美术教育学毕业论文（通用13篇）

总结是一个反思和总结的过程，可以让我们更好地认识自己，找到进步的方向。在写总结时，我们要注意客观真实地反映事实，避免主观色彩的夸大和减弱。总结是提高工作效率的有效途径之一。制定清晰的总结目标是写好总结的关键。以下是一些总结范文的精华部分，供大家观摩学习。

美术教育学毕业论文篇一

摘要：素描基础课是大学美术专业的基础课程之一，不仅有益于提高学生的绘画技能，对于提高学生的综合审美能力也有巨大的作用。然而就现阶段的实际情况而言，我国的大学美术素描基础课教学过程存在问题，不仅影响了素描基础课的落实效果，更影响了学生绘画技能和综合素质的有效提高。本文就此展开讨论，希望能够为大学美术教育素描基础课程发展贡献绵薄之力。

关键词：大学美术;美术教育;教改模式;素描基础课。

大学美术教育素描基础课程教育对学生的发展意义是十分巨大的，一方面它可以丰富学生的美术知识、提高学生的美术技能，另一方面还可以提高学生的美术创造力、升华学生的美术鉴赏力。然而现阶段的大学美术素描基础课程教育普遍存在问题，大学美术素描基础课程教育质量也因此一直未能“尽如人意”。

一、大学美术素描基础课程教育过程中存在的问题。

(一)教学的模式过于呆板。

传统教育教学理念至今仍然束缚着我国教育者的教学思维，很多教育者习惯于遵循传统教学模式开展教育工作。正因为此，大学美术素描教育的重点被落在了观察能力培养、表现物体形象两方面。虽然此举能够有效帮助学生夯实绘画理论基础，帮助学生掌握绘画的重要技法，但是此种教学手段非常的呆板，教学的内容相对陈旧，所涉及的面也非常的狭窄，因而很难激发学生主动学习的欲望，学生学习缺乏主动性，被动的练习很难全面挖掘学生潜力、提高学生的综合素质。

(二)课程安排缺乏灵活性。

对于美术专业学生而言，在接受大学教育的过程中，学校方面会根据教学大纲为学生安排各个阶段的教学内容和教学课时，从整体角度看，这种课程安排有着较为清晰的目标，有益于教学工作按部就班落实，然而，这种课程安排也局限了教育工作者的教学工作，教育者无法根据学生的需要及时调整课程，加之很多课程内容相对较多，然而学校方面安排的课时可能根本无法保证教学所需时间，这就使得美术素描基础课程的安排严重缺乏灵活性，难以帮助学生领悟素描教育的内涵。

(三)个性教育需求被忽略。

不同学生的实际情况不同，对教育的需求也不尽相同，然而传统教育以模板式教学手段落实教育工作，学生被当作模板雕刻，完全没有依照自身意愿发展的平台和途径，很多大学美术素描教育者所教授的知识过深或是过浅，不仅影响学生的个性化发展，也容易扼杀学生的艺术天分。此外，美术教育是一门艺术，与其他课程存在较大的差异，美术教学需要目标，但并不是说完成了某一个目标就能够全面提高学生的艺术素养，学生的创作需要灵感和激情，而这恰好是现阶段大学美术素描基础课程教育所难以提供给学生的。

二、改革大学美术素描基础课程，提高教学质量的措施。

(一)多元化教学模式。

素描基础课程教育一直在发展，然而很多教育者一直沿用着“写实画法”的教学模式，因此，教育者应有意识地打破这种千篇一律的教学模式，积极地在自身的教学过程中引入外国艺术学院的相关教育教学模式，并逐步形成自身特有的教学风格。例如，可以将素描基础课程教育分割成三部分，从明暗素描、结构素描、人体素描三个角度出发，全方位锻炼学生的绘画技能，帮助学生感悟不同的绘画手法，进而形成自身特有的创作风格。

(二)灵活化课程安排。

首先，教育者可以积极参与学校方面的课程安排工作，将教学需求与课程安排相结合，尽可能地妥善安排课时。其次，教育者需要充分考虑自身的教学实际情况，在结合教学内容以及学生知识掌握的基础上积极主动地调整教学。例如，可以基于学生的领悟能力和学习能力将学生分组，对于成绩相对较差的学生，可以重点讲授基础性知识，对于成绩相对较好的学生，可以适当将教学内容前置，以满足学生的实际需求。

(三)落实个性化教育。

个性化教育有两层含义，一方面指教师教学工作的个性化，另一方面指学生发展的个性化。教师教学工作的个性化要求教育工作者应该有意识地打造具备自身属性、自身特色的个性化教育教学模式，如以素描工具为载体的素描基础课教育模板、以风景素描为对象的素描基础课教育模板。学生发展的个性化要求教育者在教学的过程中给予学生一定的自由，贯彻落实“师父领进门，修行在个人”的教育理念，不制约学生的发展，而是能够鼓励学生在不断的比较、思考中发挥自身的天赋，逐步形成自身独特的绘画创作风格。

三、结语。

综上所述，大学美术教育素描基础课程教育与学生的发展关系密切，教育工作者必须对之予以重视。现阶段我国的大学美术教育素描基础课程教学存在问题，教育者应深入研究自身的教学，积极采取措施优化自己的教学模式，与时俱进地发展自身的教学，优化素描基础课程教育质量，为提高美术专业学生的美术技能夯实基础。

参考文献:。

美术教育学毕业论文篇二

[2]陈跃.数学多媒体教学初探[j].职业.（23）。

[3]伍健.多媒体数学教学软件的创新与应用[j].南昌高专学报.（02）。

[4]葛晋，张文敏.多媒体数学教学探析[j].承德石油高等专科学校学报.（02）。

[5]金昊.多媒体技术辅助立体几何图形教学研究[d].山东师范大学2013。

[6]田毅.现代信息技术与数学教学[j].科技情报开发与经济.（23）。

[7]李芹.多媒体技术在数学教学中的`应用[j].南昌高专学报.2005（04）。

[8]吴华，宋西红，盛晓明.网络多媒体课件系统与数学教学的整合[j].数学教育学报.（01）。

[9]周建明，薛有奎.多媒体数学教学尝试[j].潍坊教育学院学报.（03）。

[10]孙济生，刘向群.多媒体技术在现代教育中的应用[j].教育信息化.2004（10）。

[11]彭慧.多媒体在数学教学中应用的探索[j].成功（教育）.2011（03）。

[12]周杨静，刘志峰.设计类课程多媒体教学质量保障机制研究[j].电脑知识与技术.（06）。

[13]马晨.多媒体技术在中学教学中的应用及对策研究[d].山东师范大学。

[14]蔡静.多媒体背景下的展示设计研究[d].南京艺术学院2009。

[15]乔韦.当代中国山水画形式美表现分析[d].西北民族大学2014。

[17]刘莉.色彩运用在冯远写意人物画中的情感体现[d].西北民族大学2014。

[18]孔瑞娜.藏族题材写意人物画初探[d].西北民族大学2014。

[19]高燕.中学语文多媒体技术优化教学效能研究[d].湖南师范大学2010。

[20]沈霞.多媒体技术在新职业英语教学应用中的设计研究[d].北京工业大学。

[21]孙文蕴.多媒体技术在高中概率教学的应用研究[d].山东师范大学2013。

[22]籍明文，武女则.多媒体教学的认识与实践--将多媒体教学手段上升为主要教学模式[j].中国教育信息化.2009（01）。

[23]黄国松.多媒体教学的现状与发展的思考--浅谈多媒体教学在数学教学中的点滴体会[j].才智.（17）。

[24]赵玲丽，赵海涛.浅谈多媒体在数学教学中的必要性和可行性[j].和田师范专科学校学报（汉文综合版）.（01）。

美术教育学毕业论文篇三

摘要：教师要不断丰富高职院校美术教育的内容，探讨高职院校美术教学的总体思路，改变以往的美术教育教学模式。教师要创新高职院校美术教育教学的方式，研究具体的教学内容和教学模式，采取相应的创新举措，推动高职院校美术教育的发展。

关键词：教学模式；美术教师；高职院校。

一、确定高职院校美术教育对教师业务能力的要求。

在美术教学中，教师针对不同学生的学习水平和学习情况开展不同层次的教学，这要求教师的技能水平过硬。不同的院校对于学生未来发展的定位不同，再加上美术教师的差异，所以不同的院校在培养美术教师的过程中会区别要求。美术教师不仅需要掌握熟练的艺术实践技能，还要具备丰富的美术知识，在讲课过程中自觉将理论知识和实践技能相结合。不同的美术教师对于美术知识的诠释方式不同，所以学生要在学习中结合自身的特点有选择性地吸收。为了更好地推动美术教育的长远发展，需要对美术教学内容和方式进行深入研究，分析最适合高职院校学生的课程，进而对美术教育课程进行整体调整。

二、高职院校的美术教育如何更好地满足学生的需求。

美术教师在进行理论讲授时，可以根据不同的学习要求对授课内容进行调整。美术专业的学生和其他专业的学生对于美术的兴趣方向不同，教师在对美术专业学生讲课时应该注重史论的系统性，而对其他专业学生授课时应将重点放在对经典美术作品的讲解上，这些学生对于经典美术作品充满好奇，他们急于知道经典传承于世的原因。在授课过程中，教师应先充分了解学生的学习需求，然后结合美术教学的特点授课。在给学生讲解外国美术作品时，大多数学生会对《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》《向日葵》等经典作品感兴趣，因此，教师在讲解的过程中应该着重对这些作品进行深入解读。在讲解中国经典艺术作品时，学生比较感兴趣的是《奔马图》《洛神赋图》《清明上河图》等，对于这些作品，教师要进行重点解释。在讲解了学生感兴趣的美术知识之后，教师要结合美术的学科特点增加一些学术性知识。如，介绍这些作品创作者的生平、艺术经历和成长过程，最好能够针对某位大师开设专题讲座，这样可以充分调动学生学习美术的积极性和主动性，从而使学生更系统地了解美术作品。

2.结合当地美术馆开展美术教育。

以往的美术教学场所局限于教室，容易引发学生对于美术学习的厌烦心理。为了有效改变这种枯燥的教学模式，教师可以结合当地的美术馆开展美术教学。国家免费开放了很多博物馆和美术馆，学生可以直观地接触这些美术作品，这为美术教学提供了可行性。结合教学内容参观与之相关的美术作品，可以培养学生对于美术作品的欣赏能力，学生也可以在参观过程中积累自己的历史文化底蕴。在美术馆中学习美术经典文化，可以带给学生不一样的学习感触。艺术作品的原作具有特殊的视觉冲击力，给学生带来和教室里播放幻灯片时不一样的感受。学生通过参观美术馆，可以提高艺术欣赏能力，久而久之，学生就会养成参观美术馆的习惯，提高精神生活方面的追求。

3.通过服装设计的原理引导着装。

现代大学生更加崇尚人格自由和个性化发展，以往的教育方式难以满足现代大学生的发展需要，必须创新教育模式。美术教育课程培养学生的'审美能力，如何培养学生的审美水平是一个问题。这里可以从小处着眼，如平日里的着装。当代大学生的衣着装扮往往突出自己的个性，但是，有些装扮色彩过于艳丽，色彩搭配不合理，忽视了美感。所以，教师在日常授课的过程中，可以讲解相应的服饰色彩搭配、饰品搭配以及样式组合，逐渐引导学生对于美的感触。教师应结合美术教育的教学特点，设置相应的课程内容，一切从实际出发，不断开设创新型艺术实践课程，丰富美术教育的内容，逐渐引进室内设计、广告设计和服装设计。通过这些课程，学生可以提高对于艺术的审美水平。通过对服装的整体搭配和设计，学生可以提高对于美术的审美诉求，循序渐进地成为具有较高审美水平的艺术学习者。

结语。

为了推动高职院校教育稳定、可持续发展，必须创新美术教育的教学模式，适应新的教育发展形势。对美术教育的具体内容要进行全面分析，对教学方法要进行适当创新和改革，强调美术教学内容和方法的针对性。通过美术教学提升学生的审美水平，培养学生对于高雅艺术作品的审美能力，推动学生在学习艺术的过程中稳定发展。改变以往的美术教育教学模式，推动高职院校美术教育的长远发展。

参考文献：

[1]袁虹，陈琦昌.人文精神视域下大学生的审美艺术.中国成人教育，（16）.

[2]潘明，庞波.高校艺术教师能力素质培养的研究.中国成人教育，（5）.

[3]张秋实.高职院校艺术设计专业实践教学的思考.中国成人教育，2011（22）.

美术教育学毕业论文篇四

随着我国经济的持续发展，人们的生活水平在变，人们的审美观念在变，人们对生活的要求也在变。消费者对商品包装的喜新厌旧，以及对品牌的全新认识，都关系着广告设计的与时俱进。广告设计不是单求漂亮美观，最重要的是透过视觉图像来介绍产品的特点，建立和稳定它在市场的定位，最终达到提升销量的目的。一个成功的广告设计可以引领企业进入一个新的发展历程，开拓一个新的市场。因此，富有创新的广告设计并非只是一个美丽的装饰，其所包含的功能，在竞争激烈的市场上起了不可低估的作用。

广告的传播途径和表现方式多种多样，如何在五彩缤纷的广告世界里，力压群雄、脱颖而出，是每个广告制作人绞尽脑汁潜心追求的。广告作为视觉信息的传递媒介，要取得引人注目的效果，并取得瞬间获得，使消费者有过目难忘的印象，采用独特的艺术构思、强烈的色彩效果，以引起消费者的注意。本文就广告绘画艺术如何表现和传播进行粗略的浅析，就广告绘画的制作、设计原则及其表现手法进行阐述，并通过有效的传播，让人们了解广告绘画艺术的价值所在，使人们提高对艺术的鉴赏力和全民素质。

要了解广告艺术中的绘画艺术的表现，首先要了解绘画的相关背景。绘画是一个历史久远的东西，而广告中的绘画，则相对而言是新生的事物，两者有相通之处，也有不同点。

1、绘画的定义和发展。

绘画是以色彩和线条在平面上描绘形象的美术种类。运用笔、刷、刀、手指等工具，将颜料、墨汁、油墨等有色物质，用挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种手段转移描绘在纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面、图像。广告艺术中的绘画，也是其所含内容的体现，属于对传统的继承和发展。

绘画历史悠远，可上溯原始社会。迄今发现最早的作品大约是1.5万年前旧石器时代晚期西班牙的阿尔塔米拉和法国拉斯科的原始洞窟壁画，其后的遗迹在世界各地均有发现。中国新疆、内蒙古、广西、云南等地亦发现新石器时代岩画。人类几大文明发祥地最早出现的彩陶纹样，亦为绘画。古代美索不达米亚、爱琴文化的克里特岛，均出现过绘有几何或动植物纹样的原始彩陶。中国的仰韶文化与马家窑文化的彩陶出现了几何形纹、鱼、鹿、人面形甚至人形纹，为彩陶中罕见。公元前6～前5世纪希腊陶瓶则有黑绘、红绘两种式样。可见，绘画的历史相当的久远，其在当今世界的广告艺术的表现中更是显得生机昂然，前程似锦。

2、绘画的特点。

绘画的特点在于它的内容和形式上：有的重视绘画的社会功能和教化作用，要求作品表现一定的哲理、信仰、伦理道德观念等；有的则强调绘画的审美作用，以美感为最高境界，追求完美的形式技巧；在主客体关系上，有的恪守客观对象的形与质，有的则强调表现画家的主观精神。但不同的绘画，侧重各不相同，如现实的、理想的、写实的、写意的、具象的、抽象的、形似的、神似的，或神形兼备的等等。从创作方法来说，有现实主义、浪漫主义、理想主义、表现主义等主要派别。广告艺术中的绘画，运用的其各种各样的特点作为自身的表现手段，因而呈现的是琳琅满目、应接不暇的效果。

相对于其他艺术门类而言，绘画是依赖视觉在平面上感受和欣赏的造型艺术，以绘画的造型要素如形、色、光、线条等捕捉最富启发性、感染力的瞬间形象，予以提炼、升华，使之超越相对静止的时空，从而达到深广的艺术境界。广告艺术中的绘画，更加强调其鲜活的造型以及表现效果，其基本目的就是给人以深刻难忘的印象。

除非你的广告源于一个大创意，否则将如夜晚航行的船只，无人知晓。——davidogilvy为什么要引用大卫·奥格威的这句名言，因为首先我要说一个主次先后的关系。广告与设计都是要沟通传达。如何用相对易于接受的方式来传达信息交流沟通这就是创意。创意是最重要的，你的设计最终源于你的创意才是真正的创意驱使(ideadriven)。否则你做的那些(imagedriven)只是用于装饰或者自恋表达。一旦你有了一个强有力的核心创意，接下来的工作才是如何以崭新的原创的有才情有吸引力的方式将创意化为活生生的作品。在所有的创意中间，广告绘画艺术的表现是最为重要的，因为它将直接作用于人的视觉效果，并引导人们去思考和联想。

如何来执行大创意，如何来更好的表现大创意，我们这里都来探讨一下平面广告招贴中绘画的表现手法和技巧。

利用两种效果的图形在作品众形成强烈的反差，冲击受众的视觉。所谓效果，含义很广，比如形态上的刚柔对比，渲染的浓妆淡抹，色调上的冷暖，比例大小上的对比等等。对比应该说是增强视觉冲击力度最常用得手法，大家可以多看看人家的好作品，它们都是综合运用的结果。

例如有一种名叫“均衡酸”的新上市女性化妆品，能有效地调理女性皱纹皮肤。于是，这种化妆品广告，在绘画背景色彩上，厂家指定要印成“酸”色（浅黄色）作底色和“反白”文字。不过，这种的色彩对比，很难取得理想的效果。

反经验常识得表现，这样也能很好的抓住受众的眼球。将生活中的经验常识来个颠倒，这样的例子很多。比如房子原本是正立的，你将它在作品中倒立过来；还有水往低处流，你可以让它向上流淌。等等很多这样的例子，大家都可以尝试着表现。细化来说比如有些是比例大小的异常反经验，使正常比例的部分比例发生变化异常，或者使多个图形的大小比例发生变异，其实这其中也蕴含对比，只不过这是一种反常识的特殊对比。反常也能对受众产生强烈的吸引力。

美术教育学毕业论文篇五

接手现在这个中班时，每次的绘画活动我都发现孩子们的作品参差不齐，这与幼儿的动手能力及参与兴趣有关。活动中有的幼儿落笔困难，有的幼儿没有耐心，有的可以说还处于涂鸦阶段，这都大大影响了作品的最终效果。

班中的插画袋和主题墙上的部分内容是反映班级幼儿绘画水平的一面镜子，每当看到那里不太入目的作品，真是看在眼里急在心里，如果光靠自己的能力，对幼儿在涂色、构图等方面的只能是简单的指导，而且难以面向全体，也缺乏特色。

正在这时我看到了《早期教育》的美术版第九期的《画得“大”、画得“多”、画得“满”这个内容》它主要介绍如何帮助小班的幼儿进行绘画活动，但是却给了我很多的启发。画得“大”、画得“多”、画得“满”不正是我们经常对孩子在绘画活动中的提要求吗？但是说的容易，实施就有一定的困难，尤其对于象我班这些缺乏绘画经验的孩子来说，是很实用的，尤其是文章中的具体指导给了我帮助。在这我就以书中的大标题为借鉴对象，班级中“秋天多美好”这个主题活动中的一些绘画活动内容为例做一些在实践中的介绍。

一、预设画面主题，提供容易画的“大”的作画主题。

选择容易画“大”的作画主题是指作画工具上的运用。我们有一节“树叶粘贴画”的活动。按照常理我们会收集各种形状、大小的树叶粘贴小鱼、蝴蝶之类的小东西，对于这种拼贴画中班幼儿在操作上有些困难，收集到的大树叶又很难运用到，但是它门不正是容易将画画“大”的材料吗？于是我根据幼儿的绘画能力，将这些大大的树叶变成了娃娃身上很有特色的衣服，孩子们只要画出娃娃头、手、脚就可以了，作品效果还真不错，画面变大了，孩子们也在画画、贴贴中尝到了乐趣，当一幅幅作品贴到主题墙上时，孩子们又体验到成功的喜悦，他们感受到作品的成功。

二、选择容易画得“多”的事物进行写生。

画的“多”，要抓住这个“多”字有些不容易，许多事物都能一次在纸上画出许多，但多种不能乱，就有些困难了。在主题中，有一个综合教学活动，内容是“秋天的花园”，活动的前半部分是让幼儿观察了解秋天的花园中有各色美丽的花朵，后半部分是绘画。从这个作画主题上我们已经能感受到它的“多”，花园中有许多的画，按以前我们可能会一朵花一朵花的指导幼儿画各种不同花瓣形状的画，这次我也是受了这本“美术版”中的绘画作品提醒，让幼儿先画好一朵小花的样子，然后再直接用蜡笔围绕花瓣一层一层的涂色，颜色要用的多，层次也要多，当老师的示范结束后，孩子们已经被这幅美丽的作品吸引住了。在他们绘画的时候我不断提醒他们在选色上要多用几种颜色，要多画几种花瓣的形状，层次要多，这样画出的画才丰满。这幅作品因为抓住了这几方面所以也非常的成功。

三、帮助幼儿建构容易画得“满”的想象。

一幅完整的作品，它的内容、色彩一定要丰满，但是有时候除了指导幼儿涂画各种底色，好象没有其它的新意了。这次我们要画棉签画“菊花”，如果在白纸上作画，没有背景肯定很单调，怎样才能使作品看起来漂亮，又便于幼儿操作呢？我正好看到一幅在黑底上制作的作品，黑底能很好的衬托颜色鲜艳的事物，于是我找来了黑纸，让幼儿将彩色的菊花画在了上面，这下一朵朵独立的菊花也不显得单独了，色彩烘托的非常和谐。

经过几次成功的活动，幼儿在教室的各个角落都能体验到美的存在，表现美的能力也有了提高，一些幼儿在老师的帮助，和作品的展示中，自信心也有了提高，这些都亏了着本“美术版”。但是我们一定要注意，书上的理论只能作为我们平时教学的参照，不能无目的的照搬，而是要根据自己班级幼儿的发展水平，活动内容，有目的、有针对性的选择和借鉴，将理论联系到实践，在不断的摸索中变成自己的教育方式，同时是孩子们容易接受、便于接受的东西。相信这本书会成为大家的良师益友。

将本文的word文档下载到电脑，方便收藏和打印。

美术教育学毕业论文篇六

作者：

学院：

专业：美术学。

年级：

学号：

指导教师：

论文成绩：

日期：

摘要。

所具有中国传统民族色彩的绘画可以统称为中国画，国画和水墨画也可称之为中国画。中国画是依据中国传统文化来进行的，二者有着密不可分的联系。中国画注重“气”，尤其是“韵”。古往今来的中国书画作品都蕴含着其特有的气韵。谢赫六法中提出气韵生动，从艺术理念到表现形式中国画都体现出了其强烈的主观性，与注重写实绘画技巧的西方艺术语言形成鲜明对比。“气韵生动”使中国画的传承有了进一步的升华，有了自身独特的魅力与个性，现代中国画领会到了“气韵生动”艺术的更深层次的意义，推动了整个中国画的发展。

关键词气韵生动/国画/情感/结合。

目录。

前言1。

一、气韵概念及结构1。

（一）气韵的含义1。

（二）气韵学说前的形式2。

二、谢赫的“气韵生动”2。

（一）“气韵生动”学说的产生2。

（二）谢赫“气韵生动”的体现3。

三、“气韵生动”对现代绘画的发展与影响5。

（一）气韵生动推动现代绘画的发展5。

（二）气韵生动对现代绘画的影响5。

四、总结6。

参考文献8。

前言。

中国画是我国特有的一种绘画表现艺术，她源远流长，绵延不断。其涉猎范围广袤，是世界艺术领域中的重要组成部分，也是中华民族的骄傲。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。传统中国画中，强调抒发画家的精神气质、情趣、韵致和主观情怀。特别注重意境和气韵的表达，强调艺术形象要把主体情感与大自然万物的内在有机地结合在一起，从而成为中国传统绘画艺术的精髓所在。中国绘画的最高境界就是围绕“气韵生动”，用“气”来抒发绘画的节奏和韵律，从而达到一种灵动的精神状态。“气韵”结合着自身的丰富情感，体现在整个创作过程中，或存在于完成的作品中，抒发着对艺术的执著和热忱。从中体现了一种对万千事物敢于尝试和挑战的精神状态，“天人合一”将是我们所追求的思想境界。它能使画家迸发出强大的艺术想象力，从而表达出自己的情感感受，同时也能使观者有震撼的视觉冲击力。

一、气韵概念及结构（一）气韵的含义。

气韵，最先是用来形容人物的精神气质，礼仪风尚，后来用于书法绘画评论领域，具体是指生动地刻画出人物的精神气质和情趣。世间万物的本体也可以说是人物神情姿态的本体，萌发艺术家的生命力和创造力，将自身的才情个性尽情的彰显出来，这些都是围绕“气”来说的。“气”在绘画精神中有阳刚一面。而“韵”是生动的将人的主观意识积极的向深一层精神世界里靠拢。中国画中所说的“气韵”和中国诗学中的“意境”都是举足轻重的，是无法用感官去感知的，整个中国传统绘画艺术就是围绕“气韵生动”这一核心点来概括，是我国传统中国画的最高境界，凝聚了画家和中国绘画艺术的灵魂。

（二）气韵学说前的形式。

中国古代哲学中一个最早关于“气”的学说。就是太史伯阳夫的言论中提出的思想，紧接着庄子又提出了“一气”的思想。“气韵”一词的得来是随后有不同与别类的独特丰富感觉转变过来的。梁萧子显用“气韵”一词把作家的情思表达的淋漓尽致。“气韵”最早出现在他的著作里。魏晋南北朝时的顾恺之和谢赫也将“气韵”说引领进一个新的开始。气韵学说已经与山水画、花鸟、人物、工笔等等有密切的关系，要实现画面感的灵动真实是需要掌握一阴一阳的气韵才能达到这样完整的效果。魏晋南北朝时期，谢赫在他的画学论著中提出了六法，与此同时，中国画的创作，以及绘画理论的发展也随着六法论的提出产生巨大的影响力。自此，经过了中国绘画几千年漫长的进化，各朝代艺术家已经意识到一幅画的灵魂，“气韵”理论也渐渐蔓延开来。

二、谢赫的“气韵生动”（一）“气韵生动”学说的产生。

谢赫的“六法”最先提出气韵的学说，将“气韵生动”看的非常重要。他的《古画品录》是我国古代一部具有经典意义的美学著作，是中国古代品评美术作品的标准和重要美学原则。他在《古画品录》中提出“六法论”，是提出了一个初步完备的绘画理论体系框架，“六法”包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置。传移模写六个方面，并且将“气韵生动”列为第一。什么是气韵，谢赫认为作品中刻画的画面和形象要具有活灵活现，鲜明突出，气质生动的特点，使作品显得富有生命力，要用巧妙的结构，扎实的用笔，精心的用墨给欣赏者艺术上的震感与感受。谢赫的六法论是围绕着“气韵生动”为核心来命题，同时衍射出“传神兼备”和“以形写神”的主要形式。气韵已经作为品评标准和创作标准，奠定了中国古代传统绘画美学思想的基础。因此，我们认为“气韵生动”在整个谢赫的“六法论”中起到统领全局，气韵贯穿的作用。随后的许多画家认为，没有气韵的作品不能称之为画作，被认为是最高的审美标准。记得画家张彦远说过，简单的说就是，有合适的气韵。用一个形象的造型，就是绘画艺术的至高境界。明代画家唐志契也曾说过，绘画要运用好油墨色彩，同时也不可缺少灵气，这里的“灵气”显而易见就是所说的“气韵”。他们认为生动的画才是六法的核心，精神的核心是力量达到生动繁荣的状态，从而把绘画内容跟形式相辅相成的巧妙结合起来，从中达到最好的效果。“气韵”的问题已然是中国绘画艺术的核心了，中国古人从自身以及长期的实践中认识到自然的生成和运作都源于“气”，魏晋南北朝时期开始，在艺术领域里开始强调“气”和“韵”。汉末魏初曹丕第一次把“气”的概念引入到文学创作理论中，提出了“文以气为主”的理论，与文艺创作逐渐的结合在一起，也形成了以“气”为主的艺术风格倾向。随后，顾恺之又在汉人的思想上第一个提出来“传神写照”的命题，慢慢转化为绘画上的“以形写神”的理论。这一理论强调出了艺术发展的成熟。在这之后，谢赫又提出“气韵生动”的理论，更加强调了以传达出人的精神个性为艺术创作的根本目的。中国画的要求，不仅要描绘出事物的外形，还要表现出他的内在精神。人物有精神，山水、花鸟也有精神。外形内在达到神似，就能气韵生动。谢赫要求表现“气韵”要“生动”以致作为美学的第一条标准意义是非常大的。

（二）谢赫“气韵生动”的体现。

中国绘画理论重视人的精神，强调表达思想和感情。东晋顾恺之提出的绘画理论，写神，形神兼备。这些理论都为谢赫“气韵生动”起了铺垫作用。和东晋顾恺之提出的“传神写照”在理论方面有着不可忽视的联系。中国传统绘画不论是“传神写照”或是“气韵生动”都要求注重内在的表现。体现有气韵生动的作品都是栩栩如生，神形兼备，主题鲜明。她不仅能描绘出所有绘画的外部特征，还要体现出内在的精神。绘画只有达到了神形相似，才能被欣赏者理解为气韵生动。只有真实的表现出绘画的内在气质，才能被称为一副好的作品。但是在描绘的时候，“气韵生动”比“传神写照”更加富有感染力。由此看来，“气韵生动”在绘画中更具有一定的重要意义。

艺术的气韵是分文别类的，是由不同的艺术元素所组成的。诗书是依靠语言文字的表达，音乐是根据旋律组合来实现。而绘画则是用恰当的线条结构来进行的。线条的千变万化让中国画有了独特的质感、韵味、空间、和情趣。研究绘画的气韵，就要了解中国画的绘画材料。国画中的颜色是变化无穷的，它简单却不失变化。画家经常运用颜色的反衬、调和、浓淡的变化体现出形象的变化多样。《五牛图》中，韩愰将画中的五头牛勾勒出不同的姿态，有的低着头吃草，有的抬着头走走停停，或者瞻仰后顾，真实自然的将牛的不同形态描绘出来，笔法简练、拙重，把筋骨和皮毛的质感恰到好处地表现出来。通过线条颜色的变化，使整个画面给人以朴实，厚重之感，有一种身临其境，好像在农村田园间观望着这一切。线色的不同结合，显示出中国画的不同韵味和气息。依靠笔墨的运用来实现线色的构成。要使画面中的线条色彩得以巧妙就需要要使笔墨融合其情感，不孤立，不突出。各种线条、色彩相互呼应，最后形成充满情趣的有机整体。因此，我们从笔墨线色中感受到气韵的形象。首先是一种外在的美，直接吸引到人们的感官并给以享受。在线条颜色的渐变中寻求和谐的多样性，复杂而简单，在运动中保持平衡，从而实现别样丰满的艺术美感。同时，笔的墨水密度，灰度，节奏感是精神的外在表现。“气韵生动”之中的“生动”是用来形容绘画索要表达的一种形态，从而达到神似的效果，并且是在魏晋人伦鉴赏的环境下产生的，这一完整的审美概念，还离不开艺术家的情感趋势与精神境界，更离不开鉴赏者的审美要求，是谢赫第一次借用这个词将其作为品评一副作品的最高标准。在中国画的人物画中“气韵”指的是一个人风格、性情、情调，这种美留注于认得形相之间，在绘画上表现出来。

绘画是感性表达的最高形式，是有感而发，是触景生情。无论是经过长期的沉淀还是突然灵感的显现，都是画家努力找寻的一种表达自我思想感情的途径。绘画的气韵虽然与个人的思想感情密不可分，但是气韵并不能够直接再现个人情感。气韵来源于画家的巧妙构思与创作，并且根据画家自身的绘画功底来实现。很多画家以“气韵生动”的形式来显示自己的才能，风靡着整个花坛，从而为中国画的发展奠定着一定的基础，绘画的风格也随着时代的发展不断变换轮回。各个画家的绘画风格也是为此不同的。观者欣赏画作也是如此，但是欣赏者都会被气韵环绕的作品所吸引所陶醉。因此欣赏国画，最关键的是第一眼看到画作时的感觉。气韵生动的作品会吸引欣赏者的眼球，使欣赏者产生强烈的画面共鸣感，可以引人入胜。从而体会到画面之外的美感，理解画作更深层次的含义。画家运用灵活多变的丰富情感，以及多样的绘画技巧，使得气韵在绘画创作中更加别出心裁。

三、“气韵生动”对现代绘画的发展与影响（一）气韵生动推动现代绘画的发展。

从某个方面来说，“气”和“韵”是建立在内容与形式所要表达的条件之上的。“气”是骨气、风气、气势的象征，包含着画家的思想与激情。“韵”则意味着韵味、趣味、滋味，注重作品的节奏感，旋律感和和谐感。当代绘画很多气韵强盛的国画作品都气势非凡，雄壮有力，有势如破竹之力。韵味深厚的国画作品，清新婉转，有淡雅脱俗之趣。国画的气韵是广泛存在在各类作品中的。气韵二字蕴藏着两种不同的含义，依赖于颜色，线条的表达又将其发挥的淋漓尽致。气韵生动在推动现代绘画发展的道路上起到了至关重要的作用。

由于不同历史时期的变化，政治经济的需要以及社会文化的引导与限制，它们在不同时期体现出不同的形态面貌特征，有不同的侧重点，甚至有许多不同的准则与要求。在近百年来现代中国画的发展进程中，中国画的构成和观念都在不断地拓展，现代中国画在继承传统中国画气韵生动的基础上，融合了其他画系有益于自己的观念和形式，慢慢形成了更新的体系。气韵生动的标准一直存在于任何时期，现在的完善是扩大了中国画的绘画观念区域和结构样式。对于正在发展中的现代中国画来说，其初步形成的绘画构成系统还需要一个不断成熟的过程，这都离不开我们的最高品评的标准来作为基础，推动帮助现代中国话的发展和研究。

（二）气韵生动对现代绘画的影响。

我认为，国画的气韵不仅仅存在在画作的表面，同时它还存在于画面之外，并且从中感染了人们的自身情感。在创作国画的时候，画家心灵在一次的得以释放。在绘画的节奏律动中，现代中国画领会到了“气韵生动”艺术的更深层次的意义。这说明绘画艺术的形式美之所以能够相对独立的存在，是因为它已经包含了画家的主观感情和思想。在创作过程之中经过自身的升华提炼，使观者能够感受到别样的绘画技巧，同时也把自我融化在具体的物象之中，从而突出事物的主要特点，使观者产生强烈的共鸣和丰富的联想。中国画的独特气韵除了具有空间性之外，还具有不断运动的流动性。它包含在内在意境和外在显现二者之间，使得中国画的内在和外在和谐统一起来。当作品的气韵附着在具体的形象之上时，是非常直观、具体、确定、形象、可了解的。当国画的气韵游离于画面之外时，体现出来的是间接的、模糊的、不确定的。国画中的思想和情绪，引领着整个作品的画面。绘画是非常直接的感性表达方式，通过绘画，画家可以从中把自身的情思也灵活自然的表达出来。气韵并不是我们所认为的抽象的内容，也不是单纯模拟物象的形态，而是对具体形象的融会贯通，中国画的神韵在于无形中的韵味意境，而不只是单单的追求形似。在古代人物画中，气韵会在特定的情景中显示的格外明显，运用了谢赫的“气韵生动”，使中国绘画发展摆脱了以往的附属地位，是美术学的艺术品评有了一个更为直观的评判标准。谢赫在长期的实践创作中得出的“六法论”并以此作为绘画美学规律，其中“气韵生动”为六法论之首，才使观者看完以后荡气回肠，心灵得以震撼。

谢赫提出的“气韵生动”对我国绘画影响意义深远，在现在的画评中，许多艺术家把这一学说作为品评一副艺术品的最高标准。这一最高标准在当今中国画的今天，依然是在我们绘画中表现着一切语言，一副成功的作品也必须要生动而有气质韵律。可以说中国绘画作品永远是与“气韵”兼备的。“气韵生动”是我们一直用到现在的一种品评绘画作品的传统方法。要求我们在现在的艺术创作过程中，要多观察，多感受，多构思，多欣赏，培养自己独到的审美能力，更好地继承中国传统艺术的美学观念，提高中国画的创作水平。气韵生动”是一副画灵魂的最好诠释和具体表现。

四、总结。

现代中国画总要在绘画构成上的某一点保持对传统的继承。因为对传统有所继承，就能在一定程度上爆出住现代中国画的民族性，就能使现代中国画以比较鲜明的东方艺术气质立于世界艺术之林，同时对传统的继承，也是现代中国画获得文化厚度的唯一途径。任何民族的文化艺术都是在继承中发展的。“气韵生动”在古代绘画中具有着画龙点睛的重要性。能够通过绘画，从而尽情抒发作者自身的情感。真正的做到把画从静态变成更高意义的动态，动之以情。这需要画家有良好的创作功底，才能达到这个效果。山水画重视“韵”的运用，结合作家的思想情感，使创作更加真实贴近，真正实现用灵魂来绘画。这才是绘画艺术的最高境界。

自从气韵学说成功的确立之后，中国传统绘画的传承有了进一步的升华。使中国绘画有了自身独特的魅力与个性，同时有了一个专业的平台可以从中得以释放。同时标志着中国绘画已经从最先开始的外在不断地向内在转化开来，更注重去表达人的内在情感。精神、品位、格调这些方面。把中国绘画彻底带入了一个新的世纪高潮，传达了一个创新的思想，使中国绘画的发展突飞猛进，这是一个新的领域，促进绘画事业的进入一个新的阶段。气韵在中国优秀作品中是有着非常重要的地位的，我们当代的艺术绘画家在做到继承传统文化的同时，也要去创新，将主流元素“气韵”也用于其中，更加精益求精，实现最理想化的状态，把“气韵生动”带入其中，就能创作出想要的铭心佳作，这就需要我们除去自身的浮躁之气，专心读书，潜心修炼自己的道德情操，沉淀出好的涵养，在广泛的知识中，不断地改善自身的技能。“三分春色描来易，一段神韵画出难”。笔者需要艺术作品来衬托。具有“气韵生动”的作品更需要艺术家勤奋有上进心，穷其一生的去追求。

安阳师范学院。

参考文献。

[1]屈健，中国美术史.[m].西安：西北大学出版社，2004.

[2]宗炳，画山水序·叙画.[m].北京人民美术出版社，2001.

[3]萧子显,南齐书·文学传.

[4]叶朗，《中国美学史纲要》，[m].上海.上海人民美术出版社，2004.

[5]温肇桐编，《中国古代画论要籍简介》，[m].天津.天津人民美术出版社，2011.

[6]张彦远，中国画论史.[m].山东.山东人民出版社，2008。

[7]陈兆复，中国画研究[m].昆明：云南人民出版社，1980.

[9]伍蠡甫，《中国画论研究》，[m].北京.北京大学出版社。

美术教育学毕业论文篇七

美术教学研究成果主要通过论文反映出来。美术教学论文应该是美术教学研究的结晶。参与全国性的高水平美术教育理论研讨会,撰写美术教学论文当然是首选。艺术性强的科普美术作品能给青少年以美的熏陶，美的感受，并进一步体现了科学技术的内在的美。

内容摘要：科幻画是少年儿童利用科学知识和绘画技巧表现自己对未知世界的丰富想象力的绘画作品，要创作好的科幻画，需要从以下几方面如手：一，需要理解科幻画的内涵;二、需要在创作题材上有所创新和突破。

三、需要讲求一些绘画艺术。

关键词：科幻画创作初探。

少儿科幻绘画，是少年儿童在已掌握的知识和经验的基础上通过科学的想象，应用绘画语言创造性表达出对宇宙万物、未来人类生活、社会发展、科学技术的遐想而产出的绘画作品。

科幻画是引导学生接触科学、探索科学、热爱科学的好方法,也是培养少年儿童想象、思维能力的重要途径。

少年儿童科学幻想绘画，对培养少年儿童的科学想象力、创新意识和探究性学习的能力，具有十分重要的意义。

“全国青少年科幻绘画大赛”是目前我国规模最大、层次最高的科技教育比赛活动之一，历届比赛中涌现出一大批极富科学创意与艺术审美的好作品，但同时也暴露出了不少问题：

1、许多作品混淆了科幻画与科普画、神话故事、童话甚至漫画的概念。

2、作品选题单一空乏：漫游太空、漫游海底、未来的世界等题材数见不鲜。

3、部分作品题材无新意，缺乏科学想象或幻想意义：如坐宇宙飞船旅行。

4、.内容违背科学理念或科学逻辑：如发明“黄金再造机”。

5、绘画技巧粗糙、缺乏美感。

这一系列问题和我们开展科幻画比赛，培养学生创新思维能力的初衷是背道而驰的。

那么，如何才能指导学生创作出好的少年儿童科幻画作品?笔者经过数年实践，对此有一些浅显的心得。

一、需要理解科幻画的内涵。

1、科学性与前瞻性：科幻画的主题必须有一定的科学依据，有正确的科学原理，通过技术与科学的发展将来可能实现。

2、创新精神：可以对未来以及未知事物展开想象，也可以从生活实际出发，解决生活中悬而未决的问题，这些都需要丰富的想象力。

3、艺术性：科幻画的本质还是绘画，所以必须注重艺术性，例如构图、色彩、技巧等必须体现出绘画本身所具有的美感。

二、需要在创作题材上有所创新和突破。

(一)从题材范围来说，可以从以下几方面入手。

1、对未知的宇宙万物、自然世界的想象与描述。

2、对人与环境以及相互关系的想象与描述。

3、对未来世界科学技术的想象与描述。

4、对未来人类社会以社会生活的想象与描述。

5、对未来创新产品的想象与描述。

(二)从题材内容来说，以下几方面值得关注：

1、对未知领域的探索：如建立太阳、火星、月球等其他星球城市;改造其他星球;和其他星球的生命共同生活;开发海底世界、建立海底城市;开发、建造地心城市等。

2、对地球问题以及人生生存有关问题的解决：(1)环保类：如防治水土流失及水土保持;培养其他动物、植物;防治各种污染等。

(2)能源类：合理利用太阳能、风能;其他废物利用;水资源的再生与利用;解决粮食危机等。

(3)大气类：防治地球变暖;治理大气污染等。

3、新技术在人类生活中的应用：(1)生物工程：如克隆、基因工程的应用;(2)信息工程的应用：如新型电脑、远程信息传输等;(3)新型生活：如未来居住、未来交通、未来工具等。

在指导学生选择题材的过程中，我们必须注意以下几个问题：

1、小学生的知识储备少，视野狭窄，在表现想法时，有时会力不从心甚至人云亦云，需要引导学生平时多学习各方面知识，培养学生关注现实、关注外部世界的能力，教师也要做好学生的知识参谋与科学助手，在关键的时候为学生打开思路，提供帮助。

2、鼓励学生以儿童的视野去观察世界，用儿童的思维去理解世界。

将来的世界会是什么样，未来世界又会有什么新发明新发现，这些都是无法预知的，所以我们不能用成人的知识、经验、思维方式去要求学生，不要束缚学生的创造力，扼杀他们的创新思维。

3、避免知识性错误。

少儿科学幻想绘画所涉及的内容题材十分广泛，可以说是五花八门，无所不有。

要指导学生阅读有关的报刊和杂志，了解人类科学发展的、现状及相关信息，对科技前沿尽可能多的了解，避免出现不符合科学原理的方法和内容。

4、避免思想性错误。

科幻画的主题应积极健康向上，避免一些不健康不积极的心态的题材。

如自动写作业机，考试时用的知识宝盒等，要对学生做正确的正面的引导，使主题体现出正确的价值观和人生观。

三、需要讲求一些绘画艺术。

少儿科幻画作品要运用艺术的形式来表现科学技术的内容，需要运用色彩、明暗、线条、构图等技巧，通过美术手法来表现科学技术的形象，没有艺术性的作品就谈不上是科普美术作品。

艺术性强的科普美术作品能给青少年以美的熏陶，美的感受，并进一步体现了科学技术的内在的美。

一般科幻画绘画步骤如下：

1、布局。

初步规划绘画内容各部分在纸上的大概位置以及大小比例。

2、定位。

用简单的直线曲线或基本形定出所在位置，用笔要轻，这样便于修改。

3、勾边。

根据所描画的事物在指定的地方勾画出大致形象。

4、修改。

整体观察布局效果，对于不合理的地方做出简要的修改。

5、描线。

用单色笔勾描形象，注意线条要流畅，连贯。

6、涂色。

用水彩笔或油画棒涂染画面，个别地方还可以用荧光笔来突出点缀。

在绘制科幻画的过程中，采用哪一种绘画形式来表现，要考虑两方面的因素：一是因“画”而宜，即根据绘画创作内容，选择适宜的画种及绘制方法，有的内容宜用国画，有的.内容则宜用水彩或水粉，有的宜用纸版画制作等。

这种“适宜”，只是从画面效果考虑而已;二是因人制宜，即根据学生喜欢及掌握画法程度来考虑，有的学生喜欢画水彩、水粉、有的既喜欢画国画，还有的喜欢制作纸版画。

要鼓励学生大胆用笔，如果作画拘谨、放不开，就不可能出奇制胜，出不了好的效果，如果反复涂抹还会损害画面效果。

所以，整体要画得大胆，

局部及细节要画得精妙，力求做到大胆用笔，细心“收拾”。

最后才能达到满意的效果。

完成一幅好的科幻画作品，还需要在用色上下工夫。

色彩不仅是为了画面更漂亮，更重要的是可以表达作者的想法和情感。

要引导学生用色彩来表达自己的感受和想法。

做到根据所画内容结合自己的想法将色彩运用得当。

有时可把色彩画得鲜艳，有时也可以色彩淡雅。

哪里可多用色彩，哪里可少用色彩，色彩如何互相衬托对比都是需要审慎考虑的问题。

创作时，很多时候画面就是靠用合适的色彩，利用色彩之间的衬托表达自己的想法的。

大胆处理好色彩的关系，最后还要进行“收拾”整理，完善画面。

总之，少年儿童科幻画是很有技术以及艺术内涵的绘画领域，需要我们广大教师深入探索，用心钻研，从而创作出更多更好的作品。

参考文献：《如何创作出优秀的科幻画作品》曲桂兰。

美术系毕业论文范文二：试论美术教育在向素质教育转轨中的重要性。

在向素质教育的转轨中，如何重视和发展学生的综合素质摆在了重要位置，美术教育正以它特有的教学模式在此过程中起着发展和完善人格、提高人的整体素质的作用。

美术教育不仅使学生的创造力得到发挥，而且使学生的身心健康成长。

它作为实施素质教育的切入点，除了自身的重要性以外，同时还与许多学科相辅相成，并对其他各科教育起促进作用。

美术教育学毕业论文篇八

摘要：油画历史源远流长，具有强大的生命力，在现代美术教育中，由于油画创作的内容丰富多彩，由于科学技术的不断进步，油画在材料和内容方面都有了很大的提高，可以给儿童带来对美好事物的体验。

在美术教育中，兴趣的培养具有重要作用，幼儿时期是兴趣培养的重要阶段。

在此基础上对儿童的想象力和创造力进行开发也是至关重要。

本文主要针对油画创作对美术教育的启发来进行探讨和研究。

关键词：油画创作;美术教育;想象力;创造力。

0引言。

随着人们思想的开放，对于儿童的教育不再保守，让孩子们根据自己的喜好来进行学习，提倡自主的教学。

在儿童幼年时期就要逐渐培养他们的兴趣，不同阶段的儿童所培养的目标也不尽相同，我们应根据儿童的不同时期心理、生理上的变化来调整他们对油画的学习。

在油画的创作过程中，可以培养儿童的想象力、创造力、动手能力以及审美能力，进而全方位的帮助儿童塑造健全的人格。

不同年龄段的儿童审美观和心理特征各不相同，因此，在美术教育的启发上也略有差异。

1婴儿期――开发思维。

婴儿期阶段的儿童才刚开始接触这个世界，开始学习人类的各种行为，也是儿童大脑发育的最佳时期，这个时期是其学习的最好时机。

这个年龄段的儿童在美术教育中，油画创作的作用主要是开发思维而不是让他们系统的学习油画知识，父母可以在家里的客厅以及孩子房间等地方多悬挂一些积极健康的油画作品，尽量多用一些色彩鲜亮的图画来吸引孩子们的注意力，让他们自己去观察、学习、感受不同的油画作品，同时父母要多与宝宝进行交流。

根据不同油画作品内容，来对孩子进行教育和引导，让孩子们能够自己辨认出作品的内容，从而锻炼儿童对油画的观察能力和理解能力;引导孩子用自己的方式将所看到的东西表述出来，进而锻炼儿童的语言表达能力。

2幼儿期――培养兴趣。

幼儿期的儿童在智力上发育是十分快的，他们的记忆力也相当好，而且语言表达能力也逐渐变好，甚至有些儿童已经开始变得越来越伶牙俐齿，然而实际上，他们的思维发展还不够成熟，只能片面地感受生活。

我们应该采取一种娱乐性的教学模式去引导他们，可以与儿童一起画画、涂鸦，在与他们玩耍的时候潜意识的培养他们对绘画的喜爱，这样对孩子在绘画方面的天赋和潜力方面的开发都具有很大的作用。

兴趣的培养对于儿童智力的发展起到了极其重要的作用。

这个时候儿童大部分时间是在幼儿园接受教育，让他们使用复杂的油画工具和绘画手法显然对于这个时期的儿童还不合适，因此，幼师应该在课堂教学的时候多准备一些简单的、受儿童喜爱的油画创作元素以及绘画方法来培养孩子们的兴趣，让他们简单的学习油画的绘画方法。

潜意识的提高他们对油画的兴趣，锻炼他们独立动手的能力。

每当儿童独立绘画一幅油画作品之后，老师和家长的点评也是非常重要的，在这个过程当中，老师与家长应该对孩子多表扬、多夸奖，这样才能增强他们的自信心，也可以让孩子们相互借鉴、互相学习，锻炼他们独立绘画的能力。

这一时期的儿童兴趣十分的广泛，对自己周围的所有事物都抱有浓厚的兴趣，对他们好奇的事物都会追根求源、刨根问底。

正是由于儿童对其他事物的浓厚兴趣，因此他会自己努力去学习、观察，所以我们应该动用我们的一切手段去培养儿童对油画方面的兴趣爱好，开发他们的智力。

3童年期――塑造独立性格。

到了童年期，儿童一般都已经步入小学，会接触到更多的同学，基本开始了他们的班级生活。

这个时期是儿童塑造自己人格的关键时期，对他们教育应该更具有针对性，致力于培养他们一些社会性的知识，在这个阶段要尽量避免孩子出现怪癖或其他的心理问题。

尤其是在油画美术方面就要培养他们一种积极乐观向上的生活态度，塑造一个健康向上的人格。

童年期时间比婴儿期和幼儿期的时间要长得多。

主要分三个阶段，第一阶段这个时候孩子经过一段时间的学习已经能够掌握一些基本的算数，在碰到一些事情时他们自己也有着或许正确的观点。

这一阶段是儿童叛逆心理开始的阶段，注意力不容易集中，在受到别人的管束时显得尤为叛逆，学习成绩也变得不稳定。

因此，在面对这一阶段的孩子时美术教育要采取一种循序渐进的方式，使用柔和的方式让孩子慢慢去接触课堂，老师应该试着站在他们角度去想问题，用他们的方式去和他们沟通，慢慢培养他们对绘画的喜爱。

第二个阶段是他们已经能够适应学校的生活，他们在语言、书面表达和文字理解上都有了不同程度的提高，对抽象思维也有了一定的概念。

这个时期的孩子正处在逆反期，我们应该正确地引导他们，只有这样才能对他们人格塑造起到非常重要的作用。

美术老师在这个时期对儿童的美术教育应针对他们的独立性格，在教学过程中要更多给予他们鼓励。

第三个阶段，孩子们已经拥有了比较健全的理解能力，也有了他们自己的思维模式和独自解决问题的能力。

这个时候美术老师可以正式培养他们抽象逻辑思维的能力，但是他们的抽象思维很容易受到感性经验的影响，因此他们的情绪不稳定，容易激动。

在学习方面上，意志力不够坚强，主动学习和独立学习的能力比较差，容易受到外界的干扰。

因此，美术老师在传授他们绘画知识时，要问稳定他们的情绪波动，与他们建立一种类似朋友的关系，在此基础上增强他们对绘画的兴趣。

4少年期――引导心理发展。

这个时期的儿童正是处在懵懵懂懂的少年期，大多数的孩子已经开始上中学了，这段时期是他们身心发展最为重要的时期，一般老师的教学方法已经对他们没有什么太大的影响，他们很容易受到外界社会不良作风的影响，进而影响到他们日后的发展。

又由于此时的美术课不受学校、家长还有学生的重视，还有其他学科压力过大导致他们在心理上的发展极其不稳定。

此时，学校和家长无法给予他们正确的心理指导，致使他们盲目去学习他们不喜欢的东西，压抑了他们身心的发展。

在这个重要的阶段，美术老师可以通过利用油画创作上的一些内容去引导他们，转移他们的注意力，告诉他们这个世界还有很多美好的东西可以去追求，告诉他们不要盲目地随波逐流，培养他们正确的价值观和人生观。

5青年期――着重培养素质。

这个时期的学生已经大致有了自己的人生目标，这将是他们人生中最重要的一个阶段。

此时高考才是他们目前最重要的目标，在这个时期美术方面的学习主要是针对那些学习美术的特长生。

但是大多数学生是为了考试而学习，这种被动的学习方法效率十分差，美术老师应该正确的去引导他们的学习观念，综合培养学生的素质，对于报考油画专业的学生让他们对油画的学习有一个全面系统的认识，培养他们的对油画的兴趣爱好、审美能力以及综合素质。

6结束语。

我们应该在儿童的不同时间都尽量提高他们的心理和生理素质，培养他们独立创新的能力和积极健康向上的人格素养。

充分利用多样的教育手段提高他们对绘画审美的能力和想象力，让儿童把油画的创作元素充分融入他们的美术教育当中，丰富他们自己的绘画生活，不仅仅需要培养儿童对油画创作的兴趣还要陶冶他们的情操，让他们绘出自己喜欢的油画，表达他们自己的想法和创意，创造出属于自己的油画。

参考文献：

[1]桃莉・海顿(美).问题儿童教育实录[m].陈淑惠，陈咨羽，译.内蒙人民出版社，：1012.

[2]付兆祥，于飞华，方莹.美术原理纲要[m].北京大学出版社，：5664.

美术教育学毕业论文篇九

尊敬的校领导：

您好!

我叫xxx，我毕业于学院美术与艺术设计学院美术教育学专业。普通的院校，普通的我却拥有一颗不甘于平凡的心。我，自信，乐观，敢于迎接一切挑战。虽然只是一名普通的本科毕业生，但是，年轻是我的本钱，拼搏是我的天性，努力是我的责任，我坚信，我会成功。

大学的专业教育，使我获得许多美术专业知识，全面系统地掌握了美术学科中各专业的基本知识、基本技能和基本方法，具有较强的实际操作能力，我坚信，自己能胜任一名全面而优秀的美术教师。

我是一名教育专业，但是我并没有教育专业人士通有的书生气息，我对自己有着极为清醒的认识，我觉得自己并不适合在教育岗位上工作一辈子，我应该趁着年轻，敢打敢拼的姿态，勇猛的开始努力开拓自己的将来的道路，在自己人生路上不断进取。

我深深地懂得：在这个竞争激烈的今天，只有脚踏实地、坚持不懈地努力，才能获得明天的辉煌;只有不断培养能力，提高素质，挖掘内在的潜能，才能使自己立于不败之地。

本着检验自我、锻炼自我、展现自我的目的，我来了。也许我并不完美，但我很自信：给我一次机会，我会尽我最大的努力让你满意。我将以自己的青春和智慧无悔地奉献给贵单位。敢于创新，勇于开拓是我执著的追求。天道酬勤是我的人生信念。

感谢您在百忙之中读完我的求职简历，诚祝事业蒸蒸日上!

此致

敬礼!

自荐人：xxx。

20xx年xx月xx日。

美术教育学毕业论文篇十

摘要：动画是现代艺术的重要表现形式之一，动画专业也是我国艺术专业教学的重要组成部分。随着我国动画产业的不断发展，动画专业人才的培养工作逐渐成为人们关注的重点。但是由于我国动画专业教学工作起步比较晚，在教学模式、教学方法等方面都存在着一定的问题，严重影响了动画专业人才的培养效果。本文基于动画专业基础美术教育角度对动画专业的创新思维教学和培养进行了分析和探究，以期为动画专业人才培养工作提供一定的参考。

关键词：动画专业；基础美术教育；创新思维；培养。

一、动画专业基础美术教育创新思路。

为了消除传统美术教学的弊端，要提高动画专业学生的创新能力，激发学生在动画创作中的热情，就必须对目前的动画专业教学模式进行改进和更新。总体来说，动画专业基础美术教育应当将学生创新思维的培养作为重点并开展相关的教学工作。具体地说，就是要从动画专业基础课开始，对学生开展思维灵活的教学活动，改变过去的“全因素”教学模式，运用动画素描的方式开展动画专业基础美术教学，注重学生创新意识的培养，开阔学生的视野，激发动画专业学生的创造热情。

二、动画专业基础美术教育创新思维培养的措施和方法。

1.基础美术素描教学创新。

动画素描是对动画专业学生基础美术教育创新的主要方法和手段，动画素描的教学模式不仅能够对学生的想象力和创新能力进行有效的培养，而且还能够有效地体现动画专业教学的特点和规律，在提升学生创造力方面能够发挥十分积极的作用。动画素描的基础美术素描教学主要从以下两个方面开展：第一，要体现动画素描教学的专业性和实用性，在制订动画素描教学内容和方式的过程中，要结合动画职业活动的特点和实际，科学选择和确定动画专业基础动态素描教学的活动项目，开展实训性强的动画素描教w工作。在动画素描教学工作的开展过程中，要有步骤、有计划，按照一定的实训目的开展动画专业基础美术素描教学活动，具体地说，就是要按照学生心理认知规律、相关逻辑思维方式开展相关的工作，提升动画专业基础素描教学的实用性。例如，在动画素描过程中开展“人物行走”过程素描，对人体在一个行走循环中的各种基础动作进行素描，让学生在这个过程中，掌握基础素描技巧，了解人体运动的基本规律。第二，开展运动造型教学。这主要是指在动画素描教学过程中侧重用有变化、透彻的结构线等对物体的形体结构、相关动作本质结构等进行描绘，也就是要将传统的光影、色彩等因素放在次要的位置，对物体的运动特性和结构进行全方位、多角度的描绘和展现。

2.动画专业色彩教学创新。

色彩造型能力是动画专业基础美术教学的重点和难点。色彩是刺激人们感官的第一因素，更是动画造型语言表达和造型意义内涵承载的重要主体，关系到动画作品的风格、情感表达以及相关的气氛渲染等。色彩在动画创作中的地位是无可替代的。第一，要对学生的色彩运用、搭配和归纳能力进行有效的培养。要让学生能够熟练地运用色彩构成原理知识以及相关的构成方法对色彩进行熟练、科学的驾驭和应用。在教学过程中，可以通过形式多样的色彩对比练习对学生的色彩创造能力和色彩想象力进行培养。第二，要对学生进行动画四帧到六帧的动画色彩训练，以此来减少单独色彩处理的时间，可以通过团队合作教学的模式，将学生分为编剧小组和创作小组，通过多帧有机组合的方式，对学生的作品色彩大局把握能力进行培养，并且在这个过程中对学生运用色彩强化动画作品精神内涵、审美价值的能力进行培养。

三、结束语。

创造、创新能力是动画专业人才培养的重点，也是动画专业人才的必备素质。传统的动画专业基础美术教学方法无法对学生的创造思维、创新热情进行有效的刺激和培养，需要结合动画职业活动导向，在动画专业基础美术教学过程中突出学生的主体地位，对学生的创新思维进行有效的培养，为我国动画产业的发展培养大量的专业人才，推动我国动画产业的不断发展。

美术教育学毕业论文篇十一

：教师要不断丰富高职院校美术教育的教学内容，探讨高职院校美术教学的总体思路，改变以往的美术教育教学模式。教师要创新高职院校美术教育教学的方式，研究具体的教学内容和教学模式，采取相应的创新举措，推动高职院校美术教育的发展。

：教学模式；美术教师；高职院校。

在美术教学中，教师针对不同学生的学习水平和学习情况开展不同层次的教学，这要求教师的技能水平过硬。不同的院校对于学生未来发展的定位不同，再加上美术教师的差异，所以不同的院校在培养美术教师的过程中会区别要求。美术教师不仅需要掌握熟练的艺术实践技能，还要具备丰富的美术知识，在讲课过程中自觉将理论知识和实践技能相结合。不同的美术教师对于美术知识的诠释方式不同，所以学生要在学习中结合自身的特点有选择性地吸收。为了更好地推动美术教育的长远发展，需要对美术教学内容和方式进行深入研究，分析最适合高职院校学生的课程，进而对美术教育课程进行整体调整。

美术教师在进行理论讲授时，可以根据不同的学习要求对授课内容进行调整。美术专业的学生和其他专业的学生对于美术的兴趣方向不同，教师在对美术专业学生讲课时应该注重史论的系统性，而对其他专业学生授课时应将重点放在对经典美术作品的讲解上，这些学生对于经典美术作品充满好奇，他们急于知道经典传承于世的原因。在授课过程中，教师应先充分了解学生的学习需求，然后结合美术教学的特点授课。在给学生讲解外国美术作品时，大多数学生会对《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》《向日葵》等经典作品感兴趣，因此，教师在讲解的过程中应该着重对这些作品进行深入解读。在讲解中国经典艺术作品时，学生比较感兴趣的是《奔马图》《洛神赋图》《清明上河图》等，对于这些作品，教师要进行重点解释。在讲解了学生感兴趣的美术知识之后，教师要结合美术的学科特点增加一些学术性知识。如，介绍这些作品创作者的生平、艺术经历和成长过程，最好能够针对某位大师开设专题讲座，这样可以充分调动学生学习美术的积极性和主动性，从而使学生更系统地了解美术作品。

2、结合当地美术馆开展美术教育。

以往的美术教学场所局限于教室，容易引发学生对于美术学习的厌烦心理。为了有效改变这种枯燥的教学模式，教师可以结合当地的美术馆开展美术教学。国家免费开放了很多博物馆和美术馆，学生可以直观地接触这些美术作品，这为美术教学提供了可行性。结合教学内容参观与之相关的美术作品，可以培养学生对于美术作品的欣赏能力，学生也可以在参观过程中积累自己的历史文化底蕴。在美术馆中学习美术经典文化，可以带给学生不一样的学习感触。艺术作品的原作具有特殊的视觉冲击力，给学生带来和教室里播放幻灯片时不一样的感受。学生通过参观美术馆，可以提高艺术欣赏能力，久而久之，学生就会养成参观美术馆的习惯，提高精神生活方面的追求。

3、通过服装设计的原理引导着装。

现代大学生更加崇尚人格自由和个性化发展，以往的教育方式难以满足现代大学生的发展需要，必须创新教育模式。美术教育课程培养学生的审美能力，如何培养学生的审美水平是一个问题。这里可以从小处着眼，如平日里的着装。当代大学生的衣着装扮往往突出自己的个性，但是，有些装扮色彩过于艳丽，色彩搭配不合理，忽视了美感。所以，教师在日常授课的过程中，可以讲解相应的服饰色彩搭配、饰品搭配以及样式组合，逐渐引导学生对于美的感触。教师应结合美术教育的教学特点，设置相应的课程内容，一切从实际出发，不断开设创新型艺术实践课程，丰富美术教育的内容，逐渐引进室内设计、广告设计和服装设计。通过这些课程，学生可以提高对于艺术的审美水平。通过对服装的整体搭配和设计，学生【】可以提高对于美术的审美诉求，循序渐进地成为具有较高审美水平的艺术学习者。

为了推动高职院校教育稳定、可持续发展，必须创新美术教育的教学模式，适应新的教育发展形势。对美术教育的具体内容要进行全面分析，对教学方法要进行适当创新和改革，强调美术教学内容和方法的针对性。通过美术教学提升学生的审美水平，培养学生对于高雅艺术作品的审美能力，推动学生在学习艺术的过程中稳定发展。改变以往的美术教育教学模式，推动高职院校美术教育的长远发展。

美术教育学毕业论文篇十二

尊敬的校领导：

您好!我叫

大学生个人简历网

大学的专业教育，使我获得许多美术专业知识，全面系统地掌握了美术学科中各专业的基本知识、基本技能和基本方法，具有较强的实际操作能力，我坚信，自己能胜任一名全面而优秀的美术教师。

我是一名教育专业，但是我并没有教育专业人士通有的书生气息，我对自己有着极为清醒的认识，我觉得自己并不适合在教育岗位上工作一辈子，我应该趁着年轻，敢打敢拼的'姿态，勇猛的开始努力开拓自己的将来的道路，在自己人生路上不断进取。

我深深地懂得：在这个竞争激烈的今天，只有脚踏实地、坚持不懈地努力，才能获得明天的辉煌;只有不断培养能力，提高素质，挖掘内在的潜能，才能使自己立于不败之地。

本着检验自我、锻炼自我、展现自我的目的，我来了。也许我并不完美，但我很自信：给我一次机会，我会尽我最大的努力让你满意。我将以自己的青春和智慧无悔地奉献给贵单位。敢于创新，勇于开拓是我执著的追求。天道酬勤是我的人生信念。

但是我相信，我虽然是迎接毕业生，但是我有着初生牛犊不怕虎的精神，我可以没有任何压力的投入到工作中去，我也可以没有那些已婚人员的浮

躁

以后的工作道路还有很长，我会在贵校努力提高自己的工作能力，为贵校发展做出自己最大的拼搏!

感谢您在百忙之中读完我的求职简历，诚祝事业蒸蒸日上!

此致

敬礼!

美术教育学毕业论文篇十三

美术教育在现代潮流中逐步更新着教学观念,审美观是美术学科所具有的特征之一。下面是本站小编为大家整理的美术教育学习。

范文，供你参考!

为期三天的学习结束了，但我的心情依然无比激动.从一开始学课标就想迅速领会她，掌握她，而一路过来跌跌撞撞，寻寻觅觅，从学习到实践，再从实践到学习，细啃美术课标，从中感受最大的是美育课改中的两大变革。一从单纯的美术技能训练到美术的人文教育。二培养学生的自主探究学习能力。

美术课中的技能教育比较好理解和把握，而如何参入人文意识，在教学中应注意哪些呢?其实，人文性质就是美术课程的基本性质!美术是文化最重要的载体之一，不能脱离文化情景，美术作为人文学科的核心之一，凝聚着浓郁的人文精神，课程改革是让我们从单纯的技术传授转向关注人的理想、愿望、情感、意志、价值、道德、尊严、个性、教养、生存状态、智慧、美、爱、自由等等。通过美术教育，我们可以有效的促进形成和发展学生的人文意识。这首先我们就要努力通过各个方面的学习形成和发展自己的人文意识，丰富自己的人文素养，如果我们老师不具备人文意识和素养，就不可能在美术教学活动中向学生进行人文素养教育，其实，不要将美术教育视为单纯的技术训练，不要将美术从丰富的人文背景中剥离出去，再次要高度重视美术作品的鉴赏，理解发掘人文内涵。这一活动一般在教学欣赏、导入上运用，在课堂中尽可能让学生接触感受最大限度的信息量，课堂中所学的任何东西，都应视为浩瀚的人文海洋中的几个小岛，通过这些小岛，他们接触的应该是人文精神的海洋。但在不同领域的学习过程中要注意时间的安排，在“造型表现”学习领域及“设计应用”领域中不能放弃对学习技能的探究性学习及技能训练。

新课程的另一重大举措就是该以往的授之于鱼为授之于渔。转换课堂角色，改变往昔以师为主生为辅的教学模式为以生为主，师为辅的过程，强调学生在学习过程中的导地位。帮助学生在学习中学会自主，培养学生的自主能力，和增强学生主体人格。而美术学科本身的性质决定了本学科更适合学生的学习方式：自主学习、探究学习和合作学习。在教学活动过程中，我们首先要尊重和爱护学生，要承认每个人都是独一无二的存在，差异无好坏之分，它代表的是人的多样性，在课堂上，差异是一种资源，不同是一种财富，这在课堂交流讨论中得到了充分的运用。当然，强调学生在学习过程中的主体地位，并不是对学生的学习采取放任自由的态度，我们应该作为主导，起向导，顾问作用，指导学生健康快乐地成长。

每次学习课标，每次都有新的感悟和体会。在学习完课标走下楼梯的瞬间，突然，有三个元素涌上心头，在这一空间，我，学生，我将如何来引领他们?如何让他们喜欢上我的美术课，我并不希望他们各个都成为画家，当然，这也是不可能的，我只希望是他们因为爱上我的美术课因为我的某一节美术课而让他们爱上了历史，爱上文字，爱上了科学，爱上了发明和创造!…….。

自九十年代初以来，我国美术教育的改革一直轰轰烈烈地进行着。美术新课程标准20xx版出台后，网上也陆续看到了一些专家对新课标的解读，相比20xx年颁发的课标实验稿，本次课程标准的修订，总方针与主要内容没有大的变化。比较旧版实验稿，《全日制义务教育美术课程标准(20xx版)》(以下简称新课标)方向更明确、文本更精练、内容更具体，表述更理性。修订体现了美术教育专家学者在美术新课程实施若干年后，对课程标准的重新梳理，并在反思的基础上明确了发展方向。学习了一些专家的观点后又通过教育局安排的美术新课标培训，更为清晰地认知和把握修订后的美术课程标准的宏观定位与具体内容。让我理清了些思路。现具体实谈谈此次学习的一些心得体会：

一、学科本位是基础。

课程性质是对整体课程教学指导思想的宏观把握，是理解美术课程标淮的关键所在。20xx年刚刚开始启动基础教育课程改革，新课标的制定主要是基于对原有课程的反思，提出以往中小学美术课程中综合性和多样性不足、过于关注专业知识和技能、脱离生活难以激发学生兴趣等等问题，在此基础上思考进入新世纪的基础教育美术课程变革。此次20xx版新美术课程标准的颁布，我觉得除了对原有内容的梳理和肯定外，其中一个重大的变化就是：20xx年颁布的美术课标提出“美术课程具有人文性质，是学校进行美育的主要途径……”，这提高了美术在学校教育中的学科地位，明确了美术学科的课程性质。但是，人文性质的宏观提法也导致了美术课程自身特征的模糊。20xx版的美术课标对课程性质给予了准确定位和深入阐述，对于义务教育美术课程人文性的认识更加清晰和丰满。20xx版美术课标修改为“美术课程以对视觉形象的感知、理解和创造为特征，是学校进行美育的主要途径……”，愈发凸显了其“视觉性”因素，同时也进一步强化了美术教育的一个根本性特点，即“物质材料的依赖性”和“直观形象性”的特点。把美术课程的人文性落到了实处，同时义务教育阶段实施美术课程的工具价值进一步得到提升。这是因为，学科本体始终是理解美术教育的基础所在。

二、人文性质是出发点。

美术课程的人文性是基础教育课程改革以来一直的追求，美术教育不是单纯的技术教育，它孕育于丰富的人文背景之中。美术能对现实生活和自然界事物进行直接模仿，能形象的再现历史、现实和未来的各种不同社会生活场景和自然景象。美术通过可见、可触的具体形象，以静止、凝炼的画面和艺术造型来表现客观世界的美丑属性和作者的审美意识，给观赏者以审美的认识、教育和感染的作用。美术与时代、社会、艺术家的生活阅历以及阶级、民族、风俗等密切相关，美术具有的时代性、社会性、民族性等蕴含着丰富的人文内涵，因此“人文性”依然是美术课程所要追求的初衷。新课标对此也做出了着重强调，提出“美术课程应该在我国基础教育课程体系中发挥更积极的作用，为国家培养具有人文精神、创新能力、审美品位和美术素养的现代公民”。可以看出美术课标立足于21世纪的视觉文化时代要求，一方面看到了以往美术课程丰富的教育价值，另一方面看到了新世纪人才的视觉文化意识建构和创造力培养要求，基础教育的美术课程不是专业方式的学习，而是满足学生个体成长需要的素质教育，是学生人生发展不可缺失的精神营养。美术学科的价值，有效地包容了美术课程人文性和工具性两方面的特性。

三、素质教育是关键。

德国教育家第斯多卡说：“教育的艺术不在于传授知识，而在于醒、激发、鼓励”。两版新课标都对学生实施素质教育的的重要性贯穿始终：课堂不是老师表演的舞台，而是师生交往、互动的舞台。课堂不是对学生进行训练的场所，而是引导学生发展的场所，课堂不是传授知识的场所，而是更应该探究知识的场所。课堂不是教师教学模式化的场所，而是教师教育智慧充分展示的场所。成功的美术教学除了对美术学科的教学价值外，还对学生的品格、素质、能力、习惯、思维、毅力等非智力因素方面都有着重要的作用。它润物无声给人是骨子里的东西，将伴随人的终身。

四、课程目标是导向。

课程目标决定了课程面貌，而课程面貌的具体呈现当然是课程内容。20xx版美术课标课程目标部分变动较大，具有明确的导向作用，充实和调整了总目标的内容，首先强调了“美术课程总目标按“知识与技能”“过程与方法”“情感、态度和价值观”三个维度设定。随后调整了目标表述的文本结构，总目标下面分述了四个学习领域的目标，而且在每个学习领域中对三维目标进行分解，内容也依据三个维度来设立，条理更加清晰，内容更加全面。分目标由原来的表格式调整为文本表述，既避免了原目标中各个学段在同一学习领域中的目标重复，又使分目标的表述语言更精练。

课程内容的说明更简洁，各个学段的课程内容中有两个学习领域的变动比较大，一个是重新组织了“设计·应用”的内容。第二是增强了“欣赏·评述”的内容。除此之外，新课标将原来的“评价建议”调整为“评价要点”，内容不再以“是否”开头，这说明对学生的评价不再只是肯定或否定的，而是更加全面。对于应知应会的知识与技能，表述更加明确，教师把握不同年级不同学习领域的课程教学时，可以将教学目标和课程目标体系进行对照，既考虑到教学对象不同年龄发展需求选择三维目标的侧重点，又不以偏概全脱离美术课程总体目标的要求。这其实是对课程总目标的细化和丰富，是美术课程目标完整体系的一部分，从整体入手，然后分解阐述说明，最后在具体实施时回到整体把握。帮助美术教师深入地把握美术教学追求。

五、面向全体学生是核心。

20xx版新课明确指出标“面向全体学生”的核心理念，课程价值趋向从精英教育转向大众教育，面向学生的各个方面，通过美术这一活动形式来发掘孩子们自身的潜能，培养孩子们敢于追求美、勇于创造美的精神。对学生整体素质的培养，是美术教学的根本目的和任务。这种教学必须从学生实际出发，紧紧联系客观环境。充分发挥学生各方面能力。因势利导、全面有序促进学生身心健康发展。它不仅要求传授一般的基础知识、基础理论和基本技能。还把审美教育作为艺术教育的核心内容。必须从每个学生的不同素质和气质出发。进行灵活而具体的双边教学，才能因材施教，极大地调动学生对艺术的探索精神，培养和发展具有个性特征的学生的综合素质。从而，保护学生的创新意识和创新思想。使学生的创新精神，在学习和探索中得以健康发展。成为具有终身创新能力的优秀人才。

六、培养创新能力是重点。

法国教育家斯普朗格说：“教育的目的不是传授已有的东西，而是把人的创造力量诱发出来……。”创新是一个民族进步的灵魂,是一个国家兴旺发达的不竭动力。在步入21世纪的今天,一个国家人民的创新意识显得尤其重要。美术教育责无旁贷,因为美术教育被公认为是培养创造力的最具成效的学科,是培养创造力的最具成效的学科之一,是培养学生创新意识和创造能力的良好渠道和途径。所以美术课程应特别重视对学生个性与创新精神的培养，采取多种方法，帮助学生学会运用美术的方法，将创意转化为具体成果。怎样发掘学科优势,培养学生创造精神和高素质人才,是我们所有教育工作者的不断追求的目标。

七、体验性学习是手段。

从新课程标准划分的四个学习领域中，我们可以看出，新旧两版课程标体验性学习是美术教学的主要方式。尤其是20xx版明确指出“美术课程具有实践性”。学生作为学习的主体，具有自主性、能动性和创造性，而教材内容则是固定的、静止的，为学生学习增加了障碍和困难，这时，教师的作用就是根据学生的心理、生理的特点，注入体验性学习的方式和方法，使教学内容成为具有趣味和充满活力的各种学习活动。通过学生自己动手的体验，让学生获得了成功的喜悦体验，这样，就有机地创设了体验学习地情景和体验学习气氛，使学生对活动产生兴趣，自主地参与到学习活动中去，从而获得了对学习美术的持久兴趣。

八、科学评价是保证。

美术教学评价是美术教育的重要组成部分，科学全面的美术教学评价不仅帮助教师掌握学生心智及创造力的成长情况，及时给予学生启发和帮助，而且使教师明确学生表现自我时的需要并给与激励和支持。在教学中教师的评价应该是，既要关注学生掌握美术知识，技能的情况，更重视对学生美术学习能力、学习态度、情感与价值观等方面的评价，强化评价的诊断，发展功能以及内在激励作用，弱化评价的甄别与选拔功能。而在美术活动表现评价时，则要求通过观察，记录和分析学生在美术学习中的客观行为，对学生的参与意识，合作精神，操作能力，探究能力，认知水平以及交流表达的能力等进行全方位的综合评价，这又是美术课程标准中对教学评价精辟的阐述。

面对这场深刻而全方位的新课程改革、日益复杂的学生思想道德，新课标的学习为我们这些在一线工作的美术教师做出了更为明确的教学指导，犹如为我们打开了一扇窗，拨云见日，使我们在一次次的感悟中豁然开朗，对美术教学有了更深一层的认识：其真正的精华在于教师要以丰厚的教学技能，出奇制胜的教学设想和灵活多变的教学策略，把握住学生的兴趣点，叩开教育之门，促进学生知识、能力、态度及情感的和谐发展，变“教科书是学生的世界”为“世界是学生的教科书”，变“教教材”为“用教材”。推动每一个学生终身美术素养的全面提高。

小学美术新课标改变了传统美术教学模式，充分发挥学生学习的创造性、主动性，注重培养学生自学能力、合作精神和学习兴趣，带给我们很多新的理念，通过认真看了各位专家学者们的视频，对美术新课程标准的学习有了更深一层的认识：

一、以学生为主体，教师做指导。

传统的教学是教师怎样教学生就怎样学。学生根据教师的思路一步一步来掌握知识，课堂是教师预设好的课堂，教学过程忽略了学生的存在。而新课程标准下的课堂是教师和学生之间、学生和学生之间互动的过程。一堂课可以有不同的教法，但不管怎么教都必须有利于学生的学习，保证学生的主体地位，因为教学的成功，关键在于让学生主动参与学习的过程，获得成功的体验。

二、面向全体、学生自我选择。

为了更好地培养学生的主人翁精神和激发学生的学习兴趣与积极性，在教学中注意安排一些选择性的学习活动，让学生自由选择学习制作方法。例如，在“造型·表现”和“设计·应用”学习领域的教学中，我在介绍完几种表现方法之后，并不限定学生用哪一种方法，而是鼓励学生根据自己的需要和兴趣，自主地选择方法，大胆、自由地表现自己的感受。在整个练习中学生还可以和小伙伴合作共同运用不同的方法进行练习，通过练习调动了学生学习的主观能动性，增强了学生的自信心、愉悦感和满足感。

三、“玩”中学，在玩中增长知识。

儿童最“喜”的莫过于玩了，要抓住他们的这一特性，让他们玩自己亲手制作的东西，在玩中增长知识。这样，学生在轻松愉快的氛围中善于发现问题，并能究其根源，大大丰富了教学内容，拓宽了知识面。

四、提倡标新立异，鼓励学生的创新意识。

让学生学会观察，增强学生的创新意识。我们可以尝试各种教学方法，可以利用事物的特点和想象力，让学生用自己的眼睛观察世界、感受生活，再用自己手中的画笔去描绘生活。

【本文地址：http://www.xuefen.com.cn/zuowen/15542920.html】