐，为的是让全世界感到欢乐。
51.是音乐课使我对音乐有了深一步的了解，是音乐能够陶冶我的情操!不仅这样，我还学到了很多很基础的音乐知识，所有的音符像一个个跳动的精灵，是多末的活泼可爱啊!小节、段落，迂回的表达……真是让人爱不离眼，听不离耳!
52.俗话说得好，世上先有千里马而后有伯乐，只有好的音乐却没有欣赏的人岂不是人生一大憾事?而通过学习音乐课，我们被证实带进了音乐的殿堂，虽然不能去演绎这些音乐，但至少我们可以试着去欣赏。
53.他们看上去活力充沛，聪明活泼。他们创作了优美的民间艺术和富有感染力的音乐。
54.泰戈尔说过一句话：“不要试图填满生命的空白，因为音乐就在那空白的深处。”音乐，是一种充满神秘色彩的旋律，它能带来悲伤与忧愁，也能带来快乐与希望。而那一次的“音乐之旅”，可真让我受益无穷呀!
55.跳动的音符放飞的歌声。
56.听完一首好听的歌，真是沁人心脾，滋润我的心田啊!记得那首轮回乐队的《满江红》，曲调豪放、豁达，我尤其喜欢那个主唱，声音带有嘶哑的感觉，听后有种真男人的心情，为使感受更深，我将把音量再次放大，释放我保留好久的气概。
57.同样的一首音乐，不同的人对它的感受却截然不同。所以，我们是在听音乐吗?还是在听我们自己?也许，事实的真相是我们透过音乐来听我们自己。
58.万籁俱寂，月华如璧，我的夜空星光璀璨，清风依依。一曲《月光边境》安宁、轻柔、恬淡，将这个夜晚渲染得如诗如画、静谧详和。今夜，就让如水的琴音带我进入悠远浩渺的天宇，让我的灵魂与美妙的音乐共舞。
59.问题不在于技术练习，而更多的在于练习的技术。——franzliszt。
62.我觉得就我主观的来讲，我自己身为一个制作人，我觉得，我的编曲老师都非常好，我的音乐录影带也拍的非常好，我的歌迷都非常棒，谢谢你们!
63.我深信：质朴和真实是一切艺术作品的美的原则。
64.我喜欢许巍的歌曲，喜欢听他低沉沙哑却又温暖的声音，听许巍的歌曲，会莫明的被感动，许巍的歌曲是情感的深藏与释放，他的《完美生活》，演唱到了极致，“青春的岁月，我们身不由己，只因这胸中，燃烧的梦想……体会着狂野，体会孤独;体会着欢乐，爱恨离别，这是我的完美生活”。
65.我有我的人格、良心，不是钱能买的。我的音乐，要献给祖国，献给劳动人民大众，为挽救民族危机服务。
67.屋里很静，很静，静得能听见自己的心跳。尽管我们都不懂音乐，但大家都被李谷一的歌声深深感染。听惯了她那明丽的《边疆的泉水清又纯》，突然听到她含着嗓音唱歌，大家既惊讶又惊喜。
68.西湖的音乐喷泉可壮观了。随着音乐的起伏在空中翩翩起舞。喷泉时而像一朵朵灿烂的鲜花，时而像跃向天空的蛟龙，时而像飞逝的流星雨，时而又像仙女舞动着长袖，时而像滚滚向前的车轮，时而像小鸟展开的双翅。
69.享受每次回到零的瞬间!感谢生命中有音乐。
70.小河唱着欢快的歌曲向东方流去。
72.新唱片音乐部分已近结束，进入视觉创意阶段，几乎每天脑浆沸腾。——许嵩。
73.旋转的木马，带着我们远离悲伤，但音乐一停，我们也得离场。
74.要我不玩音乐不可能，因为音乐是不死的。
75.一切好的音乐都是为了拨动心弦。——蒙泰威尔第。
76.一首我喜爱的乐曲，所传给我的思想和意义是不能用语言表达的。
77.艺术的三个死敌：平庸、千篇一律、粗制滥造。——舒曼。
78.因为我之前的唱片全部都是海外制作，其实我一直认为内地的音乐特别好听，像许巍、丁薇、李泉、朴树啊，我都很喜欢。所以这次跟他们合作，我反而会有新鲜感。
80.音乐，如同珍珠滴落玉盘，急雨敲击窗棂，手指叩击竹节，给平静的现实生活带来阵阵涟漪，让听者心里不由咯噔一声，仿佛看见了另一种生命的盛景，绚烂而美丽。那是彼岸世界的花开花落，是来自血液与灵魂最深处的悸动。
油画的光与色读后感篇六
绘画与音乐是相通的。这是一种审美意象和精神体验上的相通，虽异质而同构。而一旦建立了绘画与音乐之间的“通道”，便实现了从音乐到绘画、或从绘画到音乐的审美联觉和感觉挪移。正如钱钟书先生在《通感》一文中所说：“视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通或交通，眼、耳、舌、鼻、身各个官能的领域可以不分界限。颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量，气味似乎会有锋芒。”齐铁偕就具备了这样的“通感”。他的音乐油画，通过内心体验和语言表达以及材料选择，不断寻找着绘画与音乐之间最合适的“通道”，从而寻找到一种可以被建构和最适合自己对乐曲加以阐释和精神诉求的最佳表现形式。这是一个不断探索的过程，同时也是一个蕴含着创新意味的经历。
音乐是抽象的艺术，是要用心灵去感受的艺术。艺术不需要模仿。贝多芬在《田园交响曲》第一小提琴声部所写的注解说：“情感的表现性比景色的描绘更为重要。”他要求乐曲表达的，是面对大自然的内心感受。而李斯特则以艺术家的激情，把音乐比喻为“直接沁人心脾的最纯的感情的火焰”。绘画也同此理。齐铁偕的音乐油画，既不是对于音乐作品的图解，也规避了清晰具体的物象，而是直接运用线条、笔触、色彩及其组合构成等最基本的绘画形式因素，与音乐一样，用抽象的艺术语言来表达他对音乐作品的内心体验和审美意绪，传递出他的情感。
就这样，齐铁偕以他的视觉画面，引领着我们站在他的作品前，在凝视中走进各自的内心世界，去倾听一曲曲犹如天籁之音的乐章：巴赫广阔宏大的“启示录”式的《g弦上的咏叹调》，贝多芬悲壮激昂撼人心魄的《英雄交响曲》，肖邦优美忧伤细致入微的《第一号钢琴协奏曲》，李斯特充满热情浪漫情怀的《海边》，柴可夫斯基抒情明快旋律动人的《降b小调第一钢琴协奏曲》，格里格洋溢清新诗意的《晨歌》，德彪西色彩丰富而富有幻觉的《大海》，肖斯塔科维奇暴风骤雨般呼唤着人性的《第七交响曲》；以及或古朴高雅、或玲珑剔透，或委婉或欢快的中华民族乐曲《高山流水》、《春江花月夜》、《雨打芭蕉》……在齐铁偕的这些作品中，总能让人感到有一种整体贯通、呼之欲出的“置陈布势”的气韵扑面而来。这种“置陈布势”，暗合着他对所表现的音乐作品的理解和阐释；而这种气韵，又似乎带有某种隐喻，调动着凝视者的想象，唤起我们对于早已刻在心头的熟悉旋律的回忆。在画面中，仿佛时时有绰约可闻的乐曲飘浮出来。
绘画与音乐是相通的。这是一种审美意象和精神体验上的相通，虽异质而同构。而一旦建立了绘画与音乐之间的“通道”，便实现了从音乐到绘画、或从绘画到音乐的审美联觉和感觉挪移。正如钱钟书先生在《通感》一文中所说：“视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通或交通，眼、耳、舌、鼻、身各个官能的领域可以不分界限。颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量，气味似乎会有锋芒。”齐铁偕就具备了这样的“通感”。他的音乐油画，通过内心体验和语言表达以及材料选择，不断寻找着绘画与音乐之间最合适的“通道”，从而寻找到一种可以被建构和最适合自己对乐曲加以阐释和精神诉求的最佳表现形式。这是一个不断探索的过程，同时也是一个蕴含着创新意味的经历。
音乐是抽象的艺术，是要用心灵去感受的艺术。艺术不需要模仿。贝多芬在《田园交响曲》第一小提琴声部所写的注解说：“情感的表现性比景色的描绘更为重要。”他要求乐曲表达的，是面对大自然的内心感受。而李斯特则以艺术家的激情，把音乐比喻为“直接沁人心脾的最纯的感情的`火焰”。绘画也同此理。齐铁偕的音乐油画，既不是对于音乐作品的图解，也规避了清晰具体的物象，而是直接运用线条、笔触、色彩及其组合构成等最基本的绘画形式因素，与音乐一样，用抽象的艺术语言来表达他对音乐作品的内心体验和审美意绪，传递出他的情感。
就这样，齐铁偕以他的视觉画面，引领着我们站在他的作品前，在凝视中走进各自的内心世界，去倾听一曲曲犹如天籁之音的乐章：巴赫广阔宏大的“启示录”式的《g弦上的咏叹调》，贝多芬悲壮激昂撼人心魄的《英雄交响曲》，肖邦优美忧伤细致入微的《第一号钢琴协奏曲》，李斯特充满热情浪漫情怀的《海边》，柴可夫斯基抒情明快旋律动人的《降b小调第一钢琴协奏曲》，格里格洋溢清新诗意的《晨歌》，德彪西色彩丰富而富有幻觉的《大海》，肖斯塔科维奇暴风骤雨般呼唤着人性的《第七交响曲》；以及或古朴高雅、或玲珑剔透，或委婉或欢快的中华民族乐曲《高山流水》、《春江花月夜》、《雨打芭蕉》……在齐铁偕的这些作品中，总能让人感到有一种整体贯通、呼之欲出的“置陈布势”的气韵扑面而来。这种“置陈布势”，暗合着他对所表现的音乐作品的理解和阐释；而这种气韵，又似乎带有某种隐喻，调动着凝视者的想象，唤起我们对于早已刻在心头的熟悉旋律的回忆。在画面中，仿佛时时有绰约可闻的乐曲飘浮出来。
在齐铁偕的这种抽象图像中，看似无序却包蕴着有序，在率意而为中追求着和谐，它既有着以线条的疏密、短长、粗细，以及不同的取向构成的有机统一性，也有着突破有限空间、以静写动、以动取势的运动性。画面上的色彩显得异常丰沛，甚至带有几分神秘，这些色彩仿佛能够透光，让空间的黑光透射过来，但你看到的，则是一片和谐。这些线条和色彩，还有着张弛有度、紧松参差、富有音乐韵律的节奏性，成为呈现齐铁偕内在精神性的对应于音乐的“有意味的形式”和“情感的符号”，形成了他所特有的对于作为时间艺术的音乐所转换的一种视觉语言。而当这种视觉语言所产生的心理张力与人的心灵相碰撞，便会迸发出精神的火花。
齐铁偕在作品中所追求的音乐性形式美感和审美意蕴，是一种超然物外的具有画家主体精神的创造性视觉，而隐藏在画面深处的与音乐相一致的艺术本原精神，演化为各种外化的绘画元素及其组合，成为流动着的精神的轨迹，在他的视阈之中似乎深藏不露，但又呼之欲出。正如他在听贝多芬《月光奏鸣曲》后的题诗：“月光如水/相思如水/琴键如水/心语如水”，从“月光”到“心语”，这是一个从物象到心灵的递进深化，最后落实在心灵的感受。正如“大象无形”和“大音希声”，实际上并非“无形”和“希声”，而是当上升至精神心灵的层面，感官和感性层面就变得不再重要，在心中涌起的便是“无形之象”和“希声之音”。
在艺术形态上从音乐到绘画的转换是一种超越。齐铁偕用油画对于从音乐向绘画语境的转换过程，经历了一个先自外到内、又从内到外的多元审美精神的解构和重组、熔铸和升华，最终将其物化和外化为可视的图式。所谓“自外到内”和“从内到外”，前者是“汲取”，即把音乐的旋律、曲式、节奏等元素接纳进自己的内心；正如黑格尔所说：“迅速消逝的声音世界却通过耳朵直接渗透到心灵深处，引起灵魂的同情共鸣。”后者是“返还”，黑格尔将此称为“灵魂灌注”，即把内心的感受衍化到画面，将音乐的本原精神抽象演化为线条、笔触、色彩的绘画性构成，在舒展的画面中流动出乐曲曼妙的轨迹。而一旦“返还”，便已有了质的变化，从转瞬即逝的、作为时间艺术的音乐，转换为视觉艺术凝固的画面。
齐铁偕的音乐油画，是油画，也是音乐。二者的融和重合，赋予了作品以双重的审美意蕴，也淋漓尽致地呈现出他真实的感情世界和生命形态。以色列指挥家殷巴尔在评论柏辽兹时说：“他的总谱中每一行都拥有自己的生命。在旋律、在节奏、在色彩这三个层面上，都有自己的生命。”音乐如此，绘画亦然。以此来观照齐铁偕的音乐油画，也可作如是观。
油画的光与色读后感篇七
第一篇
伟大的漫画大师矣.奥.卜劳恩创作的《父与子》,这本深受大家喜
爱
的连环画用一幅幅小巧精湛的画面无言地流泻出纯真的赤子之情与融融的天伦之乐.书中的父与子其实就是卜劳恩与他的儿子,而书里描绘的故事也就是卜劳恩父子之间的故事.幽默搞笑的一个个故事,让我废寝忘食,大笑不止.
看过这本书后,我觉得里面的父亲很爱很爱他的儿子,有一篇叫《哄儿入睡》,父亲用尽了各种方法,哄他的儿子睡觉,可儿子十分顽皮,不管父亲怎么哄,他就是精神十足,最后,父亲哄得筋疲力尽,倒在儿子的身边睡了,这时候,儿子也搂着父亲的脖子甜甜地睡着了……,真是父子情深啊.看着看着,我 禁也想起爸爸哄我入睡的情形,我也甜甜地笑了,因为我也有深爱我的父亲,我感觉很
幸福
呢!第二篇
人生的路上多了一个同伴，也多了一个挚友。父亲从此再不孤独，父子俩一同匆匆赶路，一同去走人生之路。这是一条或许曲折或许平坦的人生之路。当父亲有了困难时，第一个想起的是儿子，当儿子有了困难时，第一个想起的就是自己的父亲。儿子小时父亲是他的呵护神，儿子大时父亲是他的智囊和参谋;儿子小时是父亲的开心果，儿子大时是父亲的顶梁柱。父亲因为有了儿子，儿子因为有了父亲可使两人曲折的人生路程变得平坦，平坦的路程变得更加顺畅，父亲因此有了加力器，儿子有了航标灯。都说儿子是父亲的未来希望，其实也是父亲生命的延续。父亲因为有了儿子，而充满了对未来
生活
的希望，没有了后顾之忧，儿子因为有了自己的父亲，对未来生活更加自信，高高扬起生活的风帆。父亲是儿子的第一任老师，是儿子做事的参谋，也是儿子远行的后方;儿子是父亲的未来，自己未竟的事业就在儿子身上。 儿子需要父亲照顾的时候，那是因为儿子还小，父亲需要儿子照顾的时候，那是因为父亲已老。儿子小的时候，眼中的父亲是天下最能的人，是英雄;等儿子长大了，眼中的父亲总是那么传统，很保守。等儿子快老时，才发现原来父亲是那么英明，自己有很多不如父亲的地方。 世俗的眼光总归是世俗的'眼光：三十岁之前看父敬子，而三十岁之后是看子敬父。父亲有父亲的优势，有经验，老道;儿子有儿子的优点，有朝气，创新。父亲的成功不一定是儿子的成功，而儿子的成功就是父亲的成功，父亲的最大成功就是有一个超过自己的儿子。每一个做父亲的都是在自己父亲的陪伴下，走完自己的前半生;而自己的后半生则是在自己的儿子陪伴子，这是一条永不间断的人类繁衍的链条。家族是这样发展，民族是这样振兴，人类是这样生息。儿子总是在父亲的陪同下走好他的前半生，父亲总是在儿子的陪同下走完他的后半生。当父亲做成功了一件事，人们会说：“那是由于父亲的经验丰富，”当儿子做成功了一件事情，人们还会说“那是由于后生可畏，年轻有为”。如果父亲做失败了一件事情，人们会说：“那是廉颇老矣。”如果儿子做失败了一件事情，人们会说：“还太年轻，不成熟所至。”人生的旅途总是要伴随着成熟和稚嫩、欢乐和懊恼、成功和失败，之所以这样才使得人生更加神秘和丰富多彩。
其实，父与子原本就是一个人，儿子是父亲的裂变，儿子是做父亲没有做完的事情的委托人。儿子会为有一个成功的父亲而自豪，父亲会为有一个成功的儿子而骄傲!
父亲的最大成功就是儿子超过了自己.
下度过。儿子——父亲——儿
油画的光与色读后感篇八
于是我一边走一边看，高大的电子屏上显示着作者简介：当代实力派油画家王凤国，河北省临漳县人，大专文化，作品曾多次在国家和省市及国外大赛中获奖，并在多家报刊上发表。这时，老师让我们全体小记者集合由王凤国老师带着我们一起参观画展。
王老师告诉我们这里的每一幅画都有它的故事和来历。比如《门》，王老师说他从小在这里出生，从这扇门里走出来上学、上班到结婚。又比如《送羊》，它代表姥姥送给小外甥的祝福，面羊装在竹篮里上面还盖着一块蓝花布，窗户上的每个窗花也有它的寓意。王老师一边讲我们一边飞快地记着笔记。最后到了小记者提问的环节，大家都跃跃欲试，当然我也不想错过这个机会。
终于我鼓起勇气举起了手，王老师说：“这位同学你有什么问题？”我既紧张又兴奋地说：“请问王老师这幅巨大的画为什么挂在这个位置呢？”王凤国老师笑着说：“它叫黄金满地，你看它满树和满地都是金黄的树叶，意思是象征着秋天的丰收。咱们这里是银行同时它也象征着财源广进、大富大贵、富贵有余的意思。”随后又有同学问：“王老师您的画不卖吗？”王老师意味深长地说：“这里的每一幅画都倾注了我大量的心血和时间，曾经有位国外友人出高价买我的《送羊》我都没有卖。”“为什么呢？”我们感到很好奇。王老师说：“它们就像我的孩子一样是独一无二的，我卖了它恐怕再也画不出一模一样的了。”
画展结束后我们都得到了王老师的亲笔签名和合影心里都十分高兴。哈哈！我给我的闺蜜说回家后我要在朋友圈好好炫耀一番，咱也算是见过和拥有名人亲笔签名的人啦！
油画的光与色读后感篇九
风景油画是一种广泛流传的艺术形式，通过绘画表现大自然的美丽和宁静，赋予观者想象空间和情感共鸣。在过去的一段时间里，我进行了一系列风景油画的创作和研究，深受启发和感受。在这篇文章中，我将分享我在风景油画创作中的心得体会。
在油画创作的过程中，观察和感知是非常重要的。在面对广阔自然风光时，我们需要调整自己的心境，静下心来观察细节。例如，当我绘制一幅宁静的湖水画时，我仔细观察湖面上水波的起伏、微风吹拂时树叶的颤动以及远方山峦的轮廓。通过观察和感知，我能够更好地理解自然中的变化和平静之美，将其转化为绘画的表现力。
熟悉使用各种绘画技法和工具也是必不可少的。风景油画中常用的技法包括明暗的对比、层次感的表现、色彩的运用等。例如，在绘制一幅山林风景时，我使用了明暗的对比来刻画山体的远近关系，通过层次感的运用来模拟远处大山的模糊效果，色彩的变化则用来表现树叶和花草的生命力。熟练掌握这些技巧和工具，使我能够更好地表现自己对自然美景的理解和感受。
创作风景油画需要有耐心和恒心。与其他绘画形式相比，风景油画往往需要更长的时间和更多的坚持。在绘制一幅风景油画时，我可能需要多次前往景点观察、拍摄照片，并在画室中反复修改和完善。这需要大量的时间和精力，需要我有强大的内心动力和耐心。然而，正是这份耐心和恒心，让我能够逐渐深入地理解风景的美丽，将其通过画笔传递给观者。
风景油画创作中的自由和想象力也是非常重要的。尽管风景油画的创作对象是自然界的实在物象，但我们并不需要完全照搬现实。相反，我们应该通过自己的创意和想象力来加入个人的情感和理解。例如，在绘画一幅阳光明媚的海滩沙滩时，我可能会丰富和加强色彩的对比，让画面更加生动鲜明。虽然与实际可能有些出入，但这种加入个人想象力的创作方式能够使作品更具艺术性和观赏性。
最后，风景油画的创作需要持续学习与实践。在过去的创作中，我不断尝试不同的风格和技巧，通过学习名家作品和参观画展，提高自己的画技和审美能力。同时，我也时常通过参加画室集体创作和展览，与其他艺术家交流和分享经验。这些持续的学习与实践使我得以不断进步和提高，更好地展现自己对风景的独特视角和理解。
总之，风景油画是一项需要时间、观察、技巧和想象力的创作过程。通过持续学习与实践，我能够更好地表现自己对大自然之美的感受和理解。风景油画不仅仅是一种表现技巧，更是一种传递情感和启迪思考的艺术形式，希望我的作品能够为观者带去美的享受和思考的空间。
油画的光与色读后感篇十
“我们的工作就是让老古董和新技术嫁接在一起，这是让古典艺术向前发展的最好方式。”尼克说，“之前人们还担心为古典艺术插电会损害艺术本身，但是现在人们越来越愿意主动拥抱这项新技术了。”
为了赋予古典油画生命，卡特夫妇花了几年的时间研究。他们翻出了老安普罗修斯·博斯查多特的名画《窗内的瓶中花》，也找出了文艺复兴时期意大利画家乔尔乔内的名画《沉睡的维纳斯》，对这些名画进行分析扫描，跟视频效果公司合作，制作3d动画效果。这对梵高迷还将梵高的名画《向日葵》进行了3d打印，制作出跟画中一模一样的铜制向日葵盆栽。
“在博物馆里，人们平均花在一幅画上的时间只有6秒钟，我们希望观赏者能够慢下来，真正地去观察一幅画的.每个细节。”尼克说。
为了实现这个目标，他们让原本只是一动不动待在画纸上的鲜花开始随着时间开放，毛毛虫顺着花茎向上爬，蝴蝶从画框一侧飞进来，停在花瓣上扇动着翅膀。他们还改造了一幅画着刚刚死亡青蛙的油画，结合生物腐蚀相关数据，让它准确演示一只青蛙死亡后3个小时内的场景，展示在框在油画框里的屏幕上。
“为了让画中的场景活起来，我们这个团队需要仔细研究青蛙的每一个器官，这样才能真正理解和重现青蛙被腐蚀的整个过程。”尼克说，“每一帧画面如何开始与结束都需要反复模拟重现。这样才能在我们的油画里，重现一只青蛙的真实死亡。”
这种融入新科技的古典油画不仅重现了属于过去的生命，还解决了过去解决不了的问题。名画被窃一直是艺术收藏界为之烦恼的大问题，但是卡特夫妇说，这些重现生命的油画虽然存储在电脑程序里，但并不是一招“复制+粘贴”就可以偷走的，“每一帧画面都经过加密，画面中蝴蝶的每一次飞行轨迹都是不一样的”，“这些画是独一无二的，只有在特定的环境下才能运行，没有油画盗贼可以偷走它”。
就这样，在现代技术的帮助下，古典油画在英国的博物馆里呈现出了完全不同的模样——太阳照射着梵高画里的咖啡馆，随着时间的推移渐渐拉长影子；玻璃瓶中的鲜花渐渐开放，如果你凑得足够近，你甚至可以听到花开那一刹那的声音。
虽然不少人觉得将古典油画数字化是对于传统的干扰，但在我看来，站在几乎要裂开的画框里面瞅着梵高凝固的脸，我还是会希望有那么一瞬间，眼前的画面能够回到过去，画中的人物可以重获生命，带我们重回几百年前的
生活
场景，看到晒太阳的咖啡馆顾客，看到树下沉睡的维纳斯，看到梵高冲我们眨眨眼。不过需要注意的是，参观之前要作好充分的心理准备。尼克常常站在这些新作品前看观赏者的反应，他说常碰到毫无防备的观赏者，边吃三明治边看展览，看到沉睡的维纳斯居然还在呼吸的时候，吓得一口噎住了，站在熟睡的美女面前止不住地大声咳嗽。
油画的光与色读后感篇十一
风景油画作为一种艺术形式，以其独特的表现方式和美学观念，吸引了无数画家和观众。在我接触风景油画的过程中，我深深地感受到了它所传达的深邃与宁静，也体会到了其中蕴含的情感与静谧。在我与风景油画的交融中，慢慢领悟了其中的一些心得体会。
首先，风景油画让我重新审视了周围的自然环境。油画家以其敏锐的观察力和独特的视角，把日常生活中的风光捕捉到画布上。无论是丰饶的田园风光、宏大的山水风景还是清新的湖泊河流，都让人叹为观止。通过细致入微的描绘，画家把自然界的各种元素表现得栩栩如生，给人以亲临其境之感。这让我意识到，当我沉浸在都市的喧嚣之中时，已经忽略了身边美好的风景。风景油画勾勒出的大自然的壮丽与细腻，使我重新审视了自然界的伟大和详细。
其次，风景油画给了我一个思考的空间。在观赏风景油画作品时，我常常陷入沉思。画家用鲜明的色彩和细腻的线条勾勒出大自然的美丽，同时也透露出一种深沉的情感。这让我开始思考一个问题，自己是否也能够感受到自然界的美丽并将之表达出来？通过油画，我认识到艺术是一个特殊的语言，能够让我们与世界进行沟通。而在这个沟通的过程中，我们不仅仅是欣赏者，更可以成为表达者。风景油画给了我思考的空间，让我意识到自己可以通过艺术来表达自己的情感和思想。
再次，风景油画让我尊重艺术创作者的努力。现在，每个人都可以通过手机等设备拍摄风景照片，但那种通过手绘完美呈现的风景画作品，却需要画家用心耕耘和细腻的技巧。风景油画不仅仅是一幅画作，更是画家的情感和才华的结晶。画家需要通过各种技法来表达自己的创造力和对风景的理解，而这个过程需要时间和耐心。在欣赏风景油画时，我开始对画家的努力表示敬意，更明白了要成为一位好的画家需要付出多少心血与努力。
最后，风景油画让我体验到了一种宁静与祥和。在一个繁忙的都市生活中，我们常常感到紧张和焦虑。而观赏风景油画，则能带给我一种平静和放松。当我静下心来仔细聆听画作所表达的情感时，我感到内心得到了一种净化和舒缓。油画中的景观和色彩让我回忆起生活中的美好瞬间，也让我忘记了压力和烦恼。通过欣赏风景油画，我的心灵得以安抚，我开始感受到生活中细小而美妙的事物。
综上所述，风景油画给我带来了很多心得体会。它让我重新审视自然界的美，给了我思考的空间，让我更加尊重艺术家的努力，同时也带给了我一种宁静和放松。风景油画蕴含的深意和情感让我深受启发，也让我对这一艺术形式产生了浓厚的兴趣。我会继续学习和欣赏风景油画，希望能够在其中找到更多的美与灵感。
油画的光与色读后感篇十二
俄罗斯油画在世界美术领域占有极其重要的地位，尤其十八世纪“巡展画派”的兴起，出现列宾、希什金、斯维坦这样世界级的艺术家，将俄罗斯油画推向艺术颠峰。
俄罗斯油画有着强烈的民族风格，特别是描绘山川自然的风景画，看那些画总能感到一些静谧之气，画中的色调是调和的，就是我们通常所说的灰调子，还有一些装饰感，它描绘的阳光是一种淡淡的辐射，这也是俄罗斯油画典雅所在。
俄罗斯美术院校培养学生以扎实写实能力为最高原则，所以俄罗斯的油画家在创作中造型严谨，他们强调先深入生活体验，然后确定主题，在进行素描草图构图，满意后开始正式油画创作。
朝鲜油画则深受中国影响，同时又接受俄罗斯油画熏染。在浓郁的欧式画风中搀杂着法国印象派的美感，由于朝鲜画家基本上不直接面对市场，个人创作不带任何功利色彩，因此品读朝鲜油画可以深深感受到一种安详恬静的艺术特征。由于朝鲜国家的闭关锁国，使外界对其了解甚少，因此可以说朝鲜油画是世界艺术品市场上最后一块神秘的有待开发的处女地和宝藏。
朝鲜油画长于人物画像和自然风光。朝鲜艺术家们致力于创造具有民族形式和社会主义内容的`革命美术和人民美术，他们以平和的心态创作出具有很强写实风格和返朴归真意境的佳作，让我们看到一个民族的心路历程。
朝鲜油画以其写实的画风，独特的情感演绎，浓郁的民族风情，都体现了朝鲜人民固有和平愿望和宁静心态。人物题材创作则展现了朝鲜人民宏大的英雄主义和朴实生活、积极乐观的态度，让我们从画中看到一种最贴近心灵的真实与感悟的回归。在朝鲜画家中国（牡丹江）创作基地展示着许多精美的朝鲜油画作品，题材广泛，有山水河流，人物动物等，在这里通过朝鲜油画细腻的艺术感觉和高超的绘画水平，让我们感觉到强烈的民族意识以及没有一丝商业气息污染的真实质朴的情感，唤起我们对朴素艺术的感觉。
油画的光与色读后感篇十三
玻璃油画属杂项类，冷眼看去，不过就是玻璃上画油画，镶框加木座摆在条案上，或镶木边挂在墙上，不是
什么
雅器，年代也大多为清末民国时期。玻璃油画看似普通，其实它也有很多的知识在里面。每当我们面对一件文物，无论大与小，大的可能是一座石窟，小的可能是一件掌中玩物，首先需要我们鉴定年代、材质、做工用途等，要掌握大量的文物知识。玻璃油画的知识就在于它是在玻璃上画彩油画，这种技法明代时就有，其特点为玻璃薄，没有杂质。玻璃属纯天然，较为匀净，镶木边框或做木架，雕工非常简单。只可惜由于玻璃属易碎品，不易保存，现今能见到的多是清末或民国时期的。清晚期玻璃油画的特点是，玻璃薄厚适中。记住一点，玻璃越薄，年代越早，俗称“年份好”，而年份好的又多是南方广东所生产，玻璃色白而无杂质，画工也较为精细，图案有刀马山水人物。论其价值，人物画片价值要高一些，故事中的众多人物要比单一人物价值要高。乾隆时期的玻璃油画价值还要高一些，因为此时的油画不仅是因为年代早而拥有较高价值，更因为其画工精细，油画的大部分都带地子，而且加金彩或者银彩，最有名的画家要数广东的黄达生，他的油彩较浓艳而有旧意。民国时期的油画一部分画工较细，而大部分玻璃较厚，画工粗，尤其是人物的开脸不是很精细，所施油彩薄厚不均，常常油彩不施地子，所以保存到现在伤彩的很多，完整的较少。品种大多为大件围屏、插屏、挂屏等，而插屏的木座多为柴木或硬杂木，有的在木座上透雕花纹，而原配玻璃油画的`木座是很少见的，所以带座的插屏比带木框的挂屏价值要高很多。
由于玻璃油画不易保存，所以往往忽略了收藏，在当今精致完整的玻璃油画是很少见的，旧货市场有时能见到，但画工较为粗糙，好的玻璃油画妥善保存，同样有升值的空间。
油画的光与色读后感篇十四
得知这学期要上油画课以后，心情不免有些郁闷。因为它对于我来说是那么的陌生。在此之前从未接触过油画。我曾欣赏过无数中外优秀的油画作品，陶醉于画家笔下那灵动的线条，丰富的情感和栩栩如生的色彩，但通过这次自身的油画课实践，终于明白了任何优秀的作品都源于画家对生活的热爱和追求，对艺术领域的积极投入。任何优秀的作品并非一朝一夕的历炼，它源于画家毕生心血的投入。所以说，任何成功并非偶然。
通过这次的两次模特写生和一次临摹，让我从不会画油画，到会画一点油画，比想象中要简单一点。在此之前一直都没有接触过油画，认为油画很难画，不知道从哪里下手。但画了一幅再到第二幅的时候，慢慢的就得心应手了，就觉得油画充满了情趣。它体现了我们做事的态度。在绘画的过程中，不仅要仔细观察人物的外部特征，同时要准确地捕捉人物的内心世界，把握人物的喜怒哀乐，并通过造型和色彩将其生动地表现出来。
通过前两张人物写生，我认为色彩的运用很重要，一幅好的作品，给人的第一感觉应该内容丰富，感情细腻，色彩充满魅力，一开始我对于色彩的运用很生疏，尤其是人物的脸部色彩把握不好，导致调出的颜色不协调，整个人物看起来是僵硬呆板的，后来，在老师改画的过程中学到了一些技巧。初学者的我们，太拘，拘拟于造型，所以在绘画过程中忽略了整体的把握，导致画出来的作品缺乏生动性，但老师的绘画手法潇洒而富有活力，很注重整体效果的把握，做到形中有神，神中有形，神形兼具是画人物画的关键。
画最后一幅画的时候，绘画有了感觉，因为是临摹，所以激起了我很大的兴趣，首先从选材上再到上色的时候也是比前面的画更游刃有余。通过临摹，我学到了优秀作品中色彩的运用，画中的色彩统一而不单调，人物生动而富有内心独白。经过一番练习，惊奇的发现画油画蛮有趣的。看着自己认真画出来的作品，心中充满了对艺术的热爱。
通过这次油画课，我学到了很多画油画的技巧，同时认为做任何事的时候，态度很重要，绘画需要我们观察周围的事物，热爱我们的生活，同时把自己丰富的情感融入艺术。绘画更需要我们静下心来，运用自己的绘画技巧充分的把自己的内心世界充分的表达出来。
【本文地址：http://www.xuefen.com.cn/zuowen/7435235.html】
