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幼师美术论文篇一
这学期学习了美术鉴赏这门课，通过这门课的学习，让我认识到美术鉴赏是一门对美术作品进行欣赏、感受、分析和判断的一门学科，这门课让我对美术有了新的认识，新的观念和理解。同时，也提高了个人修养。就美术而言，有中国的和外国的，而中国的又有古代的近现代的，其中又包括很多类，有绘画，雕塑，建筑，园林艺术等，美术可谓所涉及的种类之多，范围之广，中国的和外国的各有特色。下面我们就来说说中国的美术及外国的美术。
美术，就中国来说，从古代就非常有特色，先从绘画说起，其种类有很多，根据技法的不同，可分为工笔和写意两种，前者强调调以线造型，只表现物体的固有色，抛弃环境对物体的影响，后者也强调以线造型，但是更强调笔墨的感觉，曰：有笔有墨谓之画。色彩遵循“色不碍墨，墨不碍色”的法则。利用生宣纸渗透性强的特点，充分发挥毛笔和墨的功能，表现出墨的焦、重、浓、淡、清的特点。不管是工笔还是写意。都不强调对光的刻画，只表现物体本身的固有色，和物体本身的阴阳向背。对空间的刻画，采用意象空间的方式。而近现代的绘画与古代的绘画略有不同。
然后我们可以再看看中国的雕塑，因古代社会制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊，中国古代又重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。综合上述分析我国古代雕塑艺术作品特征表现这几个方面：有中国古代雕塑的装饰性。无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都反映着传统悠久的装饰趣味。中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画都有着原始工艺美术，二者相互结合相互补充，中国雕塑和绘画具有审美要求上的一致性。还有一个特点就是意象性，西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。所以雕塑艺术对我们生命认识有很大的影响。
当看完中国雕塑后，中国的建筑也是一种艺术，在古代，以木质材料为主，有很多特色的建筑，如故宫。其中以宫殿和都城规划的成就最高，突出皇权至上思想和严密的等级观念。其次，又特别注重群体组合的美，或取中轴对称院落式布局，或为自由式，以前者为主。还有注重与自然的高度协同，尊重自然。然后，艺术性格特别重视对中和、平易、合蓄而深沉的美的追求。中国建筑艺术是中国人的伦理观、审美观、价值观和自然观的深刻体现。在漫长的发展过程中，中国建筑始终保持了自身的独特性格。中国的建筑艺术，深刻影响着我们的生活，一直持续到现在。
的景色，园林中除大量的建筑物外，还要栽花种树，用人工仿照自然山水风景，参以诗词的情调，构成许多如诗如画的景。除满足造园者满足居住上的享乐需要外，更重要的是追求幽美的山林景色，以满足精神上的享受。中国古典园林经常用诗词书画渲染气氛，提升意境。这就是中国古代园林艺术的高超技艺，特点十足，中国近现代的园林艺术有很多都是模仿古代的设计特色而构建的，很有古色古香的味道。
外国的绘画，很强调对色彩的运用，这是西方与中国绘画的本质区别。从实际上来说，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。西方传统绘画的另一个特点，是强调描述。长期以来画家们一直是把有效地表现故事和传说、描绘具体的情节，以表达某种寓意或象征，当作自己的任务。西方传统画与现代绘画差异，还反映在对于所谓再现的不同态度上。对于传统绘画来说，再现是其根本所在，也可以说是西方传统绘画的基本目标。西方绘画毕竟与中国绘画有所不同，各有特色，当谈到西方绘画时，我们会想到许多与中国不同的地方，这可能也受着文化习俗与崇拜信仰的影响，再加上宗教等的一些，差别肯定很大，所以，我们要用不同的眼光来看待西方的绘画。
不光有绘画，还有外国的雕塑，因为受地理位置影响，以及文化差异，宗教信仰的不同，西方雕塑与中国的雕塑艺术也大有不同，所以说中西方雕塑艺术的题材与形式上的不同由地理环境和社会组织结构的不同所决定。主要以欧洲为中心，代表作品有很多，其中以古希腊雕刻，古罗马雕刻，中世纪雕刻，文艺复兴时期雕刻等。其次，又由于观念意识，思维模式不同所造成的中西雕塑在表现方式上的差异。当对比西方文化时你会发现，中国的.传统文化是追求的是统一的整体，而西方则是把一个整体分为不同的部分，西方文化重视的是逻辑推理的思维模式，结合了古希腊的科学主义与理想主义，为西方雕塑艺术奠定了基础，而中国的雕塑则强调直观意识思维方式，通过直觉来感悟，体验把我对象，着两种思想意识上的差别形成了中西雕塑艺术的不同。然后，中西雕塑的也表现在功能和类型上的差异。从这些就可看出中西文化差异也表现在雕塑艺术层面。
与中国的不同，外国的建筑，和其他的如绘画，雕塑也差不多，都受本土地理环境与文化影响着，自然也和中国的不同，同样我们要从不同的角度去看，才能深刻了解与体会和感受到西方建筑艺术的特点。西方建筑每每以巨大的体量和超然的尺度来强调建筑艺术的永恒与崇高。它们具有严密的几何性，常常以带有外张感的穹隆和尖塔来渲染房屋的垂直力度，形成傲然屹立，与自然对立的外观特征。古代埃及建筑文化的代表――金字塔与神庙，便突出表现了这一特点。金字塔是埃及法者或贵族的陵墓，古埃及人信奉灵魂不死的观念，认为死后永久保存肉体，便可在天国求得永生。由此，埃及法老在世时均要为自己营建代表永恒信念的金字塔。金字塔与我国古代王陵绝然不同，它不带有“入土为安”的阴柔之美，也不在深埋地下的地宫中去创造宛若人世间的富庶华丽生活的地下天堂，而是以最简明有力的几何形式，集中表现出一种与世长存的永恒主题。从艺术哲学观念来看，位于尼罗河西岸开罗近郊的吉隆金字塔群，正是以其巨大、单纯、简洁、稳定的造型，在广阔、原始、浑朴的大漠中，表现了一种超自然的纯阳刚之美，而产生了强烈的纪念性――神圣，永恒，庄严，崇高。所以像金字塔这样的建筑自然在中国不会出现，说到这，让人无法想象，西方古代的技艺是如何的高深，现代的人们都无法解开金字塔之谜，这还需要我们慢慢去探索，慢慢去发现，去欣赏更多的美，更多的艺术。
总之，美术鉴赏是一门让人们更加深刻去认识美的课程，可以提高我们的人生修养，我们要不断的去学习，去体会，去感受。
幼师美术论文篇二
中国绘画艺术与西方绘画艺术都有着令人回味无穷的艺术感染力,它们一致追求和谐与真、善、美的统一,但由于地域、文化、观念等的影响,在长期在各自的历史文化背景中形成了明显区别的各自传统,成为中西两大绘画体系,影响着世界画坛的发展。
本文将以这两大体系的代表画种“中国画”和“油画”位论点,对这两大体系的性质、特点进行比较分析,从中找出共性和各自特色为以后的艺术学习研究创作夯实基础。
论文关键词:中西方;绘画;区别;联系。
画由人为,画的不同,即是人的不同,价值观的不同,也是环境文化的不同。
这又离不开人所处的特定的环境和时代。
马克思认为:对艺术的思潮,流派或艺术家,只有从历史的发展中才能认识它产生的原因,判断它的社会价值,从而便于我们批判的借鉴。
通过中西方绘画性质、特点进行比较分析,最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。
一、中国绘画艺术特点。
植根于儒道文化的中国传统绘画,在“天人合一”的哲学观影响下,追求人与自然的整体和谐。
中国画是“人化了的自然”之审美理想的心印,是笔墨概念根与自然发于心源,而又超越自然的现实主义和浪漫主义线的结合,是情质并发的思想感受。
中国人的禅学思想比较发达,形和意之间的关系不是很实在的,中国传统的美学观念是以天人合一,自然、朴实、返璞归真为美,往往借助山水、花鸟、虫鱼等抒发个人的情怀,“情景交融”,并将自然物象尽收笔墨之下。
中国画讲求“以形写神”,追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。
中国画家对待被描绘的自然态度不是被动的、对立的,而是主客观统一的,正如唐朝张b所说“外师造化,中得心源”,即强调到大自然中去观察、研究、体验,感受大自然之灵气,吸取其生命之精华,融入自己的心灵与感情,并将自己的感情与精神注入大自然之中,使二者融为一体,达到物即是我、我即是物的地步。
这样作画时,便是画家发自心得的感受,有了然于心中之意象,在达到自由地表现自然的富有生命的神韵的同时,也抒发了个人的情怀,表现了画家的心灵、人格与精神风韵。
这就是中国画的“天人合一”、“心物合一”、“形神统一”的创作观念,即形式与内蕴统一的传统艺术思想。
在这种创作观念的影响下的中国绘画,是自由的、写意的,是以笔墨造型的,所以构成的艺术世界是意象的、表情的、意境的。
同时,中国画不是定点写生,而是将不同时间,不同角度观察对象获得的形象特点,有机的组合在一起,着重表现审美感受的真实。
是将作者所见所感综合组织于一体的绘画。
中国画还重视空白的运用,有“虚实相生”的效果。
中国山水画,是将作者游览山水的所见所感的田野之平阔、山间树木重重之幽深、登上路途之盘曲、仰视主峰之高耸等,综合组织于一画,小学语文教学论文网中国花鸟画还可以将四季之花画在一起等。
中国画的构图,是以立意、气韵为根本的出发点和归宿。
重视情势,讲究画面物象内在联系上脉通气贯;在位置的.经营上讲究环环相扣,节节相连,从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节奏。
二、西方绘画艺术特点。
西方哲学观念主张将事物一分为二,将认识分为感性与理性,将世界分为主观与客观,将社会分为人与上帝,其概念和范畴都具有明确的规定性。
古希腊哲学家和艺术家共同的理论就是“模仿自然”。
在亚里士多德看来,艺术起源于人们善于模仿的天性,艺术家的任务就是按照真理的指引去创造那些合情合理并给人快感的东西,实现该目标的方式就是模仿事物,“照事物的本来的样子去模仿,照事物为人们所说所想的样子去模仿,或是照事物应当有的样子去模仿。
”欧洲的创作观念是将人摆在与所描绘的客观对象相对立的位置上,作者面对客观对象进行写生,正如达芬奇所说:如同是镜中之像的真实再现。
这种创作观念的绘画,是科学的肖似再现,构成的艺术世界是镜像的、理性的。
西洋画里的景物,非常注重物体上的光和其色彩因受到光的影响所引起的变化,要求描绘的肖似,重视形似,与真实景物一般无二,并且在一幅画面上,只能有一个固定的视点,凡物必有背景,例如果物,其背景为桌子。
在空间处理上是定点观察、定点写生。
为了再现人的视觉经验如同“镜像”般的真实,以色彩和明暗造型,画面不留空白,理智的进行构图,采用科学的透视学和色彩学,表达近大远小的色彩的空间变化,形象立体感很强,逼真肖似,具有典型性。
西方这种再现性艺术传统,经过文艺复兴、巴洛克、罗可可、新古典主义、浪漫主义、印象主义等不同风格的大幅度变化及延续,其创作观念直至东方绘画思想传入并影响了塞尚、凡高、高更等一批画家,才开始出现大的变化。
三、中西绘画的区别与联系。
无论是中国绘画,还是西方绘画,它作为艺术的一种形式,有其共同的特征。
从绘画内容方面来说,中国画与西洋画的历史,其发展的初期,都注重人物画,并且都曾为宗教服务过,构成所谓宗教画。
中国古代长期是封建制度,在帝王、贵族、地主的统治下,绘画要为他们服务。
绘画多宣扬封建礼教和宣扬宗教及其出世思想。
其目的都是封建统治阶级麻痹人民巩固其政权的手段。
西方绘画也有相似的情况,就是西欧各国在古代封建社会中世纪时期,其文化完全为基督教神学所笼罩,科学、教育、文学、艺术都带有宗教性质,西洋画也没有例外,是为宗教服务的。
从绘画表征来看,绘画这主要表现在他们都是可以直接看到的、有形有色的具体的艺术形象来反映社会生活和抒发画家对客观现实的感受的。
绘画是整个美术以至整个艺术门类中特别丰富多彩的艺术形式之一。
从绘画内涵来看,中西绘画,虽然面貌有很大区别,但它们都是追求和谐与真、善、美的统一。
四、结语。
总结来看,尽管中西美术家的着眼点和创作方式不尽相同,但在探究真善美方面,在挖掘人类共同情感方面,在维系社会责任方面,又存在着众多相同之处。
相互比较也是一种文化创造,更是一种文化建设,重要的是不断寻找中西方艺术结合的契合点,做到既保持中国艺术的传统精神,又在吸收西方艺术的同时有所创新,这样才能对于中国当代文化建设产生积极的影响。
幼师美术论文篇三
论文摘要：乌申斯基说：“儿童是用形式、声音、色彩和感受来感受周围的事物。”随着信息时代的到来，大大推进了多媒体课件在幼儿园教学中的发展，给幼儿园教育活动带来了新的生命力。《幼儿园教育指导纲要（试行）》中指出：幼儿园应于家庭、社区密切合作，综合利用各种教育资源，共同为幼儿的发展创造良好的条件。多媒体教学课件就是各种教育资源之一，它是根据教学目标设计，从而表现特定的教学内容，有效的将文字、图形、图像、动画、声音相互结合。它特有的直观、生动、形象、感染力强的特点，极大的激发幼儿的学习兴趣和主动性，使课堂教学效率得到了较大的提高，有效的提高幼儿在五大领域方面的认知、技能、情感、理解能力。这是社会发展的需要，也是培养人才的需要。运用多媒体教学有利于唤起幼儿进行创造活动的兴趣和愿望，有利于幼儿进行观察思考，促进教育教学的整合作用。在幼儿园美术教学中运用电脑多媒体教学，有利于激发幼儿对美术的兴趣，陶冶幼儿情操，培养幼儿感受美和表现美的能力，更有利于提高幼儿园美术教育的质量。
论文关键词：多媒体教学美术教育幼儿。
我们认为，幼儿园多媒体课件是一种采用多媒体技术交互式、综合处理文、图、等信息媒体，来整合教学信息、表现教学内容的教学系统。它能够在一定程度上创设自主学习、主动建构知识意义的学习情境，激发学习者的学习动机，提高学习的兴趣。从某种意义上说，多媒体课件是帮助幼儿系统地建构知识及幼儿主动探索学习的桥梁与工具。
一、幼儿园多媒体课件的类型。
多媒体课件的设计目的是为了实现最优化的教学效果。课件设计中最重要的东西，并非在软件的应用上，而是在教学内容的表达上，在我们对课件设计的理解以及设计制作的水平上，在于我们自身的美感以及对教材的把握上。
二、运用多媒体课件进行美幼儿园美术教学活动的优势。
（一）、活跃课堂氛围，激发孩子兴趣。
“兴趣是最好的老师”，运用多媒体教学激发幼儿的学习兴趣，变被动学习为主动获取，使他们思维积极，想象丰富，调动了学习兴趣，从而促使他们全面和谐发展。
传统的美术教学模式，教师出示范例-讲解范例-幼儿模仿-教师讲评，对幼儿来说，枯燥的形式缺少审美的感知，幼儿的作品往往千篇一律，依样画葫芦，而多媒体声色并茂、动静结合、高度智能化等强大的技术，使传统教学中无法或难以表达的内容，形象直观地展现在幼儿的面前，幼儿在其中按照自己的意愿和兴趣来表达自己的体验和情感，获得满足，激发表现美、创造美的兴趣。
（二）、发散性思维，培养创造力。
当今的社会日新月异，对人提出了更高的要求，只会模仿，不懂创新的人要被淘汰，多媒体教学在幼儿创新意识的培养中有着无可比拟的优势。利用多媒体能突破时间和空间的限制这一特征，制作一个动画课件，通过声音的感受和图象的清晰，为幼儿提供创设了形象、直观的和谐情境，使幼儿思路开阔，想象丰富了，创造力也随之调动了。
总之，多媒体辅助教学有着广阔的前景，只要我们教师根据幼儿的年龄特点和认知特点，根据美术教学的要求，精心设计课件，适当运用，一定能收到事半功倍的效果。
在幼儿园美术教学中运用电脑多媒体教学，对激发幼儿对美术的兴趣，陶冶幼儿情操，以及培养幼儿感受美和表现美的能力，有很大的帮助。
（一）、引发幼儿创造的兴趣和愿望。
幼儿的注意力具有很大的随意性，不稳定，特别是小班的孩子，易受情感支配，很容易分散。小班的孩子刚进入幼儿园，什么都是以激发兴趣为主，教他们画画，就要让他们感受画画的乐趣，喜欢画画，愿意画画。而且小班的孩子对色彩鲜艳，动态的画面更感兴趣。因此，在很多的美术教学活动中我都采用多美媒体课件地方法指导孩子画画。
例如：在教孩子如何画直线条，和弯曲的线条是，我选用了现有的课件《扭扭宝宝》。这个课件动态的演示了直线条变成了绳子，变成了蚯蚓，又变成了波浪，小鱼在海里游。形象而又生动的画面吸引了孩子的注意和画画的兴趣。调动了孩子的主动性。
又如：小班美术《盖棉被》活动目标是在情景中感受冬天的景象，并乐意用棉签蘸上颜料顺着一个方向来回涂色。在这个活动中我设计了两个ppt.第一个ppt的运用起导入的作用。老师将各种冬天的景象如：下雪，圣诞节的气氛做成ppt.引入话题：老师说：冬天了，我们给小动物设计一些暖暖的棉被吧！怎么设计呢？”接着播放第二个ppt.出示几幅棉被的图片，让孩子说说你喜欢哪一条。教师在电脑上演示怎样均匀的涂色。在电脑上画的好处是能让每个孩子看清楚，而且节约时间。
(二)、帮助有效的进行主题整合。
孩子喜欢的美术教育活动，不仅仅是教会孩子一些技能，更多的是知识的丰富和积累。二期课改的理念体现了各学科的整合，老师可以通过多媒体课件达到这一目的。做到知识的整合，各学科领域间的整合。
如中班的主题《我爱我家》的二级主题中《画妈妈》这个活动的目标是通过说说画画妈妈，让孩子感受到妈妈的爱，关心妈妈，爱妈妈。可见，这个活动不仅仅是让孩子会画妈妈，更多的是爱的情感的激发。
因此在活动的准备中我采用多媒体课件，将妈妈和宝宝的的照片做成ppt让孩子直观的看到了妈妈。让孩子说说自己的妈妈长得什么样？有的孩子说：“我妈妈的脸瘦瘦的，有的说我的妈妈胖胖的。”
孩子还观察到了妈妈的发型，有的孩子说：“我的妈妈是长头发，我的妈妈头发是卷的而且是染发的。”孩子边说我边将妈妈的基本特征画下来。在画的同时有的孩子会说：我的妈妈也是这样的。”通过多媒体课件的再现不在身边的妈妈变的具体形象了。一个原本枯燥乏味的活动变的生动并且富裕了情感的寄托。
这样的例子还有很多如主题《秋天里》有一个活动是美丽的菊花。目标是让孩子感受秋天的美，认识一些常见的花。并尝试用线条进行绘画。现有的资源来看没有那么多品种的菊花。于是，我利用多媒体课件在网上收集各种有代表性的菊花做成ppt.让孩子欣赏。在欣赏过程中孩子会发出惊叹声：哇，好漂亮呀，像烟花，像妈妈卷头发。这是什么花呀？在孩子们的疑问中我告诉他们这些都是菊花，而且有着不同的名字。在介绍完一些尝试之后，老师就演示如何用线条画出美丽的菊花。孩子饶有兴趣的看着，当他们一幅幅美丽的作品完成之后，我马上拍摄下来并从电脑上播放出来。看到自己的作品在电脑里播放出来时，别提有多开心了。
现在的美术活动不只是一节单纯的美术活动，渗透了主题目标中的许多的知识经验。如：中班主题《在动物园里》就要求幼儿画一画动物。动物虽然深受孩子们的喜欢，但是由于动物里孩子的生活较疏远，如何表现动物的肢体动作，把动物的基本特征表现出来还是比较困难的。因此在具体活动中，多媒体的运用是不可缺少的。
如：美术活动《调皮的猴子》这个活动。
我先收索关于猴子生活的视频，包扩猴子爬树，又是怎么睡觉的，猴子有什么本领等。先让孩子看看猴子们在干什么？孩子们说：“它们在爬树，它们趴着睡觉，它们蹲着吃香蕉。”当孩子们对小猴满怀着热情时，我将如何画小猴利用投影仪掩饰了一下。当孩子们看到活泼可爱的小猴用简单的几笔画出来时，个个都很兴奋，他们都迫不及待的想试一试了。就这样神态各异的小猴在孩子们的笔下诞生了。
《可爱的熊猫》，熊猫是我们四川特有的珍稀动物，但是在我们阆中还是无法和熊猫近距离的接触，于是我们设计了一个课件，有各种姿态的熊猫，有各种精美的图片，有各种熊猫的优秀美术作品，幼儿可以大开眼界，轻松地掌握熊猫的外形特征，使孩子兴趣大增，画出了各具特色，各有千秋的图画。真是栩栩如生，充满童趣。多媒体课件就是这样能使活动变的开心，有乐趣。
（三）、积累感性经验，提高审美意识。
在美术活动中，教师除了唤起幼儿已有的经验，还应设法帮助幼儿扩展经验，包括组织幼儿参加有趣的文体活动和外出游览，广泛收集与主题有关的图片、录像、动画、美术作品等。通过欣赏、观察提高幼儿的审美意识，加深对绘画表现力的认知和理解，为幼儿积累丰富的想象创造条件，创作出更多更好的作品。比如：大班的美术活动《有趣的大树》，要求每组幼儿通过合作，利用多种材料制作四棵大树，从树上要体现出四季的变化。由于幼儿感知水平较低，对于四季变化很难理解，而且对已过去的季节特征已经淡忘，因此这次活动，对于幼儿来说有一定难度，若只凭教师口头描述四季特征及树的变化，必然会枯燥无味，引不起幼儿的兴趣，教学效果也不会很好，利用多媒体技术就好多了，我们利用多媒体把四季轮换制作成动画形式：春天，天气转暖大树开始慢慢的从枝头冒出小芽，并逐渐长成绿叶，绿叶很快长大，到了夏天枝叶茂盛。秋天，树叶颜色慢慢变黄，并从枝头一片一片飘落下来。冬天来了，树上只剩下光秃秃的树枝，天空撒下片片雪花，在枝头积了许多白雪……同时加上教师的.贴切优美的讲解，使幼儿在几分钟之内就感受到了四季轮换及明显特征，丰富了关于四季树木的感性经验，提高了幼儿的审美意识，为最终的创作做好铺垫和准备，然后在教师的指导下利用各种方法和各种材料创作出了不同季节的大树，达到了理想的教学效果。
（四）使美术活动更具游戏化，生活化。
我们不能把美术活动局限为画画，手工制作，剪纸贴画都是美术活动。孩子把美术活动看成是游戏，那么我们就应当像游戏那样去教学，教他们观察，启发他们想象，鼓励他们勇敢地用自己的语言画出所看、所想、所爱。
《蔬菜娃娃》是利用各种蔬菜的形状的特征装饰成有趣的动物。怎样引导孩子们大胆的想象，充分地施展自己的才能和思想，多媒体的运用实现了这个想法。
制作好的蔬菜娃娃不能防止太久，否则会变形，因此必须在活动中让孩子欣赏怎样制作。但是教师现场制作蔬菜娃娃看我定需要较多的时间，而且只能欣赏到一种作品的制作过程我就实现将制作的过程拍下来，剪辑好。并将制作完成的作品制作成幻灯这样幼儿可以直观的看到形态逼真的蔬菜娃娃。
最后，孩子们悬着需要的材料制作蔬菜娃娃。教师也将幼儿的作品拍摄下播放出来，一起享受着成功的喜悦，我门还进行了一次最佳创意奖的颁奖呢！
（五）、提高教学的灵活性、随意性。
传统的美术教学，教师示范往往是通过手绘，这种示范存在图像小，速度慢，教师背对幼儿易挡住幼儿视线等缺点。应用多媒体计算机演示，能较好的解决以上问题，图像大而清晰，色彩鲜艳。教师能直接与幼儿进行面对面的共同沟通交流，并及时掌握幼儿反馈的信息。幼儿看得清楚，听得仔细。如果幼儿有疑问，计算机可以再次演示，强化示范步骤，突破教学中的难点，并且节约示范用的时间，使孩子有了更多的练习时间。
以前在讲评幼儿作品时，特别是泥工作品，由于体积较小，教师在结合作品评价时，一些细节问题幼儿很难看清楚，但有了多媒体中的大屏幕，这一问题就迎刃而解了。
美术活动泥工《螃蟹大联欢》，我事先从网上搜索了一些可爱的小螃蟹动画，制作成一个小小的动画片，上课时播放给孩子看，孩子们看到后非常兴奋，纷纷的说：“这些小螃蟹真可爱；它们在跳舞，他们在唱歌，他们在做游戏。”我这样告诉小朋友：“小朋友说得对，寒冷的冬天已经过去，天气越来越暖和，这些小螃蟹为了欢迎春姑娘的到来，正在开联欢会呢！你看，他们又是唱，又是跳，玩得可开心啦！小螃蟹还邀请小朋友也去呢，我们每人做一只小螃蟹送他们去开联欢会好吗？”小朋友带着满怀的热情，积极地用他们手上的材料制作着，孩子们深深地沉浸在自己的创作中，动脑筋想办法，每个孩子做出的小螃蟹都是最出色的作品，因为这是他们用心做出来的，里面有他们的智慧和心血。我非常珍惜地把它们摆在桌子中间，让孩子们参观学习。最后，孩子们拿着自己的小螃蟹在教室里手足舞蹈，享受着成功的喜悦。
多媒体手段带给我们许多的便利，但带给孩子更多的是知识、信息，我将会更加努力探索，让孩子受益更多，让孩子在信息化时代接受更多的信息化教育！在多媒体辅助教学的实践运用中，还使我深深体会：开展多媒体辅助教学对教师提出更高的要求。教师要制作教学软件，必须掌握动画制作软件或多媒体写作工具软件的运用，能较熟练地制作动画、填色、配音，建立交互。同时，由于制作软件需要大量的时间和精力，并且在反复实践反复修改下软件才会趋向完善，所以教师只有敬业爱岗才能顺利开展多媒体辅助教学。
参考文献：
1、候令:《美术课程标准》的三个维度:西南示范大学出版社.1月。
2、刘成:《美学基本原理》上海民出版社1992年版。
3、《多媒体计算机的应用》北京科学技术出版社。
幼师美术论文篇四
摘要：国立西南联合大学的教育是中外教育史上的一个奇迹，培养了大批的人才。本文通过研究西南联大教育的教育理念、办学思想和人才培养模式，从而得出西南联大对当代高校创新教育的启示。
关键词：西南联大；创新教育；启示。
西南联合大学(简称西南联大)是在我国抗日战争期间，由北平国立北京大学、国立清华大学和天津私立南开大学南迁联合办学的学校。西南联大(包括之前的国立长沙临时大学时期)成立于1937年8月，到1946年秋季返平津复校，共9年时间。在艰苦卓越的9年时间里，弦歌不缀，培养出了包括诺贝尔奖获得者在内的大批杰出人才，成为中国高等教育史上的一个奇迹。西南联大培养和造就了大批的人才，其中有许多是蜚声中外的第一流科学家、哲学家、史学家、文学家以及党政领导干部。”
据统计，从1938年至1946年，先后在西南联大就读的学生约8000人，毕业生约3800人。在他们中间，有1000多人先后在国内外诸多领域做出突出贡献并取得杰出成就。截止到1996年6月，西南联大的学生中有80人被评为中国科学院院士和中国工程院院士，有6人被选为台湾中央研究院院士。另外，有5名西南联大的毕业生后来成为美国文理科学院院士和美国工程师学院院士。对西南联大研究了十年之久的美国弗吉尼亚大学史学教授约翰依色雷尔说：“西南联大是中国历史上最有意思的一所大学，在最艰苦的条件下，保存了最完好的教育方式，培养了最优秀的人才，最值得人们研究。”
一、西南联大的成功教育模式。
西南联大能够取得如此大的成就，培养出众多创新人才，与联大的教育理念、办学思想和人才培养模式有密切的关系。
(一)继承和发扬“学术自由、兼容并包”的精神。
从三校沿革来看，三校校长都强调民主管理，实行教授治校。西南联大的最高行政领导机构为常务委员会，原定主席由三校校长轮流担任，实质上常委会的工作一直有清华大学校长梅贻琦主持。在一些办学的重大措施上，他注意听取有威望的教授的意见，确立了“教授治校”的制度。蔡元培先生倡导的“学术自由、兼容并包”的精神，在联大岁月一直得到坚持和发展。“学术自由，兼容并包”思想落实到联大教学环节中去。西南联大的教授、副教授多是二三十年代留学归来的博士、硕士，人文和科学素养极高。自然科学方面有吴有训、陈省身、华罗庚、吴大猷等；社会科学方面有朱自清、沈从文、金岳霖、闻一多、陈寅格、冯友兰等著名学者。他们各有独特的学术观点和师承流派，教学风格各异。但由于学校提倡兼容并包、学术自由，他们都能发挥各自专长，开出多种选修课。这不仅调动了教师的任课积极性，而且开阔了学生的视野，有利于培养学生的辩证思维。
(二)教学科研并重，注重学生的实践动手能力。
抗战时期物质条件极差，西南联大教授们并未因此放松科研工作。据不完全统计，西南联大物理系师生，包括清华两个研究所在内，在联大时期发表于国内外学术期刊上的论文共108篇。在战时十分困难的条件下取得如此多的科研成果是十分难得的。在教学中，尽管教授们授课风格各异，但皆具有开拓创新精神，多把自己的研究成果在课堂上讲授，开阔了学生的视野。同时，由于当时的教学条件十分艰苦，缺乏必要的实验仪器设备，但许多系因地制宜充分利用西南地方丰富的自然和社会资源，增加了社会实践的机会，学生从中获得了大量的实际知识，提高了动手能力，在一定程度上弥补了教学设施的不足。
(三)注重文理兼修，培养“通才”的教育目标。
联大在教育目标上，提倡“通才教育”，主张加强基础知识的传授和基本技能的训练，主要体现在课程设置上。联大全校性的共同必修课主要集中在一年级，一般包括：国文、英文、三民主义、伦理学、中国通史、世界通史、一门社会科学基础课目(可任选：社会学概论、法学概论、政治学、经济学)和1门自然科学基础课目(可任选：地学概论、普通心理学、普通地质学、普通生物学、普通物理学、普通化学、普通数学、微积分)。原则上共同必修课是所有学生必修的，不过各院又可根据需要进行调整，如文法学院对上述社会科学基础课目必修2门，理工学生对上述自然科学基础课目必修2～3门，工学院则可以不修中国通史。西南联大选修课门类众多，而且专业限制较少。学生可以按照课程表选本学期的各门选修课，如果学分不足规定数，可以选本系或外系的课程，或从本人研究方向或兴趣出发选择有关课程。
(四)厚基础，宽口径的培养模式，注重实践能力培养。
联大实行以学分制为主体，必修课、选修课并举和严格要求、严格管理相结合的教学制度，注重文理交叉和培养学生的实践能力，学生对选修课有很大的自主权。这一方面为扩大学生知识面创造了条件，另一方面也促使教师勤奋治学，永不停步。联大对基础课的要求非常严格。设有一年级生课业指导委员会。一年级结束时，有些系规定，某一两门基础课，成绩达不到某个标准(70分或65分不等)不能进入该系二年级。学校配备的基础课的师资力量也十分雄厚。一二年级的基础课程，也有知名教授参加任课。理工科，特别是工科，课程负担重，每周都有考试，甚至周末也有考试，暑假也安排课程。考试评分极为严格，不及格率很高。因此，能够顺利完成低年级的基础课程进入高年级学习是很不容易的。理工学院除了在理论课程方面要求严格外，也对学生的动手实践能力提出很高的要求。化学系的定量分析实验，实验数据得不到一定的`精度，教师拒绝签字，必须重做。联大各系科的专业范围比较宽阔，基础方面也有一系列的要求，使学生受到了扎实的科学训练，有利于进一步的发展，可以创新，可以开展边缘学科和新学科的研究，有较宽阔的发展前途。
(一)专博并济，培养通才的教育目标。
目前，我国高校基本沿袭传统的专才教育模式，专业门类划分过细，致使学生就业面窄，专业发展受限，不能满足社会和自身发展的需要。现代脑思维科学研究表明，创新思维过程是左右脑配合才是完成的，要提高创造力，离不开逻辑思维和形象思维的相统一的能力。结合西南联大通才教育思想和人脑四象限模型，为提高学生的创造力，提倡科学教育和人文教育并重的通识教育，培养专博并济的人才，是21世纪高等教育发展的趋势。
(二)教学与科研相互促进，服务地方经济。
教学与科研是高校教师两项重要任务。教学促进科研，科研提高教学。知识经济要求教师不仅要有较高的教学水平，而且应有较强的科研能力，在高校从教，如果没有科研的实践，完全从书本到书本，从课堂到课堂，就很难形成创新能力，没有创新能力，就培养不出有创新能力的学生。同时，教师科研应该结合当地实际，挖掘地方特色，形成独特的研究方向，这样才能富有鲜活的生命力，只有民族的才是世界的。
(三)营造良好的教师培养的环境，培养创新型的教师。
知识经济时代，对高校教师素质提出了更高的要求。要求教师具有创造性的人格特征、科学的教育理念、合理的知识结构、娴熟的创新教育能力。创造型教师的培养是个长期的复杂过程，高校应该充分发挥教师的自主性和创造性和构建有利于教师培养的环境与机制。主要体现在以下几个方面：加强教师的培训。邀请专家、学者和企业行业专家对在岗教师进行培训；鼓励在职教师到高层次的大学、研究机构进行进修。营造宽松的创造环境氛围，形成创造激励机制和建立创造评价制度。联大非常重视师资队伍的建设，不仅从抗战开始前后学成归国的学者中新聘了一部分年轻教授，如华罗庚、陈省身、王竹溪等。而且重视对已有教师的学术提高，联大规定：教师在联大任职满五年，而学校又有意续聘的，教师提出申请并经过教授会同意，可以带薪到国外大学或研究机构访学休假。
(四)不断更新教学内容，加强教学模式改革。
创造性教学强调教学内容的不断更新。在课程设置上，注重必修与选修、主修与辅修、基础理论方面与实践能力方面、普通教育与职业技术教育的多层次、多维度、多样化的课程体系，给学生提供广泛自由选择的机会，以便适应不同学生的能力倾向、兴趣、择业意向和实际，并促进他们各自的特长充分发展。在教学内容上，注意及时改革、更新、充实和丰富教学内容，增加反映现代科学发展新成就的即时信息，以及边缘学科和综合性学科的有关知识，扩大教材信息量，开阔学生视野，帮助学生建立最优化的知识结构。此外，在注重基本知识教学的同时，而且要及时了解大量的科技新发展的即时信息，以掌握时代脉搏，跟上讯息万变的科学技术步伐。
参考文献：
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[5]黄欣.西南联大课程设置的特点及启示[j].江苏高教，2003(2).
幼师美术论文篇五
摘要：音乐教学的有效性是指从教学目标的操作性、教材内容的审美性、教学环节的层次性、教学手段的便利性及教学方法的趣味性、教学技巧的艺术性、教学效果的有效及教学评价的合理性等方面入手展开多声部教学活动，使学生通过音乐学习，在音乐认知、音乐技能、音乐审美和情感的协调配合上获得发展和提高，有效达成音乐课程的三维目标要求。
本文从教学目标、教材内容、教学环节、教学手段、教学方法、教学技巧等方面就如何提高教学的有效性进行实践和探索。
关键词：幼师;合唱教学;有效性。
一、在教学目标的制订上，注意其可操作性。
幼师合唱课的教学目标不仅要求学生具有一定的演唱技能、技巧，还要培养学生的多种意识和品质，包括合作、尊重、平等、分享、自信、责任等，这就要求在教学目标的制订上要有阶段性和可操作性。
幼师一年级学生由于刚进校，尚未接受过严格系统的训练，对多声部音乐还很陌生，所以这个阶段的教学目标是建立多声部概念，培养多声部听觉。
二、在教材内容的选择上，注意其审美性。
在合唱教学中，面对琳琅满目的合唱教材，面对浩如烟海的合唱作品，指挥教师选择什么样的内容将直接影响着所教学生的审美情趣与审美品位。
从这个意义上说，一个合格的合唱教师不仅要有渊博的知识、扎实的专业基本功，更要有良好的艺术修养和高雅的艺术品位。
教师除了将教材中的经典合唱歌曲作为基础训练的曲目外，还可以根据学生的年龄特点、专业特点、接受能力等，在教材之外选取一些情趣高雅、风格鲜明的作品作为教材的有益补充。
在选材的难度上，要遵循“跳一跳摘桃子”的原则进行合唱曲目的选择。
三、在教学环节的设计上，注意其层次性。
多声部演唱一直是幼师声乐教学中的难题，刚开始接触合唱的学生，即使是简单的二部合唱，也往往是高低声部互串，更谈不上相互配合。
此时如不厌其烦、机械地练习，学生往往会失去兴趣，教学效果也不理想，这就要求教师在教学环节的设计上应有层次性。
比如：考虑到一年级学生的基础和兴趣，在课堂教学中，教师可以从将学生喜欢的通俗歌曲改编为合唱入手，通过聆听、欣赏培养学生的听觉，体会和声的美感。
教学中，通过对同一首歌曲的齐唱与合唱录音的对比，让学生找出其中的不同，启发学生从音色、音量、音响的丰满程度和表现力度等方面去对比，从而为课堂合唱教学打好基础。
在合唱教学中，可以根据学生的演唱能力做合唱的加减法。
对于一些较为简单的合唱作品，可以做加法练习，如转调、变奏、关系大小调之间的转换等。
四、在教学方法的选择上，注意其趣味性。
兴趣是最好的老师。
在感兴趣的事物面前，学生无不表现得兴奋、投入、思维敏捷……教师应抓住这一心理特征，让学生爱学、乐学、勤学，让课堂活起来。
在正式演唱合唱作品之前，教师可以用一些简单的儿歌进行二部、三部、四部的轮唱或轮说练习。
在这一练习中，教师唱一声部，学生唱二声部，在反复记号部分，教师可以即兴添加歌词，但每一遍反复的歌词不能重复。
在此基础上，教师还可以将其拓展为三部、四部的模唱练习。
这个练习不仅训练了学生的反应能力，而且将合唱中的轮唱技巧巧妙地融了进来。
同时，由于师生互动，并且加进了即兴的成分，所以它既融洽了师生的关系，又紧紧抓住了学生的注意力。
五、在教学实施的过程中，注意教学技巧的艺术性和教学效果的有效性。
教育的本质是文化与人的双向建构。
匈牙利音乐教育家柯达伊说：“艺术的精髓并不是技术而是心灵。
一旦心灵可以毫无障碍地自由表达，便能创造出完美的音乐效果。
”教师应尽可能地用眼神、表情、手势与学生交流，引导他们去表现音乐，这样才能达到心灵上的默契，这种非语言的交流也正是合唱艺术的魅力所在。
启发学生学会处理、表现歌曲的情感，在理解的基础上，把歌曲的情感化为自己的心声，使他们在潜移默化中享受到美的愉悦，被音乐的情感所感动，与音乐浑然一体。
六、在评价方式的选择上，注意其合理性。
已故知名合唱指挥家、中国合唱学会理事长聂中明先生说过：“艺术和竞技体育不一样，它的精神是给人带来幸福和美的感受，而不是紧张的情绪，更不是锱铢必较……”在课堂合唱教学中，笔者认为，应给学生更多的信任、时间、空间，让他们真正成为教学的主体，成为学习的主人。
我们要在合唱教学中善于运用评价这一教学手段，要对学生的合唱能力持信任态度，而不要以音乐权威自居，尽可能地寻找学生的优点。
美国心理学家詹姆斯说过：“人最本质的需要是渴望被肯定。”特别是对于个性较强的高年级学生来说，鼓励是对学生的一种态度评价，也是一种反馈。
但鼓励并不代表完全赞同，教师在肯定的基础上对学生提出一些建设性意见是很有必要的。
此外，不要使评价方式更加多元。
总之，“多读、多思考、多写、多改，一切技巧问题都在几‘多’之中”，这是现代作家严文井的一句名言。
幼师声乐多声部教学的创新和完善也需声乐和合唱指挥教师在自己的教学实践中去反复实践、思考、再实践、再思考。
要在实践中去找方法，在思考中去改善方法，从而改善和提高幼师合唱教学的质量和效率。
幼师美术论文篇六
要想将视觉心理学更加有效的运用到幼师美术教育教学中，必须注意以下几个方面的问题：培养幼师的综合能力；注重教学中师生关系的培养；课程设计上多融合心理学范畴。
1．培养幼师的综合能力。
视觉心理学运用到幼师美术教育教学中，毕竟是较为新的'尝试，融合了心理学范畴，这就要求我们的幼师必须有较高的素质。只有这样，才能更好的去接受新的教学方法。为此，我们的学校要重视起来，制定方案计划，分步实施，以新课程、新知识、新技术、新方法和基本功训练为重点，开展幼儿美术教师教学观念的转变，使教师的业务素质有一个较大的提升，理解美术行为的整体教育价值，明确美术教育是思维与知觉发展最有利的媒介形势之一。
2．注重教学中师生关系的培养。
视觉心理学本身就较为抽象，另外美术教育也较为枯燥，如果课堂中一味的只是知识的传输，我们的幼师就会失去兴趣，教学效果大打折扣。所以，在课堂教学中，教师一定要注重课堂氛围，培养师生的良好关系。在讲解好视觉心理学的基础上，多采用具体的实例对幼师进行教学，让他们感受到该教学方法的乐趣，同时要多鼓励幼师专业的学生表达自己对于美术方面的看法，培养他们的自信心。只有这样，融洽的课堂气氛，才能将知识有效地传输，达到事半功倍的效果。
3．课程设计上多融合心理学范畴。
视觉心理学侧重于从心理方面进行传输。所以课程设计上要多融合心理学范畴。在美术教育学科基础课中增加视觉心理学的学习，将美术教育不能简单的看作是艺术或只是审美，因为它是一种能力的培养，是感知与思维发展的重要媒介课程，是儿童心智全面发展的重要学科。只有这样，在课程设计上融合了心理学范畴，才能更加的将视觉心理学运用到幼师美术教育中。
总之，幼师专业是一个非常有前景的行业，而美术教育更是受到越来越多的重视。所以发展幼师美术教育意义重大。本文重点讲解了视觉心理学在幼师美术教育中的运用。通过运用视觉心理学，可以有效的提升幼师美术教育教学质量。在以后的幼师美术教育教学中，要更加突出视觉心理学的作用，以此来有效的提升教学质量。
幼师美术论文篇七
一、何谓“迹”，何谓“象”
简单地说，“迹”是指艺术家手工或者半手工机械的操作痕迹，即以工具作用于材料留下的痕迹;“象”指艺术作品的色彩和形象。
创作，就是艺术家逻辑留痕的过程，正如钟儒乾所说：“落笔成迹，因迹生象，通过迹象而有所表达，这不是绘画活动的一个简单事实吗?”
从迹象论出发，把绘画的基本元素归结为迹象，当迹与象被分开使用时，说某画的“迹”如何，就是指画中某“象”的质地，它包含大家所熟悉的笔墨、肌理、笔触、质感、色彩之类，当然也包括绘画材料(如纸或布)在内的迹理因素;说某画的“象”如何，就是指画面的间架结构和画中表现对象的形式与态势，它包含我们常说的轮廓、形象、造型、构成等等，连同绘画材料的边沿和角线在内。
下面，我们就用迹象论来浅析一下壁画中的“迹”与“象”，迹化的过程、迹化的结果需要我们深究。
二、关于“迹”与“象”在壁画中的表现。
人类最古老、最早的绘画是壁画。
人类最早的壁画是手绘的壁画。
那么何谓壁画?
如从字义上来看，是“各类壁画的装饰泛称”，可理解为墙壁上的画。
传统的绘制壁画，专指画家们运用画具和各种媒介调配色彩在墙上绘画，即造“迹”到形成一个完整的“象”。
传统壁画概念显然不能完全概括现代壁画的含义，而且这样也是不够科学严谨的。
现代壁画在传统表现方式上扩展为两种形式：一是与环境紧密相结合，在建筑功能和空间环境的意义上进行延展;二是材料和手法的多样性产生的丰富的变化，例如镶嵌壁画，也许“马赛克”这词对于大家更为熟悉和形象一些。
壁画是人类追求美的理想，通过“迹”来表现“象”的独特艺术。
它的题材相对于其他绘画形式较为广泛，可以是具体写实的，亦可以是抽象或意向的;可以是象征的，亦可以是浪漫的。
其丰富的内容与表现手法形成有机的和谐统一并与建筑物相结合，给人的感受是不可替代的。
(一)识“迹”知“象”
在绘画中，迹呈现出什么样的象?象带着什么样的迹?象内的填充会呈现出五花八门的迹理,慢慢发展，轮廓瓦解，象迹混同。
在壁画中，这一点也是至关重要的。
壁画艺术作为建筑整体的重要构成因素，并非适用于任何建筑。
若有建筑强用附上壁画就可能引起反向作用，甚至破坏建筑的功能性，也破坏了壁画的装饰性。
壁画对于建筑的功能上的完善是不可或缺的因素。
那么，用怎样的“迹”来表现“象”，以给人在心理上形成特定功能的印象呢?例如，医院作为医疗单位有着特定功能的需要，因为，其重点空间中的壁画在内容和形式上应是轻松愉悦的;反之，儿童乐园则要体现活跃、欢快的视觉效果。
倘若我们将两个不同功能中的壁画相互交换位置，那么将完全违背建筑存在的特定功能：在医院中等待看病的人在视觉和心理上受到了不应有的刺激，而儿童乐园中的壁画单纯宁静的气氛也与活跃的空间气氛相悖。
在国内外，既有很多成功优秀的壁画作品，也有不少不理想甚至失败的壁画作品，归结起来主要原因是壁画与建筑形式的关系失衡，即没有很清楚地认识到象的迹因素，没找到合适的迹来填充“象”;壁画画面相互对比过强，过分强调自身，没有把握住迹的象元素，忽略了迹的组合性和统一性，破坏了“象”。
例如，对于两类不同的材质有其不同的特性，尤其是要理解在室内室外空间环境中不同材质的性质。
追溯到壁画的源流，由原始时代的壁画，到古埃及壁画，到中国古代的壁画，到希腊罗马的壁画，到欧洲中世纪的壁画，到文艺复兴的壁画，到欧洲现代绘画中的壁画，到中国当代壁画中的丙烯画，再到现代壁画。
不同时期的“迹”，有不同“象”。
迹象相互关联，相互依存，也就形成了不同时期的壁画特征。
而在现代壁画中，艺术家借助各种特性的材料为媒介，回避传统壁画单纯的描绘手法，即选取特别的“迹”，来表现现代人的理想、情感、审美意识和观念意识的创作形式。
在现代社会中，对于审美价值的表达已从对客观世界的表现转向表现当代人在社会中的内心世界，象征、隐喻、联想、意象化的表现意识成为材料追求的新理念。
(二)“心”的迹象表达。
此处的“心”是指壁画的创作观念与意识，它不同于其他的绘画，对其迹象的表达，我们应该着重探究，关注相关的问题。
1、对于传统。
这个问题对于有作为的艺术家来说是不可回避的。
中国传统壁画艺术的丰厚，对于我们既是得天独厚的，又是精神上不可或缺的。
对于传统的态度要在现实的创作中作出取舍，仍是一个难题。
如果我们在继承传统上只用传统优秀的文化精髓，如秦汉的雄浑、隋唐的大度、宋的严谨、元的豪放、明的典雅、清代的细致来直接演绎今天的生活，无疑是文不对题。
今天我们面对观念的冲击，继承传统不是简单地去寻找一种模式，而是以参照的观念来认识传统，发扬传统，真正的融合传统，继承传统。
2、对于借鉴。
西方的现代壁画艺术的形式和种类繁多，这主要因为社会物质文明的高度发达。
很多壁画带有强烈的个人发泄的情绪，对人的心理、精神产生负面的影响。
借鉴西方应建立在分析的基础上，分析是首要的，这样才能以更好的迹象来表达那“x”(在钟儒乾的迹象论理论中，迹+象+x=画，其中x，就是观念、境界、情感、美，以及一切你想或者让别人以为你想表达的内涵。)。
3、对于观念。
所谓的观念就是人的思想意识，是人对客观事物概括后在脑中形成的概念。
壁画在当今社会和艺术观念的变化中与以前相比有着质的差异。
传统上单纯追求审美价值的壁画，在今天已经向艺术价值的多样化延展。
从形态上，艺术与传统的具象形态有着显著的差异，有了意象和抽象形态，与建筑空间的结合不仅是以一个二维的画面出现，也许是地面，也许是天花壁画。
迹的风格形式在不断的创新。
(三)其象之“迹”，变化万千。
壁画的形式语言具有多样性，多样而强烈的视觉语言使得壁画艺术独具感人的艺术魅力。
这种特殊的艺术魅力通过整体环境包围着人们，感染着人们，这便是壁画独特的象之“迹”。
通过对壁画的“象”的归纳，可分为三类不同的“迹”表现:。
1、具“象”类。
具象不能简单地规范为写实，因为写实指的是对客观忠实再现的一种概念，而具象则超越了单纯的再现客观形象，是在表现现实形象中侧重于借用形象，追求一定形式法则与样式的一种作“迹”方式，属于现实具象主义。
在壁画艺术创作中，今天的壁画艺术所运用的具象手法，目的是追求一定特殊形式的语言，这一类的形式样式，使人们在感受具体样式的同时，传达了客观存在的形态，然而表现客观形态并不是主要目的，只是视觉语言样式的媒介。
2、意“象”类。
意象给我们的感受是变形以及表现的概括和条理性。
意象不是表象，而是加入艺术家的主观意识，无疑在意象形态的表现与传达中最能够体现出艺术家情感与审美状态的追求。
同时，也较容易产生视觉语言与样式，即“迹”的独特使用。
这种迹象的呈现还体现了客观的联系性，使人们感到亲切而新奇，具有吸引力和感染力。
3、抽“象”类。
所谓的抽象也是一种视觉形式，即“抽”掉形象的具体形态及其特定内容并以此对人的视觉与心理产生作用，这种迹象仅仅满足人们的视觉与心理。
但现实中的人们的视觉往往习惯于以形象的概念和含义来感受客观，容易在抽象的状态中再去寻求一定的形象概念，这是不恰当的，抽象的概念有着独特的存在价值。
抽“象”形式的表现通过条理的秩序和肌理图等形式很鲜明地形成“迹”，这是抽象类形式较容易实现其语言迹象的优势，也是受客观形态制约性较小的原因;但在另一方面个性的“迹”，体现在抽象形态中变得尤为重要，个性化的“迹”是抽“象”类形式的关键。
(四)“象”的新鲜感。
壁画艺术由于多采用各种材质与工艺来实现，材料的美感独具视觉与审美魅力。
不同的材料有些不同的质地和工艺特点，不同艺术表现手段有其不同的质地与工艺特点，不同的艺术表现手段有其不同的个性和形式，但是各自又有着不同的局限性。
这就使“象”具有了新鲜感。
谈到壁画的材质和工艺，首先要涉及两个范畴：在质地上，可分为软质类、硬质类、绘制类;从形式上可分为平面和浮雕起伏状式。
软质类:例如以各种工艺手法编制，组合成的纤维纺织作品。
硬质类：相对较多，例如各种石材、铜、不锈钢、铸铁、人造石材、陶板、木和玻璃钢等。
绘制类：例如以丙烯、传统天然矿物质颜料、油彩和油漆等表现材质绘成的壁画。
新材质的应用自然带来了新形式，新的语言的产生，并且在不断的实践中积累运用材料的经验，形成很多具有新鲜感的“象”，带来了更多的艺术趣味。
总之，对于迹象论的研究范围，不应仅仅局限在绘画领域，而相比而言，壁画做迹造象的专业特征更为明显，更为直接。
迹因素与象因素的谋划与探究，贯穿于壁画创作的全过程，由于迹象效果越来越多样化，在材料的选择和运用上更见心机，更值得我们去研究去创新。
论陶瓷审美文化的当代追求【2】。
当代陶瓷美术研究正面临着体系的转型与重建，这是当代陶瓷文化发展的一种必然要求。
陶瓷美学的背景是人类整体的文化精神，人的陶瓷审美活动作为文化创造系统中最有魅力的不忍，它应该以自己的特殊形式来表达现代陶瓷发展的时代精神，表达人类文化创造的超级本性。
从这一角度来展望当代人类陶瓷审美文化的未来走向，笔者认为，陶瓷美学应该自觉把发展和深化的指向，同人的文化意识自觉的结合起来，从密切关注现实人类文化实践中获得自身发展的生机。
当代陶瓷审美文化建设应该积极地致力于一般的大众文化、感情文化向陶瓷审美文化的转化，并按照符合时代精神的陶瓷审美理想去完善和构建文化。
陶瓷审美文化实践应该努力致力于当代人类所希望、所追求的生活秩序，使人们以陶瓷审美的态度从事现实文化实践，并把现代陶瓷审美意识辐射到所有人类文化的广阔领域，从根本上改变和提高社会文化的质量。
当代陶瓷审美文化实践也应通过上述努力，最终达成全社会与全民族的陶瓷审美水平和文化素质的提高。
着眼于陶瓷美学的这种价值定向，笔者认为未来陶瓷审美文化建设应该着力从陶瓷品位及审美旨准等多个方面做出努力，现仅述两点：
第一，着力于人的现代陶瓷审美意识的培养。
陶瓷审美意识作为人所特有的一种精神现象，他是人类在欣赏美、创造美的生活实践中形成的。
作为陶瓷审美文化的综合表征，陶瓷生没意识包括人类的陶瓷审美感受、陶瓷审美体验、陶瓷审美情趣、陶瓷审美态度、陶瓷审美理想等诸环节。
幼师美术论文篇八
摘要：国家教委在颁布的《全日制普通高级中学艺术欣赏课教学大纲(初审稿)》中，就明确了美术欣赏课为普通高中审美教育的必修课。但长期以来，高中的美术课都没有受到足够的重视，甚至在许多地方中学，美术课程都未开设，即便是设置了美术课程的，也被当成是可有可无的，为主要学科让课时的现象更是屡见不鲜。对此，国家教育部又先后于和2003制定并颁布了《学校艺术教育工作规程》及《普通高中美术课程标准》，为普通高中的艺术教育起到了规范与保障作用，新一轮的美术课程改革，又一次凸显了提高学生审美观念、培养美术鉴赏能力的重要性。
在强调素质教育的时期，美术课程具有不可忽视的教育作用，尤其是在培养学生审美素质方面更是功不可没，而审美观念的培养对承担较大学习压力的中学生而言，具有十分重要的意义：
一方面，审美观念的培养，有益于文化课程的学习。现在的中学生正在承担着繁重的学习压力，每天面对的是为迎接高考的知识，难免会产生厌烦情绪，而通过高中美术课程对审美观念的培养，能够开阔学生的视野，在生活中发现美，感知美，享受美，陶冶情操，提高生活品味，有效的调节学习上的紧张情绪，以相对轻松的心态去投入到紧张的学习中去；与此同时，审美观念的培养也可以开阔视野，提高学生的素养，审美观念触及到社会生活的方方面面，并在很大程度上影响着一个人的生活态度，树立正确的审美观，既有助于学生了解熟悉我国以及世界极为丰富的文化瑰宝，提高生活品质，拓展更为广阔的发展空间。
随着高中课程改革的推进，如何设置一套科学有效，符合高中的教学实际，同时又能激发学生的学习兴趣的方案，通过高中美术课程的学习落实学生的审美观念，成为当前高中美术教学的重中之重，下面就对此谈谈笔者的浅见。
首先必须明确什么是审美观念。所谓审美观念就是一种心理，主体面对某一认识对象，由最初所产生的直觉印象，在自身价值观和世界观的支配下做出的一些列的分析、判断的一种形象思维过程。它既可以细化到穿什么衣服、佩戴什么饰品等小细节，又可以影响到一个人生活品味和处世态度。
(一)注重通过教学，陶冶学生审美情操。
高中美术新课改，将以前的美术欣赏调整成了美术鉴赏，欣赏和鉴赏一字之差，反映出来的内容完全不同。欣赏侧重于玩味，而鉴赏侧重于对艺术品的观赏。新课改这么做的目的很简单，就是希望通过美术这一门视觉的艺术，发展学生的视知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操，提高生活品质。美术与其他的课程有很大的区别，高中生虽然面临着升学的压力，但是美术不会成为他们的负担，普通高中美术课程能够提高学生对自然物、人造物形态美的认识，提高对美术作品的内容、材料、形式、风格的多样性的认识，使学生体验美术与生活的关系，陶冶审美情操，提高生活品质。
(二)重视拓宽美术视野，尊重世界多元文化。
普通高中美术课程的主要目的是促进学生的发展，培养审美观的目的也是促进学生的发展。培养学生的审美观，需要的不是千篇一律的审美，审美也没有一个固定标准，每一个学生都有形成独立的审美观的权利和能力。高中美术教学要做的，就是培养学生的独立性，促进其个性发展，鼓励学生形成独立的审美观。
(四)师生互动，培养学生兴趣。
要重新审视传统的教学方式，在继承其合理性的同时进行适当的改革。以往老师一味在讲台上讲，学生在下面听，这种填鸭式的教学模式很难激发起学生们的兴趣，对此，要注重在教学中设置师生互动环节，比如，如果课堂内容是要欣赏顾闳中的《韩熙载夜宴图》，教师可以先对作品的历史背景进行大致的`介绍，再由学生谈谈自己对作品的认识和理解，在学生们都各抒己见之后，再由教师对学生们的讲解进行点评，这样，不但可以使学生对作品有更为深入的认识，同时也有助于培养学生的发散思维。教师要充分发挥其引导作用，不但要教会学生如何去欣赏，更要注重学生主动性的培养，使其能够主动的去发现美、感知美。与此同时，还可以让学生们自己去搜集作品，在课上进行分析探讨，这样既激发了学生们学习的主动性，同时还有助于丰富课堂内容，使学生们接触更多素材，开阔了学生的视野，同时也有助于培养学生们感受生活，发现美的兴趣。
(五)多手段教学。
高中阶段的美术教学不同于其他文化课程，其自身的艺术性决定了我们在教学实践中不能简单的在黑板上写写画画，这样的枯燥无味的简单教学，不符合艺术性知识的学习要求，也无法实现通过美术教学培养学生审美观念的目标。因此，要引入多手段教学模式，实现教学手段和方法多样化，教学内容新颖化，教学方式灵活化的“三化”教学。教师要根据教学内容设置不同的方案，最重要的是要符合学生的接受程度，在注重实际的前提下，逐步培养学生的审美观念。比如，在教学实践中，可以适时引进先进的教学手段，比如在讲关于花的作品时，可以带学生们去公园实地去观察，通过这样近距离的实地接触，相信学生们会发现以往被忽略的细节，会感知到身边的常见事物的美再比如讲到关于鸟、猫等小动物的作品时，可以让学生们模仿一下各自印象中有关这些小动物的眼神、神态等，在轻松的教学氛围中完成教学任务，多种教学手段综合运用，即灌输了知识，活跃了课堂，又可以使学生们对身边被忽略的美有所感知，毕竟，我们教学的最终目标是为了培养起孩子们的艺术素养和审美观念，使其能够从身边事物上能够感知美、享受美。再有就是可以引进音乐教学、影视教学，通过音乐作品或是影像作品的配合，更能使学生对纸面上的绘画作品有更为生动的认识和欣赏。
参考文献。
2、张杰，谈设计师的知识结构[j]，装饰，2002.12。
3、何政广着，抽象派绘画的康定斯基[m]，河北教育出版社，2002。
幼师美术论文篇九
姓名：学号：指导老师：
写作时间：2013年6月6。
日
摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。
关键字：国画。
山水画。
一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。
中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。
以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。
初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。
山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。
说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。
其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。
佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。
儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。
接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。
一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。
二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。
三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。
四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。
五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。
幼师美术论文篇十
毫无疑问，艺术家创作任何一件作品都必须有一个灵感来源。美术是现代艺术领域研究的重点内容,美术绘画更是为人们提供了多方面的视觉享受,更加直观地接触到文化艺术内涵。
美术绘画类论文范文一：美术绘画创作的干扰元素。
一、我国美术绘画创作现状分析。
改革开放以来，我国社会主义市场经济发展迅速，我国文化艺术与其他国家的交流也不断加深，我国艺术家在艺术创作方面也吸收了西方美术绘画艺术创作中的优秀成分，这在很大程度上促进了我国美术绘画创作事业的发展。
然而，受各种现实因素的制约，艺术家在美术绘画创作过程中不可避免地要受到各种因素的影响，这就对艺术家的艺术修养和文化内涵提出了更高的要求。
部分艺术家对有关艺术的形式、背景生活以及素材的理解都存在一定的问题，这在很大程度上影响了艺术家美术绘画创作能力和水平的提高。
同时，很多艺术家美术绘画创作有关灵感来源的问题也是非常重要的一个方面。
二、美术绘画创作过程中存在的问题分析。
(一)美术绘画创作过程中的灵感来源问题。
毫无疑问，艺术家创作任何一件作品都必须有一个灵感来源。
很多人在美术绘画创作过程中都经常为想不出更好的创意而苦恼，这就导致很多人在绘画时往往是跟着别人的创作方式进行模仿。
然而，对别人的模仿就必然毫无新意，创作出来的作品也必然是千篇一律。
也就是说，缺乏创新和新意的作品不可能引起人们的共鸣，对别人创作方式模仿的作品也必然没有艺术价值。
因此，美术绘画创作过程中灵感来源问题是艺术家必须要给予高度重视的一个问题。
(二)对创作规范的再理解问题。
人们常说，观察是创作的前提，观察的前提是客观，要注意排除一切“先人之见”。
然而，这种说法却忽视了最重要的一条，即:创作与观察都是有规则的，而且都是有规则在先的。
部分艺术家在美术绘画创作过程中追求一种“无拘无束”的创作状态，他们想摆脱规则。
因此，很多人在创作过程中对异域风情进行盲目崇拜，一部分人则认为怪诞就是胆识，涂鸦就是奔放，却往往是用自己最生疏的规则限制了自己的创作。
然而，这也并不意味着画家要严格遵循美术绘画创作规则，他们在创作过程中可以有自己的创新，因为个别艺术家的创新也可能会成为艺术创作范围内被多数人遵循的规则之一。
(三)对形式的再认识问题。
一般而言，一个东西被称作什么并不是很重要的事情，在这个称呼上争来争去对艺术创作也没有什么积极作用。
但是，定名为形式，实在太偏了，也把话说太死了。
在美术绘画创作中，造型、构图、色彩等都不过是形式，那么与项目的内容就一定是有所不同的。
因此，再套上“内容决定形式”这一共识，那么色彩、造型和构图就变成为题材服务的了，在创作过程中的作用就变得不再那么重要了，最终导致的结果就是绘画语言变得苍白软弱。
(四)对素材的再剖析问题。
画家在日常生活中观察到的东西都可以作为他们绘画创作过程中的“素材”。
然而，从简单的素材到有神有色的绘画语言，这中间却需要一个质变的过程。
从生活素材到绘画语言之间的转变是必须要经过画家内心的熔冶才能完成的。
如果生活素材不经过画家的锤炼，那么素材就永远也不可能成为绘画语言。
那些长年生活在第一线的人，毫无疑问他们可以获得大量的素材，也积累了大量的细节和道具环境等相关知识。
然而，没有经过熔冶的素材仍然是素材，这个画家的绘画语言还是空洞的。
三、美术绘画创作的影响因素分析。
(一)美术绘画创作过程中，艺术家的造型能力。
在美术绘画艺术创作过程中，经常会出现两种情况，一种是没有自己的创作思想而抄袭别人的，一种是自己具备独特思想却不具备表达能力的。
绘画就是通过准确真实的形象塑造来传达艺术家的思想看法的，因此，造型能力是对艺术家的根本要求，如果不具备造型能力，那么其他问题就无从谈起。
也就是说，具备一定造型能力的画家并不一定能成为一个优秀的创作者，但是想要创作出一件优秀的作品就必须具备一定的造型能力。
例如，著名艺术家达芬奇能够用素描表现物体的突兀之感，并能够使人觉得用双手可以把这些物体抓住，只有具备这样的能力才是真正的有才能。
同时，如果画家想要提高造型能力，就要经过各种各样短期或者长期作业的训练。
美术绘画创作必须依赖于画家的绘画技能，但这种技能的学习和掌握却是一个长期的过程，有可能要花费多年甚至一生的时间。
(二)美术绘画创作过程中，画家对优秀作品的理解。
画家在创作过程中，对前任优秀作品的理解和临摹能够提高和培养画家的造型能力，画家对优秀作品的理解对创作的影响是非常重要的。
在现实生活中，我们已经很难再找到像拉斐尔、达芬奇一眼的巨匠和大师了，因此，我们只能通过对他们作品的理解和临摹，才能从中学习他们对形体的处理和表现方式，并可以借鉴这些大师们走过的艺术道路，培养自己的艺术内涵。
毫无疑问，对优秀作品的理解与写生的作用是同等重要的，因为我们可以在伟大画家的作品中发现他们的师承关系。
中国画往往都是很看重师承关系的，通过大量的临摹，后学者可以学习古人是如何运用笔墨来表现对象的，在临摹的.基础上，有领悟能力的学习者还能融会贯通，并通过笔墨把自己的情感和感受传达出来。
在创作过程中，有些大艺术家的这种临摹行为甚至是伴随其一生的。
对以前优秀艺术家的学习和临摹能够渐渐提高画家的审美能力。
同时，画家在创作过程中还要注意掌握一定的优秀绘画理论，尤其是在创作达到一定水准的时候，因为没有正确的理论加以正确的指导，是很难再进一步提高的。
(三)美术绘画创作过程中，画家的道德态度因素。
一件优秀的艺术作品不但是生活的一面镜子，更是具有美和惩恶扬善的功能的。
有些艺术作品往往是通过打碎或者塑造某些美的东西来引起读者的思索和震颤的。
例如，世界闻名的雕塑家罗丹所创作的《欧米埃尔》就是通过塑造一个丑陋的裸体老妪让参观者感到震撼的，同时，多数参观者都会引发对人生和生活的思考。
再如法国著名画家雷诺阿所创作的《提着水罐的小女孩》就通过对细腻情感的刻画的塑造讴歌了那些生活在社会底层的贫苦女孩身上多体现出来的那种气质，这种气质与生活在社会上层的那些贵妇人是不一样的，她们特有的美是纯洁的，是朴实的。
尽管那个女孩衣衫褴褛，但是她看上去就像是一个从神话故事中走出来的小天使。
这些世界闻名的作品中所体现出来的这种对社会的控诉或者是对纯真少女美的歌颂，都是与画家在创作过程中的道德因素息息相关的。
因此，我们可以说，画家要时时提高自身的道德品质，要注意通过自己的作品传达一定的思想或者哲理，引起参观者的共鸣，引发人们的思考。
(四)美术绘画创作过程中，画家要寻找鲜活的素材。
美术绘画发展已经经历了很长的时间，绘画创作的历史也是非常久远的，几乎是从人类诞生之时起，艺术创作就成了人们生活中不可缺少的一部分。
也因此，现在几乎所有题材都被画家反复表现过，画家很难在美术绘画创作过程中找到新的素材，更难从那些新奇和时髦中找到新的出路。
因此，画家在美术绘画创作过程中，要善于从平凡的生活材料和生活经验中去寻找鲜活的素材，并通过绘画语言将这些素材表现出来，这种创作过程就是画家的创新。
例如，在中国有很多画家都曾以黄山为素材进行创作，但是多数作品都没有李可染的作品表现得那么神秘，那么新颖和那么亲切，尤其是在表现逆光下的山林景致和带雾气的雨后时，李可染带给我们一种似曾相识但又面貌全新的感觉。
如果想要发现鲜活的素材，画家就要对生活有一定的认识，要具有一定的生活积累，更要注意把自己感兴趣的题材和自己的敏感点以及兴趣结合起来，还应该具备超于常人的想象力。
只有这样，画家才能在那些已经被前人表现和创作过的素材中发现新的东西，还要表现出自己的独特之处，因此只有来自人们内心的东西才是最优价值的。
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幼师美术论文篇十一
近年来随着教育学与心理学理论在美术教学中的应用，各大高校在美术教学中更加注重发挥学生的主体性及主观能动性，这使得学生的创造能力及创新精神得到很大的提高。但是，还有一个我们不能忽视的突出问题也随之而来，那就是在我国当前的美术教学中普遍存在的内容与教学形式的分离，具体来讲就是，在现如今的.美术教学中，它的整体形式是与现代美术教学改革要求一致的，可其本质其实是教学内容与形式不协调的。
2.高校美术课程教学的改革途径。
从我国高校美术课程教学效果来说，在美术教学中存在着很多问题，这使得我国美术教育的发展受到严重制约，解决这一问题的关键就是进行教学改革。
（1）教学理念。
教学理念其实是一个很难改变的东西，我国的绝大部分高校一直沿用传统的教学观念，而这些传统落后的教学观念贯穿并根深蒂固的存在在我国的整个美术教学中，它不仅影响了课程教学的时效性，却严重束缚了学生创新思维的发展，因此我们的老师一定要以教学改革内容为标准，并结合美术教育的发展趋势，从本质上改变教学理念，解放学生的思想，进而使学生的创造能力及创新思维得到提高。
（2）加强教学思路设计。
众所周知，教学设计是教学实践的基础，也是课程教学的总体思路，是教学实践与理论的有机结合，它会直接影响学生对知识的理解与接受情况，而老师在教学思路的设计中扮演着重要的角色，这就要求我们的老师要重视教学思路的设计，不可马虎了之。详细说起来，就是教学设计要以课本为标准，在此基础上教师应熟知课本内容，明确教学目标。
（3）改进课堂教学方法。
随着信息化时代进步，各项先进的科学技术也为美术教学提供了便利的条件，利用多媒体教学设施，将课题制教学模式引进，使课堂教学效率得到提高，同时老师还应根据每一位学生不同的性格，给予他们表现自我和自由表达的机会，提高学生的学习兴趣。
（4）调整教学评价方式。
教学评价应该是形成性评价，而不是解决具体问题，得到正确结果。它应该反映出学生在学习中的发展过程及成长历程，及时调节和反馈学生在动态教学中的执行情况及执行效果，以达到预期的目标。
3.结束语。
人们对艺术的追求日益彰显了美术教育的重要地位，但传统教育的弊端日益显露，所以美术课程的教学改革势在必行，我们要顺应美术教育的发展趋势，发挥学生在教育中的主导地位，独立创新，为社会的发展培养更多高素质的现代化人才。
幼师美术论文篇十二
众所周知，美术作品在表现上往往是静态的呈示，然而我们关注到它所表现的内容又往往是动态的。由动态向静态的转变自身就是一种创造，画疾驰的汽车、飞翔的小鸟、流动的溪水等。用静态作品来表现动态美也是美术的一种表现手段，重在创造的美术创作学习活动，要求教师尤为关注在提供素材、指导观察素材的过程中展示素材的情境空间创设，这是呼唤学生与素材产生共鸣的主要手段。
河南大学美术教育专业自考本科毕业论文。
美术欣赏课在素质教育中的作用。
作者:逯瑜。
专业:美术教育(本)。
准考证号:。
成绩:。
联系电话:。
工作单位:xx美术学院。
完成时间:。
关键词:美术欣赏课、创造、审美、广博知识、人格境界。
一､高中美术欣赏课教学的现状。
不仅学生不重视,社会､学校和家长对美术欣赏课的关注也不够｡。
二､高中美术欣赏课教学的几点尝试。
因此,新课程为寻找现实中学生感兴趣的话题提供了相对广泛的空间｡。
现实生活中的话题往往具有亲近感｡。
1､充分发挥学生的自主性｡。
自主学习的理论认为:学生是学习的主人｡。
学生的学习活动不是一个被动接受的过程,而是一个主动参与的过程｡。
然后出一些思考题,引导学生观察画面｡。
2､欣赏与绘画､工艺结合,从中领悟作品内涵｡。
3､创设情景,从中品味艺术魅力｡。
教师若能充分利用电化教育法､语言描述法､情景设置法等办法,往往事半功倍｡。
4､美术欣赏应从文本欣赏走向研究性学习。
美术欣赏课研究性学习中,教师是学生学习的指导者｡。
它有助于扩大学生美术文化的视野,促进学生对美术文化的体验与感受｡。
三､美术欣赏课在素质教育中的作用。
1､审美能力的教育。
但对社会一些对立变化认识还是很肤浅,所以中学美术欣赏课的审美教育尤其重要｡。
优秀的美术作品,往往能引起人们心灵情感的共鸣,思想冲击,陶冶情操,塑造美的灵魂｡。
利用艺术的感染力,感召力,观尽大千世界中的艺术精华｡。
培养学生对美的感受,去发现生活中美的本质,美的真谛｡。
运用直观教具､模型､范画､录像､幻灯､电脑设计等,帮助学生感知美,提高审美能力｡。
艺术家创造的美术作品,都是靠视觉形象来感染人,打动人的｡。
因而欣赏教学必须紧紧围绕形象展开活动｡。
光凭教者一支粉笔､一张嘴,是无法组织教学的｡。
在美术欣赏课中,欣赏者与美术作品发生着一种审美关系｡。
通过感知与体验对美术作品作出评价｡。
因此,通过美化育人环境,向学生进行审美教育,也是十分必要的｡。
2､创造性思维培养。
幼师美术论文篇十三
摘要：高职院校是培养应用型人才的主要阵地，它的职责是大规模地培养职业技术型人才。在对传统工艺美术人才的培养上，高职院校具有得天独厚的优势。因此，对于高职院校而言，在美术类专业中应该注重对传统工艺美术的教授与传承。但是，在当前高职美术类专业的课程设置中存在诸多的问题，普遍没有开设传统工艺美术类课程，传统工艺美术在高职美术类专业中没有得到充分的重视。本文阐述了当前高职院校传统工艺美术在美术类专业中存在的问题，并提出了有效的对策，希望能够提升传统工艺美术在高职美术类专业中的重要作用，以及提升高职美术类专业对于传统文化技艺的传承和发展方面的影响，从而全面地提升高职美术类专业的水平，为我国培养出更多具有传统工艺美术技能的美术及设计人才。
关键词：传统工艺美术；高职院校；美术类专业；问题；对策。
作为以培养应用型人才为主的高职院校，在美术教育专业中应该重视对传统工艺美术的教授，力争为我国培养出更多优秀的传统工艺美术人才。本文就传统工艺美术在高职美术教育专业中的应用对策进行探究。
1传统工艺美术在高职美术教育专业中存在的问题。
1.1高职院校缺乏对传统工艺美术的重视。
随着我国市场经济的发展，东西方文化的交融，现代设计在高职美术类专业中越来越受到重视，如平面设计、环境艺术设计、室内设计等专业每年都有非常多的人报考，其生源数量多且广，而且就业前景广阔。高职院校对现代设计艺术专业也非常重视，因为它投入的成本比较小，但是学费却非常贵，学校能够获得较大的利润，所以学校非常愿意开设现代艺术设计专业。相对而言，传统工艺美术专业不仅生源数量少，投入成本大，学费相对也比较低，高职院校不愿意花费过多的成本在这一学科上。
1.2高职院校传统工艺美术专业招生难。
在高职美术教育专业中，传统工艺美术专业存在诸多问题。例如，专业定位、课程设置、招生就业等都存在问题。第一，生源问题。以重庆文化艺术职业学院为例，该学校在开设了非物质文化遗产保护专业（美术方向），同时为了让学生能够学好这门传统工艺，与知名企业联合，花费大量的人力和物力创建了蜀绣、漆画等实训室，并建立了供学生实践的校外实践基地。但是当年招生的时候，这一专业仅招到14个人，勉为其难开设课程。在，学院为了培养出更多传统工艺美术人才，希望能够从学习艺术设计专业的学生中抽调部分学生，促使其向传统工艺美术专业方向发展。但是可惜的是，几乎没有人愿意放弃艺术设计专业而转向该专业，最终这个想法只能放弃。招生情况仍然不理想，学院只好将该专业转向产品设计专业发展。由此可见，生源数量少是导致传统工艺美术专业难以开展的主要原因之一。
1.3高职院校宣传力度小，与企业合作效果差。
一直以来，受传统理念的影响，高职院校过于看重眼前的利益，在对传统工艺美术这门专业的宣传上花费的精力比较少，与企业合作的效果也不太好，这也是导致学校传统工艺美术专业难以发展的原因之一。
2传统工艺美术在高职美术教育专业中的应用对策。
2.1专业设置需考虑两方面因素。
传统工艺美术专业与现代艺术设计专业相比，所涉及的范围更广，分类更加细致。因此，在对其进行专业设置时必须考虑到两方面的因素，一方面就是要“因地制宜”，从本土化因素出发，根据当地的文化特色，对传统工艺美术进行传承和发展。例如，对于广州的高职院校而言，在开设传统工艺学科时，就可以从广州的文化特色出发，广州有闻名于世的“三雕一彩一绣”，“三雕”指的是牙雕、玉雕和木雕，“一彩”指的是广彩，“一绣”指的是广绣，这些都是广州极其鲜明的文化特色。因此，在设置专业的时候就需要考虑到广州的传统工艺美术特色，这样培养出来的学生才能够更好地服务于当地企业。另一方面，在设置专业时，要尽量避免“广”与“专”的矛盾，具体来说，就是培养出来的传统工艺美术人才既要掌握扎实的基础知识，还要在专业上下苦功夫，要多培养“x”形人才和“t”形人才。“x”形人才从概念上理解起来比较困难，举一个例子来说明，比如古典家具与雕刻这两门工艺有相似点，在进行人才培养时，就可以将其作为同类型的人才进行培养。“t”形人才则是指既有较深的专业知识，又有广博的知识面，是集“深”与“博”于一身的人才。这种人才结构不仅在横向上具备比较广泛的一般性知识修养，而且在纵向的专业知识上具有较强的理解能力，有独到见解和较强的创新能力。也就是说，作为“t”形人才，不仅要能够继承老一辈手艺人的.精湛技能，还要具备良好的艺术修养，能够创造出有灵魂的、符合时代精神的作品。在当代社会，这种“t”形人才更能满足企业的需要，也更容易就业。
2.2明确课程设置，培养优秀的传统工艺美术人才。
在当今市场情况下，“t”型人才最受欢迎，因此我们可以从这一方面展开进行明确的课程设置，在让学生掌握必要的知识的基础上，根据学生的潜能和兴趣帮助学生进行准确的专业定位，制定适合人才发展的人才培养方案。首先，高职院校应该将传统工艺课程与现代设计专业相结合，将传统工艺美术中的色彩、图形等元素应用到现代设计当中来，让现代设计更具文化内涵。同时，在现代艺术设计专业中，可以根据其特点开设相关的传统工艺美术课程，如室内设计专业可以开设古典家具设计课程，产品设计专业可开设手工漆艺饰品课程，美术教育可开设陶艺制作课程，等等。其次，高职院校还应该将传统工艺美术课程设置为选修课，让每一位学习艺术设计专业的学生必须学会一门自己感兴趣的传统工艺美术技能。最后，在高职美术教育专业中可以成立传统工艺美术小组，教师带领学生开展关于传统工艺美术的实践教学活动。除此之外，高职院校应该积极探索校企合作模式，了解市场对于传统工艺美术人才的需求，根据市场需求随时对设置的传统工艺美术课程进行调整，力求培养出能够满足市场需求的人才。
2.3创建传统工艺美术实践基地，提高学生的实践技能。
高等职业院校应该与当地政府以及企业沟通和协作，共同创建传统工艺美术实践基地，为学生的传统工艺美术实践提供场所。例如，可以建立传统工艺大师工作室或者与企业联合创建生产性实践基地、研发中心等。
3结语。
一直以来，高职院校都是我国培养应用型人才的主要阵地，在人才培养方面，它具有一定的职业性、针对性、实践性，这三大特点也决定了高职院校在传统工艺美术人才培养上具有得天独厚的优势。因此，高职院校应该结合本地的传统文化特色，开设具有地方色彩的传统美术工艺课程，将这些课程融入美术类专业课程设置中，加强对传统工艺美术的传承和发展，培养出更多优秀的传统工艺美术人才，适应市场的需要，促进社会的发展。本文基于此，探究了传统工艺美术在当前高职美术类专业中的应用对策。
参考文献：
［1］…袁海明.广东传统工艺美术高职教育现状、问题与对策研究［j］.职业教育研究，2014（10）：5-7.
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