每个人都曾试图在平淡的学习、工作和生活中写一篇文章。写作是培养人的观察、联想、想象、思维和记忆的重要手段。范文书写有哪些要求呢?我们怎样才能写好一篇范文呢?以下是小编为大家收集的优秀范文,欢迎大家分享阅读。
欣赏音乐体会到情感篇一
音乐是一种美妙的艺术形式,具有无限的魅力和能量。它可以让人们感受到各种情感,从而带来无穷的乐趣和愉悦。对于我来说,欣赏音乐是一项非常重要的生活习惯,不仅可以放松身心,还可以提高自己的审美和文化素养。在这篇文章中,我将分享我对欣赏音乐的一些心得和体会。
第一段:音乐能带给我什么
对我而言,音乐是一种连接情感和灵魂的力量。当我听到一首动人的曲子时,会感觉到自己仿佛被带到了另一个世界,似乎好像眼前呈现出的不再是这个世界的琐碎,而是万物之间的本质和关联。这种感觉是独特的,不同于任何其他的艺术形式,如画作或文学作品。与此同时,音乐还能给我带来精神上的启示和心灵上的安慰,可以让我忘却一切烦恼和忧虑,享受一份纯净的自由和放松。
第二段:如何去欣赏音乐
欣赏音乐需要一定的技巧和方法。对于我来说,最重要的是要有耐心和开放的心态。当我第一次接触一种新的音乐时,会试着去深入了解它的背景和意义。我会了解作曲家的生平和创作背景,了解其所处的时代和其作品所传达的文化价值。然后,我会对其风格和表现手法加以分析,在听到它时更能够了解其内涵和情感。此外,我还经常寻找和分享一些有趣的音乐演出和音乐会,以便了解和欣赏不同类型和风格的音乐作品。
第三段:不同类型的音乐
跨越不同年代和文化背景的音乐作品都有其独特的魅力,可以让人们体验到一种不同的文化氛围和美学体验。对于我来说,我最喜欢的音乐类型是古典音乐。它不仅有一种朴素和深刻的情感表达,而且还包含了一种超越时空的气息。此外,我还喜欢流行音乐和爵士乐,这两种音乐都表现了对生活和人性的深刻洞察和关怀。无论我听什么类型的音乐,都能够获得一种独特的情感和审美体验。
第四段:欣赏音乐的好处
欣赏音乐有很多好处。首先,它可以增强自我意识和审美品位,促进思考和创造力的发展。其次,它可以缓解压力和焦虑,帮助人们更好地管理情绪和情感。更重要的是,它可以带给人们一种纯净的乐趣和快乐,使我们更加充实和愉悦地生活。
第五段:总结
欣赏音乐对我影响非常深远,它让我更加热爱生活并感受到自己所处的文化和历史。我渴望进一步了解和欣赏各种类型和风格的音乐作品,从而更好地理解和体验世界的多样性和丰富性。我相信,通过长期的欣赏和体验,我会成为一个更加文化和艺术的人,我也将始终珍视和喜爱音乐所带给我的一切。
欣赏音乐体会到情感篇二
活动目标:
1、激发幼儿对音乐游戏的兴趣。
2、准确说出图形的名称。
3、喜欢参加音乐活动,体验音乐游戏的快乐。
4、对音乐活动感兴趣,在唱唱玩玩中感到快乐。
5、感受旋律的气氛以及和同伴一起参加集体音乐活动的乐趣。
活动准备:
1、小鱼、小虾的头饰每人一个。
2、各种图形卡片若干。
3、录音机,音乐游戏磁带。
活动过程:
一、引发兴趣
今天老师请来了许多小客人到咱班做客,大家鼓掌欢迎!(出示小鱼、小虾的头饰。)它们要跟小朋友一起,用图形宝宝来做个游戏。你们高兴吗?(高兴)
二、讲解玩法
1、幼儿欣赏音乐《小鱼追小虾》。了解音乐的节奏。
2、讲解游戏的玩法、规则:
请大家自由选择自己喜欢的头饰,根据头饰请小朋友自由结伴成两人一组,分别扮演小鱼和小虾,小虾手拿一种图形藏在身上,大家跟着音乐边唱边表演追逐,音乐停止小鱼追上小虾,说出小虾身上的图形是什么?像什么?两人相互交换角色,更换图形继续进行。如果说不出图形的名称,暂停游戏一次。
3、幼儿根据音乐自由表演游戏,老师提醒幼儿注意安全,不要碰到别人。
4、幼儿再次游戏,加深对游戏规则的认识。
三、教师小结
表扬游戏中表现棒的幼儿,指出活动中出现的问题,希望大家在下一次玩时注意。
活动反思:
兴趣是幼儿学习的原动力,幼儿只有有了兴趣才能产生主动学习、主动探索的愿望。爱好音乐是人的天性,有趣的音乐活动能激起幼儿学习的欲望,使其产生愉快的情绪,充分发挥想象,表现出他们不同的感受和创造。
欣赏音乐体会到情感篇三
第一段:引入晨景音乐的概念和背景(200字)
晨景音乐是一种专门为早晨而创作的音乐,它的目标是为人们带来美好的一天开始。晨景音乐通常具有轻快、舒缓的旋律,给人带来欢快、宁静的感觉。它起源于西方,但在现代生活中已经流行起来,成为帮助人们享受早晨的一种方式。作为一个爱好音乐的人,我对晨景音乐产生了浓厚的兴趣,并在最近的一段时间里深入研究和欣赏了许多晨景音乐作品。在这篇文章中,我将分享我的心得体会。
第二段:晨景音乐的特点和效果(200字)
晨景音乐具有独特的特点和效果,它能给人们带来积极的心理和生理影响。首先,晨景音乐通常由轻快的旋律和柔和的音色组成,这种音乐特点能够唤醒人们的活力。在清晨时刻,人们通常需要一种轻松愉快的氛围来应对新的一天,晨景音乐正能够满足这一需求。而且,晨景音乐能够帮助人们集中注意力,提高专注力和工作效率。在我听晨景音乐的时候,我发现自己更容易进入专注的状态,工作效率也明显提高了。总之,晨景音乐的特点和效果使其成为一种有助于人们享受早晨、提高工作效率的音乐形式。
第三段:我在晨景音乐中感受到的美(200字)
晨景音乐给我带来了很多美的感受。首先是音乐中的美妙旋律,每当我听到晨景音乐中那些轻快、欢快的旋律时,心情也跟着愉悦起来。这种旋律给人带来的美感是难以言喻的,仿佛在听到音乐的瞬间,我就能看到阳光洒在大地上,鸟儿在欢快地歌唱。其次,晨景音乐给我带来的是宁静的美。在忙碌的现代生活中,宁静成为了一种奢侈的享受,而晨景音乐正是能够让我感受到宁静的源泉。每当我在早晨聆听晨景音乐时,我感到内心的平静与安宁,仿佛有一种力量能够帮助我面对接下来的挑战。
第四段:晨景音乐对生活的启发和帮助(200字)
晨景音乐不仅仅给我带来了美的享受,还给了我一些启发和帮助。它教会我如何在忙碌的生活中找到一刻宁静。每当我觉得压力过大,无法集中精力时,我会找一段晨景音乐来听,让自己放松一下,重新调整心态。晨景音乐还启发了我的创造力和想象力。在聆听晨景音乐的时候,我会想象自己置身于一个美丽的自然场景中,仿佛感受到了那里的一切。这种想象不仅能够帮助我放松身心,还能够启发我的灵感,让我在创作和工作中更加有创造力。
第五段:结语(200字)
总的来说,晨景音乐是一种带来美好的早晨和积极能量的音乐形式。它的特点和效果使其成为人们迎接新的一天,提高工作效率的好帮手。晨景音乐给我带来了美的享受,让我感受到了宁静和安宁。同时,它也给了我一些启发和帮助,让我学会在忙碌的生活中找到一刻宁静,并发挥自己的创造力和想象力。我相信,随着对晨景音乐的进一步研究和欣赏,我能够在早晨更好地享受生活,为自己和他人带来更多美好的一天。
欣赏音乐体会到情感篇四
一、活动目标:整个活动我抓住理解歌词、感受三拍子的旋律及体验歌曲情绪变化这三方面进行欣赏。所以在目标的安排上我也遵循了以上三点进行制定:
(1)欣赏歌曲《娃娃》,体验抒情优美的三拍子旋律。
(2)尝试运用语言、动作、表情等方面,大胆表达对歌曲的理解。
(3)激励幼儿不怕困难,保持乐观的心态,做一个快乐的娃娃。
二、重难点
本次活动的重点及难点都在于教师如何引导幼儿用语言、动作、表情等方面去体验歌曲的情绪变化。
针对此重难点,我采取的策略是在活动室中营造歌曲中的氛围让幼儿加以体验。雾来了,天色暗了,我事先给整个活动室挂上窗帘,关上灯,营造一种天色暗了感觉,让幼儿在这样的氛围中体验“娃娃”在森林里迷路了的害怕、恐慌心情;雾散了,天色亮了时,请配班老师开灯,让幼儿体验“娃娃”看到天亮了,感受有希望了的快乐心情。
三、活动准备
1、知识准备:幼儿多次感受过三拍子旋律的歌曲,会听二拍子、三拍子、四拍子的歌曲并能自己打节拍。
2、物质准备:整个活动室挂上窗帘;韩版《大长今》主题曲、中文版歌曲《娃娃》及《娃娃》的flash动画;背景音乐《娃娃》的钢琴曲。
欣赏音乐体会到情感篇五
音乐是人类灵魂的语言,能够触动人心,激发情感。在众多音乐家中,有一位让我深受震撼和感动的音乐人,他就是中国著名作曲家周海红。近期我听了周海红的许多作品,无论是古典还是流行,每首曲子都展现出他卓越的才华和对音乐的热爱,让我对音乐有了新的认识和体会。
第二段:作品风格的审美触动
周海红的作品风格丰富多样,从中国传统音乐到现代流行曲,他都可以游刃有余地掌握。在听完他的《黄河大合唱》时,我被庄严而激昂的音乐所包围,仿佛看到了黄河奔腾不息的壮丽景象。而当我聆听他的流行曲《大海啊故乡》时,深情的旋律和歌词带给我一种家的温暖和属于祖国的豪情。周海红的作品总是能够引起我内心深处的共鸣,让我对音乐有了更深层次的理解和体验。
第三段:情感的共鸣和释放
周海红的音乐中充满了深情和热爱,他通过音符将自己的情感完美地传达给听众。在他的曲子中,我听到了无尽的思乡之情、对家乡的热爱与向往,更能感受到他对国家和人民的深情厚意。每次听他的音乐,都能引起我内心深处的共鸣,让我在平凡的生活中感受到力量和温暖。他的音乐就像是一股涓涓细流,连接着每一个人的心灵,使我们能在喧嚣的世界里找到宁静和安抚。
第四段:创作才华与创新精神
除了他具有才华横溢的音乐创作,周海红还拥有非凡的创新精神。他在音乐中融入了很多中国元素,将中国传统音乐和现代音乐完美结合,创造出独具风格的作品。他的音乐既保留了传统之美,又没有局限于固有的形式和风格。他的音乐作品创意独特,让我对音乐这门艺术有了更广阔的视野和认识,激励我在创作和表达自己的时候更加勇敢大胆。
第五段:与社会的关系和价值观
周海红的音乐不仅仅是创造美的艺术,更包含了对社会的思考和对人性的关怀。他的音乐作品中常常流露出对社会问题的关注和思索,通过音乐表达了他对社会不公和不平等的忧虑与呼唤。他的音乐向人们传递着一种积极向上的价值观,引导人们关注社会的现实问题,并通过音乐来表达自己对社会正义和人文精神的追求。
结尾段:总结
周海红是一个充满才华和激情的音乐人,他的音乐作品让我重新审视了音乐的力量和美好。他的作品引发了我对音乐的欣赏和理解,通过他的音乐,我感受到了爱国热情、深情厚意和对社会的责任感。在未来的音乐之路上,我将努力学习他的作品,更好地表达自己的情感和思想,将音乐的力量传递给更多的人。
欣赏音乐体会到情感篇六
月光音乐,曾经以它的美丽动人和迷人的旋律,打动了无数人的心。那清冷的月光下,个人沉浸在美丽的旋律中,充分体验到了音乐的美丽和魅力,展现出了音乐在心灵深处留下的深刻印象。而作曲家爱德华·格里格的《月光》就是一首代表作。听完这首曲子后,我深有所感,感受万千,此文即是一篇关于月光音乐欣赏经验和心得的分享。
第二段:旋律让你愉悦
爱德华·格里格曾说过:“这首曲子表达了我心中所想,它是情感,孤独与内心矛盾的反映。” 在我的印象中,《月光》是一个抒情的旋律,给人带来美丽的回忆,想起过去的时光。特别是配上月光的灯光,听着这抒情的音乐,心情真的是愉快的。在一些场景的中,我觉得这首曲子会让人们想起那拥有浪漫情调的时光,甚至是那逝去的亲情、爱情。
第三段:承载着深刻的情感
音乐是感性的艺术,让人们可以进入另一个维度,带着那些复杂的情感和思想去感受它。而《月光》这首曲子更像是一个在故事告诉给听众听,它表达了音乐家的感情。既是一首优美的音乐,又是一个人心理的投射。在听到这首曲子时,它会让人们想起各种各样的情感经历,让人们在情感上产生共鸣。
第四段:赋予人无尽的想象空间
在这个短暂的时刻,一些不同的场景就会同时在我的脑海中浮现出来。例如:傍晚,一位年迈的老人坐在门口,仰望天空,似乎在回忆自己过去的生活。此刻,《月光》的旋律温暖滋润,让人感到温暖和慰藉。抬头是漫天的星星和月亮,渐渐地,夜幕降临,家人们在这样的音乐伴奏下度过了平静的夜晚。所以,音乐在其中发挥了重要的作用,因为它不论在什么时刻,总会给人留下无穷的幻想空间。
第五段:总结
在总的来看,月光音乐是一种让人们享受的东西,它能够给人带来美好的回忆,让人陶醉在其中不能自拔。每个人的理解和感受都是不同的,每个人都可以从中领悟到不同的道理。无论在何时何地,音乐都能够为人们带来无限的美好和惊讶,在灵魂深处留下难以忘怀的痕迹。换言之,当我们在肆意享受音乐时,同样也是在感受命运、人生的意义。
欣赏音乐体会到情感篇七
引导语:下面小编就给大家带来音乐欣赏入门,希望能够帮助到您,谢谢您的阅读,祝您阅读愉快。
即音的高低范围,它虽然有约定俗成的概念,但没有非常严格、确切的界限,所谓高音区、中音区、低音区是相对而言。对于各种乐器和各种人声的音区划分,它们的标准是不同的。比如钢琴上的中央c,即整个键盘中间的c音,对于小提琴来说,是低音区,可是对于倍大提琴来说,它就是高音区了;同样,男低音的高音区是女高音的中低音区,等等。我们这里所谈论的音区是以一个完整的管弦乐队或一个完整的合唱队为范畴的,它的概念是广义的,而不是针对某一件乐器或某一种人声。
音区是音乐写作中十分重要的一个手段,不同的音区可以表达不同的思想感情、模仿生活和大自然中的声音,同时,作品中音区的变化还会带来新鲜的意趣。通常来讲,高音区一般具有清脆、明亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、深沉之感(请注意:音乐中的各种要素都不可能孤立地使用,它们在和其他要素结合时会产生出各种各样的效果)。在模仿隆隆雷声时,作曲家常常会使用低音区的定音鼓,模仿云雀的婉转歌喉时,会选用高音区的木管乐器;在表现安详沉思的时候,往往会利用大提琴那凝重深沉的音区;而在表现飘逸神思的时候,可能会让小提琴声部在高音区轻柔地歌唱。
在一部作品中,作曲家不会只使用同一个音区,他们会利用音区的对比来造成新鲜感和情绪上的推进、变化,这样的例子数不胜数。例如,英国作曲家阿诺尔德()的《四首苏格兰舞曲》中的第二首,它的素材十分简洁,只用了一条活泼跳跃的旋律,但通过运用音区(还包括音色以及节奏)的变化,使音乐显得妙趣横生。
谱例:阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首:vivace(活泼的)
首先是乐队中音区较低的大管和在低音区吹奏的单簧管;第二段是音区略高的长笛,但它是长笛本身的中低音区,与此同时,伴奏的乐器采用不同于主旋律的音区,形成了鲜明的对照;在第三段里,作曲家再次换了一个音区(也换了一个调),比刚才还要高些,这是小提琴组的声音,但第二个句子就又换成了低音区的大提琴。第四段是音区更高的小提琴组以及小号,第五段是在中音区的木管组和弦乐拨弦。第六段速度变慢,低音区的大管再次成为主角。第七段是中音区的单簧管。
曲例一:阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首:vivace(活泼的)
从上面的例子可以看出,音区是音乐写作中十分有效的手段,它的变化会带给听者新鲜的意趣和生动、丰富的联想。
力度(dynamics)是音响强弱的程度。它和音区一样,也是一个相对的概念,不能简单地用物理学中的分贝单位标准来衡量。
力度标记通常采用意大利语的音乐术语。作曲家在乐谱上标有详细的力度标记,从最弱的到最强,通常可分为十几个层次,每一个层次的力度都是一个相对值。piano,是弱的意思,缩写为p,p越多就越弱,最多可有5个p,那就是极弱极弱。forte,是强的意思,缩写为f,f越多就越强,假如乐谱上标有五个f,那就是相当强,演奏者必须竭尽全力地演奏。除了这些记号以外,还有很象是数学中的小于号和大于号的渐强和渐弱记号,以及突强突弱记号等等。
需要说明的是,在音乐中力度的变化是非常细致而复杂的,繁琐地把一切细微的力度变化都标记出来显然是不可能,也是不必要的,每个演奏家都会在作曲家的提示下,根据自己的感觉来做出具体细致的力度变化。
力度变化是重要的音乐表现手段。它可以表达丰富的情感,并造成音乐的对比和发展。一般来说,力度越强,音乐越紧张、雄壮,力度越弱,音乐越缓和、委婉。如表现万众欢腾,胜利凯旋,要大型乐队全奏、强奏(全奏是指整个乐队都演奏,音区从低到高都包括在内),而鸟语花香、花前月下,当然就不会使用很强的力度了。这里还要强调一下,音乐要素的互相配合会造成丰富多样的效果,因此有时候弱的力度不一定柔和委婉,它也可能是令人紧张的。
以挪威作曲家格里格(grieg)的管弦乐组曲《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》为例进一步分析。剧中主人公培尔*金特是一个浪荡子,在村子里干了许多坏事,被大家痛恨,不得不远离家乡去外面闯荡。一次,他来到了山大王的宫中,引出来了许多大小妖怪,冲着他喊叫,把他吓得魂不附体。作曲家为这个场景写了一段十分有趣的音乐,起初的力度很弱,逐渐加强,直到非常响亮,成功地描绘了越来越多的妖怪以及他们越来越疯狂的舞蹈。全曲只有一个旋律素材,但通过力度、音区和节奏、音色的变化,获得了极其生动的表现效果。
谱例一:格里格《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》主题旋律
曲例一:《在山大王的宫中》
再举一个类似的例子。这是俄罗斯作曲家斯特拉文斯基(stravinsky)的芭蕾舞剧《火鸟》终曲。舞剧故事大意是:一个王子打猎时遇到了一只羽毛金光闪闪、象火焰一样美丽的大鸟。火鸟恳求王子不要打它,并给了王子一支羽毛,告诉王子今后在遇到了困难的时候,只要对着羽毛呼唤,它就会立即前来相助。王子放了火鸟,后来他真的遇到了困难,当他想解救一个被魔王施了魔法的公主时,因势单力薄,打不过魔王,紧急中他想到了火鸟的许诺,拿出那根金光闪闪的羽毛呼唤起来。果然,火鸟立即出现了,他们齐心协力,砸碎了一个巨大的蛋,使魔王丧失了他的魔力,最后他们救出了公主。在全剧的最后,作曲家斯特拉文斯基写了一段终曲,从很弱的力度逐渐加强,直到极强,音区是从中音区开始逐渐提高,造成从朦胧神秘到逐渐明朗的音响效果,节奏也是从缓慢渐渐加快,在达到极快之后,又放慢下来,节奏拉宽,最后给人以获得胜利后无比自豪的感觉。
谱例二:斯特拉文斯基舞剧《火鸟》的终曲
曲例二:《火鸟》的终曲
对力度这个要素的运用,作曲家们都非常精心,所以演奏和演唱者也都要十分注意把各种力度层次做出来。我们常常听到有些初学乐器者在力度运用上要么是能力有限,控制不了乐器的力度,要么就是对乐谱上的力度标记视而不见,以为只有音符才是音乐,结果演奏得毫无趣味可言。人们通常说的"缺乏乐感"常常就是指演奏上缺少力度变化和丰富的.力度层次。
总之,通过力度变化产生的音响可以表达愤怒呼号、急风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果敢刚烈等强烈的情感,也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰爱抚、叹息抽泣、甜蜜幸福等内心的微妙感受,还可以表达空谷回声、黄昏钟鸣、高山流水、小溪潺潺等大自然的奇观美景甚至阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之,力度的表现力是相当丰富的,可以说它是一种富有"魔力"的音乐要素。
旋律(melody)也称作曲调,是一连串乐音的有组织的进行。
与其他要素相比,旋律在音乐中的地位最突出,自然也就是最主要的表现手段。可以说,任何人在听了一首作品之后,首先记住的就是旋律,它是可以由我们哼唱出来的,而其他要素如单纯的音区、力度、节奏,离开了旋律,简直就无法独立存在,所以有人说,旋律是音乐的灵魂。不过,在有些音乐中,旋律并不占有至高无上的地位,比如二十世纪的一些新颖独特的作品,是以音色为主要的构成因素,而非洲的鼓乐则主要是由各种节奏组合而成的。限于篇幅的原因,本节内容不涉及这一类特殊的音乐。
旋律和我们的日常语言关系十分密切,最早的音乐,它们旋律的曲折变化,是依附于语言本身的,可以说,它就是将语言中的音高加以夸张得来的。比如我们中国人的吟诗,就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来,西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律,但如果仔细想想,这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系,比如曲折婉转的旋律,有如亲切的谈话;短促有力的旋律,很象是命令或惊叹的口气;下行的旋律就如同我们日常生活的熟悉的叹气声,它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息。
正因为旋律具有情感色彩,它能引起人们情感上的共鸣。作曲家就利用这一特征,来写作表现各种各样情绪的旋律。例如贝多芬(beethoven)第五交响曲末乐章的开始部分:
谱例一:贝多芬第五交响曲末乐章主题
曲例一:贝多芬第五交响曲末乐章主题
它的旋律是有主和弦分解而成的号角音调,棱角分明,具有英雄气概。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志,是他的个性语言。
再举一个例子,这是柴科夫斯基(chaikovsky)的第六"悲怆"交响曲的末乐章主题,以下行音调为主,听上去有如哭泣一般:
谱例二:柴科夫斯基第六交响曲末乐章
曲例二:柴科夫斯基第六交响曲末乐章
用来描绘悲怆情感,这旋律是非常贴切的。而在这部交响曲的第三乐章,柴科夫斯基描写的是年轻时的奋斗,它的旋律则是另一种形态,高亢铿锵,富有阳刚之气的:
谱例三:柴科夫斯基第六交响曲第三乐章
曲例三:柴科夫斯基第六交响曲第三乐章
这条旋律显示出的是奋发向上的精神,它也有类似于贝多芬的号角音调的特征。
我们再来分析两条旋律,选自柴科夫斯基的幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》。这是受莎士比亚的同名戏剧故事启发而作的,讲述了一对相爱的年轻人因家族的仇恨不能结合,最终双双殉情的悲剧故事。剧中的两个主题就是"恨"与"爱"。作曲家柴科夫斯基用生动的笔法描绘了这两种截然不同的情感:
谱例四:柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题1
曲例四:《罗米欧与朱丽叶》主题1
谱例五:柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题2
曲例五:《罗米欧与朱丽叶》主题2
显而易见,第一条旋律是用来描绘仇恨与斗争的,它棱角尖锐,音符短促,节奏十分不稳定;而第二条旋律舒展、歌唱性强,听上去很深情,可以想像它是描绘爱情的。从这一点上我们可以看出旋律与语言的密切关系,也由此得出结论:听者应该能够从作曲家的旋律中听明白他所想要表达的情感。
作曲家的创作个性在旋律中的表现是很鲜明的,不同的国家、民族又有不同的旋律特色,正如它的人民有不同的文化背景和个性一样。而且各个时代也有它自己的时代特征,比如我国的抗日歌曲,就反映了特定年代人们的思想感情。民歌和戏曲、说唱音乐,也有其旋律特色,京剧的高亢昂扬和江南越剧的委婉秀丽,是很有代表性的。
在一部大型作品中,往往要用很多条性格不同的旋律,他们形成对比和发展,使音乐向前推进。比如前面提到的柴科夫斯基的《罗米欧与朱丽叶》,两条主题旋律在后面都有发展,表现仇恨的、斗争的那一条旋律(曲例三)变得更加激烈、尖锐,爱情主题(曲例四)则变成了悲剧性的高潮,起到了催人泪下的效果。
然而,那些不带文学性、描绘性标题的器乐曲(称之为"纯音乐")应该如何去理解呢?我们还是再举一个例子,这是莫扎特(mozart)著名的g小调第40交响曲第一乐章,它的主题是由气息短促的、带点跳跃的音符组成的,副题则相对来说比较舒展,带有抒情的气质。
谱例六:莫扎特第40交响曲第一乐章主题:
曲例六:g小调第40交响曲第一乐章
谱例七:莫扎特第40交响曲第一乐章副题:
曲例七:g小调第40交响曲第一乐章
这就是构成第一乐章的两个主要素材,在音乐进行当中,它们发展、变化,并不时地还有新的素材加入进来,构成丰富多变的音乐洪流。每个人都能感觉到它的涌流,感觉到它的变化和不断的推进,就像我们可以感觉到在崎岖不平的河床上,河水的流动也是千姿百态一样。能够体会到这些运动的趣味和美感,就是理解了作曲家的意图了,至于它让人产生的联想,那是仁者见仁,智者见智的事。
当我们听得多了,对音乐的感受力会越来越敏锐,想象力也会变得更加丰富,这时就会从音乐审美的过程中获得更多的快感。也许不久以后你就会从旋律中辨认出这是西方的浪漫主义还是巴罗克风格,辨认出这是巴赫还是贝多芬,是肖邦还是李斯特,或者,是我国云南民歌还是蒙族民歌。
旋律,是通向音乐世界的一条小径。
音色(tone-colour)是指乐器或嗓音的音质。
在生活中我们常说,某某人的嗓子音色很美,或音色沙哑、独具个性。我们还会评价小提琴家或钢琴家"音色丰富多变",甜美或如洪钟般辉煌……等等。这些,都不包括在我们要讲的音色概念中,我们这里要说的音色,在中国的辞典里称作"音品"或"音质",即某种人声(如男高音、女高音)或某种乐器特有的声音种类。
以人声来说,女高音嘹亮柔美,男高音挺拔高亢,女中音比较暗一些,浑厚而温暖,男中、男低音则是庄重厚实,给人一种坚定的感觉。乐器的音色种类就更丰富了,小提琴的纤柔灵巧,大提琴的深沉醇厚,双簧管的优雅甘美,小号的英雄气概等等……。作曲家对于音色的运用非常讲究,这些各种各样的声音特质对他们来说,就象是画家手中的色彩一样,会令他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。
每一种音色都有着特殊的意味。假设你要写一首描写男子汉英雄形象的进行曲,你不大可能选择小提琴、长笛、双簧管这一类音色纤柔的的乐器,而是会考虑响亮有力的铜管,如小号、长号。再假如,要写一首表达缠绵爱情的乐曲,定音鼓、大镲肯定是不行的。由此我们可以看出,音色有着特别的表现力。
音色还有模仿的作用。如模仿暴风雨,我们需要强烈的音色,而微风吹拂,则要用柔和的音色。法国作曲家圣-桑(saint-saens)在他的组曲《动物狂欢节》中非常生动地描绘了各种动物的形象,其中的"大象"一曲是用乐队的低音区来描绘大象的笨重,音色则是声音粗拙的倍大提琴。
曲例一:圣-桑《动物狂欢节》中《大象圆舞曲》
倍大提琴的音色对大象来说是再合适不过了。乐队中的低音乐器还有其他种类,如大号、低音单簧管、大管,但它们都比不上倍大提琴合适,因为大号的声音较硬,有一种冷冰冰的威慑力,低音单簧管和大管又嫌淡薄了点,不像是大象那粗壮的体态和沉重的舞步。
木管乐器中的长笛、双簧管、单簧管,常常被用来描绘大自然,因为它们的音色犹如鸟儿的鸣啭,或者是田园牧笛。贝多芬在第六"田园交响曲"第二乐章末尾用木管所写的一段模仿鸟儿歌声的音乐,非常逼真:
曲例二:贝多芬《田园交响曲》第二乐章末尾
贝多芬在这里用长笛、双簧管和单簧管来模仿描绘鸟儿的歌唱,其明亮、轻盈的声音会使人立即联想到可爱的小鸟和美丽的大自然风光。这部作品的第四乐章是"暴风雨",贝多芬先让小提琴奏出短促的音符和嗖嗖凉风似的短促动机,倍大提琴则在低音区奏震音,这隆隆的声音就像远处的滚雷,然后,木管和定音鼓加入进来,力度逐渐增强,突然间铜管咆哮起来,定音鼓重重地捶击,毫无疑问,"暴风雨"降临了。贝多芬在这里动用了整个管弦乐队的能量。
曲例三:贝多芬《田园交响曲》第四乐章"暴风雨"开头
这部作品的第五乐章标题是"牧歌,暴风雨过后的感恩心情"。贝多芬先用单簧管那鸟儿歌声般的声音,宣告雨过天晴,大地恢复了宁静安详。圆号的呼应像远处群山的回声,又象是猎人们重又吹起了猎号。之后小提琴以明亮的声音唱起感恩之歌,表达了作曲家发自内心的幸福和赞美之情。这条旋律越来越明亮,情绪越来越饱满,高潮处加用了铜管辉煌的音色。
曲例四:贝多芬《田园交响曲》第五乐章的开头
每一种乐器或人声种类都有它特定的表情意义和描绘功能,或者说特定的音色。但作曲家不会满足于这些"原色",他们要使各种音色加以混合,要用不同的演奏法对音色进行改变,以此来扩大音色的种类和表现力。这种技巧就叫做配器(orchestration)。
作曲家们必须精通配器法,熟悉各种乐器搭配出来的效果。如长笛与大管齐奏,会使大管暗淡的音色镀上一层银光;又如三角铁在某处轻轻敲几下,会增添一种闪闪发光的感觉;定音鼓滚奏的时候,让大镲也轻轻震动,它会为定音鼓浑厚朦胧的声音带来一层金属般的光泽……除了乐器不同种类的结合,使用乐器数目的多少也会产生不同的效果。一把小提琴的独奏与全部小提琴声部(一个乐队里通常会有二十把左右的小提琴)的齐奏,所获得的音色肯定是不一样的。
演奏法(每种乐器的演奏技法)与音色也有着密切的关系。在乐器刚刚发明的时候,演奏技法很简单,但随着一代又一代人的探索,演奏技法越来越丰富、越来越复杂,这些演奏法会使一件乐器获得多种音色。以小提琴为例,它可以是长线条的连弓演奏,其效果是歌唱性的,它还可以用双弦技巧,即一弓同时拉奏两个音,这种类似于二重唱的声音自然比较丰满,它还可以是短促的跳弓,即让琴弓在弦上轻轻地跳跃着拉奏,弓与弦之间的接触十分短暂,这可以获得轻盈活泼的声音。或者还可以不用弓子,而是用手指拨奏琴弦,获得弹拨乐器特有的颗粒性音响效果。小提琴大师帕格尼尼(paganini)在演奏技巧上的创新,使这件古老的乐器出现了前所未有的魅力。我们选他的《24首小提琴随想曲》中的几个片段来领略不同演奏法带来的各种音色:
曲例五:帕格尼尼小提琴随想曲no.1
曲例六:帕格尼尼小提琴随想曲no.2
曲例七:帕格尼尼小提琴随想曲no.3
曲例八:帕格尼尼小提琴随想曲no.4
曲例九:帕格尼尼小提琴随想曲no.10
混合音色和演奏法可以使原本有限的音色变得无限丰富,而新的乐器还在音乐发展的进程中不断涌现,如20世纪高科技的产物"电子合成器"(synthesizer),是一种依靠电子技术发声的乐器,不仅可以模仿乐器和人声,还能做出想象中的太空神秘的声音,战场上的声响,门窗破碎和狂风呼啸等等,只要想象得出来,几乎都可以实现。在影视作品中,电子合成器起到了非常重要的作用。
曲例十:马斯卡尼《乡村骑士》中的间奏曲片段
作曲家常常将电子合成器与管弦乐队配合使用,使整个音响既有亲切和真实感,同时又有一种空灵、神秘的效果,会令人产生无限的遐想。
曲例十一:cd唱片《神秘园》选曲
前面着重介绍了音色在表现特定情绪、描绘形象方面的作用,实际上更为常见的是作曲家纯粹从音响的变化、对比角度来运用音色,尤其在较长大的作品中,音色的变化更是频繁、丰富。它起着结构上的对比、推进以及形成对称等等作用,这将在我们欣赏经验的不断提高中体会到。
欣赏音乐体会到情感篇八
《小兔跳跳跳》是一首情境性、游戏性较强的歌曲,旋律轻松明快,歌词简单易懂。对于大班幼儿来说记住歌词、学会演唱并不是难事。因此,活动设计中我的定位是既要让幼儿在理解歌词的基础上学会演唱这首歌曲,还要采用不同的形式唱好,让幼儿既体验到歌唱的快乐又掌握一些简单的歌唱技能,从而进一步提升幼儿的歌唱表现力,激发幼儿喜爱音乐的情感。
活动以带"小兔"去树林玩这一情境为主线,在游戏化的轻松氛围中从熟悉旋律到理解歌词,从学会演唱到多形式表现。前后呼应的游戏环节和情境设置,意在让幼儿进一步体验到活动的趣味:多形式的演唱和情趣化的引导,意在让幼儿进一步感受到歌唱的快乐。
1.感受乐曲的活泼欢快,学会演唱歌曲。
2.学习用衬词的方法为歌曲的部分乐句伴奏,在多形式的演唱中体验歌唱活动的快乐。
3.初步感受歌曲中亲切的情绪,用亲切的语调唱歌。
4.感受音乐节奏,乐意参与音乐游戏活动,体验游戏的快乐。
伴奏音乐,大灰狼头饰一个,表现歌词大意的图谱。
一、韵律表演,感受旋律
1.谈话引出活动主角,学习用弹性的声音进行演唱的方法。
2.在《小兔跳跳跳》的音乐旋律中,幼儿随教师做简单的韵律动作,熟悉歌曲的旋律。
(在趣味的情境中通过肢体动作和跟旋律说衬词这两种形式的结合,既达到熟悉旋律、感受乐曲结构的目的,又让幼儿的声音得到了很好的预热,为接下来的演唱做好铺垫。同时,学习有弹性地说衬词还为接下来的演唱埋下伏笔。)
二、熟悉歌词,学唱歌曲
1.教师演唱歌曲一遍。
提问:小兔跳到了什么地方?它听到了什么?又会碰到谁?
2.根据幼儿的回答依次出示相应的图谱,并引导幼儿一一学唱相应的乐句。
3.幼儿集体完整跟唱歌曲若干遍。
(从完整欣赏到逐句学唱再到完整表现,分步走的教学方法便于幼儿的理解和记忆,层层递进的活动环节让学习更有序和有效。)
三、练习衬词,演绎歌曲
1.出示小兔脚印图谱,引导幼儿学习第一句配衬词演唱的方法。
2.引导幼儿选择适宜的衬词用以上方法表现第二乐句。
3.将幼儿分成两组,用两种不同的方法完整表现歌曲若干遍。提醒幼儿看教师的指挥,合理处理好自己的声音,注意两种声音的和谐与美感。
(通过图谱这一有效支架让幼儿更好地掌握两个乐句不同的表现形式,为幼儿会唱、唱好提供支持和帮助;通过倾听、发现、提问等,引导幼儿去发现和解决演唱的困难,培养自主学习、主动思考的习惯。让幼儿不仅学会演唱这首歌曲,而且能在这一过程中学习掌握一些基本的演唱技能,为今后的歌唱打下基础。)
四、游戏表现,寓歌于乐
告诉幼儿游戏名称,交待游戏玩法,师生共同玩游戏若干遍。
(在有趣的游戏中检测和巩固幼儿对歌曲演唱的成效,让幼儿进一步体验到歌唱的美好和快乐,寓学于境,寓歌于乐,寓乐于情。)
附歌曲:小兔跳跳跳
关于情趣音乐教学的思考与实践
"情趣音乐教学"是教师依据音乐教育的目标和幼儿的生理、心理特征,选择、设计和组织实施趣味性的音乐教学活动,通过游戏化、情境化的活动引导,借助语言、图谱、故事、情境等载体,师生共同感受、体验和表现音乐的情感,从而引导幼儿获得愉悦的音乐情感体验和良好的技能发展。我所倡导的情趣音乐教学中的"情"和"趣"分别表现在以下几方面:
"情"主要体现在:
(1)选择能引发幼儿情绪情感的音乐作品--即作品的情、内容的情;
(2)教师用自己的真情实感去引发、调动幼儿的情绪情感,即教师的情;
(3)通过作品的情和教师的情去激发幼儿感受、体验和表现音乐的情感,也就是幼儿的情。
"趣"主要表现在:
(2)趣味化的活动过程;
(3)教学方法的激趣。
在实践中,我这样让音乐教学凸显情感,突出趣味。
1."设境"--设境激趣。即创设富有情趣的游戏化情境,在好玩的游戏活动中引导幼儿初步感受和体验音乐,激发其参与的兴趣和积极性。这是情趣音乐教学的第一步,是活动的设计环节。如在上面的这个歌唱活动中,教师结合歌词,通过简单的语言让幼儿置身于小兔去森林游玩的情境中,先玩一玩小兔跳蹦蹦床的游戏,然后听一听小兔到了哪里、碰到了什么?学一学歌曲,再玩一玩碰到大灰狼的游戏,这样好玩而有意思的活动孩子们肯定喜欢。但在实践中我们也要切记,一切情境都是为目标和内容服务的,不能一味地追求新颖、好玩、有趣。
2."导学"--支架导学。这是情趣音乐教学的第二步,是活动的路径和支架。教师根据不同教学内容的需要设计一些适合的教学图谱、儿歌、动作等直观、具体的表现形式,以帮助幼儿学习和理解作品内容,从而更好地体验和感受音乐的情绪情感。在上面的歌唱活动中,我选择了图谱作为幼儿理解歌词内容和学习两部分声音合作表现的支架。教师首先通过幼儿的倾听呈现不同乐句的图谱帮助幼儿理解和记忆歌词,然后再呈现表现小兔跳跃的脚印以帮助幼儿很好地掌握每个衬词出现的地方以及它的节拍。这种一目了然的方式,不仅非常方便幼儿的理解和记忆,而且它能很好地解决两个声音同时演唱时的速度和节拍,教师只需要提醒幼儿看着自己演唱的部分跟着教师的指挥唱就行了,这样简洁明了的方式,让两个部分的声音在表现时更和谐,让教学更有序、有效。
本次活动我能以小朋友喜爱的小白兔形象创设一个故事情景,兔妈妈带孩子到草地学本领、玩游戏为线索组织活动,将幼儿参与学习的积极性调动起来,让幼儿在活泼、有趣的模仿动作中,轻松愉快地进行锻炼。活动中,幼儿积极活跃,双脚夹物跳的方法掌握得很好。在第一次尝试活动中,很多幼儿想出了与众不同的运送办法,我都能加以肯定,再次双脚夹球跳那个部位更稳尝试活动中,我让幼儿充分尝试,然后总结方法,孩子非常踊跃参与,并很快掌握了方法。游戏环节,幼儿都能用双脚夹物跳的方法运蔬菜,来回路线分开,幼儿秩序整然。本节课我虽然注意了游戏化、注意了给孩子适度自由空间、注意了小结、但还是有所不足,如游戏环节,第一轮孩子掌握了方法,第二轮我没有让能力强的孩子尝试一次运送两个或三个蔬菜,让能力强的孩子得到更好的发展。注意个体差异,还将是我今后努力的方向。
欣赏音乐体会到情感篇九
周海红是一位中国音乐家和作曲家,他以其独特的音乐风格和才华出众的作曲能力而闻名于世。他的音乐作品涵盖了各个风格和流派,从古典音乐到民族音乐,从流行音乐到电子音乐,每一首作品都展现了周海红对音乐的深刻理解和独到的构思。周海红的音乐作品丰富多样,充满了情感和想象力,使人们沉浸其中,享受音乐所带来的美妙体验。
段落二:音乐作品的情感表达
周海红的音乐作品以其鲜明的情感表达让人难以忘怀。在他的音乐中,情感被像水一样细腻地表达出来,使人们感受到音乐所带来的愉悦和共鸣。他的作品中有些充满了激情和力量,如《红旗飘飘》和《壮哉我大中国》,表达了他对祖国、对人民的热爱和崇敬之情。而有些作品则充满了柔情和温暖,如《钟声里的思念》和《岁月神偷》,让人们感受到岁月流转中的美好时光和深深的思念之情。
段落三:音乐的创造力和想象力
周海红的音乐作品不仅表达了他丰富的情感,同时也展现了他惊人的创造力和想象力。他的作品不拘一格,突破传统的束缚,大胆尝试各种音乐元素和风格的融合。他的作品中通过多元化的音乐结构和编曲手法,将中国传统音乐和现代音乐完美地结合在一起,创造出新的音乐形式和风格。他的音乐作品引人入胜,让人陶醉其中,充分展现了音乐的无限可能性。
段落四:音乐对个人与社会的影响
周海红的音乐不仅在个人层面上对听众产生影响,同时也在社会层面上起到了积极的作用。他的音乐作品激励了无数人们为梦想努力奋斗,鼓舞人们战胜困难和逆境。他的音乐弘扬了中华优秀传统文化和中华民族精神,让人们重新认识和热爱自己的国家和文化。周海红的音乐作品也被广泛应用于电影、电视剧和舞台剧等艺术形式中,为这些作品增添了深度和情感。他的音乐不仅仅是一种艺术形式,更是一种力量和灵魂的表达。
段落五:个人的音乐欣赏心得体会
对于我个人来说,周海红的音乐给我留下了深刻的印象。通过欣赏他的音乐作品,我感受到了音乐的力量和情感的传递。他的音乐作品中所表达的情感让我感动和激励,让我更加热爱和珍惜生活。他的音乐还让我对中华民族的丰富文化和传统有了更深的认识和理解,让我更加自豪和自信。我相信,周海红的音乐将继续影响并感动更多的人们,让世界充满爱与希望。
以上就是我对周海红音乐欣赏的心得体会的总结。每次欣赏他的音乐,都能带给我无尽的感动和启发。他的音乐作品充满了情感和创造力,通过这些音符,我感受到了人类内心世界的奇妙和无限。愿周海红的音乐能够继续传承下去,为世界带来更多的美妙和希望。
欣赏音乐体会到情感篇十
【情感与态度价值观】
了解《卡门序曲》,让学生体会乐曲不同段落的思想感情,提高学生对欧洲古典音乐的兴趣。
【过程与方法】
让学生聆听《卡门序曲》并引导学生对全曲进行分析,综合了解全曲。
【知识与技能】
通过分析《卡门序曲》,让学生对乐曲结构有一定的把控能力,并提高学生对古典音乐的鉴赏力。
二、教学重难点
【重点】
分析《卡门序曲》的曲式结构分析,了解每个主题的音乐情绪。
【难点】
《卡门序曲》曲式与传统的曲式结构不同,后面加入了与歌剧部分的连接段落。
三、教学过程
环节一:导入新课
1.为学生播放《卡门序曲》,并在投影仪上播放斗牛场图片,并让学生回答这首乐曲的整体情绪是什么样的。
2.学生回答完问题后给出答案:热烈欢快。
3.告诉学生这段音乐描绘的斗牛场的场景,它选自歌剧《卡门》。《卡门序曲》是歌剧开幕前的短曲,它综合的叙述了全剧发展的重要关键场面,奏出剧中代表主角的旋律。今天我将带领同学进一步了解此曲。
环节二:新课教学
(一)剧情介绍
歌剧《卡门》讲述了唐霍赛钟情于卡门,但卡门却与斗牛士埃斯卡米洛热恋起来,在一次斗牛活动中,埃斯卡米洛获胜。当群众正在欢呼的时候,唐霍赛杀死了卡门。随后,他自己也自杀身亡。所以整首歌剧塑造了卡门这个追求个性解放的妇女形象,最终却以她的死来结束,充满了悲剧色彩。
本剧以女工、农民出身的士兵和群众为主人公,这一点,在那个时代的歌剧作品中是罕见的、可贵的。因为作者的刻意创新,本剧在初演时并不为观众接受,但随着时间的推移,这部作品的艺术价值逐渐得到人们的认可。
(二)作者简介
乔治·比才,法国作曲家,生于巴黎,世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者。九岁起即入巴黎音乐学院学习作曲。后到罗马进修三年。1863年写成第一部歌剧《采珍珠者》。1870年新婚不久参加国民自卫军,后终生在塞纳河畔的布基伐尔从事写作。在音乐中他把鲜明的民族色彩,富有表现力的描绘生活冲突的交响发展,以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉,创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。其它作品还有歌剧《唐普罗科皮奥》。
(三)作品欣赏
1.再次聆听全曲,并向学生询问:
(1)乐曲给了你们怎样的感受?
(2)乐曲一共分为几部分?
对学生的回答进行概括总结并告诉学生乐曲一共分成两大部分,第一大部分为abaca的回旋曲式。第二大部分为一个展开性段落。
(四)分段聆听
1.为学生播放乐曲a段,让学生聆听并思考:
(1)这段音乐是什么情绪?(向学生提问后对学生的`答案做一个总结,并说出音乐表现了欢快热烈的情绪,表现了西班牙斗牛场上的喧闹、狂热的气氛)
(2)为什么会产生这样的情绪?(a段音乐节奏紧凑,连续的十六分音符快速地奏出形成了这种热烈欢快的场面)
播放一段斗牛士视频,从视觉角度让学生进一步感受其中的场面。
提问其中几个小组代表,并对学生们的回答进行总结并给出答案:表现的是妇女、儿童活泼欢快的场面。
请学生哼唱b段主题,让大家更好的记住b段主题。
3.为学生播放乐曲c段,并告诉学生这段音乐表现了斗牛士的英勇形象。
在屏幕上给出《斗牛士之歌》的谱子,并带着学生学唱这首歌曲。
4.打乱三个段落的顺序为学生播放,并找学生回答播放的是第几个段落。(引导学生说出正确答案并点评学生正确与否)
环节三:巩固提高
为学生讲解回旋曲式:回旋曲式是主题周而复始地循环往复,在其重复之间,插以对比性格的“插部”(副题),在回旋曲中,主要主题至少要呈现3次。这首乐曲的回旋曲式部分的结构是abaca。
为学生播放乐曲《献给爱丽丝》,聆听过程中依次为学生讲解这首回旋曲的曲式结构是如何划分的。
告诉学生由于序曲是歌剧的引子部分,所以这首乐曲在回旋曲结束之后又插入了一个展开性乐段,目的是为了与歌剧主体部分相连。
环节四:课后小结
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