在我们不断前进的道路上，总结是不可或缺的一环，我们应该充分利用这个机会。避免总结过于主观和片面，要全面考虑各种因素和角度。下面是一些经典总结范文，希望能够激发您的写作灵感。
古典主义绘画论文篇一
绘画是一门以色彩为媒介，通过艺术家的手笔表达情感和思想的艺术形式。在我多年的绘画学习和实践中，我逐渐体会到绘画给我带来的种种启示与感悟。以下将从绘画与自我表达、绘画与观察力、绘画与审美能力、绘画与耐心和绘画与勇气五个方面，分享我对绘画的心得与体会。
绘画是我与自我表达的桥梁。在创作的过程中，我深刻体会到绘画可以帮助我更好地表达自己的内心世界。绘画可以通过图像、色彩和构图等方式，将那些难以言说的情感和思绪转化为具象的形式。每当我在画布上挥洒着色彩的时候，我感觉自己仿佛置身于一个自由表达的空间中，可以毫无拘束地展现自己真实的内心世界。这种自我表达的过程不仅让我感受到了艺术的力量，更加深了我对自我的认知。
绘画培养了我的观察力。在绘画的过程中，细致观察是必不可少的。我常常通过观察对象的形态、色彩和细节等来进行构图和描绘，这训练了我的观察力。绘画要求我们对事物的细微变化有敏锐的感知，从而能够准确、细致地表达出来。久而久之，我的观察力得到了很大的提高，不仅在绘画中受益，也在生活中变得更为细心而敏感。
绘画增强了我的审美能力。通过绘画，我接触到了各种各样的艺术形式和创作风格，拓宽了我的审美视野。我学会了欣赏不同类型的绘画作品，从中汲取灵感并吸收优秀的创作技巧。同时，绘画也培养了我对色彩、构图和形式美感的敏感性，使我能够更准确地对视觉感受进行评判和表达。这种审美能力的培养不仅让我更加欣赏艺术，也深刻影响了我的生活方式和品味。
绘画教会了我耐心。绘画是一项需要耐心和毅力的艺术创作过程。画布上的每一笔，每一个细节都需要用心描绘和雕琢。在这个过程中，我学会了沉下心来，专注于每一笔每一刻的绘制。绘画要求每个环节都予以精细的关注，这不仅锻炼了我的专注力，也培养了我的耐心与毅力。我逐渐明白，只有保持良好的耐心和积极的态度，才能创作出优秀的作品。
绘画教给了我勇气。创作是一个勇敢面对自我的过程。在绘画中，我常常面临对自己艺术水平的怀疑和对作品质量的担忧。然而，通过持之以恒地绘画，我逐渐克服了这些困难，培养了面对挑战的勇气。我学会了勇于尝试新的创作尝试，敢于面对失败与挫折。绘画给了我探索和突破自我的机会，让我在面对各种艰难困境时不再畏缩，而是勇往直前。
绘画不仅是一门艺术，更是一种与自我和解的过程。通过绘画，我学会了更好地表达自己，培养了观察力和审美能力，锻炼了耐心与勇气。绘画让我拥有了一种独特的创作方式和思维方式，也让我对美的追求和艺术的价值有了更深入的理解与体会。因此，我坚信，绘画将继续成为我生命中的一部分，伴随我终生的成长与进步。
古典主义绘画论文篇二
西方绘画源远流长，起源于古希腊和古罗马时期的彩陶绘画。随着历史的发展，欧洲的绘画艺术经历了文艺复兴、巴洛克、浪漫主义等多个时期的变革与发展。每个时期的绘画都有自己独特的特点和风格，反映出当时的社会文化和艺术观念。西方绘画一直受到世界范围内的高度赞誉和追捧，成为世界绘画史上的一颗明珠。
西方绘画在艺术特点和技巧上有着独特之处。首先，透视法是西方绘画中的重要技巧，通过控制线条和色彩的透视关系，使画面展现出更生动的立体感。其次，色彩运用精妙，西方绘画强调色彩的对比和光影的变化，通过色彩的运用，表现出不同的情感和氛围。此外，西方绘画还注重细节的描绘，并在人物形象、背景细节和静物构图等方面力求真实和细腻。这些艺术特点和技巧使得西方绘画成为世界绘画艺术的瑰宝。
西方绘画的艺术题材丰富多样，包括肖像画、风景画、历史画、宗教画等等。其中，肖像画以塑造人物形象为主要特点，通过画家的技巧和刻画表情、姿态等方面的突出，使人物形象栩栩如生。风景画则着重于描绘自然的壮美和人类与自然的关系，通过运用色彩和光影的变化，使画面具有强烈的观赏性和艺术性。在风格上，西方绘画包括写实主义、印象主义、表现主义等多种风格，每种风格都有其独特的艺术表现形式和艺术内涵，各有其受众和价值。
欣赏西方绘画，让我深深感受到其卓越的艺术魅力。首先，西方绘画给我展示了不同的时代和文化的艺术风貌，它们在题材和风格上的多样性令人叹为观止。其次，西方绘画通过对细节的描绘，展现出画家的造诣和独到的艺术眼光，在我欣赏中充满了对艺术创作的赞叹和敬佩。最后，欣赏西方绘画也使我感受到艺术对人情感的触动和启发，其中蕴含的思想和情感引起了我对自身内在世界的深入思考。
西方绘画给我带来了许多启示和反思。首先，艺术是跨越时空的语言，它可以不同文化和民族之间架起沟通的桥梁。其次，通过欣赏西方绘画，我深刻认识到艺术创作需要对人性和情感的敏感和理解，艺术家通过作品表达自己对世界和生活的感悟和思考。最后，欣赏西方绘画也让我发现自己对美的追求和个人审美的特点，这让我更加重视自己对艺术的理解和独特的艺术品味。
总结：绘画作为一种艺术形式，不仅代表着一种文化和时代的精神，更是对生活、情感和人性的体现。欣赏西方绘画不仅可以拓宽眼界和enrich自己的审美情趣，还可以引发对艺术和生活的深入思考。因此，我们应该珍惜这一绘画艺术宝库，从中汲取艺术的智慧和灵感，使之成为我们更加丰富多彩的人生的一部分。
古典主义绘画论文篇三
绘画创作是一种表达自我的艺术形式，通过画笔和色彩将内心感受转化为可见的艺术作品。我从小就对绘画充满了热爱，并在学习和实践中收获了许多心得体会。绘画不仅仅是一种技术，更是一种情感与灵魂的交流方式。在这篇文章中，我将分享我的绘画心得体会，希望能够给大家带来一些启示和灵感。
首先，绘画是一种自我认知和审视的过程。通过绘画，我得以更清晰地认识到自己内心的感受和情绪。当我坐下来专注于画布上的画面时，我的思绪也开始变得安静而敏感。我能够感受到各种情绪的起伏，这帮助我更好地了解自己。绘画可以成为一个内心的反射镜，帮助我深入反思和理解自己的情感状态。
其次，绘画是一种表达与沟通的方式。绘画使我能够将无法用语言表达的情感通过色彩和画笔传递给他人。每一次创作都是一次与观众的交流，我希望通过我的作品引发观者的共鸣和思考。绘画是一种纯粹而直接的艺术语言，它能够以无声的方式传达出强烈的情感和深刻的意义。我发现，即使是与陌生人，也可以通过绘画建立起一种特殊的情感连接。
第三，绘画是一种探索和创造的过程。在画布上的每一笔每一划都是一次实验和冒险。我通过不断尝试和探索，发现了许多新的技巧和风格。绘画的世界是无限的，它给予了我创造的自由和想象的空间。当我在创作中遇到困难时，我会积极思考和寻找解决办法。这种探索和创造的过程不仅仅局限于绘画本身，它也激发了我在生活中不断挑战自我的勇气和创新精神。
第四，绘画是一种乐趣和放松的途径。在我绘画的过程中，我可以完全投身于创作中，忘却时间和一切烦恼。绘画让我享受到了一种与世隔绝的宁静，那是一种只有艺术才能带来的独特的平静与快乐。绘画过程中的每一笔都是一种享受，每一个完成的作品都是对自己的一次肯定。通过绘画，我学会了欣赏生活中的美好，并将这份美好转化为自己作品中的灵感和动力。
最后，绘画是一种持续学习和成长的机会。我相信绘画是一门永无止境的学问，只有不断地学习和实践，才能不断进步。每一次的失败和挫折都是一次宝贵的经验教训，我通过吸取教训不断改进自己的技巧和风格。绘画让我保持了一种持续进取和自我超越的心态，我相信只要坚持不懈，就能够做出更多更好的作品。
绘画给了我很多，包括认识自我、表达情感、探索创造、乐趣放松和不断学习成长。作为一名绘画爱好者，我将继续热爱和坚持绘画，相信它会给予我更多的启示和意义。希望通过我的绘画心得体会，能够激励更多的人去感受绘画的魅力并发掘自己内心的艺术天赋。无论是绘画初学者还是经验丰富的艺术家，我们都可以在绘画中找到那份独特的情感和美好。
古典主义绘画论文篇四
绘画是一种富有创造力和表现力的艺术形式，通过色彩、线条和形状等因素，传达艺术家的想法和感受。作为一位热爱绘画的人，我深深意识到绘画不仅仅是一种技术，更是一种情感的释放和思想的表达。在我的绘画实践中，我体会到了绘画的乐趣、挑战以及对自我成长的推动力。在这篇文章中，我将分享我对绘画的心得体会。
第一段：起源与激情。
每个人对绘画的迷恋都是有原因的，我的热爱源于我小时候的一次亲身经历。那是在大自然中，我第一次发现了颜色和形状的奇妙。当时，我觉得自己就像置身于一个巨大的绘画中，每一幅画都是无穷的探索和发现。自那以后，我对绘画的兴趣与日俱增。绘画有一种超越文字的魔力，能够用视觉的方式传达深刻的情感和思想。这种直接的、直观的表达方式让我深深着迷。
第二段：技术与实践。
绘画是一门技巧和技术的结合。对于我来说，从掌握最基本的色彩和线条开始，到不断尝试各种不同的材料和风格，技术的提高是一个不断实践和学习的过程。我不仅参加绘画课程，还向经验丰富、技练精湛的艺术家请教。他们的指导对我绘画的发展起到了重要的推动作用。通过不断的练习，我的技术逐渐提高，我能更好地运用线条和色彩去表达我的意图。
第三段：表现与创新。
绘画是我表达自我的一种方式。通过绘画，我能够把内心深处的情感和思想呈现出来。绘画给了我一个自由创作的空间，无论是抽象的表现形式还是具象的形象描述，都能够找到适合我的方式。在表现方面，我尝试着将自己的情感融入到画作中，通过线和色彩的运用来表达我对生活、对世界的理解和感受。此外，我也不断地尝试一些新的技巧和风格，以实现自己的创新。
第四段：挑战与坚持。
尽管绘画是一种富有乐趣的活动，但它也会带来一定的挑战。在实践中，我会遇到一些技术上的困难，遇到创作上的瓶颈。然而，这些困难并没有让我灰心丧气，相反，它们成为我前进的动力。我学会了坚持，相信艺术的力量，相信自己的潜力。我不断地面对挑战，不断地寻找突破，这让我在绘画过程中找到了不断超越自我的动力。
第五段：成长与反思。
绘画对我来说不仅仅是一种爱好，更是一个成长与演变的过程。通过不断地练习、实践和探索，我发现自己的绘画技巧和创作能力在不断进步。同时，在我的绘画实践中，我也思考和反思着我自己的创作动机和目标。绘画不仅仅是一门技术，更是一种思维方式和生活态度。通过绘画，我找到了内心的平静和宁静，也培养了对艺术的敏感和洞察力。
综上所述，绘画是一种充满乐趣和挑战的艺术形式。通过不断的实践与探索，我体会到了绘画给予我的成就感和满足感。绘画不仅仅是一种技术，更是一种表达自我的方式。通过绘画，我能够传达我的情感和思想，找到属于自己的声音。绘画的过程也让我面对挑战和困难，但我学会了坚持和超越自己。绘画让我成长，让我发现自己的无限潜力。
古典主义绘画论文篇五
1820年3月的一天，在皇宫里，沙皇亚历山大一世正在大发雷霆：“应该把他流放到西伯利亚去!他弄得俄罗斯到处都是煽动性的诗，所有的青年都在背诵它们。”“这个人太放肆了，竟敢写诗咒骂皇帝，应该送他去服苦役。”一个贵族随声附和。
“陛下，他还算是个孩子呢，还不懂事，只要稍稍惩罚他一下就行了。先让他吃点苦头，将来他手中的笔也许对陛下有用呢。”宫廷诗人杰尔查为之求情。
“那好，就把他流放到南方去，没有我的允许，不准他回彼得堡。”
这个引起沙皇震怒的人到底是谁呢?他就是普希金!现代标准俄语的创始人。他奠定了俄国文学的基础，他在多种文学领域——抒情诗、叙事诗、诗剧、小说、散文、童话等都取得了杰出的成绩，为后代的作家提供了典范。所以，他被称为“俄罗斯文学之父”、“伟大的俄国人民诗人”、“俄罗斯诗歌的太陽”。
普希金出身贵族家庭，从小受到良好的文学教养。18，普希金进入贵族子弟学校皇村中学学习，年仅12岁就开始了文学创作生涯。18，在中学考试中他朗诵了自己创作的“皇村回忆”，表现出了卓越的诗歌写作才能，特别是他诗作韵文的优美和精巧得到了广泛的赞赏。在皇村中学学习时，受到当时爱国思潮和进步思想的影响，结交了一些未来的十二月党人(俄国的贵族革命家)为朋友,毕业后到彼得堡进外交部任职。在此期间写出了《自由颂》、《致恰达耶夫》等政治抒情诗，歌颂自由、进步，反对封建农奴制，抨击暴君专制，表现了开明贵族的理想。普希金的诗受到广大人民的热爱，人们秘密地传抄着，对当时的革命者曾产生过巨大影响。他因此触怒了沙皇亚历山大一世，于1820年被流放到了高加索。
普希金在南俄流放期间，创作了许多抒情诗和浪漫主义的叙事诗，如“高加索的俘虏”、“强盗兄弟”、“巴赫切莎拉伊的泪泉”等。从这一时期起，普希金诗作中前辈诗人的影响逐渐消失，完全展示了自己独特的风格。这时的普希金已被公认为当时第一流的俄罗斯诗人和19世纪20年代俄罗斯浪漫主义的、热爱自由的一代人的领袖人物。
被流放到高加索不久，沙皇又以他的无神论思想为借口，把他幽禁在他母亲的领地米哈伊夫斯克村。这期间，他创作了近百首诗歌，完成了长诗《茨冈》和历史悲剧《鲍里斯戈都诺夫》。后者描写沙皇鲍里斯戈都诺夫和冒名为皇太子的修道士格利戈里之间争夺皇位的斗争。最后格利戈里取得了胜利，贵族攫取了人民的胜利果实，人民只有以沉默反抗。高尔基认为“鲍里斯戈都诺夫是俄罗斯最好的历史剧，是普希金创作中现实主义的胜利”。
1825年，十二月党人起义失败后，沙皇为了拉拢普希金，把他赎回莫斯科，企图使他成为宫廷诗人。终因普希金的进步思想和创作活动与统治阶级利益格格不入，引起了沙皇宫廷贵族集团的仇视。1837年，在沙皇及其党羽策划的决斗中，普希金受重伤而死。临死前最后一句话是：“这个世界容不得我活下去。”
回到莫斯科以后的这段时期，普希金的创作达到了高峰，其间几乎每部作品都在俄国文学史上有着崇高的地位。1830年，普希金完成了自1823年就开始创作的长篇诗体小说《叶甫根尼·奥涅金》。这是普希金最重要的作品之一，是俄罗斯现实主义文学第一部典范作品，也是普希金由浪漫主义转向现实主义的第一部作品。主人公奥涅金代表了与作者同时代的贵族进步知识分子：厌恶纸醉金迷的上流社会的空虚无聊，不愿同流合污，却又摆脱不了偏见，找不到新的生活，只能周旋于各种复杂的`情感之中;想有所作为，却又远离人民，生活和事业最终一事无成。在这部作品中，普希金全景式地展示了当时的俄国社会，刻画了各阶层人物的心理;奥涅金的典型形象反映了十二月党人起义以前俄罗斯贵族知识分子的精神状态。小说被别林斯基称作是“俄罗斯生活的百科全书和最富于人民性的作品”，在俄罗斯文学史上有极其重要的地位。
诗人38年的短暂一生给俄国文学，也给世界文学宝库留下了丰厚的、无可替代的遗产。除800多首抒情诗以及长篇叙事诗外，普希金还有小说、戏剧及其他各种文学论著。普希金热爱生活，诗中洋溢着朝气，充满乐观。他的诗还生动地描写了俄罗斯的大自然。在他看来，“自然是一幅生动的画，充满了难言的、然而是沉默的美”。这种美，在“冬之路”等多篇短诗及长诗“叶甫根尼·奥涅金”中都有大量的展现。诗人对自然的描绘手法，也从早期的浪漫主义转为后期的现实主义。屠格涅夫称普希金“创立了我们的诗歌语言和我们的文学语言”;高尔基称他为“世界上极伟大的艺术家”，是“一切开端的开端”;别林斯基则认为他是“俄罗斯第一位诗人和艺术家”。
普希金天才的杰作，激发了多少俄罗斯音乐家的创作激情和灵感。以普希金诗篇作脚本的歌剧《叶甫根尼·奥涅金》、《鲍里斯戈都诺夫》、《黑桃皇后》、《鲁斯兰与柳德米拉》等等，无一不是伟大的音乐作品。普希金的抒情诗被谱上曲，成了脍炙人口的艺术歌曲。普希金的诗还被改编成芭蕾舞，人们通过舞者的身体语言领略到诗作的无尽魅力。
古典主义绘画论文篇六
绘画是一门能够通过色彩、线条、形状等元素表达情感和思想的艺术形式。在西方绘画中，艺术家们通过精妙的技巧和个人风格，创造出许多精彩的作品。作为观者，我深深被绘画所吸引，并从中得到了许多启发和心灵上的满足。
西方绘画的历史可以追溯到古希腊和古罗马时期。在文艺复兴时期，许多杰出的艺术家如达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗等崛起，他们开创了艺术史上的黄金时代。他们追求真实和完美，创造了许多不朽的作品，不仅影响了当时的艺术界，也对后世的艺术产生了深远的影响。
第三段：西方绘画技巧的研究。
西方绘画在技巧上相当讲究。从色彩运用到透视法的运用，都需要艺术家具备深厚的素养和扎实的基础。在观摩西方绘画作品时，我发现艺术家们常常能够运用透视法创造出立体感，使画面更加真实而生动。此外，色彩运用也是西方绘画中一个重要的技巧。艺术家能够通过色彩的运用传达情感，让观者产生强烈的共鸣。这些技巧的研究和运用，使西方绘画作品更具有吸引力和艺术性。
第四段：西方绘画的题材和风格。
西方绘画的题材多种多样，无论是风景、肖像、历史场景还是抽象等，都有丰富的表现方式。例如，印象派的艺术家们喜欢通过捕捉瞬时的光线和颜色来展现自然界的美丽。而表现主义则更加注重表达内心情感和对社会问题的关注。每一种风格都具有各自的特点和审美价值，使西方绘画更加多样化和丰富。
西方绘画不仅仅是一种艺术形式，更是一种心灵上的启迪。通过绘画作品，艺术家能够将自己的思想和情感表达出来，与观者产生共鸣。我在欣赏西方绘画作品时，常常会被作品所传达的情感所触动，从而产生对生活、对世界的更深入的思考。西方绘画给予我一种平静和安慰，它使我看到了人类的艺术创造力和对美的追求。
总结：西方绘画是一门博大精深的艺术，通过对其历史背景、技巧、题材和风格的研究和欣赏，我意识到绘画作为一门艺术形式的独特之处和无穷魅力。西方绘画的心灵启发和触动让我更加热爱艺术，并激发了我对创作的渴望和追求。通过继续学习和实践，我希望能够在绘画领域取得更多的进步，并为创造更加美好的艺术作品而努力。
古典主义绘画论文篇七
俄国文学历史尽管历经了千年，不过与欧洲其他发达国家文学相比较，其独立发展的完善的历史也只有近两百年，特别是其兴盛的历史仅有一世纪。不过俄国文学在世界文学史上的发展却突飞猛进，在其发展的过程中，出现了多种文学思潮，古典主义就是比较著名的其中之一。
古典主义是一个文学流派和创作方法，其形成在18世纪初期，在迅速发展的民族意识和理性主义思想的影响下，开始在欧洲国家普及。国家的中央集权制要求对法律进行理想的解释，才能得以确立和巩固，从而让人们尊重国家的权威，以国家权益为主，让卑微的情感听命于高尚的理智。古典主义的创作方法和文学流派应运而生。
18世纪彼得一世时期严格执行各种改革，倡导科学，简化俄文字母，出版报刊，还提倡翻译西欧著作，在俄国文学的发展中有着卓越的功勋。不过在当时，俄国文学正在古代文学迈向新的内容和形式，处于一个尚未稳定的过渡阶段，因此，产生了俄国古典主义的萌芽，逐渐出现了探讨古典主义的美学问题的理论著作。18世纪三十年代末四十年代初期，专制制度日益得到巩固，同时受到法国古典主义的影响，形成了俄国古典主义，一直持续了一个世纪。
在古典主义文学思潮下，所倡导的思想是商业资本主义和理性主义。古典主义的创作是以古希腊罗马的文学艺术为典范，因此，俄国古典主义崇尚古希腊罗马文化的艺术创作风格，排挤斥逐情感、想象及个性特点，其在一定的程度上体现了当时社会的`生活现象，包含了现实主义因素。欧洲古典主义传入俄国时，俄国文学并没有对其排斥，而是将欧洲古典主义思想与自身持有的民族意识进行融合，因此，俄国古典主义既有欧洲古典主义的特征，又有着属于自身的文学特点。
俄国古典主义继承了大部分欧洲古典主义文学的大部分特点，特别是法国文学。比如严格遵守逻辑、体裁规范，提倡理性，突显人物性格的某一特征等等。
俄国古典主义文学一开始就饱含战斗性，体现了强烈的社会激情及公民精神。俄国古典主义的第一批代表人物安季奥赫·德米特里耶维奇·康捷米尔，其并没有对古希腊罗马文化给予关注，而是将重点放在了严酷的现实本身，在他的笔下，充满了肆无忌惮的愚昧势力对安分守己的进步人士的扼压。同时他还申饬俄国文学要勇于揭露社会的弊端。
俄国古典主义文源于现实生活，揭示当时的社会状态。俄国古典主义有着很大的进步精神，其同情自食其力的劳动者，抨击不劳而获的剥削者，其将人的尊严和价值放在了阶层之上。此外，俄国古典主义文学与其之前的民间口头创作有着很大的关联，取材也多为本国历史，与法国古典主义主要取材于古希腊罗马大不相同。
古典主义兴趣和发展于法国，因此，通常认定法国古典主义是标准模式，俄国古典主义也采取了这种模式。其严格按照体裁把全部作品进行归类，同时任何一种体裁都具备自身恒定的标准。从古典主义的作品内容上来看，抽象和概括性的思想是最有价值的，而具体的和详尽性的则是没有价值的。古典主义的体裁主要有三个层面，同时也被分为三个等级，包括国家纪事题材的高级体裁、思想与追求冲突题材的中级体裁以及滑稽式的生活事件的低级体裁。高级体裁是针对特定的哲学问题或者是国家大事来表达高尚情怀的颂诗和史诗;中级体裁涉及的范围相对多一些，有悲剧、有情感与义务的斗争和“高雅”抒情诗等多种形式，比如田园诗、牧歌等等。个人情感的表现形式是暴君的横行霸道，义务的表现形式是爱国者的明德惟馨，因此，古典主义的悲剧大部分都涵盖了爱国主义，向往自由甚至是革命倾向;低级体裁主要是反映社会公民日常生活的长篇小说、寓言等等。
俄国古典主义的第一批代表人物是康捷米尔、罗蒙诺索夫、特列季亚科夫斯基。他们效仿古希腊罗马文化题材、思想、语言结构等等，与本民族的文学创作融合，对诗学和体裁进行改革。他们构建了文学体裁体系，探讨了公民道德理想和英雄主义的思想观念，繁荣了诗学文化，善于展示人的精神世界。俄国古典主义呈现了两种创作倾向，一种是揭露性，一种是颂扬性。
三.结语。
俄国古典主义文学是欧洲古典主义文学的一部分，其形成于18世纪初期，并且占据了俄国文学半个世纪的主导地位，俄国古典主义尽管效劳于王权，但却不同于法国古典主义的虚张声势，更多的反映了民族意识和坚韧的民族精神。俄国古典主义文学很大程度地促进了俄国文学的改革，赋予了俄国文学蓬勃发展的力量，是俄国文学向欧洲文学靠拢的里程碑，也为俄国文学的发展奠定了基础，使俄国成为国际上的文学大国。
古典主义绘画论文篇八
导言：
西方绘画作为世界美术史上的重要组成部分，具有悠久的历史和丰富多样的表现形式。我曾有幸在大学期间学习了西方绘画史，并亲自尝试了西方绘画的创作。通过这段学习和实践的经历，我深刻体会到西方绘画的特点和艺术价值，对此我愿意分享我的心得体会。
第一段：西方绘画的形式和技法。
西方绘画的形式和技法极为丰富多样，从传统的油画到当代的水彩、素描等各种绘画媒介都有所涉及。对我而言，最让我印象深刻的是油画的细腻表现力和立体感。油画能够通过层层上色和明暗对比，创造出更加绚丽的效果。我在创作过程中掌握了浓淡的运用、线条的运动感表现以及色彩的配合等技法，使我的作品更加生动有力。此外，西方绘画还注重透视和构图，能够巧妙地运用透视原理和构图技巧，使画面更加有深度和层次感。
第二段：西方绘画的题材和主题。
西方绘画的题材和主题丰富多样，涵盖了宗教、历史、风景、肖像等各个领域。不同的时代和地域产生出截然不同的绘画风格和题材特点。在学习西方绘画史上，我深入研究了一些著名画家和经典作品。例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了一种神秘和深邃的面孔，使人无限遐想；而毕加索的作品则以他独特的艺术语言表现了社会现实和情感世界。从这些作品中，我领悟到西方绘画情感表达的力量和多样性，也激发了我在创作中对不同题材和主题的探索。
西方绘画的审美观念深深熏陶了我对艺术的理解。其中之一是西方绘画强调对自然的观察和再现。通过对光影、色彩和线条的细致描绘，西方画家能够还原自然界的细节和美感。同时，西方绘画也注重艺术家主观感情的表达。西方绘画家们在创作中注重个人对题材的理解和情感的投入，使作品更加个性化和富于情感共鸣。这种审美观念的影响，使我在创作中注重观察现实，表达自己的情感和体验。
学习西方绘画史和实践西方绘画创作给予了我许多启发。首先，西方绘画教会了我如何更好地运用颜色和光影效果，使我的作品更加生动。其次，西方绘画的透视和构图技巧让我更加关注画面的整体效果和平衡感。此外，通过学习西方绘画的各个时期和流派，我了解了不同艺术家和风格的特点和发展脉络，提供了对各个时代的艺术发展的宏观理解。所有这些启发都让我在绘画创作中有了更为深入的思考和实践。
第五段：未来对西方绘画的思考。
西方绘画作为世界文化的瑰宝，无论是在艺术史上还是在绘画创作中，都占据着重要的地位。随着对西方绘画的研究和实践越来越深入，我对西方绘画的兴趣和热爱也日益加深。未来，我希望能够进一步学习和探索西方绘画，继续提升自己的绘画技巧和艺术修养，为艺术创作做出更多有意义的贡献。
结束语：
通过学习西方绘画史并亲身实践，我对西方绘画的形式、技法、题材和主题，以及审美观念有了更全面和深入的理解。西方绘画的多样性和艺术表现力给予了我许多启发和思考。相信在未来的创作中，我将继续秉持对西方绘画的热爱和追求，为艺术事业贡献力量。
古典主义绘画论文篇九
新古典主义，十八世纪末至十九世纪初流行于以法国为中心的西欧诸国。它的主要特征是力求恢复古希腊、罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事……关于古典主义绘画的那些事下面小编整理了更详尽的资料供大家阅读，希望大家喜欢。
继文艺复兴之后，欧洲出现了许多不同的画派，古典主义绘画就是其中影响较大的画派之一。它利用古代的艺术精神，以古希腊的雕塑和文艺复兴时期大师们的绘画为典范，塑造一种类型化的艺术形象，表达某种哲理和现实，宣传一种理想化的崇高境界，被人们称为新古典主义绘画。
新古典主义，十八世纪末至十九世纪初流行于以法国为中心的西欧诸国。它的主要特征是力求恢复古希腊、罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事，在艺术形式上，注重造型和对称、和谐的构图，追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格。在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和微妙的明暗色调。
古典主义有三种不同的艺术倾向，他们是：
以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。
以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的新古典主义。
以安格尔、布格罗为代表的追求形式完美和典范风格的学院古典主义。
普桑是法国古典主义绘画的奠基人。鉴赏普桑的`绘画，可以发现画家长期所探索的东西，大致可归纳以下几条:1、他强调绘画与雕刻都是理智的产物，因此艺术家必须是一位学者，而不是工匠。2、他认为造型艺术应和文学一样，目的在于提高人的崇高理想。3、古希腊提倡的美，是秩序、和谐、比例与规范化。
海神波塞冬是宙斯兄弟，油画《海神的凯旋》画的是海神从宙斯那里分得了海域，并把古代地方性海神涅柔斯等排挤到次要地位，得胜而归的情景。海神右手执三叉戟，左手驾着金鬃铜蹄马车，在画的左边飞驰着，画面的中央是其妻子安菲特里忒和众女神们，她们驾驶着由海豚牵引的贝形船。所有人物比较对称，构图热烈而又均衡。
达维特是法国“新古典主义”绘画的代表人物。既是古典主义领域中的开山人物，也是19世纪现实主义领域中的先锋，尤其在肖像画上。他在法国画坛上是最有艺术影响的人物，下一代著名画家中有一大半出自他的画室。代表作有：《荷拉斯兄弟的宣誓》,《马拉之死》等。
安格尔作为法国新古典主义代表达维特的学生，他恪守古典主义传统，却在不少作品上以喜欢染指浪漫主义的手法;他不问政治，一生只在肖像画上作贡献，可他始终自认是法国著名的“历史画家”。鉴赏安格尔的不同时期的作品，有助于我们剖析这位艺术家的历史地位与艺术价值。
安格尔在人物肖像上也实现了他对古典主义美的追求，高贵、雅致，甚至一种不凡的气质透溢其间，《贝尔坦肖像》最能体现这种美学品格。贝尔坦是一位精力充沛的法国报界人士。
总结：古典主义画派以古典主义原则为准绳，在艺术思想和风格上，分化出不同的派系。尽管每个时期不同画家表现出各自不同的倾向性，但在古希腊、古罗马以及文艺复兴大师身上吸取的传统精髓，却一直是古典主义绘画中永恒、崇高和典范的精神脊梁。特别是在艺术美感上追求完美，表现肃穆，崇尚典雅，创造和谐等方面，更具有十分重要的历史价值，成为整个西方绘画中令人瞩目的艺术流派。但是古典主义过于僵化的教条和呆板的形象模式，也是被后来浪漫主义所冲击的桎梏。
古典主义绘画论文篇十
摘要：随着现代社会的不断发展，科技手段的不断更新，人们的生活也变得越来越多样化。在科技发展的历史长河中，电脑可谓一项举足轻重的发明，在现代生活中，电脑已经和电视一样得到了普及，而且人们的生活已经逐渐离不开电脑，无论是平时的娱乐活动比如购物，看视频等还是一些科学研究的分子，电脑都给人们的生活带来了很大的便利。除此之外，电脑为美术以及设计领域也开辟了一片新的天地，使美术以及设计领悟也开始了新的电脑时代。电脑在美术设计领域的使用使美术艺术的表现比之以前更加具有视觉冲击力，带给了人们全新的美术欣赏的视觉体验，同时让美术艺术设计变得更加具有活力。但是在电脑美术设计与艺术的关系上，人们一定要认识清楚，电脑的使用只是为艺术锦上添花，艺术是使用电脑的指导思想。艺术具体表现出来或者是更加完美的表现出来需要电脑技术的支持和帮助。电脑美术技术和艺术形式的完美结合可能创造出更好的艺术作品。电脑的美术技术和人们所创造的艺术两者结合起来才能较为充分的表达人们所创造的艺术形式，因为某些艺术形式只考人们的手绘等等方法达不到真正的艺术效果。
关键词：电脑美术技术；艺术；结合；关系。
随着世界的发展，美也在随着时代的进步而进步，艺术也在不断的发展，趋向着带给人们更好的欣赏享受的方向。从十八世纪到现在的二十一世纪，美随着社会不断变迁。艺术的创新和存在形式对每一个时代都是具有代表性的，它代表了这个时代的审美追求和文化艺术的发展程度。在二十一世纪，艺术形式的创新则体现在电脑美术技术的产生以及电脑美术技术在艺术上的应用。电脑的出现和普及在带给人们生活翻天覆地的变化是，电脑美术技术也让二十一世纪的艺术和人们的审美发生了翻天覆地的变化。电脑美术技术弥补了人们手绘和表达程度的不足，能够较为完美的表达创作者的意图，使图画的颜色等等方面表达的更加完美。而电脑美术设计者需要多方面的能力，例如对电脑熟练掌握的能力，对艺术，色彩等等敏锐的感知以及设计能力。电脑美术设计者不仅仅要能够进行艺术创作，还要可以制造一些商业性的广告等等的美术创作。这是将人们感性的艺术感知以及电脑美术技术相结合。电脑在美术艺术上的应用一定会给人们带来全新的艺术体验。
一、电脑美术设计是技术和艺术的结合。
随着电脑的普及，为了电脑能够更好的服务于人们的生活，让电脑帮助人们走向更进一步的进步，电脑的软件等等也在不断的更新换代。电脑刚刚出现时只能进行简单的计算，发展到二十一世纪的今天，电脑已经可以帮助人们娱乐，更重要的是电脑可以帮助人们进行科学分析。对于艺术来说，电脑上美术设计软件的产生是一个进步。电脑美术设计技术与人们美的艺术进行了有机的.结合，让人们的艺术设计更加趋向于完美，使艺术设计进入了一个新的设计天地。在艺术设计中电脑的使用可以完成人们手绘达不到的一些艺术效果，一些艺术创作可能存在脑子里无法准确的表达出来，也许手绘很多次也达不到自己想象的画面或者艺术形式。所以如果利用电脑可以达到很多效果，比如，颜色的选择等，还可以做出一些特效等等将人们脑子里的艺术完美的呈现出来。除此之外，艺术虽然是要带给人们美的享受，但是也是要应用于生活实际中的，所以，在实际生活中的广告设计等等应用上，电脑提高了人们的工作效率和工作质量，电脑使美术艺术设计者的设计方法改变，甚至改变了设计思想。艺术设计是时代的产物，适应市场需求，扩散速度很快，得到了很大的发展，在人们的艺术世界中占有重要的地位。电脑在艺术上的应用很大程度上改变了人们的艺术世界。
电脑美术设计在生活中几乎无处不在，例如，广告设计，工业设计，建筑设计，动漫设计，电脑游戏设计等等。以“动漫设计”为例过去的动漫都是手绘，在人物设计和色彩应用上往往不及现在用电脑制作出的动漫。电脑所制作的动漫在细节处更加精致，背景的制作和色彩的作用也更加完美，达到手绘很难达到的效果。所以说，艺术是需要靠技术来展现的，两者是相互依存的。随着电脑软件的不断更新，电脑几乎出现在所有的设计工作中，人们也已经离不开电脑。电脑美术设计在艺术上的应用虽然时间不长，但是很明显在现代的艺术殿堂中，电脑美术技术所产生的艺术也已经有了自己的不败之地。电脑设计技术艺术不仅仅带来了具有冲击力和美感的视觉效果，同时也带了了艺术展现方式以及表达方式的变革。电脑美术设计技术所产生的作品是艺术和技术的结合。我们生活中常用的photoshop，coreldraw等图片编辑的软件为艺术设计带来了很大的便利同时也能够启发设计者的设计思路。电脑美术设计有“精，准，美，特”等优势是手绘做不到的。人们思想艺术和电脑美术技术的结合带给了人们新的视觉盛宴。
虽然现代的艺术设计几乎离不开电脑的帮助，但是设计作品的主体仍旧是人，而不是电脑，电脑只是在整个过程中起到一个辅助工具的作用。虽然电脑美术技术的作用很大，但是并不是只靠电脑就能有好的艺术作品。所以设计师在运用电脑设计的同时，自身必须有很好的设计功底和与众不同的设计想法以及对艺术的敏感触觉，同时具有很好的表现力，因为只有设计师本身有思想才能用电脑表达的更好。在设计世界中，电脑的存在给了设计很大的便利，所以对电脑能够进行熟练的艺术设计是设计师必备的技能。但是随着电脑在艺术设计世界的深入，很多设计师将提神自身的准重点放在提高个人电脑技术上，笔者认为有失偏颇。我们必须清醒的认识到设计的主体是人，设计最重要的是人的设计理念，而不是电脑美术技术。虽然电脑美术技术在艺术设计中有些很重要的地位，是很好的辅助工具，但是不能够本末倒置。设计者必须提高自己的设计素养到一定的水平，再利用电脑作为辅助工具，创造出很好的作品，但是创作的主要影响因素是创作者本身的创作素养而不是电脑美术技术。试想如果创作出的作品只靠手绘，那么作品肯定达不到我们想要的效果，但是，如果没有好的创作思想以及明确的创作思路那么作品注定是失败的。所以，在电脑美术技术和个人艺术创作素养上，是电脑技术服从于创作思想的，而创作思想的准确表达是依赖于电脑技术的。只有在真正的创作实践过程中，不断的提高自身的创作素养，同时熟练掌握电脑技术，两者完美结合才会创造出好的作品。
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古典主义绘画论文篇十一
黑格尔对艺术美有着明确的定义：美是理念的感性显现，理念相当于艺术的内容，艺术的形式就是诉诸感官的形象，而艺术要把这两方面调和成为一种自由的、统一的整体。黑格尔认为，艺术的黄金时代已经过去，在希腊和中世纪晚期，人们更注重主观理念的演化，而相比之下，现代的艺术则更加偏重理智文化。
在黑格尔的年代，也就是18世纪末至19世纪上半叶，法国大革命为整个欧洲带来了思想改变的风潮，人们开始质疑权威和传统，强调理性，并且开始朝个人主义方向发展。这个时期，人们对艺术的观念也产生了变化。艺术家们开始寻求一些新的题材来进行创作，其中历史和革命题材首次大量进入了人们的视线。此时，新古典主义画派崇尚理性的表达，追求复古的精神，重视艺术在人民中所起到的道德教育。他们所选用的题材都是比较严肃的历史题材，重视形式，倡导形式美的原则，摒弃鲜艳的用色，主张减弱画面的色彩。黑格尔美学中对艺术的内容和形式的自由统一的要求正适用于新古典主义画派的绘画风格。
法国新古典主义画派画家雅克・路易・达维特（1748―1825）的《马拉之死》描绘了法国雅各宾派革命领袖之一马拉在浴室中被杀死时的情景。我们在欣赏这幅画的时候，能够明显地发现达维特的创作并非是情感冲动，而是一种对完善过的理念的表达。他并没有百分之百地还原马拉死时的画面，而是通过精心的设计塑造出一个在生命最后一刻仍在工作的英雄，这毫无疑问地美化了革命派的形象，并且成功地体现了他所想要体现的理念―具有一种政治煽动性的效果。
同样的例子我们也可以从他早些时候的另一幅作品《贺拉斯兄弟的宣誓》中找到。这幅作品描绘了古罗马时期贺拉斯家族的三兄弟代表罗马与伊特鲁利亚的古力茨亚人为避免大型厮杀，将以三对三决斗的方式决定罗马城和阿尔贝城的归属问题的故事。画面表现了在出征前，贺拉斯三兄弟的父亲鼓舞儿子们为了大义而勇敢奋斗、不怕牺牲的场景。由于罗马人与古力茨亚人有联姻关系，旁边的三位妻子正在为自己的丈夫和家人而哭泣，与表情坚定的三兄弟相对比，整幅画面体现了强烈的戏剧效果。这幅画表面上叙述了一个历史事件，实际上联系当时法国大革命的背景，正是在提倡一种为了革命和大义而不怕牺牲自我和家庭的大无畏精神，呼吁人们加入革命的队伍，这幅画的政治作用可见一斑。无论构图方面还是在严格遵循古老的法则，三兄弟的位置和画面上方的留白比例都是经过严密设计和计算的。达维特通过这幅作品，旗帜鲜明地体现了他当时的政治理念，这正是黑格尔美学中所强调的理念和形式的完美统一。
随着1794年热月政变的结束，雅各宾派的覆灭使作为雅各宾派主要负责人之一的雅克・路易・达维特遭遇了牢狱之灾。这一巨大的人生变革使他思考起自己过去的行为和思想。出狱后的达维特看到社会的现状，丧失了对革命的信心，在这样的情绪中，他创作了《萨宾妇女》。从这幅画中，我们可以明显看到画家的心境和理念发生了巨大的转变。它表现了已经育有儿女的萨宾女子冲到战场上来阻止自己的父兄和丈夫战斗的场景，画面中心张开双臂的女子，仿佛在大声呼喊着停止战争，这正代表了达维特此刻的心情：渴望和平。这个时候，画家理念的改变使得画面的题材和表现发生了变化，即使理念发生了改变，在达维特的作品中，我们仍然能够找到画面和画家理念的统一。
进入19世纪，达维特受到为了进一步巩固自己统治的`拿破仑的邀请，进入皇宫为王室作画。他从1805年开始创作《拿破仑一世加冕大典》，这幅画是为了纪念拿破仑在182月2日于巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式。当时拿破仑极其傲慢地让罗马教皇亲自来巴黎为他加冕，并且亲自夺过王冠为自己加冕。达维特为了避免尴尬，特地将内容更改成拿破仑为皇后加冕，既突出了拿破仑作为皇帝的中心位置，同时也没有令教皇太过难堪。此时的达维特已经成为拿破仑的追随者，这幅画充分体现了拿破仑的地位和气势，也能从中看出达维特心境的转化。
黑格尔的美学思想，带有他所倡导的客观唯心主义的浓重印记。他在强调主观的第一性的同时，也强调了内心思想的规律性和内容。他的理论中所重视的内容和形式，构成了新古典主义美术所具有的几项主要特征。受到启蒙运动理性思潮的影响，人们对传统观念认知的颠覆是体现在方方面面的，随着达尔文进化论的进一步阐释，人权对神权地位的再次挑战被推向高峰。黑格尔的美学肯定了创作者本身对绘画的重要性，画面的题材和内容不再左右绘画者的创作，而是通过画家本身的自我意识和理念“再构”出来。新古典主义绘画中，我们通过达维特的作品可以深刻感受到画家本人的理念对于作品创作的重要性，画家先产生思想，然后经过系统思维转化成明确的理念，再通过选择合适的素材和绘画形式与理念形成完美统一。这种主观第一性的肯定使得题材和画家的主观能动性在革命的风潮中跃向了极高的位置，也对后来的浪漫主义和其他画派产生了一定的影响。然而，黑格尔美学过于强调主观理念的重要性，而或多或少地忽视了客观存在，在今天看来，也是有一定的局限性的。
黑格尔的美学理念在当时的社会环境下是有非常大的积极意义的。它系统地阐释了在艺术创作中理念和形式的关系，并且强调了在创作中画家作为创作者的重要性，以及对理念本身的内容也做出了一定的规范和要求。我们在达维特的作品中能够找到这种理念和形式的统一，并且通过作品也能得到与作者感同身受的情感认同。这些作品不仅仅刻画历史题材或者重大事件，而是一种意识形态和理念的完美诠释，具有重要而深刻的意义。
古典主义绘画论文篇十二
音乐的发展其实是一种文化累积的过程，音乐文化总是随着社会生产力的发展而变化。在千年漫长的中世纪，教会是音乐发展的土壤，教堂是音乐发展的圣地，在中世纪及其前期，西方音乐的发展主要是以教会的音乐为中心。在这一时期，西方音乐是以教堂音乐为主要表现形式。伴随着资本主义萌芽及资本主义生产关系在欧洲的确立与发展，欧州的音乐也逐步从宗教感情转向崇尚理性和追求人性的发展，同时，宗教音乐与世俗音乐在这种发展过程中相互影响，从而创造了巴洛克音乐的辉煌并影响了此后整个欧洲的音乐文化。
公元500年到1500年，基督教开始对西方世界干余年的文化进行彻底扫荡，基督教文化一统欧洲。为了宣扬教义，在基督教宗教仪式中用歌唱的方式赞美上帝是重要且普遍的形式，因此，在漫长的中世纪里，作为宗教圣乐的音乐有着特殊的地位，音乐完全被教会所垄断，中世纪前期的音乐也仅仅只有宗教音乐的声音。
中世纪欧洲教会音乐的发展是以格列高利圣咏作为基础的，整个西方音乐的发展与其有着密不可分的关系。这一时期的主要音乐活动，如记谱法的研究、音乐理论、复音音乐的兴起与发展等都是围绕格列高利圣咏去进行的。中世纪后期，欧洲民俗乐呈递进式发展，城市的复兴使多声部音乐逐渐发展起来，而这种发展与欧洲的资本主义萌芽是密不可分的。
在宗教圣乐笼罩下的欧洲，世俗的歌唱是伴随着城市的兴起而出现的。11世纪起，新兴的城市从欧洲封建统治相对薄弱的意大利兴起，并逐步成为新的政治、经济、文化的中心。意大利各城市共和国的经济水平远远超过了欧洲其他地区。从13世纪起，商业及航海相对发达的意大利和北欧尼德兰出现了资本主义萌芽，社会经济生活的变化直接促进欧洲各地区的民族文化的发展，并在基督教神学的笼罩下逐步积累，西欧内部文化开始高涨。文化的发展变化自然地渗透到音乐领域，艺术也由宗教寺院及封建城堡的垄断中解放出来，进入老百姓的生活中。民族音乐和世俗音乐最初出现在意大利的城市中，并逐渐在西欧普及，民族音乐及世俗音乐在不同国家以不同的形式体现出来，如：意大利牧歌、法国尚松、德国利德等。意大利牧歌原是田园诗，在14世纪时开始有音乐家为之谱曲。当时的为牧歌谱曲的意大利作曲家有乔瓦尼·达·卡夏、达·翡冷翠、弗朗切斯科·兰迪尼等。这一时期意大利的牧歌曲例是：一首诗通常有二或三个诗节，各为三行抑扬顿挫的五音步诗句，配以相同的音乐，最后是过门，配以另外的音乐。同时期，意大利还出现了狩猎曲。狩猎曲是14世纪的一种与狩猎、捕鱼或与普通生活有关的意大利诗歌，配以描绘性的活泼音乐。这个时代的民歌内容非常丰富，既采用神秘的宗教传说，也吟唱骑士的业绩，还歌唱爱情及自然景色，从而使音乐可以充分表达个人的感情，音乐与音乐家逐渐得到解放，音乐开始冲出封闭的教堂，走向更为广阔的世界。
14至16世纪，西欧各国封建社会内部先后产生了资本主义生产关系，新兴的资本主义要求为自己的发展扫清道路，成长之初的资产阶级为了在政治上取得合法地位，首先向教会神学统治和封建意识形态发起了冲击。这种冲击的直接结果是导致了欧洲的文艺复兴。
文艺复兴时代的核心是人文主义。人文主义倡导以人为中心，强调人的尊严和价值，追求现世的幸福，注重尘世的欢乐，这一切逐渐唤醒了人的灵性和潜力，它使得人们对于知识地追求将逐渐超越对于纯粹神学信仰的追求，由原来的纯宗教性逐渐向世俗性方面转化。对于现世享受的追求及对人的尊严与价值的逐渐重视，自然会影响到欧洲的音乐。文艺复兴时期的音乐尽管在体裁、创作和手法上的革新与中世纪的音乐有着一定的承继关系，但由于人文主义所追求的自由平等、关怀人性的价值取向与经院哲学的恰恰相反，因此，文艺复兴时期的音乐艺术，在形式和内容上都发生了质的变化。
首先，这一时期的世俗体裁得到了极大发展。文艺复兴时期所涌现出的大批成就卓著的音乐大师中，有相当一部分对世俗体裁有浓厚的兴趣并丰富了世俗体裁的内容。文艺复兴时代，意大利牧歌作为一种吉乐形式有了很大的发展，16世纪的牧歌歌词为自由体，最早结集出版的牧歌集于1553年问世，音乐风格由弗罗托拉歌派生而来。用这种风格写作的先有韦尔德洛、费斯塔、阿卡代尔特；继起者有维拉尔特及其门生奇普里亚诺·德·罗勒，他们在歌词的表现力和技巧手法的运用方面扩大了牧歌的范围。16世纪后半叶，意大利牧歌又有了新的奉展，它们采用模仿式复调写作，大多为五声部，歌词中建量采用描绘性词汇与象征手法，并逐步从模仿式牧歌过渡到由通奏低音伴奏的独唱；二重唱或三重唱的牧歌(即强调歌唱的戏剧性)。除牧歌外的其它世俗体裁也得到了很大的发展，欧洲音乐史上佛兰德乐派的代表人物迪费创作的主要体裁除经文歌外就是世俗的歌谣曲；若斯坎·德普雷、l·奥布雷赫特和h·伊萨克还运用意大利、德国民间歌曲的形式，使作品更加富有感染力；这些新的体裁体现了人文主义的思想感情，充满了对人性的关怀。此外，在16世纪后期，以歌唱家g·卡奇厄、作曲家蒙v·加利莱伊和业余作曲家p·斯特罗齐为代表，形成了一个自称“佛罗伦萨伙伴”的艺术小组。他们试图恢复古代音乐与戏剧、诗歌结合的形式，主张突出曲调，对位声部只作伴奏，开创了主调声乐和数字低音的风格，为音乐的形成奠定了基础，为文艺复兴音乐与近代音乐的衔接架起了桥梁。
其次，世俗的复调音乐取得了支配性的`地位。欧洲的世俗音乐起源于宗教音乐，资本主义生产关系的发展促进了世俗音乐的繁荣，宗教音乐也受到了世俗音乐和人文主义价值观的影响而产生一些变革，从而使欧洲音乐超越了对纯粹神学韵的追求，而宗教音乐与世俗音乐的融合成就了后世西方音乐的辉煌；伴随着世俗音乐的兴起，宗教复调音乐也相应发生了变革。g·p·帕莱斯特里纳的创作受到世俗风格的强烈影响，寻求复调与和声的平衡，形成宁静、明朗、清澈、和谐的新的复调风格，并开创了无伴奏合唱的先例。从14世纪开始，中世纪的单乐章弥撒曲的固定歌调题材有的取材于世俗歌曲。到16世纪，新的经文歌更重视高声部旋律的生动和节奏的流动性，它本身不再被宗教礼仪所束缚。
文艺复兴时期的音乐从精神上承载着人文主义的伟大精神，从技术上进行了巨大革新，题材上的世俗化与写实精神，音乐家承上启下的伟大建树，体现了特殊的历史特征，推动了西方音乐历史的发展。
资本主义生产关系的发展直接导致了科学技术的进步，15、16世纪工业技术及自然科学的成就给音乐艺术带来了极大的变化。
14世纪初，在意大利的资本主义萌芽也渗透到了乐器制作领域。从文艺复兴时期绘画作品中我们可以看到当时的意大利已有了分工细致的乐器作坊。乐器作坊的出现导致了乐器制作工艺的进步，从而使一些新的乐器被发现并制作出来，增加了供作曲家选择的乐器，为日后配器学的发展奠定了基础。
这一时期出现的最重要的乐器是小提琴。从16世纪后期小提琴作为一种独立的乐器开始定型。小提琴制造业兴起于意大利北部城市克里莫纳，在那里出现了最早的小提琴制造家，他们把小提琴各部分的比例确定下来。到巴洛克时期，克里莫纳已经成为全欧洲最负盛名的小提琴制作中心。伴随小提琴制造业的发展，16世纪后期意大利出现了最早的小提琴演奏家，小提琴演奏技术也随之得到了发展。
伴随手工作坊的出现，印刷术广泛应用于音乐领域。15世纪后期意大利就已结集出版经文歌及弥撒曲，1553年最早结集出版的牧歌集问世。法国出版商阿唐南·皮埃尔（约1494-1552年）采用活字印刷术出版了大量的尚松、经文歌、弥撒曲、琉特曲与管风琴曲；铜版印刷术运用于音乐领域，促进音乐的传播。英国音乐出版商托马斯（约1535-16）在16世纪末出版了同时代英国作曲家的重要作品《诗篇、十四行诗和歌曲》、《阿尔卑斯山南音乐》、《拉丁语经文歌集》以及莫利、威尔比和贝特森韵牧欹。特别是在16世纪后期，铜版印刷术应用于音乐领域，以威尼斯为中心，乐谱印刷业产生了，音乐有了更为统一的版本，得以迅速而广泛的传播。
1566年和1640年，资产阶级革命先后在尼德兰与英国爆发。资产阶级的经济实力进一步增强，为了在政治地位上取代封建贵族阶级，发起了强大的思想攻势。同一时期的意大利虽然没有爆发资产阶级革命，但其资本主义的生产关系在同时代的欧洲是最先进的。由于新兴资产阶级和带有小资产阶级性质的市民阶层的积极参与，音乐活动变得空前活跃。世俗音乐活跃的直接结果是导致了歌剧的诞生，歌剧的诞生又促进了公共剧院、音乐厅的广泛建立，随之发展的是酒馆、集市等公共场合的音乐活动也日益频繁起来，这一切又促进了乐谱出版、乐器制造业的繁荣。这些都为新时代新音乐的创作与演出提供了充足的前提条件。
世俗音乐走向繁荣的重要标志是歌剧的诞生，于16世纪末脱胎于牧歌，歌剧出现不久就取代了宗教音乐的主导地位，并从意大利蔓延到整个西方世界。
最早的歌剧出现于1600年。歌剧的诞生具有划时代的意义，它的诞生标志着巴洛克音乐时代的开始。伴随歌剧诞生而出现的是公共剧院。1637年，威尼斯向普通市民开放了圣卡西亚诺剧院，这是历史上第一家公共歌剧院，歌剧从此开始走出王公贵族的宫廷，走向普通市民。17世纪中期，威尼斯便开始进入歌剧的黄金时期。全市共有16家歌剧院全年分几个演出季节上演歌剧，一大批有才华的音乐家和剧作家为之谱曲、写作。此后，法国、英国、德国等其他欧洲国家先后建立了剧院。剧院的出现，为音乐的普及和民间音乐水平的提高起到了相当大的作用，一定程度上满足了新兴的资产阶级市民阶层对音乐的需求，使得高雅音乐不再仅仅为上层社会所垄断。
伴随城市的兴起，欧洲从14世纪出现资本主义的萌芽，欧洲人民开始走出中世纪，迈进近代社会的门槛；欧洲的社会结构，由封建主义逐渐演变为资本主义。这是欧洲历史上前所未有的社会革命。新型的社会关系使原本相互分离隔膜的人们，现在或主动或被动地进入到了共同生产生活的洪流中；原本强制性的人际关系，现在向着自觉自愿的分工协作关系转化。这种人际关系模式的转化，从根本上影响着欧洲的音乐。人性的解放，促进了人们对音乐的需求，在这场社会大变革中欧洲的世俗音乐得到了极大地发挥，单纯的牧歌演变成了牧歌剧，世俗歌谣曲也逐渐演绎成了田园剧。牧歌剧与田园剧发展的直接结果是促成了歌剧的产生。歌剧的产生真正地改变了欧洲的音乐生活，伴随歌剧而出现的剧院、音乐厅开始取代教堂成为音乐活动最重要的场所；歌剧因剧情发展的需要，重视发挥器乐伴奏的烘托作用，促进了器乐的改进与发明；歌剧这一生动活泼的新体裁后来又被教会所利用，产生了清唱剧(亦称圣剧或神剧)。音乐领域里的这一系列变化都是与资本主义生产关系的发展分不开的。
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古典主义绘画论文篇十三
这幅画展现了一位婀娜多姿的妇女形象，回眸侧脸更是惊艳一笔呀，腰间的缠绕凸显背部身姿的轻盈，画面简洁易懂。
这幅画描绘了一位正在跳舞的贵妇的背影，展现了他丰盈的身材与曼妙的舞姿，身上穿的衣服更加具体得展现是这位妇人身份的尊贵。
古典主义绘画论文篇十四
西方是交响乐的发源地。在中国还未出现交响乐时，西方交响乐已经形成，并成为一种重要的音乐形式。在20世纪初，西方交响乐出现在中国，中国才对交响乐有一定的了解。中国交响乐发展较晚，在西方交响乐形成后经历百年的发展才使中国交响乐形成。可见，中国交响乐的形成完全是受西方交响乐的影响。中国交响乐的发展，也大力推动中国其他类型的音乐发展。因此，西方交响乐间接的影响中国音乐的发展。
一、交响乐的介绍。
交响乐是指有多件乐器所演奏的具有交响性的音乐。交响乐有着非常悠久的历史，是在18世纪下半叶的西方世界中发展起来的，交响曲发展的长河经历了巴洛克时期、古典浪漫主义时期、印象主义时期。当下，交响乐已经成为代表一个国家音乐水平的重要标志，并且主要应用于国家举行重大事件或重大活动中，象征着美好、欢乐。通常交响乐是以交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五中体裁存在的，但是为突出各种乐器的特色，出现幻想曲、狂想曲、进行曲等多种曲风的交响乐。
二、西方交响乐对中国音乐的影响。
西方是交响乐的发源地，随着西方交响乐的盛行，逐渐传播到其他国家。我国就是一个非常典型的国家，受西方交响乐影响，促使具有我国特色的交响乐逐渐发展起来。西方交响乐对中国音乐影响主要体现在以下几个方面：
（一）促使中国式交响乐的形成。
我国古代的音乐是以宫廷演奏的形式存在，直到西方音乐进入中国，才打破中国这种音乐形式。西方音乐真正融入到中国音乐中是在十九世纪。当时融入中国音乐中的西方音乐主要有宗教歌咏、新式军乐、学堂乐歌等。此时，融入到中国音乐中的西方音乐并不存在交响乐，主要是以声乐为主的音乐作品。西方交响乐真正出现在中国是在20世纪初，这一时期正是清朝落寞，民国发展阶段，是以上海公共乐队为代表的中国式交响乐。1922年，上海交响乐更名/文秘站－您的专属秘书！/为上海工部局交响乐队，从此中国交响乐形成。从中国交响乐的形成来看，之所以中国会出现交响乐完全是受西方交响乐的影响。但是，在中国出现交响乐的初期，中国的交响乐带有很强的西方音乐色彩。只能说，此时是中国交响乐形成时期。
（二）推动中国交响乐发展。
在20世纪初，中国音乐多了一种新的形式，那就是交响乐。此时，交响乐正处在发展的初期。随着时间推移，中国交响乐也在不断的发展。1923年萧友梅创作了第一首中国的管弦乐曲《新霓裳羽衣舞》，但是，其不能视为交响乐。在这之后，中国进入抗日战争时期，在西方留学的一些中国留学生，将西方的交响乐引入中国。此时，才真正的推动中国交响乐的发展。其中最具代表是《义勇军进行曲》，也就是今天中国的国歌。在中华人民共和国成立时期是中国交响发展空前的高涨。这一时期中国交响乐是以小型管弦乐为主发展的，很多优美的.交响乐作品被创作出来，这些作品中体现一些中国风格，为中国特色交响乐发展产生很大的影响。
（三）形成具有中国特色的交响乐。
1978年中国改革开放，给我国带来全新面貌，为中国交响乐的发展创造良好的环境。中国交响乐也像雨后春笋一样，在我国各个地区出现，其中比较有代表性的是广州、天津、福建、西安等几大城市。中国与西方国家接触的机会越来越多，有很多西方人士来到中国，也有很多在西方的留学生回国，促使西方交响乐作品在中国出现，同时出现更多的作曲家，并积极地创作中国式的交响乐。西方交响乐作品的创作技巧、演奏技巧及乐器与中国的相融合，推动具有中国特色的交响乐形成。改革开放后，中国交响乐不仅仅在快速发展，同时还在创新，形成具有中国特色的交响乐。在此过程中交响乐经历一个探索的过程。出现的目的在于开创新型的交响乐，而这个过程存在的时间并不长。交响乐探索过程中的确创作出具有新型的交响乐，即探索性的交响乐。但是，仅有一少部分人接受探索性的交响乐。最后，探索性的交响曲消失在中国的交响乐中。中国交响乐经过百年的学习与努力，促使交响乐队、演奏、指挥、创作、听众都有很好的成长，最终形成正规的、标准的、完整的中国交响乐。
中国交响乐是经过百年曲折的发展形成的。中国能够形成非常正规的、标准的、完整的交响乐与西方交响乐是分不开的。中国交响乐的出现、发展到最终形成正规的、标准的交响乐，这一系列过程中都受西方交响乐很大的影响和熏陶。交响乐是一个国家音乐水平的体现，从中国音乐发展轨迹来看，中国交响乐未形成正规的标准形式前，中国音乐水平很低。由于西方交响乐是需要应用多种西方乐器，将其融入到中国交响乐中，不仅推动交响乐的发展，同时也提高其他中国乐器的应用，推动中国各类型音乐的发展。
古典主义绘画论文篇十五
a、在中华美学精神中，对美善统一、尽善尽美的境界追求，儒家思想起了重要作用。
b、孔子所说的“己欲立而立人，己欲达而达人”，把“爱人”放到了超过“爱已”的位置。
c、音乐（声乐和器乐）、诗（歌词）和舞都属于“乐”的内容，离开了“仁”就无法存在。
d、“乐”所表现的内容没有任何不符合善的东西，也就是达到“尽善”，“仁”就完满实现。
2、下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是。
a、第一段阐释了中华美学精神与中华传统文化，尤其是占主导地位的儒家思想的关系。
b、第二段重点论述中华美学精神善和真问题，进而把人道精神上升到爱国主义精神。
c、第三段中以“乐”为例，论述审美与文艺创造的根本目的，就是陶冶人们的情感心理。
d、文章先提出话题，再从“仁”和“乐”来论述，得出中华美学精神成于尽善尽美的结论。
3、根据原文内容，下列说法不正确的一项是。
a、儒家思想的道德境界和审美理念对中华审美文化的深远影响是超过其他各家学派的。
b、作为儒家的重要思想，“仁者爱人”是一种博大的人道精神，与“治国平天下”有联系。
c、儒家思想中的“仁”要达到一种最高的审美境界，还需要通过“乐”这类艺术来表现。
d、“尽善尽美”是“乐”所追求的境界，“乐”能引起人们最大审美愉悦时，“善”就在其中。
【答案】。
1、a。
2、b。
3、d。
古典主义绘画论文篇十六
进入到新世纪以来，国家对素质教育不断提倡，所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长，为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮，而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能，因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢？笔者认为主要有以下几个方面。
一、美术鉴赏的概况。
（一）现状。
进入新时代后，随着物质水平的提高，人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求，在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求，文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展，大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化，注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野，形成学生对美的鉴赏，作品传递的思想和表达的内涵，又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力，因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。
（二）特点。
虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立，但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面：1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点，如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程，必修课程具有内容单一的特点，适用于专业课和基础课程的学习，但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程，可以根据学生想掌握的方面进行统计，设立多种课程供学生进行多样的选择，满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏，只了解教材上相对应的作品，没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程，要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单，而是要通过对作品的鉴赏，达到自身审美素养的提高。
二、在大学教育中美术鉴赏的功能。
（一）认知功能。
作为知识认知的一种方式之一，美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野，也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化，从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇，比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏，通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道：通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知，现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时，除了上面所说的信息的认知以外，还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格，等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知，由于现在科技发展非常迅猛，很多人都在紧随着时代的步伐，人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高，然而更多的是对事物表面的认知，却将其本质忽略了。因此，加强对大学生的美术鉴赏教育，在丰富了学生业余文化的同时，也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。
（二）教育功能。
对于艺术的鉴赏，首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上，更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析，我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态，以及创作者想要表达的艺术思想。例如：对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道，在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层，由此也可以引申到画中的内容，通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况，为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用，同时也培养学生的创造力，而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此，通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间，提高思维想象力，能够更好地开拓思维，并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。
（三）审美功能。
审美是人意识的一种特殊形态，是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西，然而人的审美能力并非是天生所具有的，而是需要人们通过不断地接触事物，并在脑海中增强感知，再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性，同时，人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说，人们具有审美的功能，就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维，通过这种审美的思维，人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中，学生通过对艺术作品的鉴赏，不断地加强大学生对于审美方面的教育，不仅有利于陶冶个人秉性，促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念，更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力，也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力，进而更好地服务社会和人民，创造更多的社会价值[5]。
（一）创造性思维的培养。
我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够，这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中，人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此，在美术鉴赏课堂中，我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说：“想象是一个非常重要的东西，我们可以用想象是有形的东西变形，同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此，在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。
（二）审美能力的教育。
自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围，我们生活的世界是一个灿烂的世界，这个世界上存在着太多太多的.对比，如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力，让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中，教师通过对美术作品的讲解，拉近学生与美术家们的距离，使学生与美术作品产生一种审美关系，这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力，并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。
（三）广博知识的学习。
艺术家豪泽尔曾经说过：“有的人也许天生就是艺术家，可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程，因此，学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活，美术也一样，它们都来源于社会，并且都依附于社会而存在，因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中，教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵，这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识，还要对这些知识进行不同的更新，确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地，美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程，也是一门包罗万象的世界信息课。
（四）人格境界的提高。
审美的中心问题是情感境界问题，美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此，优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如：《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情；拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂；还有世界著名雕塑《大卫》，这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来，为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识，更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的，邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的，动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以，美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。
四、结语。
美术鉴赏是以视觉思维为主的过程，通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式，可以更加直观地来引起共鸣，加深视觉冲击效果，而且在直观事物面前，人们的想象力和代入感也会得到发挥，从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用，无论是学生还是学校，无论是家长还是各个教育机构，都应该提高对美术鉴赏的重视程度，一起进步，共同发展。
参考文献：
[3]耿振翔.浅析美术鉴赏对大学教育的影响[j].中国校外教育,2014,(30):165.
[4]欧阳启名.关于美术鉴赏课程改革的探讨[j].首都师范大学学报(社会科学版),,s3:8-10.
[5]边新灿.新一轮高考的改革对大学教育的影响[j].中国高等教育,,02:7-9.
[6]赵志红.民族高校公共美术鉴赏课现状与对策研究———以内蒙古民族大学为例[j].内蒙古民族大学学报(社会科学版),2015,(03):114-116.
[7]刘瑛,黄意涵.中国艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革初探——以长沙理工大学美术鉴赏教学为例[j].大众文艺,,(01):262.
[8]衣方丹,臧闯.美术鉴赏课在大学生素质教育中的作用[j].中国校外教育,,(30):21.
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