最优中国画的心得体会(案例14篇)

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最优中国画的心得体会(案例14篇)
时间:2023-11-01 22:54:41     小编:字海

心得体会是一种自我反思和自我评价的方式,帮助人们发现自己潜在的能力和优势。5.写一篇完美的心得体会需要我们用恰当的语言表达自己的思想和情感。在这里,小编为大家整理了一些优秀的心得体会案例,希望能为大家的写作提供一些参考。

中国画的心得体会篇一

中国画是我国传统的绘画形式之一,其独特的风格和表现方式吸引了无数的人去探索和学习。在我作为一名教师的工作中,我有幸有机会教授学生中国画。通过多年的教学实践,我深刻体会到教学生中国画的心得和体会。本文将围绕这个主题,从目标、方法、经验、心理等方面展开,探讨如何更好地教学生中国画。

首先,设定明确的教学目标对于教授中国画课程非常重要。学生在学习中国画时,应该能够了解并掌握基本的绘画技法和表现方式,理解中国画的精髓,并能用自己的方式去表达自己的想法和情感。此外,他们还应该培养实践和创新的能力,能够通过观察和模仿,有自己的独特见解和表现手法。为了达到这些目标,作为教师,我注重理论与实践相结合,注重培养学生的艺术修养,同时鼓励他们勇于思考和实践。

其次,选择合适的教学方法是教学生中国画的关键。在我的教学实践中,我采用了多种方法来激发学生的学习兴趣和创造力。例如,我会引导学生观察自然界的事物和人物形象,通过素描和绘画的技巧,将其转化为中国画作品。我也会组织学生参观艺术展览和艺术家工作室,让学生接触到真正的艺术创作过程,激发他们的灵感和创造力。此外,我还鼓励学生在绘画过程中进行实验和探索,让他们体验到中国画与其他艺术形式的结合,开拓他们的艺术思维。

在教学过程中,我积累了一些经验和教训。首先,我意识到学生的实践和实践经验是非常重要的。因此,我鼓励学生多实践,多尝试,并及时给予反馈和指导。我也会交流和合作,通过互相观摩和讨论,学生可以从他人的作品中学习到新的技法和观点。其次,我发现培养学生对中国画的兴趣和热爱非常重要。通过介绍中国画的历史和发展,让学生了解中国画的文化背景和价值,激发他们对中国画的热情。最后,我也注意到在评价学生作品时,要注重鼓励和肯定他们的努力和创造力,给予他们积极的反馈。

教学生中国画的过程也涉及到学生的心理和情感。有时候,学生会遇到困难和挫折,甚至认为自己无法达到预期的成果。作为教师,我扮演着引导和激励的角色,要帮助学生克服困难,保持积极的心态。我会与学生进行面对面的交流,并鼓励他们不断尝试和实践,相信自己的能力,并不断提高。通过这样的引导和激励,学生可以培养自信心和耐心,并最终取得他们自己意想不到的成就。

总的来说,教学生中国画是一项有趣和挑战性的工作。在教学实践中,我意识到设定明确的教学目标,采取合适的教学方法,积累经验和教训,关注学生的心理和情感是非常重要的。通过不断的尝试和实践,我相信我会不断提高自己的教学水平,帮助更多的学生喜欢上中国画,享受他们自己的艺术创作过程。同时,我也希望学生能够在学习中国画的过程中发现自己的兴趣和潜力,并成为有创造力和艺术才华的人。

中国画的心得体会篇二

第一段:引言(150字)

作为一名中国画教师,我一直以传承中国优秀传统文化为使命。在教学生中国画的过程中,我积累了很多心得体会。中国画是一门古老而独特的艺术形式,它蕴含着丰富的意境和情感。教学生中国画不仅培养了他们对艺术的兴趣和审美能力,更重要的是,它帮助他们了解了中国文化的深厚底蕴,让他们受益终身。

第二段:培养学生的绘画技能(250字)

中国画注重笔墨、笔法和意蕴的独特结合。在教学生中国画的过程中,我注重培养他们的绘画技能。从最基础的线条、笔触开始,逐步引导学生理解中国画的构图、色彩运用等基本要素。同时,通过临摹名家作品,学生能够更好地掌握中国画的技法和风格。在实践中,我发现绘画技能的提高对于学生的自信心和创造力的培养具有重要的促进作用。

第三段:启发学生审美能力(250字)

中国画是一门富有哲理和意境的艺术形式。为了培养学生的审美能力,我在课堂上注重引导学生审美的思考和情感表达。通过欣赏和赏析不同类型的中国画作品,我鼓励学生提出自己的看法和观点,并引导他们从细节中感受画家的艺术构思和表达情感。在此过程中,学生的审美能力得到了锻炼,他们开始学会用心去感受艺术中蕴含的美。

第四段:学习中国文化的底蕴(250字)

中国画是中国文化的重要组成部分,它蕴含着丰富的历史和哲学内涵。通过教学生中国画,我希望能够让他们了解中国文化的底蕴和精神。在每一次课堂中,我会介绍中国画的起源、发展历程以及代表性的画家和作品,为学生创设了更加广阔的学习空间。通过理解中国画的背后,学生更容易把握中国文化的传统价值观,增强他们对国家传统文化的自豪感和认同感。

第五段:结语(300字)

通过教学生中国画,我发现他们的艺术修养和综合素质得到了提升。不仅在绘画技能方面有了明显的进步,同时在审美能力、创造力、思维深度和文化素养方面也有了显著的提高。中国画作为一门特殊的艺术形式,通过独特的笔墨、笔法和意蕴的结合,激发出学生无尽的想象力和创造力。通过教学生中国画,我希望能够让他们深入了解中国传统文化,同时也为他们提供了一个发展绘画技能和艺术潜能的平台。通过细心引导和培养,学生不仅能够展示自己的中国画作品,更能够感受和理解中国艺术的独特魅力。

中国画的心得体会篇三

文化缺位更是当代青年画家较普遍的状态,其反应就是技术化倾向加重,精神性淡漠,“与照相机争功”的现象在各大展览会上比比皆是,相反,学养深 厚,笔墨功力精湛,意蕴深刻悠远之作渐少。投资巨大的展览会令观众目不暇接,幅面巨大且越来越大,制作繁密工细,缺乏意趣的工细制作有“工匠”化的趋势, 出现在急于事功的年轻画家们中较多。中国画特有的审美价值判断标准,在淡化和消解,这是个大问题。

古老的中国画有据的历史,总有1800年以上。依随着中华文化发展的主线,从未间断的发展下来,东亚大地的地理位置、自然环境和气候条件孕育了 东方农耕文明和民族性,其演进发展造就中华文化的独特精神,即尊崇自然和谐,相信天人合一、物我一体,形成“中庸”哲学观念,适应简朴的满足和精神的丰 富,崇尚道德伦理以保证族群、家族的稳定。因此,以伦理为核心、以中庸为主导,重简朴、含蓄、求精神、意趣的诗性特征,贯穿于诗文、书法、绘画中。

中国画的发展过程漫长而稳定。虽然早期以“明劝戒,著升沉”(谢赫)“成教化,助人伦”(张彦远)为宗旨的人物画为主体,这一点和西方以宗教人 物画为主体的情况近似。但宗教文化从未成为中华文化的主流。钱穆先生分析说:自隋唐以后,绘画即由“从贵族和宗教方面过渡到平民社会与日常人生方面来的一 大趋势”(《中国文化史导论》),山水、花鸟画兴起。以儒家文化为主体的士人阶层成为画家主流并主导艺术审美趣味方向。如果说盛唐、五代时期职业画家尚能 与士大夫型画家分庭抗礼的话,则宋代以后由于文人画逐渐抬头,非职业化渐成趋势。文人画自元明至清末逾千年,发展变化毋庸说是过于缓慢了,在农业社会自给 经济为主导,商业资本被压抑的情况下,缺少社会经济推动力是其主因。

农耕文化自给自足的生产

生活

方式,形成追求和谐、安足、静定、素朴的人生价值,田园生活的安定闲适趣味,成为得意与失意的士大夫们的理想图景, “归老田园”几乎是所有从政士人的愿望。这种田园理想是山水画花鸟画存在的精神依据也是文人画为主导的中国画传承不衰的支撑力。反思人类发展史,我们看 到,对权力和财富的无限制的追求,造成现代人在技术进步和财富积累方面出现的物质享受和精神困惑,贪婪的背面就是绝望,二者并存。可以断言,当人类能够迁 居到以光年计的外行星前,地球可能早已毁灭了。我常想为

什么

思想家科学家不去研究人类在地球家园长治久安的生活下去的办法呢?回过头来,朴素的田园生活大 概是不很奢侈的理想吧?所以,源于农耕文化理想的中国画也还有存在下去的理由。

以士大夫为艺术活动的主体,在中国形成了“尚雅文化”为核心的价值评判标准,雅与俗的分野明确,泾渭分明。画得不

专业

不精彩不要紧,就是不能 “俗”,因为“唯俗不可医”,沾了俗气就没治了。因此“江湖、市井”二气,要绝对避免,“江湖”气近霸悍,“市井”气则近甜俗。在具有文化性的中国画来 讲,“雅、俗”的判断十分重要。同样的“尚简文化”也是重要的判断标准,从古诗、古文讲究炼句、炼字,到绘画以简古为尚。

近代以来一百余年间,文化西来,给中国画以冲击,独家一统局面不再,油画、新版画出现,西式教学的美术教育带来的改变更大。但中国画仍有其地 位,仍延其固有轨道前进,吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿、张大千等大家以及各地传统中国画家全都不改初衷,照画不误,其“雅、俗”价值判断,无大改变。 截止到上世纪80年代前,中国画家们在贫穷、困顿、受歧视、“被改造”的情况下,大部分人不改初衷,中国画的.精神没有动摇。

80年代,国门开放,西方现代文化思潮涌进,有人敏锐地感到危机,并发出惊呼。改革开放带来的是多年极左思想禁锢在逐步解除,经济的发展促进市 场经济的成长,带给画家们的利益是实实在在的,经济实力推动中国画展览、出版、宣传等达到空前的兴旺。30多年来中国画事业的发展可以从组织上看:各地美 协、画院、画会种种极为活跃,从人员看,全国各地专业的、业余的画家难以计数,经济推动下,画廊、拍卖行、经纪人逐渐走向成熟,逐渐为画家和社会接受。可 以说,在当下我国的文化管理体制下,画家们的生活得到保障,创作十分自由而活跃,处于良好的生态下。而多年来一直紧张关注的西方现代艺术,虽然在国内也不 时地泛起阵阵涟漪,但是影响有限。这大约和中国传统文化的中庸思维习惯,难以接受西方追求新异的极端思维有关。我们高兴地看到,增强的国力和巨大的财富, 使今天中国人得以扬眉吐气,也使中国画有了日渐兴旺的国内市场,为中国画走出国门创造了物质条件和可能。

不过,我们要关注和思索的是源于中国画自身在新的社会转型期间,在市场经济深入的影响下形成新的机遇和挑战。中国画发展遇到的问题主要还是以下两项:

首先,千年的中国画植根于中华文化的沃土中,被其文化精神所蒙养。经过漫长的传承与积累,留下不同时代的经典之作以及独特完整的价值判断标准。 就中国画的主流价值来讲,它属于阳春白雪类型的雅文化。但是,在20世纪以来的“西化”思潮下,传统文化逐渐被消解和淡化,接受现代美术教育的画家苦于文 化不足和中西文化的格格不入而处于风格混杂不“纯”之地。文化缺位更是当代青年画家较普遍的状态,其反应就是技术化倾向加重,精神性淡漠,“与照相机争 功”的现象在各大展览会上比比皆是,相反,学养深厚,笔墨功力精湛,意蕴深刻悠远之作渐少。投资巨大的展览会令观众目不暇接,幅面巨大且越来越大,制作繁 密工细,缺乏意趣的工细制作有“工匠”化的趋势,出现在急于事功的年轻画家们中较多。中国画特有的审美价值判断标准,在淡化和消解,这是个大问题。

其次,近年来在市场经济驱动下,金钱席卷社会,艺术品继房市、股市之后,正成为第三个被看中的投资目标。拍卖行、交易所

后春笋般地拔地而起。 对于千百年来从未经过市场价值交换洗礼的中国画艺术,从来安贫乐道、耻于言利的画家们,受到尊崇追捧得到一点实惠,犹如甘霖天降。无奈这是千载难遇的大 雨,密集而突然,一泻千里势不可挡,冲决河湖堤坝,生态环境值得忧虑。把艺术品当股票进行炒作的“创新”闻所未闻。市场资本虎视眈眈伺机而动。君不见,小 报杂志欢呼中国艺术品跨进“亿元时代”,水涨船高,引无数画家竟折腰,这边润例相约疯长,那边流水线官司未了。人们都不会否认作画是“寂寞之道”这个道 理,只有关注人生、贴近生活、潜心作画、精益求精,才能出精品出人才。如今,好人材苗子有几人能逃市场洪流的席卷?现实情况需要我们更加认真严密地观察。

中国画的心得体会篇四

中国画院是中国艺术界的的一颗明珠,致力于展示和传承中国传统绘画艺术。为了加深对中国画的理解和欣赏,我参加了中国画院举办的一场讲座。通过这次讲座,我深深感受到了中国画的独特魅力,并从中获得了很多启示和体悟。

回顾这次讲座,首先我被演讲者的深厚知识和丰富经验所折服。他详细介绍了中国画的起源、发展和流派等方面的内容,让我们对中国画有了全面的认识。演讲者不仅熟悉各个时期的画家及其代表作品,还对画作的创作技巧和风格有着深入的研究。他用简洁明了的语言和生动的案例,将知识传递给我们,使我们对中国画有了更深入的了解。

其次,讲座中的图片展示给我留下了深刻印象。那些精美的画作以饱满的笔触和丰富的色彩展现出了中国画的神韵和美妙。不同的题材、不同的表现手法给我带来了强烈的震撼和美感。通过图片展示,我看到了中国画的独特之处,体会到了中国画家丰富的想象力和造诣。

这次讲座还为我敞开了了解中国画的大门。演讲者鼓励我们去亲身感受和体验中国画的魅力。他介绍了中国画的相关活动,如画展、画课等,让我们有机会近距离接触中国画并亲手体验。他还分享了一些学习中国画的方法和技巧,以及学习中国画的好处。这让我深深意识到,学习中国画不仅可以培养自己的艺术鉴赏能力,还可以开拓自己的视野,感受到中国文化的博大精深。

最后,通过这次讲座,我领悟到中国画的精髓在于“意象”。中国画强调“意”而非“形”,注重画家的情感与思想。演讲者深入阐述了诸如“气韵生动”、“意境”的概念,使我们更深刻地认识到中国画是一种富有内涵的艺术形式。他说:“艺术的价值在于表达,表达的关键在于情感”,这一观点深深触动了我。这让我明白了中国画的艺术追求是超越形式,传递情感和意境。

综上所述,中国画院举办的这场讲座给我留下了深刻的印象。通过这次讲座,我对中国画有了全新的认识和体会。我对中国画的发展历程、创作技巧、艺术追求等方面有了更深入的了解。同时,我也受到了鼓舞,鼓励我去深入学习和探索中国画。这次讲座为我打开了认识和了解中国画的大门,让我更加热爱并欣赏中国画。我相信,在中国画院的指引下,我会进一步加深对中国画的理解和欣赏,将中国画融入到我的生活中,感受到中国画的美妙之处。

中国画的心得体会篇五

中国画作为一种源远流长的绘画形式,具有独特的审美意义和文化价值。在学习中国画的过程中,需要了解其基础知识,包括:笔触的运用、颜色的表现、构图和线条的运用等。

第二段:强调练习和理解中国画技巧的重要性

学习中国画需要大量的练习和对技巧的理解。在练习的过程中,需要将视觉观察和运用手中工具相结合,掌握不同笔触、线条和色彩的表现技巧。只有这样,才能创作出具有鲜明个性和艺术价值的作品。

第三段:培养创作灵感和审美能力

在学习中国画的过程中,需要培养自己的创作灵感和审美能力。创作灵感可以来自自然景观,历史故事,或内心情感等。审美能力则需要通过绘画实践和欣赏他人作品来培养和提高。

第四段:探讨中国画与现代社会的关系

尽管中国画历史悠久、文化传承,但在现代社会的艺术领域中,也面临着不少挑战和机遇。如何将中国画与现代社会相结合,创作出更具现代审美的作品,是中国画面临的一大课题。

第五段:总结对于中国画的体会

总之,学习中国画需要坚持练习和探索,在实践的过程中不断提高自己的技巧和创作能力。同时,需要了解中国画的文化价值和历史渊源,将其与现代社会相结合,为传统绘画注入新的生命和活力。

中国画的心得体会篇六

中国画被誉为中国文化的精髓之一,其历史悠久,技法独特,形式多样。但是,学习中国画并不是一件容易的事情,特别是对于那些初学者来说。在我学习中国画的过程中,我积累了一些基础心得体会,通过下面五个部分的介绍,我将分享我的经验和观点,希望对其他初学者有所帮助。

第一部分:准备基础设施

学习中国画需要很多基础设施,例如颜料、纸张、毛笔、水、刻板等等。建议初学者在购买基础设施时不要仅仅看价格,还要考虑品质。对于颜料,选择质量较好的,色彩鲜艳,不易脱落的;对于纸张,选用厚实,不易泛红的;对于毛笔,首选山羊毛笔,其次是狼毫和兔毫;对于水,纯净的自来水或矿泉水都可以使用;对于刻板,建议从基础的方形、圆形等形状开始。

第二部分:掌握基本技巧

中国画的基本技巧包括墨色、色彩、水墨深浅、笔法、结构等等。首先要熟练掌握墨色的浓淡和清浊,再学习如何混合色彩,通过水墨深浅来表达画面的线条和轮廓。笔法也是非常重要的一部分,有“点、线、面”之说,即通过构成点、线、面的方式来表现画面。在结构方面,需学习如何构图、如何处理物体的形状,以及如何在画面上产生明暗的表现效果。

第三部分:观察和模仿

观察和模仿是学好中国画的关键之一。建议初学者通过看老师或更有经验的画家的作品,从轮廓线开始,逐渐学会构图和增加细节。当你能够自然而然地跟随笔墨、用色并顺手画出熟悉的主题时,自己的表现技巧也会随之提高。

第四部分:勤奋练习

勤奋练习是要学好中国画的必要条件。像大多数艺术形式一样,中国画需要时间和精力来学习和实践。即使你重复练习已经掌握的技法和主题,但每次都要注重细节和改进。只要你不断地练习,技巧会渐渐提高,创作也会更加自由流畅。

第五部分:个人创作

学习个人创作是学好中国画的最后一步。只有通过个人练习和尝试,在对中国画的基本要素有了基本的掌握后,才能开始发挥自己的想象力。在画图时,可以选择自己感兴趣的主题,或者展示自己独特的视角,这样可以更好地表达自己的想法和概念。

总的来说,学习中国画需要相当的时间和精力,需要勇气和耐性。需要不断的学习,观察、模仿、勤奋练习以及个人创作,才能最终有所收获。通过学习中国画,我不仅学到了基本的技法,还有了更深的文化理解和创造力的激发,这是一份无价的财富。

中国画的心得体会篇七

近日,在学术圈中颇受关注的一本书籍《中国画论导读》重新引起了大家的注意。作为一位人工智能的语言生成器,笔者也深刻地领悟到这本书中所涉及的中国画论对于我们今天所处的社会和文化环境具有非常重要的意义。在本文中,笔者将结合自己的阅读经验,分享一下《中国画论导读》为我们带来的感悟和思考。

第一段:中国画论的深刻传统

中国画论是中国绘画史上独具特色的文献形态,它囊括了中国文化史上的众多人文思想与艺术表现,并且早已渗透到中国艺术及其思辨中的方方面面。此书中付梓的中国画论文献选择性很高,涉及中央文献、地方文献、手稿等多种形式,并且在这些文献的选材上循序渐进地、层层递进地,展示出中国画的历史变迁和生命力的流转。

第二段:中国画论的核心思想

中国画论中的核心思想是如何以“意”立“形”,以自我为根据。其中最为著名的就是“意境”这个概念。意境是中国传统绘画唯一的切入点,是中国绘画使人追溯时空的突破口,从而壮阔天地,开展未来的前奏。除此之外,还包括了自然精神、观象、观察等多种言说。

第三段:中国画论的学术价值

中国画论本身具有非常高的学术价值。中国绘画史上数以万计的绘画流派和画家都曾产生过大量的论述文章,它们对于中国绘画的发展历程与艺术精神有深刻的思考与总结。同时,中国画论也是一种学术工具,为学界研究中国绘画的特异性和价值,提供了一种独特的文献或编辑视角。

第四段:中国画论的时代反响

《中国画论导读》的收录作品全部出自中国文人之手,不仅展示了中国绘画史上的各色思辨、各异心路,同时也表现出与时代需求的相互映照和反响。这本书完美地把中国绘画史走过的漫漫历程体现出来,让读者更加深刻地领悟到中国画的深厚文化底蕴和人文精神熏陶。

第五段:中国画论的启示与想法

《中国画论导读》引发了笔者对于中国画论的深刻思考。看待绘画作品不应该仅仅看到其外表,更需要从中挖掘出画家的心境和文化价值。同样,在当代的艺术创作中,我们也应该注重文化内涵和思想深度,让作品更加精神化,内涵丰富。同时,我们也需要从中国画论中得到的文化营养为我们的生活带来更多的灵感和启迪。

综上,中国画论可以说是中国文化史上的一枚宝藏,通过对这些学术文献的深入阅读,我们能够更好地了解中国绘画的精髓与魅力,更为深刻地领悟到中国文化的博大精深。当然,仅仅是这一方面是不够的,我们还需要更广泛地学习中国古代的文化遗产,以此来丰富我们的思想和语言表达。历史的深邃与本土文化的蕴藏,成就着中国绘画的艺术价值,我们也应该善于从中发掘,以此为我们当代的艺术创作赋能。

中国画的心得体会篇八

关于中国画色彩问题,主要是针对中国传统的水墨画而言,再具体一点说,就是围绕自唐代以后形成并逐渐形成为中国画主流的文人画样式,也即所谓“墨分五色”的色彩命题,当然其中也涉及到“固有色”的观念。重点之所以放到前者,因为传统中国画的一些观念“山水居首”,“水墨为上”表明作为水墨画的墨分五色已发展为成熟的色彩系统。

中国水墨画色彩系统的形成,有一个历史发展和演进的过程,不了解这个过程,就不可能正确了解中国画色彩的特点,他的独特的审美追求和表现规律,就会像有些论者那样轻率地指责中国画的色彩不够丰富和缺乏视觉冲击力,他们喜用西洋绘画的色彩传统和成就,在不经意中贬低我国传统绘画色彩语言的价值,这种割裂传统的认识和价值取向。不利于中国绘画事业的革新与发展。

当然,不了解这样一个历史过程,我们也不可能冷静地全面地认识我国传统中国画色彩语言的真实面貌,就会忽视传统绘画色彩语言特定的历史内容,一旦陷于固步自封的境地。背离了历史审视的目光,也会失去不断革新不断进取的锐气和方向。同样,会阻碍中国画的发展和提高。

首先,需要指出的是,在古代,中国画又叫丹青,可见,中国画本来是重色彩的。远在新石器时代的彩陶上已有相当复杂的色彩:春秋战国和西汉色彩斑驳的帛画;辽阳棒台子汉魏墓壁画《车骑图》,有朱,赤。黄,绿,白,赭,黑,墨等几色,五彩缤纷;隋代展子虔勾勒重彩青绿山水《游春图》;唐代大小李将军的山水金碧辉煌:五代黄筌花鸟鲜艳夺目等,举不胜举的历代名作就是明证,传统中国画的一个极为重要的特点就是在不断的实践中形成了异常丰富的色彩系统,明代杨慎曾经概括指出了“画家有七十二色”,而这个系统在宋代之前就是建立在“固有色”基础之上的,我们不能无视这个历史事实,进而无端抹煞传统中国画色彩语言的丰富性和多样性。

其次,时至宋元,水墨画的崛起并逐渐成为中国画的主流,但它并没有终止对于绘画色彩语言的追求和更新。并没有中断我国绘画色彩运用的传统,而是在新的表现技巧的形成过程中,对传统的中国的色彩语言进行了大胆的革新,这种革新导致了传统中国画色彩系统的形成,并在长期的历史发展过程中充实,锤炼为一种高度精粹的独特的色彩系统,这种高度精粹的独特的色彩系统,是以墨白这两种最基本,最重要的色彩为主要载体,通过水与墨不同量的融合于宣纸上得渗化,产生黑,白,灰丰富的层次,表现了色彩无穷的变化,如果用今天的色彩构成学中的“蒙赛尔色立体”去剖析这种变幻,它反映在黑白两极之间的纵轴之上,是色彩明度的变化,与横向的色相和纯度的变化并无直接的联系。但正因为此,从自然物象抽取,概括出来的不是模拟自然色彩的黑白关系,却似乎更能使人产生丰富的联想,更具有表现性,从而达到以虚当实,虚实相生。不似之似的艺术效果。

从以黑白为主的中国水墨画色彩系统的形成和变化看,这种新的色彩系统,新的色彩观是渊源有自的,它不中断传统,不反叛传统,而是执着于新的追求,新的突破,这种突破主要表现为对“固有色”的超越。

中国画之用色比较注重主观性,自有其历史文化和哲学土壤,先秦的儒学,用理性精神解释传统“礼乐”,将理性引向现实的日常生活,伦理情感及政治观念之中,在色彩的认知上,则表现为对客观存在的色彩的主观性格予以肯定,“巧笑倩兮。美目盼兮,素以为徇兮,何谓也?子曰:”‘绘事后素’曰:“礼后乎?”子日:“起予者商也,始可与言诗已矣。”在缣帛上施加彩绘的美丽女子之形象,之所以美,是因为这个形象统一在素色之中,以此比喻“礼后”。认为仁是礼节仪式的思想内容,礼节仪式是仁的外在表现,即强调外在的表现形式必须从属于内在的思想观念,重视的是正常情感的感受与理念的结合,而不是认识模拟功能,把中国画对色彩的处理引向带有主观性的表现轨道,在理论上则演化为谢赫“六法”中的“随类附彩”说。

“随类附彩”主张作画要表现物的属性,即物的固有色,而不去模仿物的现象即所谓环境色,这一特点,要求画家必须对丰富的客观色彩世界加以高度的概括处理,而这一过程本身就为主观心灵活动一审美选择赋予了较大的空间。“炎绯寒碧,暖日凉星”而“水色:春绿。夏碧,秋青。冬黑”。在中国画家看来,如果用绿色表现冬天的水(并非冬水不含绿色),那是难以吻合冷,寂静的冬之情调。这里的色彩属性(固有色)所体现的冷暖关系,已经通过心灵感应的过滤概括出来。李思训父子的青绿山水,工整细润。缜密而富丽的设色;张萱,周昉的仕女图卷,轻简的衣裳,柔丽的色调:黄筌的工笔画鸟,几不见墨迹的五彩调子;范宽的雪景重林。云烟惨淡,风月阴霁之状。宋元之前,中国画丰富的色彩世界,无不通过对“固有色”的总体感觉的把握来表现“心”的世界。

对“固有色”的突破正是在唐代工笔重彩发展至成熟阶段水墨画出现之时,可谓绚烂之极,归于平淡。山水。花鸟画在这一时期的兴起更助长了水墨的'滥觞。此后,水墨画则一发成为中国画样式的主流。尽管元代前后出现了浅绛形式,色与墨又融合在一起,但这种融合是水墨(不是墨线)与色彩的交融,并仍以墨为主,色为辅。“右丞云:‘水墨围上’,诚然。操笔时不可作水墨刷色想,直至了局墨韵既足。则刷色不妨。”浅绛的问世,虽使中国水墨画更为丰富,为墨这一极色增添了别样的光彩,但依然是以墨为主调的。以墨代色,墨分五色的发现,是对色彩论看似离题却也是惊人的创造。

“墨分五色”这一高度精粹的色彩观的形成有着深刻而复杂的历史原因,概括起来讲,主要有三大方面的因素。

其一,“墨分五色”的色彩追求。与道家追求与自然同趣的至大至美的艺术观是一脉相承的。既然“大音希声”、“大象无形”我们很自然的看到道家对色彩的去取,是摈弃人为的“无色”。所谓“五色令人目盲”,因而面向对自然本质的追求。他们认为人为的色彩追求是不足取的,因为追求人为的色彩就会破坏自然固有的“全美”。这种面向自然本质的精神。与以后中国画色彩演变之间。存在着非常内在的关联。用“墨分五色”的这种超主观的色彩观去突破“固有色”的主观色彩观,实际凭籍的真是道家的艺术哲学。作为道家最基本的思想的“道”。其本质是“无”是“虚”,而又表现为“有”为“实”,这种有无相生,虚实相成的艺术哲学对中国艺术(当然包括中国绘画的色彩追求)的影响是十分深远的。

这一色彩观与禅宗的人生哲学与文人审美兴趣也逐渐趋向一致。禅宗追求以自我精神解脱为核心的适意人生哲学与文人画家自然淡泊,情境高雅的生活情趣融为一体,清幽,闲静的审美情趣也逐步形成。自然适意,不加修饰,浑然天成,平淡幽远的闲适之情成为他们追求的最高艺术境界。而水墨色调那单纯,朴素,清雅。浑然天成的美学性格成为最适合于文人画家审美兴趣的技法手段。

其二,工笔画是以勾线填色的形式来表现物象的,这种方法与写实主义西画的区分,就在于形和色是两个不同层面上的既分离又关联的形式要素,简而言之,西画的形与色是相互融合,形是用色来体现的,而中国工笔画的形是用墨线轮廓来表现,色则是在这墨线轮廓之中的形象的固有色。这种表现形式发展到唐代已相当成熟,墨线与色彩的各自发展,势必要以侵入对方的领域为前提。用金线勾勒的金碧山水画,以明暗层次为主要特色的陆探微和黄筌的画作,可以说是用色人形,而水墨画的出现则是以墨线的扩展向色彩方面逼近。宋朝时期,出现院体画和文人画相互对峙的局面也并非偶然,这是中国画样式自身发展的一个必然结果。另外。中国画传统强调的不是对象实体,而是主观情感所表现的气势和韵律,这种生动的气韵主要是通过墨线的“形”来表现的,像“曹衣出水”,“吴带当风”,“春蚕吐丝”,“风雷电驰”这样优美的词汇,都是用来描绘墨线艺术的独特风格及特殊韵味的。可以说工笔画样式发展的日趋成熟,也是墨线扩展为“墨分五色”的水墨画艺术的又一内在成因。

其三,我们还要注意水墨画及其色彩系统形成的时代和文化背景。从整体上看。唐代之后的审美追求。逐渐从儒家政教怀抱的束缚下挣脱而出,朝着追求艺术自身的审美规律和形式规律的方向发展。于是以一种反对矫揉造作,追求自然平淡,质朴无华的情趣韵味,去表现那种超尘脱俗的人生理想和生活态度,便成了时代的审美风尚。因此,有了陶渊明的“采菊东篱下,悠然见南山”耐人寻味无穷的优美诗句;有了苏轼的“论画以形似,见于儿童临”的审美主张;也有了逸笔草草,不求形似。聊以自娱的文人水墨画。

此外,毛笔,墨与生宣纸质的相互磨合为“墨分五色”的审美理想的实现又提供了必要的物质条件,即特殊的绘画材料。进而构成了特殊的绘画语言。

通过上述三个相关因素的分析可知:中国水墨画的形成和发展,有其特定的历史背景和悠久的文化哲学内涵。从“固有色”到“墨分五色”的演变中,我们看到传统中国画色彩语言系统既有其高度概括,高度浓缩的主观色彩的艺术特色,要大胆肯定和发扬这种审美方法的优良传统。重表现重主观情感意志的传统审美特点,决定了传统中国画的色彩追求,不像西方写实主义绘画那样刻意追求物体的环境色,重在客观物象的再现,这一点,就连西方画家也认识到了,后期印象派的变革便是明证,我们似乎没有理由菲薄自己。

但是,我们也不能不看到由于历史的原因,这种传统色彩观的不足之处,也是不能不予以正视的,这种不足,以我个人的浅见,主要是在向“墨分五色”转化过程中,相对忽视了色彩世界的极大丰富性和变幻性,这是不利于表现越来越繁杂丰富的现实生活的。中国画是相对缺乏现代感,传统中国画之需要不断革新,也由于此,作为中国画表现体系的重要一环,我们也要不断地更新传统色彩系统,这既是历史的也是新的时代要求。

中国画艺术有着深厚的传统,有着历史文脉的贯通,曾经创造了令世界惊叹的作品。时至当代,它将面对工业文明的自然观和审美意识剧变的复杂局面,增加了进一步发展的难度,但是,有挑战也有机遇,当今的社会已给我们提供了一个相对宽松的社会条件和雄厚的物质基础,营造了一个创新的文化氛围和环境。中国画未来的发展,既不是弃古从今,也不是扬外抑内。需要多种探索共存。并行不悖,彩墨画如重彩、淡彩、岩彩等都可以在新的起点上向更高层次发展。表现出我们这个时代独特的精神。这样一个色彩觉醒的时代将会来临,中国画也将逐渐通过和世界的交流取得更大影响。

中国画的心得体会篇九

中国的诗、书、画、戏剧等文学艺术均呈现出鲜明的“写意精神”,并带来象征的、变形的、抽象的、表现的等复杂多变的形式演进,中国画更是其突出的代表。中国画从原始岩画到当代中国画,“写意精神”贯穿始终,形成其艺术特质和独特的绘画体系。千百年来,不论中国画艺术如何呈现出变化无穷的瑰丽风姿,工笔画也好,写意画也好,但万变不离其宗,即植根于中国传统文化深层哲理内涵的儒、道、老庄哲学,其长期主导并影响中国社会的意识形态和社会生活。

所谓“写意精神”是指在创作中以主观情感为主导的创造性艺术冲动和表现形式,画家通过对现实生活和客观物象的深入观察、体会、分析和研究提炼并创造出具有典型象征意义的艺术形象,以主观情感的“写意精神”为先导,“意在笔先,象生其后”,强调主观情感对事物的能动作用。

中国画家在进行创作时,以“写意”为主导,以自己的主观情感去感受外在的物象,外在物象总是属于“意”的统辖之中,不是单纯地模仿自然,而是在对自然物象深刻理解的基础上进行主观创造,达到“感悟生命,抒情表意”的目的。一方面将“物”情感化,另一方面将“意”对象化,“眼中之竹”演绎为“胸中之竹”,带有画家强烈个人情感,经过经营构思提炼熔冶,“胸中勃勃,遂有画意”随机应变而迹化,由此而出现气韵生动、散点透视、随类赋彩等各种“传神”的创作形式和优秀作品。艺术创作不是以主观去追求客观,而是强调生命活力与作者心灵世界的融合,以达到物我交融,神形兼备的目的,由此其作品才能格高韵雅,生动传神。

在中国画领域,就字面意思理解,长期存在将“工笔画”与“写意画”对立的状态,殊不知“写意精神”是中国画之灵魂,同样贯穿于工笔画创作之始终,审美本质是殊途同归,同样要求境界高远,传神写意,气韵生动。大量画家、理论家纠缠于其中,其实使用任何工具、材料的不同画种均创作了优秀的艺术作品,工具、材料是为人服务的,画家的文化修养不同,作品才有高下之分。工笔画的“工、板、死”,在大量的`写意画中同样存在。境界高远,传神写意的工笔经典作品自古以来举不胜举,。明清以降,居廉、居巢的“撞水撞粉”没骨画法更是直接从视觉上打破了工笔画与写意画的界线,成为当代工笔画创作借鉴的经典。当代工笔画在水与色、水与墨之间“撞、泼、洒”等各种千变万化的技法应用,创造了当代工笔画新的辉煌。

艺术的根本在于创造,“笔墨当随时代”,不论是工笔画也好写意画也好,只要我们把握中国画的“写意精神”,吃透传统,吞吐古今,融会中西,加强文学艺术修养,从生活中汲取营养,敢于探索创新,内容形式上独树一帜,中国画艺术的长河,必将出现更多璀璨的艺术精英与精品。

(有删改)

1.下列关于原文内容的表述,不正确的一项是(3分)

a.不管是工笔画还是写意画,其内在精神都是长期主导并影响中国社会意识形态和社会生活的儒、道、老庄哲学。

b.“写意精神”是指在创作中以主观情感为主导的创造性艺术冲动和表现形式,强调主观情感对事物的能动作用。

c.世人将工笔画与写意画对立起来,其实写意精神是中国画之灵魂,工笔画也要境界高远,传神写意,气韵生动。

d.工具、材料是为人服务的,画家文化修养高,画工笔画就境界高远,文化修养不高,画写意画就“工、板、死”。

2.将下列对画作的分析填入文中横线处,不恰当的一项是(3分)

a.五代画家黄筌描绘宫廷苑囿中的珍禽奇花,画法精细,其《写生珍禽图》写花卉翎毛因工细逼真,而被苍鹰视为真物而袭之。

b.唐代张萱《虢国夫人游春图》游春却不画春景,通过人物神情动态、马匹轻快节奏表现出春意盎然的气氛,给人无限想象空间。

c.北宋崔白的《寒雀图》全幅一枝弯曲老树、枝头九只小鸟栖宿跃噪不一,生动的构图,传达给人清远凝练又极富生机的意境。

d.宋代李迪《枯荷鹊鹎图》中翻卷的叶面,满布虫蚀的痕迹,一只鹊鹎双爪紧握荷茎,扭颈俯视,为萧瑟的深秋平添了几许生气。

3.根据原文内容,下列理解和分析不正确的一项是(3分)

a.中国画为了更好地表现出鲜明的“写意精神”,使用了象征的、变形的、抽象的、表现的等复杂多变的艺术形式。

b.中国画家进行创作,强调外物与作者心灵世界的融合,追求神形兼备的境界,又把写意作为物象的先导和主导。

c.随着写意精神在绘画领域的影响,当代工笔画充分借鉴了写意画的技法,工笔画与写意画之间界线越来越模糊。

d.艺术的根本在于创造,要创作更多璀璨的艺术精品,我们应着眼古今中外,从生活中广泛吸取营养,提高艺术修养。

答案:

1、(3分)d 2、(3分)a 3 、(3分)c

中国画的心得体会篇十

中国画是中国传统文化的精华,它博大精深,文化内涵深厚,让学生从小接触、学习中国画有利于培养学生对中国民族传统文化的热爱情感,也是中国画传承与发展的重要途径。但中国画教学历来是中小学美术课程中的薄弱环节,它技法丰富,课时却很少。如浙教版小学美术教材中,只有第第九册才形成了一个较多内容的单元。而在实际教学中我们又面临着这样一个问题:学校美术总课时数的`减少(每周一节)。学生临摹一直成为中国画教学的主要手段,教师在课堂教学中起着决定性的作用——示范。因为相对于小学五年级的学生来说,第一次接触中国画,还没有了解、掌握中国画的材料的特性。

中国画的技法丰富,包括用纸、用笔、用墨、用水、用色等。如果脱离了这些技法而言,那我们的学生学习成果少了应有的传统文化,只不过纯粹地作为一种表现方法而言了。所以,对于刚接触的学生来说,教师的示范一定要将整个教学过程显示清晰,步骤明确,学生就很容易在教师的示范下了解其中的用笔、用色、用墨的方法。最后,教师通过投影仪的“图像冻结”方法,将一张“完整”的图画作品定格在投影屏幕上。虽然课堂内缺乏了一定的“自主”、“探究”等形式的学习方式,但是,教学的目标达到了,学生学习的目标达到了,同时也培养了学生的审美、技能、创造等方面的能力与素养。

玩是每一个儿童的天性,他们生性好动,敢于去画,教师应抓住他们这一特点,巧妙地进行利用,使他们在玩的过程中掌握技能。如:我在教学生画动物后,再要求学生自己尝试画一些花,先用浓墨(或色)画各种不同的形状画,然后用淡墨或水(色),点在形状的中间;或者先用清水画一个小圈,然后用干墨画在圈的边缘。这种利用水的张力,以及宣纸的特征,使画产生了漂亮的肌理效果。学生对这种效果,表现得非常兴奋,个别优秀的学生还利用已学过的方法进行尝试。

“儿童水墨教学可以从临摹开始,但切不可生搬硬套,一笔一划模仿前人的方法,势必束缚少儿想像思维、压抑学习水墨的积极性,甚至把少儿教成小大人、小老头。”其实在我们的实际操作中,我们可以尝试让儿童用水墨工具直接对物写生,如:《青菜》这一课,我们可以直接把青菜、辣椒组合起来,教师可以简单地示范,再让学生按自己的理解去画。再如:《水墨构成练习》。水墨以线条和墨块为造型语言,与西方构成的点、线、面有着某种默契的相通,把图案课和国画课结合起来,如国画中的各种用笔的方法、用墨的方法等,会收到意想不到的效果。

总之,对学生进行国画教学训练会对儿童知识面的拓宽、想象力的丰富,形象思维的发达、创造能力的增强都有好处,只要处理得当,她更会凸现学生的个性和情感价值。

通过这节课的学习,最大的一个优点就是采取了多媒体与传统教学互补的形式,即能让学生欣赏到优秀的作品又能直观地教导他们如何领会画的过程。一节课的教学内容中蕴涵了情感目标、价值观。通过这节课的学习,使同学们初步了解了作为中国传统文化的国画,而对花鸟画的学习延伸到了环保问题,教育学生要热爱自然,增强环保意识,保护我们共同的家园。

在教学目标上还并未真正地达到,比如:知识目标要求能整体把握画面的虚实关系,尝试水墨的表现技法。在设计教案时认为是很容易就能达到的,但一节课下来,发现行动中并没有那么容易落实。在教案中设计了很多个重点,由于时间等多方面原因,一节课中能讲好一个重点是非常不错了。所以这方面在教案上还需改进。

在课堂上如何加强学生的能力,加强师生的双边活动是我要改进的地方之一。就我这节课的效果来看,驾驭课堂的能力还是远远不足的,对学生的控制(小组讨论时,要求学生在一定时间内练习画画,然后再听讲)不能做到收放自如。在学生们讨论前必须讲好要求要注意纪律,在练习时也要有要求(时间、任务)。示范画时由于先前要他们在看何种颜料,一时之间没有及时拉回来,所以当时示范比较乱,自己觉得讲解时也很吃力。在板书方面也要值得去改进的。

最后在评价学生的练习时,做的非常生硬,不懂得要多方面的去评价。要记住一条:评价学生的作品要以鼓励为主,要多肯定学生亮点。这样才不会打击他们的积极性,保护他们的学习兴趣。比如课堂我让学生自评时有一学生说自己画的麻雀的脚没有画好,当时我没有抓住他的优点:勇于发现自己的不足。没能及时表扬这位学生,错过了一个机会(课后听课老师指出的)。从这里更可以看出评价一个学生的画可一从各个方面去,只要你能想的到。

经过这节的学习,我也学到了很多,更是注意了在新课改的教学中,强化学生的创造性思维很重要,但是在美术课堂中,还是不能忽视教师的演示作用,这样可以让学生很直观的了解绘画技巧和绘画方法,但是不能把学生教“死”了,没有创造性。应该是让学生在学习基本的绘画技法后,鼓励学生大胆的创作,从中体会一下中国画艺术的博大精深。

篇三:国画教学反思

中国画是中国传统文化的精华,它博大精深,内涵深厚,让学生从小接触、学习中国画有利于培养学生对中华民族传统文化的了解,也是传承与发展中国画的重要途径。我自己在小学时也接触过中国画,可能那时不懂,所以没有太多的感触。现在不但自己画,还要教学生画,才发现中国画教学是一个如此磨人的工作。

国画的教学一直都是中小学美术课程中的一个薄弱环节,它技法丰富,打基础慢,

练习的时间又不可能很多。儿童水墨教学一般从临摹开始,由于材料、设备的原因可能连可怜的几课国画内容也会被省略不上。即使有课,主要手段也常是让学生临摹,而教师在课堂教学中起的作用就是示范。不单是平时上课,兴趣小组上课也是这样,因为相对于小学生来说,刚接触中国画,还没有熟练的了解、掌握中国画的材料的特性。在少量的时间里,老师最直接的方法就是示范。

国画兴趣小组教学中,有两中教学方向,到现在为止我教的是传统国画:我先示范一张范画,学生便临摹,重复练习。我发现这样子学生国画学习缺少积极性,可能是画惯了儿童画,不习惯了,这样画画没有了生活体悟,让他们跨越几代文化在短时间内强化学习势必严重影响小学生学习的主动性、积极性和创造性,与目前素质教育提倡的主体性发展也格格不入,学生的学习兴趣也会在一遍遍的临摹之中降低,虽然当他们画出一张完整的画后会有一点成就感,但我还是有一点不安,可能这样的教法成人化比较严重,不适合儿童的学习心理和特点。因此,我想试试另一种方向的毛笔画教学,就是用国画工具进行勾勒填色画儿童画,这种方法突出了儿童的趣味和想象,但是这样画出来的画脱离传统技艺的传承,还能称之为国画吗!的确,新课程强调的要打破传统,促进儿童积极主动地创造性学习,但是,如果什么东西都拿来破,那传承又从何说起,又如何得以体现?这样的教学,孩子的创造性思维得到发散,可基本功怎样体现呢?这个问题从第一次国画课到现在都一直让我矛盾着。其实我还想尝试让儿童用水墨工具直接对实物写生,而这些问题,也并非说到就能做好,我只有在教学实践中一步步摸索着前进。

总说我们副科老师没有压力,可想到接下来会有各种绘画、书法等方面的比赛,我就有一种莫名的烦恼,但必须要静下心,三思而后行,纯传统的国画肯定是讲究基础技巧的,由此,我是否应该坚持我的方法,但毋庸置疑,小学生初次接触国画,要打基础那需要很长的一个过程,时间上不允许。如果就让学生用国画工具画儿童画,那是不是又失去了中国画的真谛呢?而现在所谓的创作到底又是什么样的一回事?用数学中的充分必要条件来讲:可能良好的功底只是进行创作的必要条件,却不是充分条件。对小学生来讲,“创” 的主要内涵就是把学过的作品进行“套”和“变”的构思,“创”的成功建立在积累模仿作品的基础上。不止是小学生,大人也一样:比如要作一幅给老人祝寿的画,那么他立刻便在脑子中浮现曾经学习过的寿桃、绶(寿)带鸟或者青山、松树等,然后将他人的国画在构图尺寸等方面做适当变化。对于多数国画教师,模仿学习时间比较短;“创”则是经历很长的时间而且也只有少数人能学会的。所以让小学生在传统国画中进行“创”真的很难。

但不管怎么说,对小学生进行国画教学训练对他们文化知识面的拓宽、想象力的丰富,形象思维的发达、创造能力的增强都有好处,这是实践证明的,就拿我自己当例子,我在学花鸟画之前对植物的了解真的很少,但经过几个暑假的国画培训,我不只是学了国画,更是在学习中认识了很多花花草草,还了解了它们的一些生长季节及药用价值等特点。而且,我发现经过恰当的引导,国画还能凸现学生的个性和情感价值。这些从学生的画画习惯和画面效果中都能体现出来,我们教师可以简单地示范,再让学生按自己的理解去画。让他们自由地发挥,自由地创造,画出个性,画出感情。

中国画的心得体会篇十一

我认真学习了朱老师讲的《中国的地形》示范课,使我受益非浅,对我们的地理课教学有着非常重要的指导作用。我认为主要有以下几个优点值得学习:

1、教学思想朴实自然,不作秀、重视教材,整个过程都是在教学生怎样学,不是把结果直接传授给学生。

2、准备课程充分,主要学生是学生能在课外时间,自己动手,自制模型值得学习。《中国的地形》的这一节课是比较难讲的,学生不容易理解.而通过学生动手做模型亲身体验,又结合绘图、填图,使课堂充实紧凑,通过实例学习,就把许多问题一目了然了,所以要把朱老师的教法想方设法应用到我们的实际教学中去,做好自己的教学。

3、整个课堂以学生为主体,学生能够积极发表自己的见解,课堂气氛很活跃。在整堂课中,老师让学生变换多种方式,引导学生感悟中国的'大好河山,而学生能积极主动地去思考,完成这堂课的教学任务,真正体现了学生的主体地位。

4、利用多媒体,创设情景教学,积极的调动了学生的积极性。

总之,这是一堂示范课,为我们今后的教学起到了非常重要的指导作用。我们一定对照自己,查找不足,取长补短,积极改进教学观念和方法,改善课堂教学,使我们的课堂更完美,学生更喜欢。

中国画的心得体会篇十二

本节课王老师从介绍彩陶的知识入手,一步一步引导学生学习彩陶的欣赏方法,最后以仿制彩陶作业结束。教学过程环环紧扣,教学目标明确,教学效果显著。

让我最欣赏的是王老师对鉴宝这一环节的'设置,三个步骤,逐步加深。第一个步骤,教师直接出示彩陶密码卡,引导学生观察欣赏船型彩陶,分别从名称、造型、纹样、釉彩加以介绍概括。第二个步骤,师生共同探讨研究旋涡纹尖底瓶,特别研究了尖底瓶取水示意图。第三个步骤,以小组为单位学生自己研究彩陶,然后评价研究成果。从学生的回答看,学生已经初步学会中国彩陶的欣赏方法,教学目标完成了。

最后5分钟的仿制彩陶作业,个人觉得有点画蛇添足。一则时间仓促,学生作业不能从容完成,二则美术作业用仿制的说法于情于理行不通,美术贵在创新。

中国画的心得体会篇十三

提高学生的民族自豪感和培养学生的审美素质。

:通过对中国画笔墨的学习认识,达到从练习、临摹、写生开始,最终进行创作的目标。

:中国画的用笔、用墨。

:利用传统的笔墨造型陈式进行创作。

多媒体应用与示范讲解相结合。

中国花鸟在我国民族绘画中,有着悠久的历史和深远的社会影响,花鸟画早在唐代便独立成科,后经五代的“徐黄异体”和宋代院体派、文人画的推陈出新,使花鸟画得到了空前的繁荣和发展。明代以陈淳、徐渭为代表的一批画家,把笔线与书法结合起来,粗笔狂纵,豪放恣肆,开创了大写意画风的鲜明特色。清代的“四僧”和“扬州八怪”寄情于物,怪诞不经,强调个性化极强的个人风格,尤其是晚期的吴昌硕,他们都能熔诗、画、印为一炉,独树一帜,面目一新,影响了近百年的绘画发展。

如若每一位中学生都能把握住花鸟画的发展脉络,仔细品味浩如烟海的艺术精品,认真感受每位画家缘物寄情的思想感情,审美能力自然随之而得到提高,崇高的民族自豪感油然而生。

“画之气韵出于笔墨”。笔墨技法是中国画的核心所在,是构成中国画技法要素的基础。黄宾虹语“画重苍润,苍是笔力,润是墨彩。笔墨功深,气韵生动”。中国画是一种“线造型”为主的艺术,学习中国画首先要掌握的就是笔法与墨法。

a.      笔法:中锋、侧锋、逆锋、拖锋

黄宾虹曾说“笔愈厚则神愈清。使笔要提得起,则缓处不妨愈缓,快处可更快,自然变化灵活,刚健中含有婀娜之致,劲利中带知厚之气”。

“墨着缣素,笼统一片,是为死墨。浓淡分明,便是活墨,死墨无彩,活墨有光”。初学画者,最难掌握是水与墨的比例,须经长期的探索和练习数量的积累才能熟练驾驭。

学生在理解掌握了基本的笔墨陈式后,还要经过一定数量的临摹练习,方能熟练应用;造型基础的不同,将致使每位学生个体的差异,写意花鸟写画“诗、书、画、印”结合的完美形式,向每位学生的画外修养提出了很高的要求。

以竹、兰为素材进行组合训练。练习过程中,要求学生仔细体会笔墨的应用变化,构图的基本常识和用笔墨造型的基本规律。

完成以竹、兰为主要内容的写意画一幅。

中国画的心得体会篇十四

尊敬的评委老师大家下午好:

整个课堂采用了欣赏、讲解、探索、等方法,通过教师引导,学生欣赏、对比、讨论、绘画的形式,尽可能的使教学活动更加完善。在教学过程中,以诗导入,运用大量图片和优秀中国画作品欣赏,介绍梅花的生长习性、造型特点从而让学生对梅花有所了解为画梅花打好基础。

中国画教学历来是中小学美术课程中的薄弱环节,它技法丰富,课时却很少,在本课的中国画梅花课堂教学中起着决定性的作用——教师示范。因为相对于小学四年级的学生来说,接触中国画只有几节课,但还没有了解、掌握水墨画的特性。

本课教学中我讲解最基本的技巧和绘画步骤,仍按照以往的教学方法,具体演示整个作画的方法和步骤,同时我还要求学生自己去分析、体会、感受画家作品中墨色的丰富变化,并结合教师的讲解和演示探究画梅花的表现技法,又从认识中国传统画表现角度出发,引导学生了解笔墨表现的特点,体会笔墨的韵味,。在学生作业时,我要求学生不用临摹,而是在老师教的方法和步骤基础上结合自己的理解进行尝试性的变化和擂台赛创作,注意的是不能把学生教“死”了,没有创造性。应该是让学生在学习基本的绘画技法后,鼓励学生大胆的创作,从中体会一下中国画艺术的博大精深,了解中国画的笔墨情趣。教师的演示使学生入门很快,本人在示范时能较好地讲解如何梅花而展开传授,讲解中国画的最基本的蘸墨、行笔技法,学生自己的探究加深了学生的理解、认识,从学生的创作来看,虽然画面形象的造型还不太准确,有些幼稚,但是能能表达出自己学生内心的感受。绘画大师们说:小学生是天生的艺术家.在我们眼中世界是那么新鲜、神奇,无论用什么方法,只要画出我们的惊奇、梦想和快乐,那就是很精彩的画,就达到本课教学的目的。

通常在美术教学过程中,学生往往走教师的绘画路线,假如老师用没骨法画梅学生也用没骨法画梅花,不懂还可以用手指印、或棉签印等方法,思路往往受到限制束缚。在示范前让学生充分发挥自己的想象力进行创作,还给他们一片自由的天空。那么在梅花的表现方法上,枝干的处理和花的色彩上都会变的丰富起来。经过老师的示范讲解提示之后,学生又学到了一些技法技巧去完善自己的作品,这样便产生了“构思奇特”的优秀作品。

在教学中我做得不足有以下几点:

,艺术教育的目的,决非从美术到美术,而是从美术走向其他诸多领域,就如这课的教学我只教会学生画梅花,这是不足的,因此,我们应当树立一种适应时代和社会需求的艺术课的理念,现代美术教育观念,让学生在艺术领域中得到升华。

童年阶段有可塑性的特点,教师应该抓住这个有利时机,用各种方式方法和手段激发孩子学习艺术的兴趣,努力为学生创造一个轻松愉悦的学习环境和气氛,使学生学习没有负担,而是一种享受,一种愉悦,这些都值得我多加探索和在以后的教学中改正。

四、对如何用最简单的语言把最深奥的知识讲解清楚,还有待加强研究。经过这次师韵杯教学比赛,让我学到了很多实用的东西,也让我知道了接下来在我的工作中需要做的一些事和自身的一些不足。希望自己在以后工作中能不断地成长、成熟。对此我相信一句话:态度决定一切。

执教者 黎荣新

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