在各种汇报与评估中，总结都是至关重要的环节。总结应当具备批判性思维，对工作和学习中存在的问题进行深入剖析。以下是一些旅行总结的心得和体会，希望对旅行爱好者们有所帮助。
论文艺片及影视分析篇一
关键词:影视表演；戏剧表演；表演特征；共同发展。
影视表演和戏剧表演存在着较多的共同性，但是也存在着美学特征、表演艺术、创作原则以及方法上的不同。随着摄影设备和录音设备的先进化，影视表演和戏剧表演的差别越来越明显，戏剧演员在表演中与观众存在着互动性，观众的鼓励能够给戏剧演员带来无限的动力。而影视表演中要求演员可以实现情景的再现，演员可以暂时放下自己的身份，感受一下观众的内心，这样才可以让观众在屏幕前面产生强烈的情感共鸣。对于影视作品而言，所处的环境一般都是多种多样的，而且随时都有可能变换，在不同的情景，不同的视角展现不同的表演；而喜剧表演只有舞台这个唯一的环境，观众的视角也是固定的，这对于戏剧演员的要求就更高了。
（一）顺序特征。在戏剧表演中，演员从上台到走下舞台，这整个过程都是连续的，甚至包括化妆和换装的时间都是紧密安排。对于影视演员而言，则会轻松很多，他们是在摄像镜头下表演的，不会直接面对观众，会根据不同的情况调整拍摄的順序，虽然其中会有各种不确定因素打断顺序，但是通过后期的剪辑还是可以让整个故事按顺序呈现出来，达到更好的效果。
（二）观演特征。观演特征的不同是由于影视表演和戏剧表演所处环境的不同导致的。影视表演可以灵活地运用各种数字设备，影视演员在整个的创造过程中，观众都是不可见的，所以观众不能直接感受到角色的变化，而需要通过科技的帮助。而在戏剧表演中，观众和演员是面对面的，身体上的感官非常的直观，能够更快地进入到状态中，感受肯定是大不相同的。
（三）美学特征。在影视作品中对于现实社会的描述与戏剧作品相比较是更加的真实，影视作品的直接记录方式可以很好地还原出现实的环境，属于一种纪实性的美学特征。
二、影视表演和戏剧表演演员的表演特征。
（一）连续性。戏剧演员和观众存在于相同的时空，因此我们可以认为戏剧表演是连续性的，观众在这种不间断的表演中更好地融入到故事情节中，直接感受到表演角色的各种复杂心理变化，能够更好地观赏戏剧的情节。影视演员是在镜头前表演故事情节，一次没有拍好可以重来，这对于戏剧演员来说是不可能的。而且影视作品还存在后期的制作编辑，所以对于影视表演来说，表演绝不是连续性的。
（二）时空性。在戏剧表演中，由于观众与演员是同在一个环境下，面对面地交流，因此戏剧表演的故事情节发生的时间和空间与观众看到的时间与空间是一致的。这种同时间和同空间的`特征，让观众可以更好地感受到角色，视觉感受、听觉感受以及心灵感受受到的冲击肯定是比较强烈的。在这样的情感交流中，就会要求戏剧演员具有更加细腻的情感，呈现出更好的作品。而影视演员需要几个月甚至几年的时间拍摄一部作品，在观众看到作品时，和演员存在时间和空间上的差异，观众需要在整个的作品完成之后才能欣赏影视剧中的角色，才可以慢慢地与这个影视作品产生情感上的交流。
（三）表演性。戏剧表演的环境存在较大的特殊性，演员在表演的过程中有时会呈现出相对较为浮夸的动作，这种夸张的表演形式主要是对于现实生活的放大，也能够照顾到观众的感受。在舞台上，由于这种面对面的交流，舞台上面的演员需要时刻关注观众的反应和现场的一些状况，做出适当的调整，通过这种形式来与当前的环境完美结合在一起，虽然存在着夸张，但这种夸张一定需要用真实作为前提。影视演员所处的环境一般都是时刻发生着变化，这种灵活的环境变化就要求影视表演具有更高的真实性。目前很多的影视作品中都会出现一些特写的镜头，这就要求影视演员具有更加细腻的情绪，更加注重面部表情的变化，这种通过局部特写来表现影视角色心理的变化，也可以说是一种放大角色感受的表现形式。
戏剧表演和影视表演慢慢走进人们的生活，逐渐与人们的生活联系在一起，影响着人们的生活。这两者在呈现的形式上有着各自的手段，但它们都是属于表演艺术，对于演员的素质要求是高度一致的。演员创作出能够打动观众心灵的作品，对于感兴趣的观众来说，这就是一种无与伦比的美丽，从而给予演员更多的创作动力，促进影视表演和戏剧表演的不断进步。
参考文献：
[2]周菊花.戏剧表演创作中演员与观众的共鸣[j].戏剧之家（上半月），（03）.
[3]王瑶.创新开启戏剧表演的时代发展之路[j].艺术科技，（06）.
论文艺片及影视分析篇二
收费站的5个班组是处于生产一线的班组,创造直接经济效益。收费系列员工全部实行聘用制,一般签订三年左右的固定期限劳动合同。bot高速公路收费站建设是高速公路事业的一部分,收费站的形象和文化内涵是该高速公路新文化的缩影和代表,与其他的国有企事业单位一样,bot高速公路收费站也需要建设自己的团队,有众志成城的团队精神就有良好的社会窗口形象,在日益竞争激烈的社会环境中才有立足之地。bot高速公路收费站团队管理存在的问题心痛。影片通过此种特定环境给“萤火虫”做了一个新的富有悲剧色彩的定义,从而使观众对影片的印象更为深刻。
影视表演艺术作为动作与声音的结合体,其中的场景设计、人物造型与美术有着骨肉相连的亲缘关系,影视艺术不只是将故事将给观众,其画面在推动情节发展上也起着极为重要的作用,一部好的影视作品一定要有好的美术元素,美术元素的成功运用为影视作品锦上添花,是影视作品取得成功的关键之一。场景设计为了使观众对影视作品中营造的氛围有身临其境之感,在影视作品的场景设计上,不仅要与故事发生的背景时代相符合,还要通过不同的场景变换表现出人物的命运变化,凸显出导演的创作意图,彰显作品的理念构想。电影《我的'父亲母亲》的开头:一望无垠的油菜花田地,崎岖的乡间小路远远跑来一个穿着碎花红棉袄,扎着两条羊角辫的女孩,包含期盼的眼神,伴着柔美的音乐,故事娓娓道来。可以说场景设计的首要原则就是突出那些最富有视觉表现力的内容。场景设计的合理性直接影响影视画面的美感,其中两种关系会影响场景构图设计,一种是平面空间关系。
通常情况下,画面中的形象元素被分成虚、实两部分,虚与实又分别作用,形成影视中形与量的对比,比例对比现象。另一种是立体空间关系。通过美术的透视原理,色彩的冷暖对比,画面的明暗,空间层次等可以在二维空间中表现出纵深的空间感。视觉上的空间形态会影响人的心理情绪,所以,在表现影视画面的立体空间关系和层次时,根据想对观众所产生的特定的心理影响,使之或空旷、或丰满,而并不仅仅是追求视觉效果。影视造型影视作品是通过荧幕的场景结构、人物造型、色彩对比来再造艺术形象,可以说,造型艺术是影视美术的骨架,是人物内心的外在体现。影视是一种视觉艺术,因此造型艺术在影视中有举足轻重的作用。
对于影视作品中的造型要求主要有以下三个特点:。
1、逼真性。人物造型的逼真性要求十分严格,带领观众走进影视作品所创造出的生活环境,达到以假乱真的程度。
2、运动性。剧组的美术策划应提供可供演员活动的环境,并提供符合演员角色需要的化妆、服装、道具等,为演员的表演提供必要的前提。
3、综合性。影视造型服从于综合性艺术的要求,并能辅助其他的艺术形象再现和表现生活中美术特点。它是造型艺术的灵魂,一切造型艺术都会随着光线的变换而产生改变,因而能再现生活或者协同其他影视艺术中的美术元素一起去再现生活和表现生活。总结:影视作品中的美术元素是为影视作品的场景呈现、服饰化妆、营造气氛所需服务的。
美术技法在影视作品表现途径上的功效是具象化、艺术化的,它把影视内容与作品传达的情感思想可视化,用艺术的手段提升了影片的主题品位。相信随着影视表演艺术的进一步发展,美术元素的渗透会更加炉火纯青,影片的艺术品位会得到进一步的提升。
论文艺片及影视分析篇三
[摘要]英美影视剧英语字幕在电影中经常出现，这在学术界应该引起重视。从英美影视字幕的特点出发，能对英美影视剧字幕使用正确的翻译策略。英美影视字幕的特点主要是根据英美文化的基本特点总结出来的，主要体现在口语化、时尚性、服务性、时空受限性等特点上，这些需要与影视情节当时的社会背景、词语的简化、结构的安排、服务化等相结合。中英美影视的成功，既是国与国之间文化差异的沟通，也是中外交流沟通的桥梁。
[关键词]电影翻译；异同化；影视字幕；特点；措施。
（一）口语差异化。
口语化，我们日常生活中脱口而出的语言，不拘泥于文字句子结构，不会像写作中使用那么正式的语言，我们通常称之为口语化。例如：吃了没？最近咋样？还可以吧。口语化不同于科教、科普、纪录片等产生特定的目的，这些语言是需要正式与书面性的；而口语化的影视节目就需要依靠当时的社会背景以及人物角色之间产生的互动情节而定。把复杂的语言变成简洁的语言，这样观众在欣赏过程中就能容易理解当中的情节与境况，语言化影视剧场的特点就浅显易懂。因此，在英语字幕上经常出现yeah，damnit，um，gosh等，这些词语经常使用在口语中，书面语是很少使用的。在英语影视中，经常出现短句与不完整的句子，例如afteryou，youowemeone，sowhat等语句。还经常出现俚语：hotnumber，allwet等。
（二）时尚异同化。
随着时代的改进，观众对影视的要求越来越高，特别是当前的娱乐节目，都要求跟时代接轨。影视中使用的英语字幕的含义存在着新意，被赋予了新的意义，这是影视特定环境决定的。随着网络技术的发展，给影视界带来了很多新意的词语，这些都是影视界使用且可借鉴的。在当前背景分析，很多青少年特别爱好流行的网络语言，这给剧情增加了活力与生机。例如，shortmessage，e-mail，msn，web2page，www等。特别提出的就是影视节目中经常出现当前最热门的话题，例如电影美剧southpark（《南方公园》）第10季第9集影射美国副总统切尼射偏的那一箭，第10集里影射了美国中学女教师debralafave引诱学生一案等。
（三）服务方面产生的异同化。
（四）时空受限异同化。
影视设计需要根据时间、空间来设计，字幕不是独立存在的，也需要结合声音、画面参与支持。图片、声音、字幕、色彩、时间、空间等设计，都需要合理进行安排。但是由于时间空间上的设计要求，受到了一定的限制。根据实际经验分析，它不同于一本文学著作里的故事情节停止在思想上，它们是动静结合的，还配合了字幕上的声音、画面等，一旦画面、声音消失，它们的完美性就失真了。另外，时空受限制性也受到了很大的限制。影视剧场的完美结合需要图像和声音两者完美的结合。无论是字幕设计，还是声音、图像的设计，都需要达到给观众留下一种统一的效果。还需要结合内容进行文字设置并且努力克制版面的受限制性以及位置的布置整体性。
二、英美影视中翻译字幕的几点策略。
（一）口语异同解决分析。
根据英语翻译的口语化问题，需要根据语境与当时的社会背景来设定，也需要根据文字表达的语境来分析。翻译需要大量的英语知识基本功，还需要对当地背景的了解以及对对白的口语内容进行了解、学习、应用，这些都是需要思考的地方。观众需要了解剧情，这由字幕设计的质量决定。比如美剧onetreehill（译名《篮球兄弟》）第4季第9集中有几句：imhavingmoneyproblems，dad.从字面上我们完全可以译为：“我有金钱的问题，爸爸。”但在现实生活中有谁会这么说呢？因此，不如译为：“我手头有点紧，爸爸。”从以上案例分析得出，对社会背景的了解，能够更好为英语翻译服务。在影视中，不能够过于生硬化，需要符合口语化处理，这样更生动些。
（二）针对目标群因人而异解决方式分析。
根据影视的文化差异分析，在翻译的过程中，因为人的因素和文化差异的因素，会产生不同的翻译，产生不完全对等问题。阅读者在阅读内容时，需要随时对作者传达的情感所感染与了解，这样才能够更好为原内容翻译进行归类。在传达原内容异化策略问题上，需要学习了解外来文化的语言特点。在翻译过程中，需要对自己字幕翻译的服务对象来确定合适的策略。
针对字幕目标群方面分析，翻译好字幕的'内容主要需要对剧情学习、了解、分析、策略等过程，进一步对影视文化的差异选择翻译策略，这些都是译者所考虑的主要内容，需要对目的语进行正确的表达。针对目标群需要对字幕受众借助观赏英语影视剧来提升自己的英语翻译水平。同时，对英国文化背景差异的了解、学习、分析、应用等，也是对目标人群正确的策略，这样才能够保持原创的英国文化。但是，在英语翻译中，有很多不需要翻译的，例如地名、人名等固定名词。
（三）缩减字幕的字写法异同分析。
所谓缩减，就是减少，紧缩减少。根据英美影视字幕的特点分析，影视在翻译过程中，需要考虑到缩减的特点，这是因为受到时空的限制，因此需要字数进行缩减的策略。按照电视剧的字幕整体设计分析，对字幕进行排版设计。以电视剧的格式为例，一般说来，每次出现的字幕最好一行，最多两行，每行不超过16个字符。这样的标准才符合字幕设计的基本要求，并能满足观众的观赏以及对剧情的了解。字幕只是一种观赏影视剧情的辅助工具，这样才能够让观赏者理解剧情以及专注对剧情的注意力。对句子的缩减，主要是对英美影视版面进行美化、简洁化。比如美剧ghostwhisperer（译名《鬼语者》）第3季第4集中的两句：（1）butyouneverdidappreciateallofthethingsididforyou.这句话如果出现在字幕以外的情况下，我们把它译成：“但是对于我为你所做的一切，你从来不知感激。”并无任何不妥。译文也符合我们中文的语法习惯。但如果放到字幕里，在短短一两秒钟时间里，观众既要关注剧情，还要看这么长一句话，就显得有些匆忙了。有经验的字幕翻译便遵循缩减策略，把它简译成：“但你却不知感激。”
（四）注释异同处理分析。
注释的最好诠释，主要是对书籍或文章的语汇、内容、背景、引文作介绍、评议的文字。注释的主要目的在于让观众能够很好理解剧情内容，字幕翻译在于对剧情的内容、背景等辅助加以解释。中英文化的差异性给大家的习惯也带来了很多差异性的变化。当然，在文化差异的前提下，翻译字幕者很难在英文字幕上找到对等的字幕表达。很多由于网络热词、地方民族特色语言、方言、地区文化等不同，需要对英美影视字幕翻译加以注释。英美中的台词经常在新闻（本土）以及名人中提到，根据注释经验分析，需要对翻译的内容进行直译或者间接翻译两种。直接翻译对于观众来说，存在着很大的语境差异，因此有时直译会使观众不知所云，对剧情内容的理解模糊不清。直译者有必要在观赏者不懂的时候或者需要提示的地方，增加相关内容注释。注释的直接作用就是帮助观众理解剧情内容。在很多实例中，会出现大量的医学名词。例如美国的热门医务剧er（译名《仁心仁术》或《急症室》），house（译名《豪斯医生》或《医神》），greysanatomy（《医人当自强》或《实习医生格蕾》）。这些名词都需要进行注释分析，还有很多需要进行名词注释的，例如化学名词、法律名词、网络名词、学校名词等。这些字幕的翻译过程中，译者可以有选择地添加注释。
在英美影视字幕策略中，注释策略显得非常重要。主要根据故事情节分析，涉及故事情节的人物、事件、时间、地点等，都需要进行适当添加注释，以便于理解剧情。这样的例子很多，如《南方公园》，关于社会最热门的新闻节目，添加适当的注释，肯定对新闻情节的理解效果会更佳。又如《灭罪鉴证科》有一句话：doiliketheghostwhisperer？你看我像鬼语者吗？其实这里的ghostwhisperer（鬼语者）一词来自一部美国灵异电视剧，里面的女主角能与鬼魂进行交流。假设翻译人员对这句话进行翻译时，进行适当的注释，肯定观众理解这个事件效果会更佳。注释固然重要，但是并不需要专业的词语进行再注释，这样会让观众更加难以理解当时的故事情节，这样就不如不加以注释。翻译者应该把握适当的度，这样才能保证英美字幕效果更好。
三、结语。
根据实际经验分析，英美影视字幕的特点主要是根据英国文化的基本特点及影视情节的社会背景、词语的简化、结构的安排问题、服务化等总结出来的。英美影视剧场的字幕翻译不同于文学创作，主要与字幕、声音、图像等存在着直接联系，还因为版面的结构紧凑，需要时空上受限进行设计。同时，翻译者需要更好的结合英语字幕的翻译效果，需要学习当时社会背景、文化知识等，这样才能够对英美影视字幕使用正确的策略。
[参考文献]。
[2]纪可，代冰.影视字幕文化负载词的英汉翻译策略和方法――《老友记》（friends）中文字幕分析[j].广西大学学报：哲学社会科学版，（03）.
[3]杨苗苗，赵玉闪.电影字幕中文化因素的翻译[j].中国电力教育，（19）.
论文艺片及影视分析篇四
动画设计工作是在故事板的基础上，确定背景、前景及道具的形式和形状，完成场景环境和背景图的设计、制作。下面小编为大家分享主观色彩对影视动画场景设计分析论文，欢迎大家参考借鉴。
摘要：色彩在影视动画中扮演着重要角色，动画设计师应当学会运用主观色彩，把握好审美需求与动画主题之间的关系，以期展示丰富的动画艺术效果，增强动画的表现力度，进而设计出完美的作品。本文主要从色彩的设计定位、重构与采集，运用色彩架构动画场景空间，运用色彩传情达意三个层面来简要阐述主观色彩在影视动画场景设计中的应用。
1.突出画面美在影视动画作品的设计中，色彩的表现形式具有高度的自由性以及强烈的画面感。设计者只有灵活自由地运用色彩，才能发挥出色彩的作用，凸显出作品的画面美，使观众体会到作品的魅力与风格。
在刻画人物性格时，不同的人物搭配不同的色彩氛围，色彩的对比运用能够使多种人物角色在同一空间表达情绪，形成强烈的视觉冲击力。
2.展现情感美观众具有联想感悟的能力，影视动画作品中可以利用不同色彩的特定氛围和情绪基调来刺激观众的视觉神经，形成画面色彩的整体倾向性。
色彩能够表现剧中人物的心理和情感特征，合理利用色彩可以使观众与剧中人物的情感产生共鸣。在不同的影视题材中灵活使用色彩，不仅能够达到以景动人、情景交融的效果，而且能够引导观众体会剧中人物的情感[1]。
3.增强运动美在影视动画作品设计中，色彩的调和和对比是相互关联的，色彩太过统一，整个场景过于温和，不能突出重点;色彩对比过度，画面过于浮夸，不协调。要灵活运用色彩，才能充分展现作品中时间和空间的转变。
设计者可以利用色彩的变化表现出忽明忽暗的天空，表现出角色由高兴到失落、由暴躁到温柔的情感特征，使画面具有动态感，让观众产生如身临其境般的真实感受。
在影视动画场景设计中，设计者需要对色彩进行采集、重构和设计定位。构建理想的动画场景需要科学地运用主观色彩。设计者灵活多变地使用色彩，便可利用色阶上的差异来营造一种井然有序的感觉，由一个单一的平面顺利过渡到极富空间张力的领域。
动画片属于非实拍片中的一种，具有强烈的主观性，设计者可以尽情发挥自身的想象力，极致地发挥色彩中的对比、渐变的魅力，作品才能拥有夸张的表现力。此外，设计者也要把握好故事的发展以及故事情节的需要，全方位地把握色彩感染力，以增强画面美感，才能够快速吸引观众，才能够得到一部完美的影视艺术品。
1.色彩的采集、重构与设计定位自然色和人工色是两个容易相互混淆的概念，设计者在采集和重构的过程中应当进行全面的分析。生活中所能看到的颜色都来自自然社会，大自然中的颜色是一种丰富的资源，设计者应当仔细地观察，并且有效提取。
色彩包括传统色、图片色和民间色三种，设计者对原色进行重组、渐变、整合、增减，然后按照自身需要加以创新、改变和调配，能够得到全新的色彩。需要注意的是，设计者在重组过程中不宜破坏原始色彩，应当保留原有的色彩形式。
色彩采集者对色彩有着不同的见解和认识，所以采集同一物象时也会出现重组效果完全不同的情况，由此可见，这是一个创新过程。在色彩重构中，自然色是主要颜色，人工色为辅助色，在重组色彩与原色转换差距不大的基础上，保留其一定的相似性，避免使色彩纯度与色彩亮度的转换过于明显。设计者应当逐渐摆脱原色影响，按照一定的色彩比例进行搭配重组，对整体色或部分色进行调查和分析，在原色的基础上进行重构，从而得到新的色彩形式。
设计在动画场景设计中一定要有合理的定位，不同的动画题材在历史背景、受众文化、地域层次等方面存在着很大的差距，动画场景设计风格也大相径庭，必须依照动画风格来定位其适合的主观色彩。
在动画制作的过程中，孩子们对故事的发展情节不太敏感，比较关注画面的色彩变化，容易接受一些鲜艳的颜色。儿童对新奇的世界充满探索的欲望，想象力很丰富，对未知事物有着强烈的好奇心，喜欢明亮、纯度高的背景色。所以，在设计儿童群体动画片时，对画面色彩的要求要高一些，设计者应当使用多种多样的色彩进行搭配与组合;而中老年人对生活有较为严肃的理解，这一人群善于思考，喜欢清静，老人喜欢的动画应当选用比较沉稳、大气的色彩[2]。
2.运用色彩架构动画场景空间色彩在影视动画场景制作中作为一门独特的语言，具有生动的表述力量，是创造空间艺术的主角。在制作动画场景的过程中，利用色彩的强烈对比呈现出环境的立体感是一种较为常用的手法。以国产动画片《大鱼海棠》为例，其中的几个场景设计中，深蓝色和深绿色得到大量重复运用，强烈的对比关系极大拓展了故事环境的空间。在椿死去的场景设计中，随着女主角与枫树逐渐融为一体，火红的枝叶直插云霄，表现出女主角为救族人不惜牺牲自己的大义凛然，深蓝的海水灌入天际，营造了一种紧迫、低沉的气氛。冷色调和暖色调的.交替运用可引导观者的焦点转换，由暖色转入冷色，由冷色转入暖色，画面动感和画面层次得以体现，虽然场景用色并不复杂，但是形成了强烈的反差，有一种纵横空间的视觉效果。
影视动画场景设计中应用主观色彩时，设计者还需具备专业的色彩控制能力，才能将色阶差异完整地展示出来，将颜色按照不同的明度进行一定顺序的排列，色彩才能在合理的布局中有秩序地逐一呈现，进而营造一种和谐的氛围。
3.运用色彩传情达意在动画场景设计中，色彩具有明确的表象特征。动画场景中的色彩是抽象与具体的统一，人们的内在情感和主观意识间接地决定色彩的情感特征。人们通过已有的色彩观念与所接收到的色彩进行比较和分析，在大脑中进行色彩的联想，从而引起情感上的共鸣。
在《大鱼海棠》中，设计者通过灵活运用深色色调以及彩色色调，表达剧情的发展需要，体现题材的意境。影片当中，女主角一袭红衣展现了中华民族以红色象征吉祥的文化底蕴;爷爷苍白的长发最终化为河流和山川，有一种历史感;而在鲲从水中跃起冲向螺旋的天柱即将离去时，又以大面积的蓝色渲染悲剧气息。这种多次重复使用蓝色和红色色调来营造一种压抑痛苦的氛围，能够把观众带入到沉重的故事情节中。在影片即将结束时伴随着暖色色调的使用，逐渐展示和谐温馨的景象，椿和鲲重新相遇在浅色的海天之间，使环境空间得以拓展并且表现出剧情人物在心理上得到温暖。该影片中大胆运用色调，为观众带来了强烈的感染力。由此可见，色彩的合理运用能够淋漓尽致地表现影视作品的主题，可以反映人物角色的情绪变化。
色彩可以直接控制一部影视作品的风格特色与感情基调，是渲染艺术效果的主要手段之一，是动画场景设计的核心部分。设计师充分了解其发展规律和基础原理，掌握色彩的综合运用技术，能够提升作品的整体效果。
[2]李佳黛.动画场景设计中的色彩应用[j].郑州轻工业学院学报(社会科学版)，2013(2).
论文艺片及影视分析篇五
戏剧表演在实践中与影视表演有着密切的关系，其均属于表演的主要形式。其中戏剧表演相对于影视表演来说历史更为悠久，影视表演主要就是基于戏剧表演衍生发展而来的，对此二者具有一定的相似之处但是也存在一定的区别。
影视表演以及戏剧表演都是通过角色的塑造彰显内在的价值，在表演活动的开展过程中，都是通过自身的演绎模式塑造出不同的鲜活的人物形象，提升观众的视觉感受。在本质上来说，二者并没有较大的差异，都是基于人们生活开展的艺术创作模式，其主要表现在以下几点中：
戏剧表演以及影视表演在创作过程中都是要通过不同的艺术部门开展集体创作。戏剧表演在实践中要通过表演人员、化妆人员、服装道具人员、灯光以及音响等相关部门的系统协调才可以开展工作，只有这些部门的协同开展才可以充分地呈现其内涵。而影视表演在这些工作的基础之上还要进行后期的剪辑以及洗印等相关操作，才可以像观众呈现作为优质的影视座屏。也就是说在创作艺术上来说，二者均具有一定的综合性。
（二）演员自身的艺术创作能力具有一定的相似性。
在影视表演和戏剧表演中，对于表演人员的实际需求是大致相同的。演员在进行艺术创作过程中，不仅仅要通过自身的创作将其人物形象m行演绎，同时也要根据自身的实际需求、身体以及情感等相关内容作为主要的创作角色，只有这样才可以充分地诠释角色内容，对此在相关影视以及戏剧表演活动的开展过程中，其对于演员的实际训练需求是大致相同的：首先，就是要解放表演者的天性，充分的释放其内心，通过各种方式与途径使演员可以在舞台中充分的释放自己，进而快速地投入到各种特定的表演情景之中，全身心的开展表演活动；其次，就是通过各种元素训练的方式提升其综合素质能力，在实践中主要就是让演员充分的集中注意力，通过想象能力、信念以及自身的真情实感对其创作的情景进行感受，进而使演员可以充分地融入到表演之中；最后就是通过演员的观察，通过生活以及自身的亲身经历提升其内在的素养，然后在通过各种独幕戏、大戏的实际排练以及演出，提升演员的实践能力。
在电影演员以及舞台演员的培育过程中，都是通过各种行动练习、自我行动等方式开展，基于此基础在组织到相关角色以及任务的行动之中。在这整个过程中，戏剧表演以及影视表演都具有一定的互通性，其都是通过剧本中要表达的相关情感内容，通过自己的理解以及诠释对其进行表演。
在相关戏剧以及影视表演过程中，二者对于作品的诠释的相同之处就是具有一定的融合性，在其融合中充分的彰显其艺术价值。但是，戏剧表演和影视表演艺术之间具有一定的差异性，其主要就体现在不同艺术之间的个性差异，通过系统融合，互相弥补可以在根本上提升戏剧表演以及影视表演的.同步发展。
在实践中因为戏剧表演形式存在一定的限制性，其具体的表演以及观众的实际欣赏是同步开展的，也就是说在戏剧表演过程中观众是全程观看的，表演着自身的真实情绪状况、相关场景的实际呈现等相关因素都是基于观众的观赏状况之下直接呈现的，这也就是说观众对于戏剧表演的欣赏具有异性的直观性，可以直观地感受到演员的实际情绪变化，其与演员之间的交流也相对较多。
但是在影视表演之中，观众以及演员是存在空间差异的，影视表演并不是现场的，观众与演员并不处于相同的空间范围内，演员自身的情绪表达是通过一些技术手段的模式彰显的，同时，一部影视作品的拍摄以及播放是不具备连贯性的，在实践中一部影视作品可以是在其完成之后的多年之后才播出的，这种表演模式以及因素在影视以及戏剧两种表演模式中具有一定的差异性。
戏剧表演是一种传统的艺术表现形式，在实践中具有一定的夸张性，这种具有变异性的表演形式就决定了戏剧表演是源于生活的一种艺术形式。戏剧表演可以说是对人们生活实际状况的有效拓展以及放大，通过艺术的形式对生活进行深入地演绎。演员在进行戏剧表演过程中要提升对观众的重视，根据观众的实际感受，不断地调整自身的表演技巧以及模式，进而加强与观众的感情共鸣。
相对于戏剧表演形式来说，影视表演的演员的在进行表演过程中，对于观众的感受无需进行重视，因为其实际环境具有一定的真实性，对此其对于演员的表演有着严格的要求。也就是在实践的影视表演过程中，其对于演员表演的真实性以及生活化有着严格的要求。
结束语：
在表演艺术高速发展的今天，专业院校以及相关演艺事业工作人员要充分的了解戏剧表演以及影视表演创作的异同性，对于二者的内涵进行充分的了解，进而在根本上促进其长足发展。
参考文献：
[1]龚佳丽。从游戏训练到表演创作――基础训练课程在戏剧影视表演教学中的应用与研究[j]。戏剧之家，，（20）：203。
[3]杨立霞。影视动画表演艺术创作研究[d]。浙江师范大学，。
论文艺片及影视分析篇六
一、身体语言的概念及特性。
（一）身体语言的概念。
身体语言又称为肢体语言，从字面意义理解就是利用身体的肢体部位去做动作，而这些动作是如人语言一般可以用来交流的工具，如点头和摇头。它主要的作用是能够弥补语言表达在交流上的局限性。本文所探讨的身体语言是广义的肢体动作所产生的语言含义，包括面部表情在内的所有身体动作。与语言的最大区别是无声，最大的相似性就是可以将含义和感情表达出来。
（二）身体语言的特性。
1.伴随性。肢体动作是人生来就具有的行为，肢体的牵动是人自然的状态。追求真实，一直是喜剧表演的精髓，因此如何更好地将生活搬上舞台，成为艺术，肢体语言是一直处于伴随状态的。
2.意指性。身体语言可以像语言文字一样具有符号的能指和所指。在漫长的人类经验的积累基础上，肢体语言也具有了自己独特的固定的含义。比如脸部动作嘟嘴，表示生气；自我肢体动作鼓掌，代表高兴；互相性的动作摸头，表示安抚等等。这些约定俗成的肢体语言丰富了人类的表达。
二、身体语言对戏剧表演的重要作用。
（一）使戏剧表演形成节奏。表演艺术是行动的艺术，节奏是行动的灵魂。速度一般是指内外部动作的快慢，是节奏的构成部分和外在表现之一。节奏则是贯穿在表演过程中的一种交替出现的有规律的现象，一般指内外部动作的强弱、长短、张弛等。在表演艺术创作中，节奏是指人的精神的o张与松驰，包含内心节奏和外部节奏两个方面。而内心节奏和外部节奏都需要通过身体语言进行表现。
（二）丰富表演的情感表达。无声的“肢体语言”具有极强的情感冲击力。在戏剧表演过程中，演员表现人物，是在体验真实的基础之上体现的，身体语言是一直伴随的状态，为了更好地塑造人物，体现出其真实可感的内心世界，就需要合理利用身体语言。首先要控制好身体语言的张力，形成一种“此时无声胜有声”的效果，在极度伸展或极度收缩的肢体语言中感受演员的情感。
（三）与观众形成更完美的交流。戏剧表演最大的.特点就是与观众的紧密交流，这是需要身体语言的大力配合的。因戏剧表演舞台空间及表演形式的限制，人物的塑造是需要很多解说的，而与观众的交流如果加上很多身体语言，会有助于观众理解角色，同时达到交流的效果。
（一）身体语言的生活化处理。斯坦尼斯拉夫斯基认为：体验就是演员在角色性格和规定情境中让自己的自然本性有规律地展现的过程。为了更好地进行戏剧表演，演员是要在体验角色的基础之上进行创作，只有将角色真实的体验，找到其正确的语言形态，才可以体现出来。而这些语言形态就包括真实可感的身体语言，让大家直视生活中真实的“角色”。因此，在戏剧舞台上，演员的动作应该是进行生活化处理的，比如挑水、劈柴等等，在舞台空间需要虚拟的动作，都需要生活化处理。
（二）身体语言的戏剧化应用。戏剧表演是一门历史悠久的艺术，在特殊的表演形式约束下，让观众感受情感、感受思想、感受精神，这是戏剧能成为艺术的根本，因此戏剧舞台上的表演就应该将生活浓缩，进行戏剧化的表达。我们在戏剧舞台上可以看到很多“夸张”的肢体动作，如笑，必定要活蹦乱跳、前仰后合，这些并不是为了夸张而夸张，而是因为戏剧表演，要在一定的肢体动作认同的基础之上，进行艺术性创作的结果。
（三）身体语言节奏的处理。身体语言是节奏产生的一种方式，而对于内外节奏的产生，两者的关系中“停顿”是一种极特殊的状态。停顿不代表内心的停滞，恰恰相反，这正是由于人物的情感跌宕起伏，内心节奏达到顶点的体现，在表演创作中，合理地运用停顿往往会达到此时无声胜有声的艺术效果，并充满着对规定情境深刻、具体的感受与判断。因此，停顿是内外节奏成反比的最高表现形式，掌握好这种技巧对于塑造人物、表达人物内心世界是相当重要的。
戏剧表演是一项感染人、具有带动性的艺术形式，因此合理利用身体语言是达到表演中交流、思想沟通的重要渠道。同时，表演是一种具有节奏性的艺术，戏剧表演的节奏的产生需要通过肢体动作，我们需要合理地控制身体语言，更好地创新我们的戏剧表演。
参考文献：
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论文艺片及影视分析篇七
“浪漫主义”是指18世纪在欧洲兴起的文化与社会运动，并形成了浪漫主义思想体系。浪漫主义尝试建立理想世界，且不能有意识地分开精神和物质两个方面，在事物变革和人类进步方面直觉、想象和潜意识起到积极的作用。浪漫主义艺术的主要特征是：崇尚自然；偏爱异域风光和带有自然色彩的奇风异俗；偏爱幻想的主观世界，尤其是过去的怀旧情绪，并且善于用寓意和对比的手法、夸张和强烈的对照塑造形象。随之浪漫主义在文学、艺术领域传播开来，浪漫主义画家试图以风景画为手段来展示内心的浪漫主义理念和理想，并渴望将浪漫主义对美好自然的描绘变成社会现实，于是形成了一种以自然的浪漫主义理想为基础的风景园林设计的浪潮，最终在英国最早出现了具有浪漫主义特色的英国自然风景园林。其浪漫主义风景园林的特色：
1.注意保持自然要素的原真性及不同自然要素的相对独立型。使园内山坡、水体、植物等自然要素，保持本身的原生态，例如将之前规则的园路恢复成自然有机的园路系统，经改造后的园路与地形地貌细腻的结合在一起，曲折起伏；将规则的水池修复成弯曲的自然式湖岸，并巧用岸线形成由各种水生植物和水面组成的水景。
2.园林中加入异域情调的元素。例如加入许多中国的元素，借鉴许多中国园林的造景艺术手法，比如假山池沼的配合、亭台轩榭的巧妙布局、近景远景的层次等。
3.园林中加入中世纪田园牧歌的风光，设计中弥漫着一种野趣和怀旧的情绪。例如园林中建造出模仿中世纪风格的尖顶建筑与神庙样式的建筑，整体透着荒凉、忧郁的怀旧风格。
4.追求情感和画意的表达。例如园内的雕塑带有一定的实质含义，用富有寓意的手法来塑造其形象；园林内色彩丰富、色调饱满，比如利用鲜艳的花木与碧绿的植物行成对比，并搭配深浅不一的灌木丛和稀有的古木，使其连续协调、富有动感，整个风景充满绘画的张力和情感。
一、浪漫主义艺术影响下的当代校园景观设计中空间形态设计。
浪漫主义艺术在当代校园景观设计中空间形态设计的核心理念包括：崇尚自然，并主张尊重自然规律，保持自然山水的原真性和相对独立性；将校园景观当作一个整体来规划设计，让校园景观各组成部分视为不可分割的整体，并力求与周围的环境保持和谐；注重在这种设计中思想与内涵，并认为校园景观美好的生态自然环境在提高学生道德和身心健康水平中起到重要的作用；崇尚传统文化、历史文化、地域文化和多元文化，善于从过去的建筑传统和文化中吸收营养用于校园景观的设计。因此将浪漫主义在校园景观设计中空间形态特征，按形态分析法中结构和要素的分类概括如下。
（一）开放空间。
开放空间包括：广场、绿地、河流、坡地等自然或非自然空间。在空间形态设计中要尊重原始自然要素，保持本地地理、植被和动物的自然性和原真性，例如采用模糊掉僵硬的自然界线，建立类似公园化的景观和林荫大道来实现校园自然化；整体充满怀旧情绪、异域色彩，以及情感的倾泻；采用自然流线线形和不规则式的布局，追求“图画”品质。
（二）道路。
道路建设要顺应地势的起伏，与地形地貌细腻的结合在一起，尽量减少对场地的破坏。按照人的自然需求和审美需求来组织道路景观；强调道路景观的节奏与韵律以及连续性，最终形成兼备蜿蜒曲折形态和趣味盎然景观的道路。例如，郑州大学西亚斯国际学院中郑韩古城北面的石头小路，道路沿小山蜿蜒起伏，道路两旁零散的放着一些天然的大小石头，在缝隙里种植了大小不一、色彩不同的乔木、灌木和花卉，使得这条道路看似天成实则人工，又有浪漫主义的氛围。
（三）景观建筑。
景观建筑包括：亭子、廊架、喷泉、栅栏等。在空间形态设计中强调景观建筑与周围环境之间的关系，注意保持景观建筑和自然景观的搭配与和谐，并且从古代和现代的.中外景观中获取设计景观建筑的灵感，用景观建筑来唤起使用者的想象、激情，务必使师生无论站在哪个点上，眼前总是一幅完美的图画。
（四）土地利用。
增加土地利用的混合度，土地混合使用有利于提高各种资源和设施的利用率，提升使用者时间使用的丰富性，增加使用者交往机会和选择机会的多样性，从而丰富校园生活；以及增加土地利用的可持续性，在保留原有校园景观的同时，通过更新、复原、改建和再开发来延长景观的生命周期。
二、浪漫主义艺术的色彩在当代校园景观设计中的应用。
浪漫主义艺术的色彩特征：采用灿烂、饱满的色调，善于表现异域风光和带有自然色彩的奇风异俗。而色彩是物质属性之一，校园景观色彩是通过物质载体呈现的，色彩的物质载体可分为水体、植物、铺装、石景、小品、照明。浪漫主义艺术的色彩在当代校园景观设计的应用中需要考虑以下设计方法：
（一）以自然色彩为主调的方法。
从色彩的明度、色相、纯度三属性来分析，色彩明亮让人觉得轻快，色彩暗淡让人觉得沉重，纯色的、色度高或明度高的色彩有华丽感，如具有高纯度和高明度的牡丹、月季、榆叶梅、紫荆、石榴，还有偏紫褐色的植紫叶李等，在暗处显得朴素，但在光下显出富贵的古铜色。因此宽松的环境，经常采用浅色，而深色的松柏等植物是用来显示稳重端庄。植物群植时，要有深浅层次变化，上部颜色深和下部颜色浅，由于不稳定的视觉焦点会产生动态，显得活泼；相反上部颜色浅和下部颜色深，则显得稳重威严。同样自然色彩的应用，也影响到校园空间的大小和细节表现，植物色彩的明度高者，视之似大，明度低者，视之似小。在细节表现方面，反差大的色彩能给人明朗的感觉，相近的色彩组合则给人模糊的感觉。
（二）以人为色彩为主调的方法。
人为色彩主要包括：景观建筑色彩、道路色彩、景观小品及夜间灯光色彩。我们可以调节人为色彩与自然色彩，使其相互协调并营造出四季色彩丰富的校园景观色彩。景观建筑和景观小品色彩作为校园色彩的一部分，景观建筑及景观小品的色彩作为校园色彩的一部分，形成丰富的色彩和优雅的，充满个性，以起到锦上添花的效果。特别是在冬季自然色彩不足，丰富多彩的景观建筑及景观小品在校园环境中起到更重要的点缀作用。例如郑州大学西亚斯国际学院体育馆和游泳馆中央种植的假树——椰子树，营造出热带景观的效果来烘托运动气息，在冬季这片高大耸立的绿景更是让人眼前一亮，在景观中的配置别具一格。此外，还有造景色彩形态丰富的校园道路色彩，通过路面铺装来表现。路面铺装的色彩一般是衬托风景的背景，应该和植物、建筑等统一起来，进行综合设计。从色彩的感觉上来说，兴奋色铺装能够营造喧闹、热烈的气氛；沉静色铺装给人优雅、娴静之感；浅色调铺装轻松活泼；深色调铺装庄严肃穆，例如运动场地的铺装要选用纯度低的色彩，给人柔软、舒适、安全的感觉等。但是色彩之间的搭配也是非常重要，在搭配时要注意色彩按同一色调、近似色调、对比色调的调和。如在同一色调内，利用明度和色度的变化来达到调和，这时容易得到沉静的个性和气氛，也可以通过纹理的变化丰富空间环境降低单调感；在对比色调内，利用互补色来给环境增加活泼欢快的情调，并作为景观设计中的焦点位置来使用。在夜晚的景观环境中，路灯、广场照明、景观建筑立面照明、喷泉水池照明、植物照明等，各色各样的灯光和灯具交织在一起熠熠生辉，表现并强调独特的校园景观，精心设计的照明将整个校园映衬得美妙绝伦，使之成为一个色彩缤纷的世界，增强校园夜景景观照明的整体性，体现景观照明色彩的趣味性和韵律感。
三、浪漫主义艺术的情感因素在当代校园景观设计中的应用。
浪漫主义强调主观作用（人的精神、思想、想象、情感、直觉）。浪漫主义兴起之初，都源于一种“和过去不一样了”的怀旧情绪的诱发，其原因是人们对现实的深刻不满（地方感缺失、情感空虚焦虑、逐渐失去意义并变得令人不安的世界）。浪漫主义重视情感的作用，在校园景观设计中这种情感性表现为对景观的需求和渴望。情感性的真实景观包括：注重对传统和文化的尊重和延续；学生的积极参与和从实际的物质环境中汲取灵感；根据学生与校园景观情感性的交流和回馈，来进行校园的成长和进化。因此景观环境常常会通过特别的构筑物，如雕塑、浮雕景墙等，营造特殊的景观氛围，从而影响使用者的行为。只有当学生的情感受到尊重，并与校园景观环境获得交流互动的时候，学生才能获得人性的温情和关怀。例如景观小品、水体、植物、铺装、石景、照明等。其设计应该注意揉入地域及人文特色、社会实践功能、身心保健功能、审美功能以及潜在教育。优秀的景观能引导人在校园内进行定向、定位的行进，提供静谧、清幽之所（如小型的树林、花园、亭台水榭、步廊等），使人们在其间学习、思考、感悟；提供交流聚会的活动空问，使人们在其中进行知识的交流，产生思想的碰撞；提供多种个性化的空间，充分培养学生的个性发展等等。由于理性的校园景观规划丧失了人性的温情和关怀，校园景观在当代快速发展过程中出现了情感的缺失、精神的缺乏等问题。在校园景观设计中，浪漫主义者认为理性时代下的校园景观毫无情感和美感可言，所以设计师应坚持对使用者情感需求的关切，倡导以感性的方式来体会景观整体的意义，号召回归自我原真性状态，珍惜原始的情感，以获得真正的心灵上的沟通，做到天人合一。
四、结语。
综上所述，应结合浪漫主义艺术的各个方面在当代校园景观设计的运用中所呈现出的优势，来打造融入自然、别具心裁的、贴切人心的校园景观。
论文艺片及影视分析篇八
摘要：随着市场经济发展以及人们对精神文化需求的变化，近年来我国影视教育专业得到人们广泛关注。同时激烈的行业竞争使得演员不得不提高对自身要求，在掌握影视表演基础上，进一步加强对形体训练重视。在整个表演艺术中，形体训练是最为基础的部分，具有非常重要的作用。通过加强对演员形体训练可以进一步提高其对人物的深入刻画，更加容易引起受众的关注与认可。同时通过加强对演员形体训练可以使其具有良好的形体素质以及可以进行传情达意的形态表演，这样才能更好的诠释作品，展示出作者索要表达的思想感情以及主题。本文从现阶段形体动作教学在影视表演中普遍存在的问题进行分析，进而指出加强形体动作教学和影视表演结合的有效措施。
关键词：形体动作教学；影视表演；结合；问题；措施。
一、引言。
影视表演艺术就是演员在摄像机或是摄影机前进行人物创作，从而在变现在屏幕上的一种表演艺术。在整个艺术创作过程中，演员必须根据作家提供的剧本，根据导演的指导和要求，通过自身的形体动作进行人物特点以及心理活动的刻画。因此形体语言也成为影视表演的重要手段。演员通过多种形体动作进行人物形象的刻画，使其具有鲜明特征，引起观众注意力，同时加深观众对人物的印象与理解。
二、现阶段，形体动作教学在影视表演中存在的问题。
现阶段，我国很多专业艺术院校都会通过戏曲动作或是舞蹈等形式对学生形体进行全面许梿。通过多种科学合理的训练方式进一步提高学生肢体柔韧程度以及动作协调能力等，这样可以使得学生身体素质得到很大提升。同时学生可以充分利用外部技能训练进一步掌握更多形体动作表演技巧。虽然学生通过大量训练逐步提高自身形体动作能力和技巧，但是很多学生缺乏实践操作能力，无法将这些能力进行充分运用。导致这一问题的重要因素就是教师在日常教学、训练过程中，只是一味注重对学生形体动作进行大量训练，忽视引导学生将形体训练与影视表演进行有效融合，造成二者之间缺乏有效衔接。同时教师在教学过程中忽视树立学生创新精神，学生未能对形体动作进行有效创新与发展，造成形体动作能力得不到有效发挥。
三、加强形体动作教学与影视表演结合的有效措施。
（一）充分借鉴和利用戏曲程式化表演的表现方式和手段。
戏曲对生活变现形式的反应被称为戏曲城市化。戏曲程式化主要是对生活中对动作的边艳华、舞蹈化以及规范化，同时进行反复使用。戏曲程式化最为直接的变现形式和手段就是加强对演员形体的塑造。在实际运用过程中，教师可以加强对戏曲基本手势以及基本步态进行仔细研究和总结，对学生进行大量训练。鉴于戏剧本身起承转合的韵律特点，教师一定要引导学生加强对潜在造型意识的学习与掌握，从而为形体动作与影视表演的有效结合提供有利条件。同时教师一定要引导学生注重戏曲创造形象表現力的重视和掌握。对戏曲程式化的.规律以及其蕴含戏曲形象本身的思想感情进行学习与借鉴。
（二）设计符合角色的形体动作。
1.遵循科学、规律的训练方法。在日常形体训练过程中，教师一定要根据学生的实际情况和能力差异，采取有针对性的训练方案。同时要根据人体结构的特点制定科学、规律的训练技术。在整个形体基础训练过程中，一定要保证肌肉张弛、松紧的科学性。根据训练阶段的特点采取阶段性训练方案，进一步提高形体训练的效果和质量。
2.掌握表演艺术。在整个表演艺术中模拟是最为基础的部分，教师在开展形体训练课程时，可以先引导加强动物与人的观察与分析，掌握其感觉感官，结合自身的经验，将自己的亲身感受通过肢体动作进行全面展示，这样可进一步提高学生模仿能力，同时加强学生对人物刻画，使其具有更加鲜明的个性特征。
3.形体感受、想象、表现的联系。在日常形体动作训练过程中，为了进一步提高学生对人物心理掌握与刻画，以及通过形体表演展示人物心理活动的能力，教师可以借助先进的科学手段，通过各种声音或是情境渲染使得学生犹如身临其境，通过自身最为直接的表现体现出对人物心理活动的摸索与展示。通过这样的方式可以进一步提高学生的想象力以及创造能力，同时使得学生可以将自身的形体动作与表演进行有效融合，从而帮助学生刻画鲜明的人物形象，进一步表达出作者的思想感情和主题，从而引起观众的情感共鸣。
四、结语。
综上所述，为了更加有效提高学生的才能表现，提升其综合实力，教师一定要加强对形体动作教学的重视，使其更好的与影视表演时间进行科学融合，从而帮助学生实现形体智能全面发展，进一步提高学生的综合能力。在开展日常形体实际训练过程中，教师一定要根据自身的教学经验以及学生实际情况和需求制定详细系统的训练方案和计划，循序渐进，逐步提升。同时教师要大力借鉴国内外先进的教学模式和训练方法与自身教学经验进行有效结合，弥补自身教学过程中存在的问题与缺陷，创造出具有自身鲜明特点的教学模式，从而有效提高教学效果和质量，为学生形体训练提供有利条件。学校方面一定要加强对形体动作教育与影视表演的重视，加大资金投入力度，完善相关基础设施建设，为教师教学提供相应的物质保障。
参考文献：
[1]王清金.浅析形体动作教学与影视表演实践[j].大舞台，（08）.
[2]刘雪梅.浅谈影视表演专业形体教学中的形表结合[j].艺术科技，（12）.
论文艺片及影视分析篇九
在《电影学原理》一书中曾经提到，是古希腊哲学家亚里士多德“第一次在艺术理论层面意义上使用了艺术媒介这个范畴；亚里士多德没有对艺术媒介这个范畴进行形而上的定义，但已经隐含了艺术媒介构成各门类艺术之间的区别的思想萌芽”。除亚里士多德之外，莱辛也在其着作《拉奥孔》当中论述了关于艺术媒介的“符号化”定义。
其实，《电影学原理》中早就通过严谨的求证和推论，为我们提供了艺术媒介的定义。艺术媒介，“即艺术的表现媒介，是存在于艺术作品中的一种抽象的形式表现，是艺术材料在艺术作品中的感性呈现，是某种具体类别的艺术作品的全体对象所构成的集合的总特征”。电影艺术的媒介是“运动的声画影像”，戏剧艺术的媒介是“语言和外部形体动作”。艺术材料即艺术作品是由什么物质材料构成的。稍微宽泛一点的定义是：艺术材料是指用于艺术创作的物质材料。艺术材料是艺术媒介的物质载体，艺术媒介要通过艺术材料才能得到体现。从表演的角度来讲，无论是戏剧艺术还是电影艺术，期间有一种艺术材料是共同作用于两种艺术形式的，那就是演员本身。
论文艺片及影视分析篇十
艺术媒介决定论”是电影学原理四大基本内容的第一要义。它的核心思想是两个层次：第一个层次，各门类艺术以各自的表现媒介形成根本区别，电影艺术的表现媒介是“运动的声画影像”;第二个层次，艺术媒介的特性决定了各门类艺术的根本任务和根本创作方法。
电影表演和戏剧表演在创作思路和方法上一脉相承，有很多相同点，但又有各自的特点，因为电影与戏剧这两种艺术形式在艺术特点以及美学方面的艺术评定标准不一样。
一、艺术媒介与艺术材料。
在《电影学原理》一书中曾经提到，是古希腊哲学家亚里士多德“第一次在艺术理论层面意义上使用了艺术媒介这个范畴；亚里士多德没有对艺术媒介这个范畴进行形而上的定义，但已经隐含了艺术媒介构成各门类艺术之间的区别的思想萌芽”.除亚里士多德之外，莱辛也在其着作《拉奥孔》当中论述了关于艺术媒介的“符号化”定义。
其实，《电影学原理》中早就通过严谨的求证和推论，为我们提供了艺术媒介的定义。艺术媒介，“即艺术的表现媒介，是存在于艺术作品中的一种抽象的形式表现，是艺术材料在艺术作品中的感性呈现，是某种具体类别的艺术作品的全体对象所构成的集合的总特征”.电影艺术的媒介是“运动的声画影像”,戏剧艺术的.媒介是“语言和外部形体动作”.艺术材料即艺术作品是由什么物质材料构成的。稍微宽泛一点的定义是：艺术材料是指用于艺术创作的物质材料。艺术材料是艺术媒介的物质载体，艺术媒介要通过艺术材料才能得到体现。从表演的角度来讲，无论是戏剧艺术还是电影艺术，期间有一种艺术材料是共同作用于两种艺术形式的，那就是演员本身。
戏剧与影视本来就是一脉相承的，在其中演员都充当着三方面的作用，作为创作主体的同时还具备工具材料以及被创作对象的作用，剧本提供的人物形象的创作通过表演这个过程来进行表现，创作过程也结合了演员本人的一些个人感情与个人气质，也就是所谓的三位一体，无论是哪一种形式的表演，演员都同时充当着“创造者”“创作素材”以及“表演的最终呈现者”三个角色。
对于演员的培养来说，不管是影视还是戏剧都必须注重基本的素质训练，只有功底扎实了才能走得更远。对于技巧方面的培养来说，现在有一种类似于“无为而治”的观点，认为将生活中的人物原型搬到屏幕或舞台上来就行，不要刻意对演员进行技巧培训。虽然现在流行的一种对演员成功判读的标准很正确，即一个成功的演员创作的人物形象往往会让观众忽略了他是在演戏，并高度评价这种演员的表演水平。然而，不能说他们的演技与表演本身无关，这种说法是对演员的不尊重，而且违背了哲学原理，错把对自然的真实反映当成自然了。
在《电影表演基础研究》一书中，着名影视研究学者齐士龙先生强调了组织行动对于表演技巧的重要性。因为在表演艺术创作过程中，组织行动贯穿始终，从被动的培养到自我组织表演，最后到完整的组织人物角色扮演。
除此之外，台词的创作也不能局限于剧本，而是应该随着表演艺术创作过程的进行不断更新，融合自己的情感创作出更有感染力的台词，甚至整个作品。在表演过程中时刻记住“行动三要素”--做什么、为什么做、怎么做。而对于我们要研究的表演艺术，节奏的影响同样存在。这里的节奏即剧本本身的角色在剧情中的节奏和演员表演过程中表现出来的节奏。前者需要演员整体把握演出角色的节奏，对于后者演员在表演的时候就应该处理好表现的力度和展现角色速度的问题。因为演员在表演创作过程中表现出来的肢体语言的幅度大小、频率、快慢都是一个固有的节奏，节奏掌握得越好，表现效果也就相应地越好。
由此可见，节奏包括演员内心和肢体方面的动作强弱、持续时间等，它体现在整个表演艺术创作的全过程中。不管是戏剧还是影视艺术作品，剧本塑造的人物个性以及各角色之间的关系，和剧本叙事的进展共同构成了作品的整体节奏，体现着作品的发展速度。一个好的作品总是节奏抑扬顿挫，长短交替，动作表现强弱恰当结合，这些节奏与人物的表演共同构成了作品的有机的节奏感受。节奏可以说是一部作品的生命力的体现。
三、结论。
从理论上讲，任何一种物质材料都可以用于艺术创作，从而进入艺术材料的范畴，但是演员作为两种艺术形式所共有的艺术材料，我个人认为，有必要在“表演”层面上简单论述一下“艺术媒介决定论”思想在引领我们进入艺术世界时的重要作用。也正是因为有了“艺术媒介决定论”思想，才使得表演在两种艺术形式当中的作用日渐重要起来。
参考文献：
[1]徐平，常莉.演员艺术语言基本技巧[m].北京：文化艺术出版社，.
[2]梁伯龙，李月.戏剧表演基础[m].北京：中国戏剧出版社，.
论文艺片及影视分析篇十一
戏剧表演与影视表演同属于表演艺术的范畴，有着许多共同与相似之处，但根据其体裁及内容形式的不同又具有各自的特点，近年来我国在表演艺术方面的发展非常快，尤其是影视表演更是形成了一种不可阻挡之势，但从根本上来看，影视表演里总脱离不了戏剧表演的影子，所以说这两种表演既有个性，又有共性，密不可分。
1、表演形式不同。我们所看到的影视表演是需要导演进行前期的制作完成后才展现到观众面前的，也就是说作为演员他们在导演为他们创设的环境中用自己的身体语言或情感表述来进行各种材料、剧本、艺术的创作，然后再经过一系列的剧目设计和制作才能通过电视屏幕或电影银幕来和广大观众见面，而这时也才具有社会价值，而對于一些纪实类等等的剧本，要求演员的表演方式要与实际生活相结合，不能夸张、造作，要做到剧情与神情的一致性，做到表演艺术真实化，让观众能有身临其境的感觉。
而戏剧表演则与影视表演不同，它是一种真实的演出，是用自己真实的动作、声音、感情来进行的舞台表演，可与达到与观众进行直接沟通的目的，所以戏剧表演比影视表演更具有表演价值，因为戏剧表演是直接表演给观众看的，不容许有任何的失误，还要照顾到全场观众的视野范围与视听效果，所以台下的功夫一定要到家，否则就会产生失误，给观众留下不好的印象，而且戏剧表演也不能像影视表演一样，如果没演好可以掐了再制作，戏剧表演是不可再重复的。
2、表演时间长短及间隔不同。影视表演在时间的要求上不是特别的严格，据说一部大型的电视连续剧可以跨越好多年才能制作完成，而且也不受连续性的限制，比如说在进行影视制作时，可以根据演员的要求，先进行后期的制作，或者一个场景可以进行反复的拍摄，一个镜头或许要进行多次的试镜，对于人物的演绎更是可以跳跃式的进行，当然这也给演员们提出了更高的要求，作为影视表演艺术家必须要对人物角色进行深入的了解和分析，只有这样才能在拍摄时很快的进行角色，合理的把握住整个剧情的发展，淡然的面对剧本中各种人物关系的复杂性，做到影视表演胸有成竹。
戏剧表演在时间的要求是就比较的苛刻，因为戏剧本身就是一种舞台剧，是与观众直接沟通的剧目，所以在时间的安排上不可能几天几夜，而是要进行精编、细演，即使出现人物年龄跨度大的.剧情，也是一种循序渐进的过程，所以在戏剧表演中，所有的剧情发展都是有时间次序的，人物角色的变化也是连续性的，只要演员在对剧本进行深入演绎的基础上把人物的个性特点、层次关系进行合理衔接与展现就可以了。
1、两者都是一门表演艺术。戏剧表演与影视表演都是一种表演的艺术，都是为了给人们的生活添加乐趣和色彩的，他们都需要有剧本、剧情，需要进行创作，而且还必须要拥有自己的创作室，其中包括音响、灯光、摄影、化妆等等各个部门的通力配合，只是影视艺术最后还要进行剪辑、整理等等环节，但从总体上看，这两者是属于一门综合艺术，是为满足观众们的精神需要而创设的。
2、演员表演的目的相同。作为表演艺术家，他们都拥有一个共同的目的，那就是为人民群众创作出一个个鲜活、有力的人物形象，给大家在紧张的工作之余以放松感，让大家能欣赏到别具一格的优秀作品，所以演员的表演都是具有美感的，他们会用各种方式来进行角色的创作，或浓妆艳抹、或蓬头垢面，用自己的肢体语言及形象刻画来对生活进行诠释，对角色进行演绎，让观众通过观看感同深受、久久难忘。
3、演员的训练要求是统一的。台上三分钟，台下三年功，不论是戏剧演员还是影视演员，他们的表演训练过程都是一致的，都在充当着“三位一体”的角色，可以说演员在整个的表演过程中是最为重要的，既是创作的主体，又是创作的道具，更是通过他们的表演来完成创作的对象，要想让剧情能打动观众，能深入人心，演员必须要用自己独特的造型艺术来活化形象，征服观众，用他们高强度训练的结果和纤细的情感来对每一个角色进行合理的塑造，把每个人物都演化的有血、有肉、有灵性，给观众留下深刻的印象。
4、演员表达方式是一致的。虽然演员的表演方式是丰富多彩的，但最终所表达出来的思想却是一致的，也就是说不管用什么方式进行人物的刻画与表演，都要以真实性和生活化为目的，能让人们从表演中去感悟生活，领悟人生，因为自古以来，最真实的表演才是最动人的，最自然的表演才是最具有生活气息的，如果脱离了生活，就等于脱离了群众，没有群众的拥护，表演艺术就没有任何的价值和意义，所以，能得到观众追捧的演员一定是在表演艺术上更能贴近生活，贴近人心的，而这一点不论是对戏剧表演还是影视表演而言都是一致的，也只有能把作品赋予生命活力的演员才是合格的演员。
三、结束语。
总而言之，戏剧表演与影视表演已经深入到人们的日常生活当中，成为人们茶余饭后寻找一点精神放松和解脱的方式，虽然这两者具有很大的区别，但从根本意义上讲，两者却是互通的，是相互联系的，都是为广大观众服务的，都是想通过真实化、生活化的艺术表演来给人们快节奏的生活舒缓压力，让大家得到心情的减压，得到美的享受，只要这些表演艺术家尽自己最大的努力去进行每一个人物的塑造及刻画，就一定能成为实力派的演员，就一定能拥有更多的粉丝，能给人们带去更多的快乐和感动。
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论文艺片及影视分析篇十二
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[4]相彬:浅析当代影视中的戏曲名著改编[d].中国海洋大学,2011.
论文艺片及影视分析篇十三
为了是戏剧表演专业更好发展，应加强专业定位的针对性，为此，要全面进行社会调研，清楚的知道社会需要怎样的戏剧表演人才，深入了解社会对戏剧表演人才的要求与需求后，本着培养专业人才的理念，突出戏剧表演专业的专业特色，进行合理的调整和定位。比如说，要从原有的精英教育模式转变为社会所需求的、有较强社会适应性的教育模式。
首先，应进一步提高专业理论知识课程的要求，积极借鉴国际先进理论，结合我国的发展实际，不断探讨与研究戏剧表演的发展规律与发展方向。其次，在扎实的理论知识的基础上，结合市场的要求，在课程设置上实行多元化选择，以表演技能为重点；结合时代要求，适当增加企业文化建设技能、科技传播技能等课程。
（二）科学招生计划以提高招生的规划性。
戏剧表演专业的招生计划直接影响到戏剧表演专业人才的培养质量。戏剧表演专业注重的是学生的想象力和创造力，这是学生表演天赋的重要基础，是文化成绩无法衡量出来的。而学习戏剧表演的学生因为要投入很多始时间与精力来进行专业训练，势必影响文化课的学习，因此，学校应科学规划招生计划，对专业技能突出的学生可实行灵活的录取政策。各高校的戏剧表演专业要保证专业人才培养质量的前提下，科学制定招生计划。在专业课的考察方面要就可能的完善，要考虑到四个方面，一是台词，二是声乐，三是表演，四是形体。
（三）完善课程设置以提高课程的时代性。
要本着课程有助于提高戏剧表演专业学生的。素养的态度，提升学生的社会竞争力，将教学课程合理分配。课程设置可以灵活多样，在课程设置上要考虑课程的连贯性完整性和系统性。在专业课的设置方面，要在保证学生能够系统的接受教育的基础上，为学生提供更多的专业课程选择，使学生能够在理论教学中不断完善自己，同时在专业技能训练上更有针对性。
（四）提升师资素养以增强师资的专业性。
教师对戏剧表演专业的重要性不言而喻，戏剧表演专业的师资素养直接影响到教育教学质量。因此要不断提高师资素养，让戏剧表演专业的教师接受专业的、系统的培养从而提高自己的职业素养，多出去学习，多出去交流，使自己所掌握的专业知识和专业技能尽可能的全面而丰富。同时，学校可通过制定优惠政策来吸引一些在戏剧表演专业突出的人才来任教，这样可以让学生在戏剧表演专业技能方面获得领域内的高水平指导，学校也可以逐渐形成自己的特色专业技能课程，从而提高学校戏剧表演专业的地位。与此同时，要建立一个戏剧表演专业的完善的团队，在教学专业发展实现创新，使得教学结构，师资队伍得以优化。
（五）加强就业指导以强化就业的适用性。
长期以来，我国的戏剧表演专业过于注重专业课程的教育，很少考虑学生毕业后的职业发展与择业要求，因此在就业指导方面一直比较欠缺。为了使戏剧表演专业的毕业生更好的适应文化产业化发展的要求，学校应在教学有计划的融入就业指导教育，在课程的讲授过程中，适时引入文化市场发展状况并进行分析，让学生了解当前的社会现状，使学生清楚的认识到戏剧表演专业的就业前景。老师可以通过有目的性的讨论，让学生通过讨论来理清就业思路，清楚自己要做什么，要怎么做，而不是到了毕业前夕还“不知所措，茫然无奈”。学校可在每个学期都有计划的进行就业指导，同时鼓励学生在假期期间进行社会实践，从而积累实际经验，进一步清晰自己的职业理想，清楚知道自己要向哪方面发展，应该怎么努力。
论文艺片及影视分析篇十四
[摘要]影视动画中的表演，是一种区别于影视(戏剧)表演的特殊艺术形式，它主要由两个重要的方面组成：一是动画借鉴影视(戏剧)的“影视性”表演，二是角色表现动画的“动画性”表演。前者是动画表演不可忽视的重要因素，后者则是动画表演的灵魂和根本所在，，其创作主要通过动画人物设定、画面分镜台本和动画角色带有动画性的表演来实现。
引言。
动画，作为一个具有巨大发展潜力的产业正在日益崛起，且延伸到现代社会人们日常生活的各个领域之中：影院动画、电视动画、网络动画、游戏动画、建筑动画、手机动画等等。影院动画、电视动画，及部分网络动画等都属于影视动画的范畴，在探讨影视动画创作时，不可回避的会遇到一个重要命题――表演，影视动画表演!
商业动画公司投入大量资金制作影视动画作品，最终目的是为了获得更大的经济利润。而实现这一点，前提是要有消费者愿意花钱去看这些作品。如何让这些作品做到好看、耐看、值得看，这就要依靠动画角色的”表演”了。首先，通过导演所设计的动画角色生动个性的表演，如人物的形象、角色的动作和语言，以此来吸引观众，引起观众的共鸣，进而引发观众的思考。其次，表演的核心是实现演员与观众的互动，对应到影视动画中，就是动画角色与动画观众的之间互动，即思想、意识、情感与观念之间的交流。
影视动画表演既要有影视性的表演(重要因素)，也要有动画性的表演(灵魂)。前者是与影视(戏剧)表演较为相似的方面。
(1)影视性表演。
影视动画的表演归根到底还是为了叙述故事，依赖的仍是画面和声音，即视听元素。如果创作者掌握不好影视基本的视觉如景别、机位、视角、构图、照明、色彩、运动及轴线，听觉如对白、音乐及音效等对于作品连贯与节奏的营造，就会导致影视动画作品视听语言单调而缺少变化。自然也就不能“控制住”观众观赏时的“呼吸”，使观众被吸引在影视动画作品的情节发展中，更不能给观众带来强烈的视听冲击。没有动画角色类似实拍影视中演员的真实、鲜活、个性的表演，以及对此表演恰当的影视化视听表现，会让观众的观赏期待落空，并失去对动画作品的观赏兴趣。因此，动画的影视性表演是影视动画表演不可缺少的重要组成部分。
(2)动画性表演。
影视动画的动画性表演，是要通过动画人物角色的动作和语言来展示与实现的。动画角色的动作设计来源于对角色性格的透彻理解与运动时间的；隹确控制。对时间的把握和控制，是动作表演真实性的灵魂所在。而角色在动作表演中所产生出来的质量感，是赋予动画角色真实生命力和存在说服力的关键。动画人物角色的语言表演主要通过配音实现，因此，配音也是影视动画表演的重要因素之一。
一个合格的动画导演，必须具有驾驭以上两种表演的能力，两者缺一不可。今敏和宫崎骏都是当代日本的著名动画导演，他们在影视动画的表演上都有自己的建树与成就。
今敏的强项就是动画的影视性表演，强调的是动画的影视节奏，即机位、构图、景别、色彩、光效等。他所设计的画面分镜台本极其的细致准确，以致于后来公映的成片和他所绘制的画面分镜台本几乎没有什么出入。据说他在创作动画片《红辣椒》时，就曾花费了一年半的时间来构思和绘制该片的画面分镜台本。当然，他也很重视配音及其所产生的效果。
而宫崎骏的侧重点在于动画角色带有动画性的表演，他对动画时间的把握和由角色内心所引起的外化动作的表演把握得十分到位。在保证角色动作流畅的同时，他非常注重角色的动作所反映出的性格和情绪。其动画角色人物的动作都是经过精心设计过的，要求动作的设计既要真实使观众信服、产生共鸣，又要有所夸张，体现动画角色动画性的表演。
二、影视动画表演的创作方法与流程步骤。
在动画创作过程中，前期创意阶段对于动画表演起着主要的影响作用。前期创意要确定动画作品的美术风格，人物、场景和道具的设定以及画面分镜台本的设计。动画的美术风格、场景和道具设计，尤其是人物设定为后面动画角色的动画性表演打下了基础；而画面分镜台本的设计则直接为动画的影视性表演来服务。
(1)动画人物设定。
动画的美术风格主要体现在动画场景设计上，而动画人物设定则是动画表演的前提和基础。如果你的动画人物设定是随意、草率的，没有经过反复推敲，那么你的动画角色将极可能会是“纸片人”似的没有性格、没有情绪。将来你设计的人物在表演的时候，即使动作再真实、再流畅，也不会为观众所认可并产生共鸣。动画表演不同于真人表演，它是“画”或“做”出来的角色在表演。因此，首先要使人物变得鲜活，要赋予其性格和情绪，使其成为一个“活生生的人”。
(2)画面分镜台本。
好的画面分镜头台本，是动画表演关键性的一步，这要求创作者巧妙地运用视听语言元素来“讲故事”。
如何创作出好的画面分镜头台本呢?
(3)动画角色表演。
动画角色表演是动画表演的创意关键与直观反映。有了满意的动画角色，就需要解决其如何“表演”的问题了。
与电影真人表演不同，动画角色和形象是“画”或“做”出来的，所以首先要解决其“动起来”、“动得对”的问题，即角色的动作要符合基本的运动规律，动作要流畅自然。在此基础上，就可进入动画表演的核心――动画角色的动画性表演。将这种动画性很好地表现出来则需要动画角色带有夸张性的表演，即通过丰富的表情和夸张的动作来塑造动画角色的性格和情绪。除了在动画角色的造型上设计的夸张外，还需要下大工夫在其动作设计和人物表情上。当然，动画的时间掌握就显得尤为重要。通过对时间的掌握和控制可以很好地表现人物的性格和情绪、人物动作的力度和物体的质感。利用对时间、张数、间隔距离、速率之间的调控，可以控制好动画角色表演的节奏。
需要注意的是，夸张并不意味着角色动作幅度的无限放大，而是经过反复推敲之后所挑选出来的能够精彩传递角色性格、情绪的.动作。这才是动画角色表演的精髓。
下面，以动画片《名侦探柯南》和《幽灵公主为例进行影视动画表演创作的分析。
系列动画片《柯南》是风靡日本、东亚乃至全世界的经典动漫作品，其成功之处甚多，在此仅从动画“影视性”表演与“动画性”表演方面进行阐述：
首先，人物设定：主角江户川・柯南名字的来源是著名的推理小说家江户川・乱步和柯南・道尔的“结合体”。性格正直、冷静，给人的感觉是外冷内热。其次，道具设定：阿笠博士发明了许多经典的道具，方便他破案，例如：变声蝴蝶结可以模仿声音，这就有了“沉睡的小五郎”，而追踪眼镜则可以对目标进行定位追踪。第三，台词和动作设定：柯南有很多的经典动作、姿势和经典台词。例如：他在说经典台词“真相只有一个”时的动作，在每部剧场版的片头都有出现。还有，他从皮带里“挤出”一个足球，然后踢向犯人等。
作者青山刚昌在进行人物设定时把主角定成七岁的柯南，重要的一点就是柯南比工藤新一更适合动画表演。柯南是小孩，动作可以夸张变形的幅度要远大于接近成人的工藤新一，适合更自然地进行夸张的、非常态的表演。而成人非常态的表演则会让人感到十分的不自然。另外一个原因是柯南可以让小朋友们更爱看，而让工藤新一作为“幕后主角”则会吸引青、中年观众，扩大了受众的范围。
以《柯南》剧场版《水平线上的阴谋》中的片段为例。影片开头有三个相连的镜头：镜头一是八代英人(人名)坐在车上用手拉安全带，镜头二是俯拍移镜头，在山路上移到一个冒烟的地方，镜头三是从冒烟的地方往下移到一辆坠落山下的轿车。通过这三个镜头，巧妙地完成了时空的跳跃。我们知道是刚才那辆车坠落山下，无需再“表演”这辆车是怎么坠落的。镜头之间的衔接产生时空跳跃，这种跳跃是完全合情合理的。接下来的镜头是一个慢推镜头，推向这辆轿车里挂着的一个装饰物，而此时我们还不知道这一装饰物代表什么意思，但是下一个镜头马上就揭示了答案。通过这一装饰物转场，转到一艘大客轮的甲板上(印着上个镜头出现的装饰物)。很巧妙地完成了跨时空的转场：一个是半年前、山上，一个是现在、海上的大客轮。影视语言在这里得到了智慧的运用。
而宫崎骏导演的动画片《幽灵公主》开头的一个片段完美地体现了动画性表演。男主角在塔楼上射出箭的一瞬间，导演安排了一帧整体膨胀效果的画。箭的变形，很好地外化表现出当时男主角的心情。这一帧的加入就使得整个动作“活”了起来。动画角色表演所体现出来的动画性，也就被很好地表现了出来。同时，这一动作有了预知性。虽然真实情况下箭是不可能变形的，但在这里，这一帧对动画角色表演所产生的影响是显著的。
四、结语。
做好一部影视动画作品，重要且关键的一步就是要解决好动画表演的问题。
运用影视意识和影视思维来设计和安排剧情!通过画面分镜头台本的设计使动画的戏剧冲突加强、故事情节流畅，增强影视性!而借助对时间、张数、间隔距离、速率之间的调整来控制动画角色表演的节奏，提高动画性这些都是需要动画创作者们细细考虑并学习的，只有彻底地理解和运用它们，才能够创作出既富有艺术个性，又为广大观众喜闻乐见的影视动画作品。
论文艺片及影视分析篇十五
1、表演形式不同。我们所看到的影视表演是需要导演进行前期的制作完成后才展现到观众面前的，也就是说作为演员他们在导演为他们创设的环境中用自己的身体语言或情感表述来进行各种材料、剧本、艺术的创作，然后再经过一系列的剧目设计和制作才能通过电视屏幕或电影银幕来和广大观众见面，而这时也才具有社会价值，而對于一些纪实类等等的剧本，要求演员的表演方式要与实际生活相结合，不能夸张、造作，要做到剧情与神情的一致性，做到表演艺术真实化，让观众能有身临其境的感觉。
而戏剧表演则与影视表演不同，它是一种真实的演出，是用自己真实的动作、声音、感情来进行的舞台表演，可与达到与观众进行直接沟通的目的，所以戏剧表演比影视表演更具有表演价值，因为戏剧表演是直接表演给观众看的，不容许有任何的失误，还要照顾到全场观众的视野范围与视听效果，所以台下的功夫一定要到家，否则就会产生失误，给观众留下不好的印象，而且戏剧表演也不能像影视表演一样，如果没演好可以掐了再制作，戏剧表演是不可再重复的。
2、表演时间长短及间隔不同。影视表演在时间的要求上不是特别的严格，据说一部大型的电视连续剧可以跨越好多年才能制作完成，而且也不受连续性的限制，比如说在进行影视制作时，可以根据演员的要求，先进行后期的制作，或者一个场景可以进行反复的拍摄，一个镜头或许要进行多次的试镜，对于人物的演绎更是可以跳跃式的进行，当然这也给演员们提出了更高的要求，作为影视表演艺术家必须要对人物角色进行深入的了解和分析，只有这样才能在拍摄时很快的进行角色，合理的把握住整个剧情的发展，淡然的面对剧本中各种人物关系的复杂性，做到影视表演胸有成竹。
戏剧表演在时间的要求是就比较的苛刻，因为戏剧本身就是一种舞台剧，是与观众直接沟通的剧目，所以在时间的安排上不可能几天几夜，而是要进行精编、细演，即使出现人物年龄跨度大的剧情，也是一种循序渐进的过程，所以在戏剧表演中，所有的剧情发展都是有时间次序的，人物角色的变化也是连续性的，只要演员在对剧本进行深入演绎的基础上把人物的个性特点、层次关系进行合理衔接与展现就可以了。
1、两者都是一门表演艺术。戏剧表演与影视表演都是一种表演的艺术，都是为了给人们的生活添加乐趣和色彩的，他们都需要有剧本、剧情，需要进行创作，而且还必须要拥有自己的创作室，其中包括音响、灯光、摄影、化妆等等各个部门的通力配合，只是影视艺术最后还要进行剪辑、整理等等环节，但从总体上看，这两者是属于一门综合艺术，是为满足观众们的精神需要而创设的。
2、演员表演的目的相同。作为表演艺术家，他们都拥有一个共同的目的，那就是为人民群众创作出一个个鲜活、有力的人物形象，给大家在紧张的工作之余以放松感，让大家能欣赏到别具一格的优秀作品，所以演员的表演都是具有美感的，他们会用各种方式来进行角色的创作，或浓妆艳抹、或蓬头垢面，用自己的肢体语言及形象刻画来对生活进行诠释，对角色进行演绎，让观众通过观看感同深受、久久难忘。
3、演员的训练要求是统一的。台上三分钟，台下三年功，不论是戏剧演员还是影视演员，他们的表演训练过程都是一致的，都在充当着“三位一体”的角色，可以说演员在整个的表演过程中是最为重要的，既是创作的主体，又是创作的道具，更是通过他们的表演来完成创作的对象，要想让剧情能打动观众，能深入人心，演员必须要用自己独特的造型艺术来活化形象，征服观众，用他们高强度训练的结果和纤细的情感来对每一个角色进行合理的塑造，把每个人物都演化的有血、有肉、有灵性，给观众留下深刻的'印象。
4、演员表达方式是一致的。虽然演员的表演方式是丰富多彩的，但最终所表达出来的思想却是一致的，也就是说不管用什么方式进行人物的刻画与表演，都要以真实性和生活化为目的，能让人们从表演中去感悟生活，领悟人生，因为自古以来，最真实的表演才是最动人的，最自然的表演才是最具有生活气息的，如果脱离了生活，就等于脱离了群众，没有群众的拥护，表演艺术就没有任何的价值和意义，所以，能得到观众追捧的演员一定是在表演艺术上更能贴近生活，贴近人心的，而这一点不论是对戏剧表演还是影视表演而言都是一致的，也只有能把作品赋予生命活力的演员才是合格的演员。
三、结束语。
总而言之，戏剧表演与影视表演已经深入到人们的日常生活当中，成为人们茶余饭后寻找一点精神放松和解脱的方式，虽然这两者具有很大的区别，但从根本意义上讲，两者却是互通的，是相互联系的，都是为广大观众服务的，都是想通过真实化、生活化的艺术表演来给人们快节奏的生活舒缓压力，让大家得到心情的减压，得到美的享受，只要这些表演艺术家尽自己最大的努力去进行每一个人物的塑造及刻画，就一定能成为实力派的演员，就一定能拥有更多的粉丝，能给人们带去更多的快乐和感动。
论文艺片及影视分析篇十六
戏剧与影视本来就是一脉相承的'，在其中演员都充当着三方面的作用，作为创作主体的同时还具备工具材料以及被创作对象的作用，剧本提供的人物形象的创作通过表演这个过程来进行表现，创作过程也结合了演员本人的一些个人感情与个人气质，也就是所谓的三位一体，无论是哪一种形式的表演，演员都同时充当着“创造者”“创作素材”以及“表演的最终呈现者”三个角色。
对于演员的培养来说，不管是影视还是戏剧都必须注重基本的素质训练，只有功底扎实了才能走得更远。对于技巧方面的培养来说，现在有一种类似于“无为而治”的观点，认为将生活中的人物原型搬到屏幕或舞台上来就行，不要刻意对演员进行技巧培训。虽然现在流行的一种对演员成功判读的标准很正确，即一个成功的演员创作的人物形象往往会让观众忽略了他是在演戏，并高度评价这种演员的表演水平。然而，不能说他们的演技与表演本身无关，这种说法是对演员的不尊重，而且违背了哲学原理，错把对自然的真实反映当成自然了。
在《电影表演基础研究》一书中，着名影视研究学者齐士龙先生强调了组织行动对于表演技巧的重要性。因为在表演艺术创作过程中，组织行动贯穿始终，从被动的培养到自我组织表演，最后到完整的组织人物角色扮演。
除此之外，台词的创作也不能局限于剧本，而是应该随着表演艺术创作过程的进行不断更新，融合自己的情感创作出更有感染力的台词，甚至整个作品。在表演过程中时刻记住“行动三要素”--做什么、为什么做、怎么做。而对于我们要研究的表演艺术，节奏的影响同样存在。这里的节奏即剧本本身的角色在剧情中的节奏和演员表演过程中表现出来的节奏。前者需要演员整体把握演出角色的节奏，对于后者演员在表演的时候就应该处理好表现的力度和展现角色速度的问题。因为演员在表演创作过程中表现出来的肢体语言的幅度大小、频率、快慢都是一个固有的节奏，节奏掌握得越好，表现效果也就相应地越好。
由此可见，节奏包括演员内心和肢体方面的动作强弱、持续时间等，它体现在整个表演艺术创作的全过程中。不管是戏剧还是影视艺术作品，剧本塑造的人物个性以及各角色之间的关系，和剧本叙事的进展共同构成了作品的整体节奏，体现着作品的发展速度。一个好的作品总是节奏抑扬顿挫，长短交替，动作表现强弱恰当结合，这些节奏与人物的表演共同构成了作品的有机的节奏感受。节奏可以说是一部作品的生命力的体现。
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